Человек в искусстве эпохи Возрождения

Рафаэль вырвал образ Мадонны из узкой сферы католических воззрений и претворил его в плоть и кровь. С другой стороны, в красоте человека он нашел божество.

Состояние души, уже покинувшей землю и достойной неба, есть глубокое, постоянное чувство, возвышенное, постигнувшего тайны неба, безмолвное, неизменяемое счастье, которое все заключается в словах: чувствую и знаю!

"Сикстинская Мадонна" - воплощение того идеала красоты и добра, который смутно воодушевлял народное сознание в век Рафаэля и который Рафаэль высказал до конца, раздвинув занавес, тот самый, что отделяет будничную жизнь от вдохновенной мечты, и показал этот идеал миру, всем нам и тем, кто придет после нас.

Творчество Рафаэля оказало большое влияние на развитие европейской живописи. Справедливы слова, принадлежащие другу художника Кастильоне: "окончилась его первая жизнь: его вторая жизнь - в посмертной его славе - будет продолжаться вечно в его произведениях и в том, что будут говорить ученые в его хвалу".[2, с.74]

Итальянское Возрождение дало миру прославленных мастеров, но Микеланджело Буонарроти выделяется даже среди величайших художников этой эпохи. "Микеланджело посвятил себя смолоду не только скульптуре и живописи, но и тем областям, которые либо причастны к этим искусствам, либо с ними связаны". Это - свидетельство ученика Микеланджело Асканио Кондиви. [19, с.236]

Искусство Микеланджело знаменует не только кульминацию эпохи Возрождения, но и ее завершение. Из всех крупнейших представителей Возрождения он наиболее последовательно и безоговорочно верил в великие возможности, заложенные в человеке, верил, что человек, постоянно напрягая свою волю, может выковать свой собственный образ, более цельный и яркий, чем сотворенный природой. И этот образ Микеланджело выковал в искусстве, чтобы превзойти природу. Человек был в центре внимания у всех мастеров итальянского Возрождения, но именно в искусстве Микеланджело ренессансный гуманистический идеал находит предельно яркое выражение, ибо Микеланджело выделяет в этом идеале основу, самое ценное качество - активность, действенность человека, его способность к героическому подвигу. Художника интересует только человек. Из всех видов изобразительного искусства именно скульптура, открывающая благоприятные возможности для обобщенно-героического воплощения человеческого образа привлекла наибольшее внимание Микеланджело. Выполненная на рубеже 15 и 16 столетий, "Пьета" открывает в творчестве Микеланджело период, отмеченный непоколебимой верой в торжество гуманистических идеалов Ренессанса. В "Пьете" показана тема оплакивания печали. Преодолевая гуманистическую ограниченность неоплатонизма "возрожденной" античной мысли, чтобы опереться на него как на предпосылку нового мышления, Микеланджело преодолевает неоплатонизм в синтетическом плане, приближая искусство в философии.

В тридцать лет он создает своего гиганта "Давида". Этот величественный и прекрасный юноша, исполненный отваги и силы, уверенный в своей правоте и в своем торжестве - подлинный монумент героической личности, человеку, каким он должен быть, являя собой высшее увенчание природы. Микеланджело своим искусством хотел утвердить тот идеал гражданственности, в котором он видел спасение униженной родины.

Всем своим искусством Микеланджело хочет нам показать, что самое красивое в природе - это человеческая фигура, более того, что вне ее красоты вообще не существует. И это потому, что внешняя красота есть выражение красоты духовной. И вот для возвеличивания человека во всей его духовной и физической красоте Микеланджело ставил выше всех прочих искусств скульптуру. Ведь удел искусства - довершать дело природы, утверждать красоту! А это, считал он, под стать только ваятелю. В 1508 году Юлий II предложил Микеланджело расписать потолок Сикстинской капеллы. Хотя сам Микеланджело и считал себя больше скульптором, чем живописцем, роспись эта стала самым грандиозным из его творений. Осуществленная на протяжении четырех лет в труднейших условиях, так как мастер работал один, без помощников, она была поистине титаническим подвигом. Достаточно сказать, что общая площадь росписи составляет более 600 кв. м., а число фигур достигает нескольких сотен.

