Современное искусство в музеях и галереях Европы и США

Размещено на http://www.allbest.ru/

Государственное образовательное учреждение высшего профессионального образования

Ярославский государственный университет им. П.Г. Демидова

Реферат

Современное искусство в музеях и галереях Европы и США

Преподаватель:

Кольцов М.В.

Студентка:

Носкова Т. Н

Ярославль - 2014



План

Введение

Центр Жоржа Помпиду в Париже

Тейт Модерн

Пинакотека Современности

Центр искусств королевы Софии в Мадриде

Национальная галерея современного искусства в Риме

Метрополитен-музей

Музей современного искусства в Нью-Йорке

Музей С. Гуггенхайма в Нью-Йорке

Список использованной литературы



Введение

Уже несколько десятилетий на страницах многочисленных изданий ведутся бурные дискуссии о постмодернизме -- о сути этого феномена, о времени и месте его появления, о причинах, его породивших, о его соотношении с модернизмом. По многим из этих вопросов среди участников дискуссий отсутствует единство мнений. Тем не менее, сложились в некоторой степени устойчивые характеристики этого явления, выделился некий ряд влиятельных теоретиков постмодернизма, накопился соответствующий багаж текстов, в которых анализируется постмодернистская ситуация. Понятия «постмодернизм», «постмодерн», «постмодернистский» многозначны, они используются и для обозначения своеобразного направления в современном искусстве, и для характеристики определенных тенденций в политике, религии, этике, образе жизни, мировосприятии, но так же и для периодизации культуры и обозначения соответствующей концепции, которая вызвана необходимостью корреляции появляющихся новаций в культуре, порождаемых изменениями в общественной жизни и экономических структурах, -- всем тем, что часто называется модернизацией, постиндустриальным, посттехнотронным или потребительским обществом.

Большинство исследователей этого феномена склоняются к тому, что постмодернизм возникает сначала в русле художественной культуры (литературы, архитектуры), однако очень скоро они начинают видеть его проявления и в других сферах: философии, политике, религии, науке -- тем самым он становится определяющим для целого этапа в развитии культуры. Итак, постмодернизм, в сущности, означает многомерное теоретическое отражение духовного поворота в самосознании западной цивилизации, особенно в сфере искусства и философии. Через осмысление всех проблем постмодернизма с необходимостью проходит идея преемственности культурного развития, трактуемая как весьма сложный процесс, прежде всего лишенный линейности. В культурном постмодерне выполняется характерная для XX века смысловая структура множественности. Во всех сферах своего проявления, осмысливая опыт предшествующего развития человечества, возвращаясь к истокам и основаниям, усматривая в пройденном пути не только ошибки и заблуждения, постмодернизм готов увидеть через прошлое и настоящее то, что должно сформироваться в будущем, и тем самым ищет пути к самоспасению и самосохранению человечества

Постмодернистское мировоззрение и мироощущение нашли свое наглядное воплощение в художественном творчестве. С одной стороны, искусство оказалось генератором многих постмодернистских идей, с другой -- оно стало формой кодирования, трансляции и манифестации этих идей.

Понять тенденции современного, постмодернистского искусства можно лишь в контексте искусства модернизма, которое сегодня уже стало историей. Работы П. Пикассо, В. Кандинского, М. Пруста не только не считаются теперь дикими и отвратительными -- они стали классикой. Очевидно, водораздел между модернизмом и постмодернизмом в искусстве обозначился где-то в конце 1960-х -- начале 1970-х годов (провести его можно лишь весьма условно, ибо творчество многих художников не вмещается в эти хронологические рамки, среди которых А. Арто, Б. Виан, Д. Джойс, В. Набоков и многие другие), когда искусство модернизма стало признанным и преподаваемым в университетах. Большинство разновидностей теоретических подходов и художественных практик постмодернизма можно рассматривать как специфическую реакцию на устоявшиеся формы модернизма. Вместе с тем многие черты художественного творчества, занимающие периферийное место в модернизме, стали в постмодернизме господствующими.

Различают несколько этапов развития постмодернистского искусства. Первая фаза отсчитывается с 1960-х годов: время появления постмодернистского искусства в США. Эта фаза развития характеризуется борьбой против стереотипов высокого модернизма, стремлением преодолеть различие между элитарным и массовым искусством. Особенно характерны для этого этапа молодежные движения, проводившие антивоенные акции, стремящиеся к карнавализации повседневной жизни, и прижившийся в Америке, но пришедший из Европы поп-арт.

Постмодерн, считают, начался с поп-арта. Поп-арт возник в Англии в 1955 году, однако не получил там широкого распространения. Только в 1960-х годах, после перенесения на почву США это направление в искусстве захватило господствующее положение в культуре. Американский теоретик искусства М. Амайя в своей книге «Поп-арт и после него» провозглашал это направление «сверхреализмом» и причислял его к высшим элементам культуры. Превосходство поп-арта над искусством традиционного реализма заключается в том, что «художник видит теперь свой предмет отключенным, отделенным от его непосредственного окружения, вещью для себя, самим по себе, подобным символу тотема». Искусство поп-арта делят на две стадии: поп-арт I («сборный») и поп-арт II («комбинирующий»). Поп-арт сборный использует предметы готовые, т. е. выдает за предметы искусства любые найденные (собранные) художником готовые предметы. Поп-арт II обладает живописными качествами. Поделки этого поп-арта производятся, точнее компилируются, художниками-модернистами из кусков афиш и репродукций, открыток, картинок из журналов, кусков рекламы и т.п., наклеиваемых или отпечатываемых на полотне, иногда в сочетании с рисованными деталями и цветочными пятнами. Роберт Раушенберг (род. в Америке) признан «отцом» поп-арта, творчеству которого посвятил свою докторскую диссертацию западногерманский теоретик искусства Вольфганг Цемтер. Поставщиком «сенсации» стала венецианская выставка «Биеннале». Именно там была показана необычная скульптура: в выставочном зале на специально сконструированных подставках сидели живые люди -- старик и старуха. Около каждой из этих живых скульптур была приделана табличка, на которой были написаны имя и фамилия, год рождения этих живых «произведений искусства», перечислены болезни и удары судьбы, наложившие на них неизгладимый отпечаток.