Великое множество сцен и фигур сгруппировано с таким искусством, что каждый образ выступает с необычайной рельефностью, в наивысшей степени своей художественной выразительности. [22, c.52] На потолке Сикстинской капеллы Микеланджело создавал образы, в которых и по сей день мы видим высочайшее проявление человеческого гения и человеческого дерзания.

Микеланджело дали расписывать плафон, и он покрыл его титаническими образами, рожденными его воображением, мало заботясь о том, как они будут "просматриваться" снизу. Микеланджело создает как бы свой, титанический мир, который наполняет нашу душу восторгом, но в то же время смятением, ибо цель его, - решительно превзойдя природу, сотворить из человека титана. Он отнял у искусства этой эпохи безмятежность, нарушил умиротворенное рафаэлевское равновесие, отнял у человека возможность покойного любования собой. Но зато он пожелал показать человеку, каким он должен быть, каким он может стать. Исполненный высокого гуманистического пафоса мастер менее всего склонен идти на какие-либо даже внешние компромиссы с официальной церковностью.

Наличие окон в боковых стенах определило характер произведенного Микеланджело членения потолка. С помощью иллюзорно переданных живописью элементов архитектуры плафон разделен на ряд частей. Каждая композиция существует одновременно и сама по себе, и как неотъемлемая часть целого, так как все они взаимно согласованы. Каждая фигура в отдаленности и все вместе - как бы сплошной порыв, то затаенный, то разбушевавшийся, цель которого не ясна, но сила которого превышает все то, что обычно может представить себе человеческое воображение. И вот на этом плафоне - рождение первого человека, сотворение Богом Адама. Это едва ли не самая прекрасная композиция всей живописи. По бесконечному космическому пространству летит бог - отец, чтобы вдохнуть жизнь в тело Адама. В образе Адама художник воплотил идеал мужского тела, хорошо развитого, сильного и в то же время гибкого. Бог - первый художник! Подобно этому первому художнику, сотворившему первого человека, Микеланджело творит новый открывшийся его воображению грандиозный мир отваги и силы, венцом которого должен быть человек, возвеличенный его творческим пафосом.

За необыкновенное величие приходится расплачиваться беспримерным отчаянием. Опьяневший Ной - это великий речной бог, образ обессиленной мощи. Это все еще мифология. Но уже в "Потопе" миф отступает на второй план, а на первый выходит героическая тема человечества, борющегося со стихией, разбуженной божьим гневом. [1, т.2, с.19] По-новому решает Микеланджело тему в "Грехопадении", подчеркивая в своих героях чувство гордой независимости: весь облик Евы величаво прекрасный, наподобие античной богини. Но как унижена и раздавлена она в сцене изгнания из рая! Пророки и сивиллы - это титанические образы людей огромной силы страстей и яркости характеров. Мудрой сосредоточенности Иоиля противостоит апокалиптически исступленный Иезекииль. Кумская Сивилла наделена сверхчеловеческой мощью и мужественностью; Дельфийская Сивилла молода и прекрасна, весь ее облик полон вдохновенного огня. Эта дева может выдержать мир на своих плечах.

Показательно, что даже персонажи, исполненные в росписи вспомогательно-декоративные функции, наделены всей полнотой образно-эмоциональной выразительности. В росписи Микеланджело жизнеутверждающая мощь уживается с трагической безысходностью. Нет, это не светлый и беспечный мир Рафаэля. Полны тревоги и ужаса фигуры предков Христа. И все же не напрасны, не бесполезны та воля и сила, которую воспел Микеланджело на этом потолке, ибо он утверждает своей гениальностью великую надежду на лучшее, светлое будущее человеческого рода и победного утверждения своей личности в мире.

Главные произведения Микеланджело во втором десятилетии XVI века связаны с работой над гробницей папы Юлия II. Образы луврских "Пленников" - ярчайшее свидетельство того, что Микеланджело, быть может, первым из художников Возрождения осознал трагедию ренессансной Италии. Основной темой в его искусстве данного периода становится тема неразрешимого конфликта человека и враждебных ему сил. Образ победителя, сметающего на своем путь все преграды, сменяется образом героя, гибнущего в борьбе с противодействующими ему силами. Прежняя монолитность характера человека единой цели уступает место более сложному, многоплановому решению образа.