Характерным явлением этого периода может быть своеобразное направление в поп-культуре -- граффити -- настенные надписи и рисунки, возникшее в молодежном движении 1960-х годов во Франции, но получившее наибольшее развитие лишь весной 1972 года в США. Этот феномен городской культуры, несущий в себе пласт архаических значений и смыслов, заявил о себе несколько позже и в России

Разброс в оценках этого феномена культуры довольно велик. Одни рассматривают граффити как образец важного и характерного явления в популярном искусстве 70-х, создаваемом молодежью, другие пытаются интерпретировать их в терминах борьбы за восстановление нонконформизма.

На этом этапе возрастающий интерес к новым технологиям -- видео, компьютерам -- способствовал их применению в сфере создания новых форм художественного творчества. Как в свое время возникший в начале века кинематограф обеспокоил многих теоретиков искусства, так и новая ситуация стала объектом рефлексии, поскольку в тотальном наступлении техники увидели угрозу разнообразию, множественности. Однако действительность подсказала новые неожиданные возможности сочетания традиционных форм художественной деятельности и достижений техники, начиная с телевидения и кончая компьютеризованными интерактивными технологиями.

Второй этап развития постмодернистского искусства связан с его распространением в 1970-е годы в Европе. Отличительными особенностями этого периода являются эклектизм и плюрализм. Ключевой фигурой становится У. Эко, будучи не только теоретиком, но и практиком постмодернистского искусства. Его известные романы «Имя Розы», «Маятник Фуко», «Остров Накануне» стали классическими образцами постмодернистской литературы. Так, последний роман, как, впрочем, и предыдущие, содержит множество цитат: в нем смонтированы куски научных и художественных текстов из произведений авторов в основном XVII века; широко используются сюжеты живописных полотен от Д. Веласкеса до Н. Пуссена, П. Гогена и др.

Третья фаза развития постмодернистского искусства началась в конце 1970-х годов и знаменует собой эру «постмодернистского классицизма». Этот период ознаменован распространением постмодернизма в странах Восточной Европы и в России. Для него характерны тяготение к эпичности, метафизике, монументальности, интерес к классической античности и Ренессансу.

Итак, искусство в постмодернистской ситуации принципиально неоднородно. Оно представляет собой целый спектр инноваций и повторений, происходит возникновение новых и одновременно распад старых, традиционных искусств, или же они подвергаются существенной трансформации. Эти параллельные процессы -- зарождение новых художественных форм и распад старых в современном искусстве -- неразличимы. В искусстве второй половины ХХ века происходят нарушение целостности, единства художественного феномена, размывание его границ, радикальная дезинтеграция самой изобразительной системы -- все это свидетельства небывалой по глубине и масштабам трансформации представления.

Как тип чувствования, как особое умозрение в красках постмодернизм нашел свою манифестацию в искусстве живописного авангарда, а в нашей стране в искусстве андеграунда, второй культуры, которые оказались вполне эффективным способом деконструкции стереотипов прошлого и плодотворной манифестацией плюралистичности современного мышления.



Центр Жоржа Помпиду

Центр Жоржа Помпиду, открытый в 1977 году, добился совершенства, которое достижимо далеко не для каждого музея. Центр Помпиду не только процветает, он еще и является местом, где искусство «уходит в массы» и просто-таки поглощается публикой, а не стоит в стороне, холодное и недоступное. Зайти в Центр Помпиду - значит попасть в огромный мир архитектурного любопытства, неудержимой фантазии.

В центре Жоржа Помпиду находится:

1. Национальный музей современного искусства

Здесь хранится постоянная коллекция из более чем 1300 работ таких гигантов 20-го века, как Кандинский, Пикассо, Модильяни, Матисс, Миро. Временные выставки обычно весьма прогрессивны. Так, в последние годы здесь выставлялись Нан Голдин, Ив Кляйн, Софи Калле.

Сегодня в Музее современного искусства (Musйe National d'Art Moderne) находится одна из самых впечатляющих коллекций искусства 20 века. Почти 50 тысяч экспонатов: полотна, скульптуры, архитектурные проекты. Два этажа музея рассказывают увлекательную историю популярных в прошлом веке движений: от кубизма, сюрреализма - до поп-арта и еще дальше. А временные коллекции, которые бывают частыми гостями Музея современного искусства, практически каждый раз становятся настоящей сенсацией в мире прекрасного.

Что можно увидеть в Музее современного искусства Центра Помпиду

В Музее современного искусства можно отыскать работы, созданные, начиная с 1905 года -- до современности. На нижнем этаже музея (4 этаж Центра Помпиду) размещены работы 1960--2012 годов, на верхнем (этажом выше) - 1905--1960 гг. Всего насчитывается порядка 40 залов и галерей.

1905--1960

§ Фовизм (Матисс, Дерен. Энергия, страсть, выразительность цвета и упрощенность форм).

§ Кубизм (Пикассо, Брак. Переосмысление традиционных концепций, «геометризованность», условность форм).

§ Дадаизм (Арп, Эрнст. Реакция на ужасы Первой мировой, последовательное разрушение эстетики в искусстве. «Лозунг» дадаистов -- «Не представлять собой ничего, ничего, ничего, не достигать ничего, ничего, ничего»).

§ Экспрессионизм (Модильяни, Кандинский. Выражений эмоций художника, реакция на сложности жизни и «темную сторону» капиталистических реалий того времени).

§ Баухаус и функционализм (Ле Корбюзье, Оуд. Направление в архитектуре, требующее от зданий полного подчинения тем процессам, которые в них будут протекать).

§ Сюрреализм (Дали, Миро. Аллюзии, абсурд и парадоксальность в искусстве. Пожалуй, картина Магритта «Сидящая фигура», изображающая стоящего - лучшая демонстрация принципа этого направления).

§ Скульптуры Бранкузи и Матисса завершают это путешествие.

1960--2012

§ Поп-арт (Э.Уорхолл. «Культурные иконы», коммерческое искусство).

§ Новый реализм и прочие направления, экспериментальные скульптура, архитектура и дизайн.

Постоянная коллекция Музея современного искусства

Постоянная выставка размещена на 4 и 5 уровнях Центра Помпиду

Временные выставки

Временные выставки в Музей современного искусства в Париже отбираются по принципу влиятельности экспонатов с точки зрения актуальных концепций. Часто такие выставки носят междисциплинарный характер, «размывая» границы между разными видами деятельности.

В последнее время много внимания уделялось авангарду, а также - трудам отдельных художников, например, Ива Кляйна.

2. Кинотеатры и театры Центра Помпиду

На втором этаже Центра Помпиду есть два кинотеатра, программа которых в основном состоит из ретроспективы определенных режиссеров и периодов в кинематографе. Здесь можно увидеть лучшее из Мартина Скорсезе и Жан-Люка Годара, а также расширить свои познания благодаря тематическим экскурсиям.

3. Своеобразный театр Atelier Brancusi

Размещенное в подвальном помещении, это пространство для представлений, необычных экскурсий и нестандартных выставок, а также конференций.

4. Библиотека Центра Помпиду

Три великолепных этажа, доверху забитых книгами, журналами, газетами и видеоматериалами на нескольких языках, открыты для посетителей совершенно бесплатно. На втором этаже библиотеки можно посмотреть телепрограммы производства разных стран мира. Здесь хранится обширная мельтимедиа-коллекция.

Тейт Модерн

Размещённая в здании бывшей гидроэлектростанции, популярная лондонская галерея Тейт-Модерн содержит коллекции 20 века и современного искусства со всего мира. В выставочных залах можно увидеть произведения Пикассо, Матисса, Сезанна, Поллока, Ротко, Уорхола и многих других, причём картины сгруппированы скорее тематически, чем хронологически или по принадлежности кисти какого-то одного художника. Само здание с двумя верхними этажами, покрытыми стеклом и ярко освещённое ночью является примечательным и волнующим зрелищем, особенно, если смотреть на него с противоположного берега Темзы.

Лондонская галерея Тейт -- одно из наиболее интересных мировых собраний живописи и графики, включающее не только богатейшую коллекцию памятников английского искусства XVI --XX вв., но и коллекции произведений западноевропейского искусства конца XIX --XX вв., по преимуществу, французского.

Сравнительно недавно было образовано новое «отделение» галереи, так называемая галерея Тейт-Модерн; со дня ее открытия галерею стали подразделять на «новую» -- Тейт-Модерн -- и «старую» -- собственно галерею Тейт. Здание «старой» галереи Тейт было построено в 1897 г. на средства крупного сахарозаводчика, сэра Генри Тейта. Этому влиятельному промышленнику принадлежала большая коллекция картин английских мастеров, которая и легла в основу собрания галереи Тейт. В 1910 г. к зданию, вмещавшему основные залы галереи Тейт, было пристроено новое крыло, помещения которого предназначались для экспозиции произведений У. Тернера.

Уже в год своего возведения галерея открылась для посещения публики, причем Тейту была оказана немалая честь -- церемонию открытия провел сын королевы Виктории принц Уэльский. В последующие 100 лет собрания галереи пополнялись в основном произведениями современных художников, причем не только английских, и до последнего времени галерея Тейт представляла собой весьма своеобразное сочетание классической галереи и музея современного искусства: левое ее крыло было посвящено английскому искусству, а правое -- мировому искусству XX века. Среди шедевров этой лондонской галереи можно назвать полотна Уильяма Хогарта. В работах этого художника чувствуется уверенное мастерство и тонкая интуиция, сочетающиеся со своеобразным мировоззрением. Так, в картине «Свадебный танец» цвета создают праздничную атмосферу интерьера, причудливую игру холодного света луны, льющегося через раскрытое окно, и теплого, мягкого света канделябров, и в то же время виртуозная кисть художника намечает силуэты танцующих, столь выразительные, что они кажутся гротескными.

Образы жанровых картин Хогарта отличаются мрачными, порой даже зловещими интонациями. В этих полотнах, как нигде, видно противоречие между красотой живописи и отталкивающим уродством изображенных человеческих поступков. Особенно хорошо это показано в серии картин «Выборы в парламент», ставшей политической сатирой на выборы в Оксфорде. Мягкость цветового решения, плавные переходы тона, пластика и точное воспроизведение фактуры каждого предмета, великолепная прорисовка деталей резко контрастируют с образами людей, которые предстают на полотнах беззастенчивыми обманщиками, ворами, глупцами и обжорами.

При создании портретов Хогарт, как правило, отступал от традиции, возникшей в английской портретной живописи со времен Ван Дейка: он никогда не прибегал к помощи учеников. Портреты кисти Хогарта изображают, как правило, его близких друзей и людей из его окружения. Лица людей на этих полотнах полны не только простого сходства, но и схвачены как бы в момент живой беседы, раскрывающей характер человека. Таков портрет Элизабет Солтер, датированный 1741 г.

Но особенно удавались Хогарту образы детей. Эти картины отмечены редкой выразительностью, симпатией к ребенку, пониманием психологии и поведения детей, но при этом лишены сентиментальности. Дети на портретах Хогарта часто подражают манерам взрослых, бывая нередко беспечными и жестокими. Одним из наиболее удачных детских портретов этого мастера считается «Портрет детей Грэхем», на котором художнику удалось показать не только возраст, но и различия в манере поведения, определяющие характер и личность каждого ребенка.