В "Пленниках" сама пластика их могучих фигур обладает такой жизненной полнотой и стихийной мощью, по сравнению с которой четкая обрисовка мускулатуры "Давида" кажется несколько условной и суховатой.

В исполненном несколько лет спустя после луврских "Пленников" "Моисее" Микеланджело возвращается к образу человека несокрушимой мощи. Скульптор создал могучий образ народного вождя, человека цельного характера и вулканической силы страстей. [22, с.184] Медленно, но неукоснительно переворачивается одна из самых блестящих страниц в истории мировой культуры. Новая эпоха пришла на смену золотой поре итальянского гуманизма. Да, Микеланджело утвердил своими образами величавую силу человеческой личности. Но такое утверждение сказалось только в искусстве, и это было трагедией, которую он, вероятно, предчувствовал.

Папа Павел III поручил Микеланджело написать на алтарной стене Сикстинской капеллы евангельскую сцену "Страшного суда".

Его ученик Вазари пишет: "Восседает Христос. Ликом грозным и непреклонным повернулся он к грешникам, проклиная их к великому ужасу Богоматери, которая, съежившись в своем плаще, слышит и видит всю эту погибель". [19, с.263]

Религиозную тему Микеланджело воплощает как человеческую трагедию космического масштаба. Хотя сама тема Страшного суда призвана воплощать торжество справедливости над злом, фреска не несет в себе утверждающей идеи - напротив, она воспринимается как образ трагической катастрофы, как воплощение идеи крушения мира. Люди, несмотря на их преувеличенно мощные тела, лишь жертвы возносящего и низвергающего их вихря. Недаром в композиции встречаются такие полные устрашающего отчаяния образы, как святой Варфоломей, держащий в руке кожу, содранную с него мучителями, на которой вместо лица святого Микеланджело изобразил в виде искаженной маски свое собственное лицо.

Итак, неудача из-за трагического противоречия между космической катастрофой, одинаково губящей всех, и человеческой личностью, являемой нам во всем блеске, во всей мощи своей неповторимой индивидуальности.

Работая над фреской "Страшный суд", Микеланджело хотел показать тщету всего земного, тленность плоти, беспомощность человека перед слепым велением судьбы. Таков, несомненно, был его основной замысел. Обреченные на гибель титаны утратили то, что всегда помогало человеку в борьбе со стихийными силами. Они утратили волю! Это предчувствие выражено искусством, которое уже явственно знаменует отход от одного из основных принципов Высокого Возрождения. Во фреске "Страшный суд" частное полностью подчинено целому, личность, как бы она ни была значительна, - людскому потоку. Искусство Микеланджело последних двух десятилетий его жизни отмечено глубокими противоречиями. То было время дальнейшего усиления реакции, искоренения остатков ренессансного свободомыслия. "Пьета" и "Распятия" - таковы наиболее характерные темы в поздней скульптуре и графике Микеланджело. Посмотрим на знаменитую "Пьету" ("Оплакивание Христа"), что в римском соборе святого Петра, изваянную Микеланджело в возрасте 25 лет. Горе матери, изображенной им совсем юной, озарено красотой ее облика и лежащего на ее коленях бездыханного тела Христа. Сознание близости конца и утрата благодатной опоры жизнерадостного гуманизма гнетут его душу.

Мыслью о смерти проникнуты последние его скульптуры, например "Пьета" (Форенция, собор), в которой жизнеутверждающая мощь прежних лет сменяется душевной болью. Герои титанического склада уступили место образам, так сказать, "человеческого масштаба", их главной чертой стала повышенная одухотворенность. Еще решительней тенденции к нарастающей образов выражены в последнем скульптурном произведении Микеланджело - в "Пьета Ронданини" (ок. 1555 -1564; Милан, Костелло Сфорцеско). Скульптор подчеркивает одиночество и обреченность; с каким усилием Богоматерь поддерживает вытянутое тело Христа, какими бесплотными, уже нереальными кажутся в своей мучительной выразительности их скорбные, прижатые друг к другу фигуры. Гипертрофированной одухотворенностью образов, преувеличенной экспрессией отдельных мотивов, общим пластическим строем это произведение в еще большей мере напрашивается на сопоставление с образами средневекового искусства, чем даже цикл поздних графических "Распятий". [22, с.94] Таков трагический финал эволюции микеланджеловской скульптуры - финал, столь далекий от ее исходного пункта. В графике Микеланджело мир образов остается тем же, что и в его скульптуре и живописи, - здесь безраздельно господствует образ сильного и прекрасного человека. Для Микеланджело весь мир концентрируется в самом человеке; все, что находится вне его, просто не входит в восприятие художника. Ни у одного живописца эта исчерпанность мира человеческим образом не была так очевидна, как у Микеланджело.

Микеланджело сделал важный шаг вперед. Он дал пример слияния в едином собирательном образе обобщенного ренессансного идеала и яркого характера - типа. Время жизни Микеланджело отмечено сильными противоречиями, нашедшими отражение в его искусстве. Но подобно тому, как на протяжении всего периода Высокого Возрождения Микеланджело находился в числе наиболее прогрессивных мастеров, так в период кризиса ренессансной культуры, в новых исторических условиях он оставался носителем непреходящих гуманистических ценностей, вызванных к жизни великой ренессансной эпохой. Творчество Микеланджело Буонарроти оказало огромное влияние на его современников и последователей. Это был последний из титанов Высокого Возрождения, который как никто другой из своих предшественников смог отразить становление, развитие и угасание гуманистических принципов Возрождения.

3.3. Кризис гуманистических идей в творчестве Тициана

Творчество Тициана замыкает вершину искусства Высокого Возрождения. Реалистическая убедительность образов; гуманистическая вере в счастье и красоту человека, широкая, гибкая и послушная замыслу мастера живопись - характерные черты его творчества.

Отличительными особенностями искусства Тициана были верность гуманистическим принципам, вера в волю человека. Тициан создает свой образный и колористический мир, где цвет является главным организующим началом. Творческий путь Тициана был долгим (он прожил 90 лет), последние десятилетия принадлежат уже Позднему Возрождению, что отразилось в настроении его последних работ, чувстве тревоги и отчаяния, воплотившихся в них.

В 1515-1520 гг. Тициан создает одно из самых глубоких своих произведений - "Динарий кесаря". Композиция произведения Тициана построена на противопоставлении двух образов - двух характеров: два лица крупно, рядом: (Христос и Фарисей. Черная рука Фарисея держит монету. Рука Христа около динария, но никогда не коснется его. Художник раскрывает благородство и возвышенную красоту Христа, с одной стороны, с другой - хищное выражение уродливого лица Фарисея.)

Тициан занимает положение ведущего художника Венецианской республики. Он пишет многочисленные портреты. Произведения Тициана этого периода отличаются чертами торжественного величия, где звучат патетические ноты.

Монументальностно и пафосом отмечена картина "Вознесение богоматери" ("Ассунта"). В картине три уровня. Нижний представляет собой группу апостолов; их фигуры находятся в движении, жесты выразительные и возбужденные, а взгляды направлены на фигуру Марии. Второй уровень - Богоматерь, возносящийся в окружении ангелов на облаках к небесам. Ее облик с влажно блестящими глазами, полуоткрытым ртом вызвал недовольство заказчиков монахов: показался слишком земным. И третий уровень - Бог - отец встречающий и благословляющий Марию. Выразительным является колорит картины, который построен на сочетании красного и синего цвета. К 1530 г. меняется характер творчества Тициана, он переходит от больших алтарных картин, от эффектного пафоса к реалистическому изображению действительности. И религиозные и мифологические сюжеты решаются как реальные жизненные сцены. Композиции Тициана проникнуты движением и охвачены пространством. Огромное полотно "Введение во Храм" включает разнообразные по своему характеру, яркие декоративные сцены. Евангельская легенда - вход девочки Марии во Храм, где ее встречают первосвященники,- сочетается с красочным, многолюдным зрелищем. В этот же период создается картина "Лежащая Венера", в которой Тициан создает свой тип красоты. Эта прекрасная земная женщина, изображенная в дворцовом интерьере. Облокотившись на подушку, нагая Венера смотрит на зрителя. Художник средствами тончайшей красотой лепки передал теплоту и бархатистость кожи, тончайшие оттенки.