Галерее Тейт принадлежит также несколько полотен Данте Габриеля Россетти, среди которых -- две первых: «Девичество Марии» и «Ессе Ancilla Domini» -- вариация на новозаветную тему Благовещения Девы Марии. Так же как и первая работа, эта картина насыщена символическими чертами. Цветовое ее решение построено на сочетании холодных тонов, светлых и белых оттенков с небольшими пятнами других, впрочем, также светлых, цветов. Помимо этих двух полотен в экспозиции галереи Тейт присутствует и несколько картин Россетти на темы, заимствованные из средневековой литературы: «Брак св. Георгия и принцессы Сабры» и «Напев Семи Башен», -- а также две поздних работы маслом: «Прозерпина» и посмертный портрет его супруги и вдохновительницы Элизабет Сиддаль -- «Беата Беатрикс». Темные, густые тона образуют плотный туман, окутывающий фигуру еще молодой, но уже утомленной женщины. Лицо ее обращено вверх, молитвенно сложенные руки упали на стол, и, хотя вся она вытянулась навстречу отблеску озаряющего ее света, чувствуется, что «тень пала на ее чело».

С течением времени коллекции галереи достигли таких масштабов, что постоянная экспозиция могла вместить только четверть произведений, хранившихся в запасниках музея. Естественно, встал вопрос о расширении галереи.

Вопрос был поставлен несколько необычно: строить ли новое здание или же использовать для размещения галереи какое-то из уже не функционирующих промышленных сооружений? Николас Сирота, бывший в то время директором галереи Тейт, избрал последний вариант и объявил международный конкурс на реконструкцию огромного здания старой лондонской гидроэлектростанции на берегу Темзы. Швейцарские архитекторы Жан Херцог и Пьер де Мьюрон, выигравшие этот конкурс, разделили все внутреннее пространство старой электростанции на две части: справа на семи уровнях располагаются выставочные залы и подсобные помещения, тогда как левая часть -- помещения, в которых когда-то находились турбины -- была оставлена открытой; войдя в левое крыло новой галереи, зритель оказывается в помещении, похожем на современный собор высотой в 12 этажей. Особенно удачным было решение архитекторов сохранить некоторые фрагменты прежнего оформления -- отдельные части промышленной архитектуры здания создают атмосферу, на редкость органично сочетающуюся с экспозицией искусства XX в.

11 мая этого года новая галерея, названная Тейт-Модерн, была торжественно открыта королевой Елизаветой Второй. В эту галерею, получившую статус музея современного искусства, были перенесены все работы художников так называемого «нового времени» -- от импрессионистов до знаменитостей наших дней, тогда как «старая» галерея Тейт снова превратилась в музей английского искусства, каким она первоначально виделась ее основателю.

Постоянная экспозиция галереи Тейт-Модерн располагается в 85-ти залах разных размеров на разных уровнях-этажах. Принцип, положенный в основу размещения экспонатов -- не традиционный для музеев историко-хронологический, а тематический: каждый зал здесь посвящен определенному сюжету или теме. Так, один за другим следуют залы «Обнаженное тело», «Натура и действие», «Пейзаж», «Предмет и пространство», «Автоматизм». В одном и том же помещении неминуемо соседствуют произведения самых разных стилей, времен и направлений: Клод Моне составляет пару Чарлзу Лонгу, картины Матисса -- замысловатым пространственным конструкциям 80-х гг., дополняют друг друга Пикассо и Боннар.

«Тематический» принцип размещения имеет как свои преимущества, так и свои недостатки. С одной стороны, творчество крупнейших мастеров живописи и скульптуры, распыленное по нескольким залам, отчасти лишается отпечатка индивидуальности художника, а зритель теряет возможность составить сколько-нибудь цельное представление о стилистике отдельных художественных течений, чередование которых, собственно, и составляет историю искусства XX в. Однако с другой стороны очевидно, что сопоставление разных по стилям и направлением работ на одну тему вызывает у зрителей целый ряд новых, неожиданных мыслей и ассоциаций.

Такое построение экспозиции, впрочем, отчасти обусловлено тем, что в богатейшем собрании галереи Тейт существуют лакуны; в частности, русский авангард 10 --20-х гг. представлен здесь явно недостаточно. Дело в том, что до 40-х гг. XX в. директора музея выбирались исключительно из маститых академиков с консервативными вкусами, отчего многие пласты современной художественной культуры просто не попадали в их поле зрения. При таких исходных условиях вряд ли возможно было показать последовательное развитие современного искусства в целом.

Одна из последних выставок, размещенных в галерее -- «Город столетия: искусство и культура в современном мегаполисе». В ее экспозиции показаны 9 крупнейших городов мира, культурный расцвет которых пришелся на завершившееся XX столетие: Лондон, Вена, Москва, Токио, Нью-Йорк, Париж, Лагос, Рио-де-Жанейро и Бомбей. По отзывам прессы, эта выставка стала первой серьезной попыткой представить зрителям богатство и многообразие современной мировой культуры. Разумеется, выставки посвященные искусству Парижа, Москвы или Вены, устраивались и раньше, но теперь организаторы выставки попытались объединить различные культуры мира.

На выставке представлены картины, скульптуры и даже фотографии в самых неожиданных сочетаниях. Некоторые города представлены характерными временными отрезками, перекрестками, где исторически сходились -- в гармонии или противостоянии -- всевозможные течения и стили. Посетителей с консервативными предпочтениями эта экспозиция может даже смутить: в ней показаны Советская Москва, Вена Зигмунда Фрейда, Париж Пикассо. В зале Парижа центром экспозиции стал портрет мексиканского художника Диего Риверы кисти Модильяни, в зале Токио представлены 70-е гг., время социальной борьбы феминисток и музыки Йоко Оно в сочетании с картинами Пикассо. В зале Бомбея экспонируется скульптура индийца Вивана Сандарама «Мемориал» -- символ религиозных противостояний в Индии конца XX в. Для этой скульптуры художник взял газетную фотографию убитого человека и положил ее на железный гроб. Сравнительно консервативной можно назвать только экспозицию, посвященную Лондону; она создана художником Дамианом Херстом и знаменитым дизайнером Александром Маккуином. Прямо из окон зала открывается вид на город: воды Темзы, мосты над ней, собор Святого Павла.