Совершенны четыре варианта "Данаи". По словам Делакруа, Тициан был художником, постигшим дух античного искусства во всей его гармонии и целостности. В своей "Данае" художник просматривает великое чувство человека - любовь. Даная - женщина в ожидании встречи с любимым. Обнаженное тело Данаи написано прозрачно, золотистыми тонами, сочетающимися с голубовато-кремовой простыней и бледно-красным занавесом. Тициан писал в портретном жанре. Он является одним из основателей парадного портрета, складывавшегося в Европе. В своих произведениях художник всегда стремился передать индивидуальность и внутренний мир человека. В своих портретах Тициан центр тяжести переносит на лицо и руки. Так, в "Портрете молодого человека" перед нами необычайно серьезное и строгое, с тонкими чертами лицо, обращенное к кому-то, находящемуся вне пределов картины. Обнажив голову, он держит в правой руке, черный берет с пряжкой.

Портреты, созданные Тицианом, бесконечно разнообразны по живописной трактовке, неисчерпаемости колористических средств возрождения. Последний период творчества Тициана связан с эпохой Позднего Возрождения. В произведениях Тициана начинает звучать тревога и разочарование. Он обращается к драматическим, религиозным сюжетам: "Кающаяся Магдалена", "Мучения святого Лаврентия", "Венчание тернием", "Святой Себастьян". В этот же период меняется характер его живописи. Он пишет широко и свободно, из этого сплетения свободных и красочных мазков возникают предметы и фигуры, утрачивающие свою изолированность, становящиеся органической частью окружающего мира, обладающего внутренней динамикой. Так в "Кающейся Марии Магдалины" поражает гармония внутреннего состояния и форма выражения цветовой лепкой головы и рук, всех художественных средств, передающих глубокое эмоциональное настроение.

"Святой Себастьян" - образ мученика, пригвожденного к столбу стрелами и отдающего жизнь за веру, Тициан создал мощную атлетическую фигуру умирающего Себастьяна, полную героической патетики. Одной из последних работ Тициана является "Автопортрет". Художник изобразил строгий профиль своего худого удлиненного лица. Одухотворенный облик великого живописца, проложившего пути искусству будущего.

Таким образом, говоря о творчестве Тициана, можно отметить ростки начинающегося кризиса гуманистических идеалов всего искусства Высокого Возрождения.

Заключение

В дипломной работе были обозначены лишь некоторые гуманисты и художники эпохи итальянского Возрождения, чтобы всех отметить, не хватило бы и нескольких работ. Однако достаточно ознакомиться с такими титанами того времени, как Джотто, Леонардо, Рафаэль, Микеланджело и Тициан, чтобы воссоздать достаточно полную картину искусства Ренессанса. Художники эпохи Возрождения своим прекрасным творчеством участвовали в разрушении тех пут, которые связывали разум и волю людей в темные столетия средневековья, и утверждали величие человека. Это была эпоха титанов, которая нуждалась в титанах и которая породила титанов по силе мысли, страсти и характеру, по многосторонности и учености. Бывают и другие эпохи, когда людей волнуют иные страсти, когда они требуют меньше возвышенных развлечений и часто находят удовольствие в занятиях, приносящих только материальные результаты. И хотя человечеству нередко приходится переживать эти бесплодные эпохи, но источник вдохновения никогда не истощается полностью. Так, Тициан пережил Рафаэля, родившегося при его жизни; царство великих флорентинцев сменилось царством великих венецианцев, а полвека спустя появляется дивный Рубенс, освещая, подобно маяку, путь многим блестящим деятелям, сочетавшим оригинальность с верностью традициям. Когда же Италия, породившая четыре века тому назад столько замечательных талантов, погрузилась в глубокий сон... тогда на смену ее гениям приходят испанцы и голландцы - Эжен Делакруа. [19; c. 319]