Постоянная экспозиционная площадь нового музея располагается только на двух из семи ее этажей -- 3-м и 5-м; четвертый этаж предназначен целиком для временных выставок, а все остальное пространство отведено подсобным помещениям: хранилищам, научным центрам, лекционным помещениям и кинозалам. Здесь располагается самый большой книжный магазин из таковых, находящихся в музеях Европы, и, наконец, на седьмом этаже размещены кафе и смотровая галерея, откуда открывается великолепный вид на собор Св. Павла на противоположном берегу Темзы.

Конечно, такая планировка кажется несколько неоправданной, однако даже сейчас галерея Тейт-Модерн занимает одно из первых мест среди крупнейших музеев современного искусства. Кроме того, эта расточительность рассчитана на будущее. Коллекции галереи, несомненно, будут пополняться, и нынешняя свобода пространства оставляет галерее возможность значительного расширения выставочной площади.

«Пинакотека современности»

«Пинакотека современности» (нем. Pinakothek der Moderne) -- художественный музей в Мюнхене, под крышей которого разместились четыре независимых друг от друга музея:

· Коллекция современного искусства (входит в состав Баварского государственного собрания живописи),

· Новая коллекция (Государственный музей прикладного искусства),

· Архитектурный музей Мюнхенского технического университета, а также

· Государственное графическое собрание Мюнхена, представляющих в своих уникальных констелляциях различные виды искусства.

Вместе со «Старой» и «Новой» пинакотеками, Музеем Брандхорста, Государственным античным собранием, Глиптотекой и Государственной галереей в Доме Ленбаха «Пинакотека современности» образует Ареал искусства в Мюнхене.

Здание музея

Современное просторное здание, единодушно признанное архитектурной критикой как большая творческая удача архитектора Штефана Браунфельса, было построено на пожертвования частных лиц (начальное финансирование составило десять миллионов евро). Лишь на их основе Свободное государство Бавария взяло на себя финансовые расходы и предоставило земельный участок бывших Турецких казарм, изначально предназначавшийся для университетских корпусов. Пинакотека современности была открыта 16 сентября 2002 года. Через полтора года число её посетителей перевалило за два миллиона.

Из двусферной ротонды, находящейся в центре здания белого цвета из облицовочного бетона, к экспозициям ведут две большие лестницы. Суммарный диаметр ротонды составляет 30 м. На цокольном этаже находится Собрание дизайна, на первом этаже расположились выставочные залы Архитектурной коллекции, Графическое собрание и временные выставки. В западном крыле первого этажа разместилось Собрание классического модерна, в восточном -- Собрание современного искусства.

Второй этап строительства, предусматривавший строительство прилегающих корпусов с юга и востока и дополнительных залов для Государственного графического собрания, был отложен в связи с нехваткой финансирования, связанной со строительством Музея Брандхорста.

Появившиеся тем временем трещины в световом дворе Пинакотеки современности были обследованы для составления плана санационных работ.

Коллекции

Коллекция современного искусства

В Коллекцию современного искусства представлены произведения периода классического модерна и современного искусства во всех основных направлениях: экспрессионизм, фовизм, кубизм, «Новая вещественность», баухауз, сюрреализм, абстрактный экспрессионизм, поп-арт и минимализм.

История

Одно из наиболее крупных собраний своего рода возникло после 1945 года из приобретений и пожертвований. С открытием восстановленной Новой Пинакотеки в 1981 году решающим фактором при разделении коллекций галерей, размещавшихся в Доме искусства, являлось наличие в произведениях инновационных черт, свойственных Анри Матиссу и присущих экспрессионизму. Соответственно фовистское полотно Матисса («Натюрморт с геранью», 1910), приобретённое благодаря так называемым «пожертвованиям Чуди», было передано в экспозицию Пинакотеки современности, как и произведения кубистов и экспрессионистов. В отличие от других городов немногочисленные живописные сокровища Мюнхена практически не пострадали от варварских нападок национал-социалистов на «дегенеративное искусство». В 1950 году основу Государственной галереи современного искусства составляли всего лишь семь произведений искусства: «Красные косули» Франца Марка, «Венеция» Оскара Кокошки, «Рыцарская шпора», «Пейзаж с Вальхензее» Ловиса Коринта и «Автопортрет» Макса Бекмана.

Коллекция современного искусства начала быстрый рост после Второй мировой войны благодаря приобретениям и пожертвованиям.

Фонды пополнялись благодаря целенаправленной политике коллекционирования, а также за счёт коллекций, подаренных Фондом Тео Вормланда (сюрреализм), Софией и Эмануэлем Фонами, Воти и Теодором Вернерами (картины Пауля Клее и кубистов), Марты и Маркуса Круссов (экспрессионисты, в частности художники группы «Мост»), Гюнтера Франке (работы Макса Бекмана), Клауса Гебхарда (североамериканские художники Роберт Раушенберг, Джаспер Джонс), а также герцога Франца Баварского (современные немецкие художники Йорг Иммендорфф и Зигмар Польке. Последнее приобретение датируется 2006 годом: собрание немецкого и североамериканского искусства 60-90-х годов прошлого века подарено Элеонорой и Михаэлем Штоффелями.

Коллекция классического модерна

В коллекции представлен широкий круг художников, начиная с Анри Матисса («Натюрморт с геранью», 1910), Робера Делоне («Команда Кардиффа», 1913), Фернана Леже («Пейзаж № 2», 1913), Хуана Гриса («Бутылка бордо», 1913), Умберто Боччони («Volumi orizzontali», 1912) и Жоржа Брака («Женщина с мандолиной», 1910), Оскара Кокошки («Эмигранты», 1916), Отто Дикса («Портрет фотографа Отто Эрфурта», 1925), Лионеля Фейнингера («Тройштедт», 1923) и заканчивая Хоаном Миро («Композиция», 1925), Рене Магриттом («Тренировка акробатки», 1928), Джорджо де Кирико («Беспокойные музы», 1917), Сальвадором Дали («Загадка желания или Мою мать, мою мать, мою мать», 1929) и Максом Эрнстом («Домашний ангел», 1937).

Особое место в экспозиции занимают два зала, где представлены работы Макса Бекмана («Юный аргентинец», 1929, «Искушения св. Антония», 1936, «Женщина в жёлтом и красно с мандолиной», 1950) и Пабло Пикассо («Мадам Солер», 1903, «Мать и дитя», 1921, «Сидящая женщина», 1941).

Достойно представлены в коллекции все члены групп «Мост» и «Синий всадник»: Эрнст Людвиг Кирхнер («Танцевальная школа», 1914), Эрих Хеккель («Стеклянный день», 1913), Эмиль Нольде («Танец вокруг золотого тельца», 1910) и Карл Шмидт-Ротлуф («Пейзаж с водоносицей», 1919), а также Пауль Клее («Полная луна», 1919), Алексей фон Явленский («Пейзаж из Карантека с женщиной», 1905--1906, Франц Марк («Мандрил», 1913), Август Маке («Девушки под деревьями», 1914) и Василий Кандинский («Мечтательная импровизация», 1913).

Коллекция современного искусства конца 50-х годов

Здесь представлены работы Энди Уорхола («СПИД/Джип/Велосипед», 1986), Джаспера Джонса («Прибытие/убытие», 1963), Роберта Раушенберга («Композиция с футболистами», 1962), Сая Туомбли («Больсена», 1969), Виллема де Кунинга («Объезд», 1958), Роберта Мазервелла («Je t'aime», 1955), Франца Клайна («New Year Wall: Night», 1960), Лючио Фонтана («Concetto Spaziale, Attese», 1954 и 1959), Антони Тапиеса («Овал цвета охры с чёрными врезками», 1965), Фрэнсиса Бэкона («Распятие», 1965), Генри Мура («Павший воин», 1956), Марино Марини («Портрет Игоря Стравинского», 1951), Йозефа Бойса («Конец XX века», 1983), Блинки Палермо («Straight», 1965), Георга Базелица («Новый тип», 1966), Герхарда Рихтера («Занавес», 1966), Зигмара Польке («Ню со скрипкой», 1968) и Ансельма Кифера («Nero malt», 1974).

Искусство минимализма представлено в коллекции представлено творчеством Дональда Джадда («Монумент», 1969), Дэна Флавина («Wallboxes», 1978) и Фреда Зандбака («Пространственные инсталляции для Пинакотеки современности», 2003).

Новая медийность, фотография и видео

В данном направлении Пинакотека современности владеет весомыми композициями Джона Балдессари («Man running/Men carrying box», 1988--1990), Тадеуша Кантора («Мёртвый класс», 1975), Брюса Наумана («World Peace (projected)», 1996). Пипилотти Рист («Himalaya Goldsteins Stube», 1998--1999), Хироши Сугимото («World Trade Center, Minoru Yamazaki», 1997), Билла Вайолы («Tiny Death», 1993), Сэма Тейлора-Вуда («Soliloquy III», 1998) и Джеффа Уолла с его световыми ящиками («Eviction Struggle», 1988; «A villager from Aricakцyu arriving in Mahmutbey, Istanbul September», 1997).

Государственное графическое собрание

Государственное графическое собрание Мюнхена включает в себя около 400 тысяч листов, представляющих все эпохи искусства рисунка и печатной графики, начиная с XV в. и заканчивая модерном. Своими корнями оно восходит к коллекции Виттельсбахов, в частности Кабинета гравюр и рисунков курфюрста Карла Теодора. Во Вторую мировую войну коллекция понесла значительные потери, однако по-прежнему находится в одном ряду с крупнейшими собраниями графики Германии -- берлинского и дрезденского. Особую ценность представляют рисунки и печатная графика старых немецких и нидерландских мастеров (в частности, произведения Альбрехта Дюрера и Рембрандта), итальянцев (в частности, Микеланджело и Леонардо да Винчи), рисунки немецких художников XIX в. и графика в стиле модерна из других стран, например, работы Поля Сезанна, Анри Матисса, Пауля Клее и Дэвида Хокни.

Из-за чувствительности произведений искусства к свету они демонстрируются только в рамках временных экспозиций.

Новая коллекция

Новая коллекция относится к ведущим мировым музеям дизайна. В его постоянной экспозиции впервые представлена история и развитие дизайна и прикладного искусства с 1900 года до настоящего времени. Это самое большое собрание промышленного дизайна в мире. Особое место в Новой коллекции занимает автомобильный дизайн, компьютерная культура, дизайн украшений, предметы быта и мебели, в том числе собрание произведений Михаэля Тонета.

Архитектурный музей

Собрание Архитектурного музея Мюнхенского технического университета является самым крупным собранием такого рода в Германии, богатые фонды которого демонстрируются в сменных экспозициях. Это рисунки, этюды, модели именитых архитекторов: Иоганна Балтазара Неймана, Готфрида Земпера, Ле Корбюзье и Гюнтера Бениша. Имеются компьютерная анимация и видеоматериалы.

Центр искусств королевы Софии в Мадриде

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia

Коллекция музея представляет собой собрание произведений современного искусства XX века. Музей был открыт в стенах бывшей больницы Мадрида, представляющей большое здание XVIII в., созданное в неоклассическом стиле. Музей Королевы Софии расположен на южной оконечности «Золотого треугольника искусств» Мадрида, включающего в себя музей Прадо и музей Тиссена-Борнемисы. Проект здания первоначально был разработан испанским архитектором Хосе де Хермозила, позже он был дополнен и завершён Франческо Сабатини, и на сегодняшний день носит имя итальянского архитектора.

Постоянная коллекция музея содержит ядро произведений испанских художников ХХ века. Это Пабло Пикассо, Жоан Миро и Сальвадор Дали. Здесь же собрана очень важная коллекция сюрреалистического искусства, картины Франсиса Пикабиа, Ива Танги, Жана Арпа, Рене Магритта и кубизма, представленного в работах Пикассо, Джорджа Брака, Сони Делоне, Роберта и Фернана Леже. В коллекции музея можно увидеть и картины художников экспрессионистов Антонио Саура, Фрэнсиса Бэкона. Также здесь собраны работы художников других стилей: Роберто Матта, Антонио Лопеса Гарсии, Микеля Барсело, Лючио Фонтана, Диего Риверы, Марка Ротко, Сэма Фрэнсиса, Антонио Тапиеса, Ива Кляйна, Александра Колдера.