В работе я постаралась показать общее значение итальянского Возрождения для мирового искусства, которое и в наши дни не теряет своей актуальности; нравственные, этические идеи, которые провозглашали итальянские гуманисты в эпоху Возрождения, не изменили своего содержания и сейчас. Я стремилась проанализировать образ человека в изобразительном искусстве Италии, выдвинула положение о том, что идеи гуманизма были воплощены итальянскими художниками на своих полотнах и подняты на небывалую высоту, передавая в этих образах все возвышенные чувства, все благородство души.

Таким образом, итальянское Возрождение, да и в целом вся эпоха Возрождения, означала огромный сдвиг в мировом искусстве, который не смог сделать ни одна из последующих эпох. Человек, вставший в центр этого искусства, по-новому научился понимать окружающий мир.

Литература

1. Арган Дис. К. История итальянского искусства Пер. с ит. В 2т. Под науч. ред. В.Д. Даисиной - М,: Радуга, 1990.-319с. ил. 96л.

2. Берестовская Д.С. Художественная культура эпохи Возрождения. - Симф., 2002.- 143 с.

3. Брагина Л.М. Итальянский гуманизм - М.: Высш. Школа, 1977.- 252 с.

4. Буркхард Я. Культура Италии в эпоху Возрождения.

5. Быстрова А.Н. Мир культуры: (основы культурологии) - М.: Новосибирск: ЮКЭА, 2002.- 710с.

6. Вазари Дис. Жизнеописание наиболее знаменитых живописцев, Ваятелей и зодчих. Пер. и комент. А.И. Венедиктова, т. I - М.: Искусство, 1936г. -486с.

7. Вельфмин Г. Искусство Италии и Германии эпохи Ренессанса

8. Верман История искусств всех времен и народов. Т.2 - искусство народов Европы до конца 15 в.

9. Всеобщая история искусств. Искусство эпохи Возрождения. - М.: Искусство, 1962.-531 с.

10. Гиберти Л. Commentarii: Записки об итальянском искусстве.- М.: Изогиз, 1938.- 103с.

11. Гуковский М.А. Итальянское Возрождение. - Л.: ЛГУ, 1990.-618 с.

12. Гуковский М.А. Леонардо да Винчи. Творческая биография. - М.: Искусство, 1958.-171 с.

13. Искусство Италии. Средняя Италия в период Высокого Возрождения. Изд. 2-е- М.: Искусство, 1974.- 213с.

14. Искусство: Живопись Скульптура Архитектура Графика ч.1 Древний мир средние века Эпохи Возрождения - М.: Просвещение, 1987.- 288с.

15. История зарубежного искусства / под ред. М.Т. Кузьминой, Н.Л. Мальцевой.- М.: 1980

16. Каган М.С. Системный подход и гуманитарное знание: Избр. ст. / ЛГУ.- Л.: Издательство ЛГУ, 1991 - 383с.

17. Кольпинский Ю.Д. Искусство Венеции 16в.

18. Леонардо да Винчи. Микеланджело. Рафаэль Рембранд. Александр Иванов - Челябинск. М.:Урал,- 1993.- 464с.

19. Любимов Л. Искусство Западной Европы: Средние века. Возрождение в Италии. - М.: Просвещение, 1982.- 320 с.

20. Мастера искусства об искусстве: Избранные отрывки из писем

21. Очерки истории искусства - М.: Сов художник, 1987.- 436с.

22. Ротсимберг Е.И. Искусство Италии 16-17в. - М.: Советский художник, 1989.- 224с.

23. Тихомиров И.Н. Искусство Итальянского Возрождения.- М.: Академия художеств СССР, 1963

24. Федорова Е.В. Знаменитые города Италии: Рим. Флоренция. Венеция.

25. Человек в культуре Возрождения.- М.: Наука, 2001.- 272с.

26. Шестаков В.П. Гармония как эстетическая категория. - М., 1973.- с.101

Приложение 1

Оплакивание Христа.

Джотто ди Бондоне

Фреска

В "Оплакивании Христа" фигура Святого Иоанна представляет собой замкнутый пластически объём. Голова и руки святого как бы противопоставляются единому объёму тела. Ниспадающие Складки плаща лишь подчёркивают, но не повторяют жест отчаяния широко раскинутых, отведённых назад рук, а настроение скорби и смирения находит своё высшее выражение в устремлённом к Христу лице, в напряжённом взгляде святого. В композиции "Оплакивания Христа" ученики Христа и женщины глубоким неотрывным взглядом, с какой-то улыбкой боли, в последний раз всматриваются в лицо умершего; горестная торжественность минуты оттеняется подобными изваяниям скорби задрапированными фигурами первого плана, повёрнутыми к зрителю спиной.

Приложение 2

Поцелуй Иуды

Джотто ди Бондоне

1303-1306 гг.

Фреска Капеллы дель Арена в Падуе.

В центре композиции, среди угрожающе взметнувшихся копий и факелов, он помещает два профиля - Христа и Иуды, они близко - близко смотрят друг другу в глаза. Чувствуется, что Христос до дна проникает в в тёмную душу предателя и читает в ней как в открытой книге, - а того страшит непоколебимое спокойствие взора Христа. Это едва ли не первое и едва ли не лучшее в истории искусства изображение безмолвного поединка взглядов - труднейшее для живописца. Джотто любил и умел передавать молчаливые, многозначительные паузы, мгновения, когда поток внутренней жизни как бы останавливается, достигнув высшей кульминации.

Приложение 3

МАДОННА С ЦВЕТКОМ

Живопись Леонардо Да Винчи - одно из ярчайших явлений искусства Высокого Возрождения. В его картинах впервые в полную силу выразились гуманистические идеалы эпохи, провозгласившей человека мерой всех вещей. " Мадонна с цветком" относится к числу самых ранних произведений Леонардо, но уже в этом полотне проявилось присущее эпохе Ренессанса новое видение мира. Изображение Марии и младенца, играющих с цветком, встречается в искусстве XV века нередко. Но Леонардо впервые решил эту тему в чисто человеческом аспекте. В позах Богоматери и Христа отсутствуют скованность и условная торжественность, подчёркивавшие в произведениях средневековых мастеров философско - символический смысл сцены. Пластический центр композиции - цветок, вокруг которого сплелись три руки: к нему обращены взгляды матери и ребёнка, к нему сходятся все основные линии. Внимание участников сцены, равно как и зрителей, не отвлекает ничто постороннее ( не случайно в окне на заднем плане отсутствует традиционный в иконографии сюжета пейзаж ). Благодаря тончайшей моделировке светотени, сфумато. Леонардо сплавливает все элементы изображения: и фигуры персонажей и фон - в единую пространственную структуру. "Мадонна с цветком" отличается простотой и жизненностью. В то же время, при всей предельной конкретности созданный Леонардо образ идеально совершенен, выражает представления художника о счастье материнс

Приложение 4

Тайная Вечеря

Леонардо да Винчи

Многих ученых историков и искусствоведов «Тайная вечеря» Леонардо да Винчи является величайшим произведением мирового искусства. В «Коде да Винчи» Дэн Браун фокусирует внимание читателей на некоторых символических элементах этой картины в те минуты, когда Софи Невё, находясь в доме Ли Тибинга, узнает о том, что Леонардо мог зашифровать в своем шедевре некий великий секрет.

«Тайная вечеря» -- фреска, выполненная на стене трапезной монастыря Санта Мария делла Грацие в Милане. Еще в эпоху самого Леонардо она считалась его самой лучшей и знаменитой работой. Фреска была создана между 1495 и 1497 годами, но уже в течение первых двадцати лет своего существования, как явствует из письменных свидетельств тех лет, начала портиться. Ее размеры -- приблизительно 15 на 29 футов. Фреска была написана толстым слоем яичной темперы на сухой штукатурке. Под главным слоем краски находится грубый композиционный набросок, этюд, начертанный красным, в манере, предваряющей обычное использование картона. Это своего рода подготовительный инструмент.