Количество посетителей музея за последние несколько лет неуклонно растёт. В 2010 г. его посетило более 2 300 000 человек, и это количество растёт с каждым годом. Музей Королевы Софии занимает 15 место среди самых посещаемых музеев в мире. Активная политика руководства музея и интерес общественности позволили ему занять привилегированное положение среди международных музеев современного искусства.

История.

В 1952 г. группа художников во главе с архитектором Хосе Луисом Фернандесом дель Амо выразили желание создать испанский музей современного искусства, чтобы отразить различные направления искусства ХХ века, которые не были представлены в музее Прадо. Музей открыл свои двери в 1953 г. в подвале Национальной библиотеки Мадрида, представив работы художников XIX и ХХ вв. Его первым директором до 1959 г. был Фернандес дель Амо. Чуть позже коллекция была передана в университет Мадрида, пока в 1986 г. не был создан Центр искусств королевы Софии и значительная часть работ, особенно ХХ в. была перенесена в современное здание. В здание же городского университета после ремонта был открыт Музей костюмов.

Музей в честь королевы Испании Софии был официально открыт 26 мая 1986 г. Первоначально в музеи планировалось размещать только временные выставки, откуда и появилось название центр искусств. Первый и второй этаж использовались как временные выставочные галереи. Но 2 года спустя, 27 мая 1988 г. на основании королевского указа центр стал полноценным музеем искусств, относящимся к Министерству культуры Испании. Прежде чем Музей национального центра искусств Королевы Софии открыл свои двери для посетителей в 1990 г., его строительство пережило много трудностей. К концу 1988 г. архитекторы Хосе Луис де Иньигес Онзоно и Антонио Васкес де Кастро завершили окончательную модификацию здания, закончив строительство трёх башен из стекла и стали с лифтами. Эти необычные элементы были разработаны ими в сотрудничестве с британским архитектором из Сассекса Йеном Ричи.

10 сентября 1992 г. король Испании Хуан Карлос и королева София открыли постоянную экспозицию музея, в котором до этого проводились только временные выставки. С этого момента музей был обязан в соответствие с королевским указом: сохранять, расширять и представлять свои коллекции, содействовать распространению знаний о них для широкой общественности, обеспечивать доступ к современному искусству в его различных проявлениях, проводить выставки на международном уровне, а также обучать, организовывать образовательную и оценочную деятельность, связанную с его коллекцией.

Его новый статус национального музея сопровождается очень активной политикой закупок и займов, для того, чтобы обеспечить постоянную экспозицию испанского искусства в связи с международными тенденциями. В настоящее время музей является автономным органом Министерства культуры.

На протяжении всех этих лет в музеи Королевы Софии увеличивается постоянная коллекция, проводятся временные выставки, организуется аудиовизуальная и образовательная деятельность, улучшаются услуги и увеличивается количество посетителей. Это стало причиной проведения исследований по возможности расширения здания музея. В 2001 г. под руководством французского архитектора Жана Нувеля было начато строительство нового здания. Оно было открыто в сентябре 2005 г. Таким образом, музей не только отреагировал на растущие потребности, но и дал чёткий призыв к преобразованию окружающей среды микрорайона. Рядом с его юго-западным фасадом и новым зданием была создана городская площадь для прогулок. Площадь музея увеличилась более чем на 60%. После 51 297 м2, она теперь достигла 84048 м2. Таким образом, Музей национального центра искусств Королевы Софии приобрёл привилегированное выставочное пространство в своё распоряжение.

Здание

Нынешняя штаб-квартира музея Королевы Софии - первое здание бывшей генеральной больницы Святого Карлоса было построено королём Филипп II в XVI в. В XVIII в. король Карлос III решил основать другую больницу, так как существующие не удовлетворяли потребности города. Именно здесь впервые, была создана централизованная больница. Архитектор Франсиско Сабатини из династии Бурбонов был ответственен за большую часть работ. Он завершил проект здания, используя мрачный неоклассический стиль, который нашел своё отражение в позднем Возрождении. В 1788 г. смерть Карлоса III привела к остановке строительства здания. Хотя была завершена только треть проекта Сабатини, в 1805 г. больница начала свою деятельность, как планировалось изначально. Незавершённое строительство объясняет полное отсутствие украшений на здании, его простой и серьёзный вид. С этого времени были сделаны несколько изменений и дополнений, пока больница не была закрыта в 1965 г. Её функции были переданы в службу здравоохранения провинции Мадрид. Несмотря на слухи о сносе, выживание здания было гарантировано в 1977 г., когда оно королевским указом было объявлено национальным памятником, благодаря своей исторической и художественной ценности.

В 1980 г. началась его реставрация под руководством архитектора Антонио Фернандеса Альба, и в апреле 1986 г. здесь открылся Центр искусств королевы Софии. Внутренний интерьер здания формируется вокруг внутреннего двора с каменными широкими галереями, которые поддерживаются каменными пилястрами, а выставочные пространства направлены к внешней стороне здания и к внутреннему двору, что обеспечивает их естественное освещение. В здании есть также альтернативные пространства такие, как потолок со сводчатым кирпичным потолком и хозяйственная комната, в которой хранилось постельное бельё в бывшей больнице. В ней ещё сохранилась оригинальная мебель. В настоящее время эти помещения используются как выставочное пространство. Незавершёнными элементами проекта больницы Сабатини воспользовались архитекторы при реконструкции здания в 1980 г. Открытое пространство было использовано, чтобы второй двор стал городской площадью, открыв фасад музея и связав музей с улицей Аточа. На месте отсутствующего фасада были построены башни с лифтами для облегчения циркуляции посетителей. Эти башни стали визитной карточкой музея Королевы Софии.

Новое здание музея было построено в 2005 г. по проекту Жана Нувеля победителя конкурса 1999 г., объявленного для поиска лучшего проекта будущего нового здания музея. Здание имеет усечённую треугольную форму и центральный внутренний двор под сенью красного потолка. Оно состоит из двух экспансивных выставочных пространств, библиотеки, центра документации, книжного магазина, офисов, кафе-ресторана, административной комнаты и двух залов вместимостью 200 и 400 человек.

Расширение здание было адаптировано к юго-западному фасаду здания Сабатини и треугольному участку перед ним. Здесь было запланировано размещение трёх уже существующих зданий для строительства 3 новых модулей. Здания соединены друг с другом, но на различных уровнях: от больших нависающих карнизов, которые образуют купол, который распространяется на карниз больницы и отражает движение в городе в выпуклых формах алюминия лакированного красного цвета. Широкие подходы к зданию и общественная площадь, которая осуществляет диалог с городской средой, служат связующим звеном для различных частей города (железнодорожного вокзала Аточа, улицы Аточа и района Лавариеса).

Со времени своего открытия новое здание предоставляет альтернативный вход в музей для посетителей и различные связующие проходы между галереями здания Сабатини и новыми пространствами здания Нувель. Такое расположение создает ряд потенциальных маршрутов и позволяет создать более чёткое различие между служебными помещениями и выставочными пространствами. После открытия 26 сентября 2005 г. нового здания Музей Королевы Софии состоит из нескольких зданий: Сабатини, Нувель, двух выставочных площадок в парке Буен Ретиро: Хрустального дворца и дворца де Веласкеса.

Хрустальный замок является одним из двух выставочных площадок, которые музей королевы Софии имеет в крупнейшем и самом известном парке Мадрида, Парке дель Буен Ретиро. Построенный архитектором Риккардо Веласкесом Боско в 1887 г., дворец является отражением использования новых материалов в архитектуре, сделанных в XIX веке. Использование чугуна в сочетании с большой площадью из стекла создаёт удивительный эффект, который является монументальным и в то же время прозрачным. Изначально здание задумывалось как теплицы, в которых были высажены растения из Филиппин на выставке 1887 г. в Мадриде, когда острова ещё были испанской колонией. Был представлен вид экзотики среди технологического прогресса, который создавал у посетителей образ фантазии и нереальности. После выставки теплица была использована для Национальной выставки изобразительных искусств, событие, проходившее каждые два года. С 1990 г. здесь размещались конкретные проекты и инсталляции современных художников, в том числе отражённые в картинах Габриэля Ороско, Сильдо Мейрелеша, Начо Криадо, Зиа Армаджани, Ильи Кабакова, Пьера Хиджи и Джессики Шейрхолдер.

Дворец де Веласкес был построен в 1883 г. в парке дель Буен Ретиро. Своё название он получил от имени архитектора Риккардо Веласкеса Боско, ответственного за его строительство, наряду с керамистом Даниелем Зулоага и инженером Альберто дель Паласио. Дворец выполнен в стиле неоренессанс. Он отличается просторной планировкой, сводчатыми потолками с железной структурой и естественным освещением, благодаря большому количеству застеклённого пространства. Он был задуман в качестве основного павильона для Международной выставки в 1883 г. горнодобывающей и металлургической промышленности, искусства, керамики, обработки стекла и минеральных вод. Для его строительства была взята модель, используемая Джозефом Пакстоном для Хрустального дворца в Лондоне, построенного в 1851 г. С 1987 г. во дворце де Веласкеса было создано место для проведения монографических выставок таких художников, как Синди Шерман, Нан Голдин, Хуан Муньос, Хосе Мануэль Брото. Дворец был закрыт на реконструкцию в 2005 г. и открыт в 2010 г. с ретроспективой картин Миральда.

Коллекции.

В хронологическом плане музей королевы Софии является продолжением коллекции музея Прадо, отражая работы с конца XIX в. до настоящего времени. Королевским указом от 17 марта 1995 г. в празднование дня рождения Пикассо его картины стали разделительной линией между коллекциями музеев Прадо и Королевы Софии. Международное современное искусство в Испании игнорируется коллекционерами и общественными институтами, что объясняет пробелы в международной коллекции музея. В качестве основной тематике коллекция музея представляет современное искусство Испании и некоторые знаменитые работы зарубежных мастеров, например, Луиз Буржуа и Пьер Боннар.

Коллекция музея включает в себя около 16 200 работ, среди которых более 4000 картин, 1400 скульптур, около 3000 рисунков, 5000 отпечатков, 2600 фотографий, 80 видео материалов, около 30 инсталляций и столько же видео-инсталляций, более 100 произведений декоративно-прикладного искусства и 30 произведений архитектуры. В постоянной экспозиции отображается только 2% из них. Некоторые части коллекции находятся на депозите, предоставляемом третьими сторонами в целях формирования собственных средств музея.

Коллекция музея неразрывно связана с понятием истории и времени. Музей решил дистанцироваться от линейного повествования современности и традиционных различий между центром и периферией, что позволяет решить сложности отношений, установленные между локальным и универсальным. История представлена в музеи как микро-рассказы о прошедшем времени, остающимися в настоящим. Цель коллекций обогатить внутренний мир человека, научить его критически реагировать на мир, начиная с самого музея.

В экскурсионном туре предлагается четыре основных раздела через историческую последовательность, которая не навязывает строгий хронологический порядок. Эти группы предлагают альтернативные маршруты и направления полёта, которые приглашают посетителей создавать свои собственные пути и интерпретации.

Коллекция первая. Появление утопий и конфликтов XX века. 1900-1945 гг.

Коллекция начинается с конца XIX в. В ней можно увидеть работы Рамона Касаса, Ромеро де Торреса, Исидро Нонеля, Марии Бланшар, Хосе Гутьерреса Солана, Игнасио Сулоага, Англада Камараса, Хулио Гонсалеса, Жоакима Миро. Достаточно много представлено работ Хуана Гриса, среди которых есть наиболее поздние приобретения. Но по хронологическим и стилистическим критериям игнорируются такие художники, как Соролла.