Расцвет искусства барокко

18

Содержание

Введение

1. Обновленный классицизм

2. Рубенс - гений барокко

3. Официальный стиль королевского двора

4. Национальные особенности барокко

5. Расцвет барокко при Людовике XIV

Заключение

Список литературы

Введение

Красочное, эмоциональное искусство барокко создавалось главным образом для служения религии. Оно стремилось ошеломить зрителя, пробудить в нет возвышенные чувства, но высшей его целью было ввести верующего в мир чудес, экстатических откровений и мгновений триумфа христианской веры.

В XVII веке Италия по-прежнему сохраняла свое ведущее положение как источник новых художественных идей и приемов, и в Рим все так же стекались мастера кисти и резца со всего континента. Зародившиеся в Италии художественные стили неизменно становились образцом для подражания далеко за ее пределами. В XVI в. на смену эпохе Возрождения пришел вычурный маньеризм, которому была суждена недолгая жизнь. А его динамичный преемник - стиль барокко - господствовал в искусстве на протяжении XVII и части XVIII столетия, охватив всю Европу и Латинскую Америку.

Не будучи сугубо религиозным, искусство барокко все же было выразителем духа контрреформации - движения за реформирование и обновление католической церкви, возродившее ее силы в борьбе с протестантизмом.

Мастера барокко вернулись к лучшим образцам Высокого Возрождения с их классической простотой сюжетов и эмоций. В то же время барокко подняло искусство минувших эпох на новую ступень. Там, где классический элемент Возрождения тяготел к сдержанному равновесию, сохраняя эмоциональную дистанцию между произведением и зрителем, барокко с неукротимым напором стремилось захватить и потрясти его душу.

1. Обновленный классицизм

Обновленный классицизм стал главным в творчестве Аннибале Карраччи (1560-1609), чьи плафоны в римской галерее Фарнезе несомненно вдохновлены фресками Микеланджело в Сикстинской капелле, но лишены присущего им мрачного накала страстей.

Искусству барокко был присущ глубокий драматизм, а путем сочетания скульптуры, архитектуры и музыки в единое зрелище достигались поразительные эффекты. С особой силой черты театральной патетики проявляются в величественном соборе св. Петра в Риме; и не случайно именно в эпоху барокко зародился новый вид искусства - опера.

Переняв все типичные элементы классицизма - колонны, треугольные фронтоны и арки, - архитектура барокко отличалась беспокойным динамизмом плавно изогнутых поверхностей и активным противоборством формы и пространства. Барокко являлось во всех отношениях пышным, декоративным, полным оптимизма искусством.

Первый великий итальянский живописец эпохи барокко, Караваджо (1573-1610) был человеком беспокойного нрава. До 1606 г. он работал в Риме, но, удавив кинжалом противника по время игры в мяч, был вынужден покинуть город. Добравшись до Мальты, вступил в орден иоаннитов (госпитальеров), однако и там навлек на себя неприятности, ввязавшись в очередную драку. Был взят под стражу, но сумел бежать, и агенты ордена гнались за ним через всю Сицилию и Италию. В возрасте 37 лет Караваджо умер от лихорадки, все еще находясь в бегах.

Неудивительно, что человек такого склада писал картины, полные напряженного драматизма, подчеркивая в них поворотные моменты в жизни своих героев, как, например, в «Призвании св. Матфея» или «Обращении Савла». Куда более неожиданной оказалась для современников приземленная правдивость его полотен.

Караваджо отказался от присущих религиозной живописи символических элементов, помещая необычайные явления в самую обыденную обстановку. Точно так же он отказался от идеализации своих персонажей, столь характерной для традиций антигностики и Высокого Возрождения. Его скверной личной репутации во многом способствовали слухи, что он подбирает натурщиков в среде простых крестьян и проституток. 'Гак, изображенный в «Призвании св. Матфея» мытарь Матфей выглядит как заурядный горожанин, подсчитывающий собранные деньги как раз в тот момент, когда Иисус призывает его к себе в ученики. А в «Обращении Савла» свидетелями гласа Божьего, повергшего на колени гонителя христиан Савла и обратившего его в апостола Павла, оказались крестьянин с изможденным лицом и пегая лошадка. __ В своем стремлении к правде жизни Караваджо писал прямо с натуры, приводя в изумление современников, привыкших к тщательной проработке предварительных набросков. Но больше всего в его живописи поражало использование светотени. Выделяя фигуры потоками яркого света па фоне темного антуража, мастер создавал творения, полные невиданного доселе драматизма.

Караваджизм (созданная им система) получил широкое распространение еще при жизни художника. Но, как ни странно, в самой Италии он не укоренился, хотя по стопам Караваджо пошла первая достойная упоминания женщина-художник - Артемизия Джентилески (1593-1652). Зато среди французских и испанских каравад-жистов было немало выдающихся живописцев, и даже великий голландец Рембрандт испытал сильное влияние своих соотечественников, перенявших новаторский стиль итальянского мастера.

Самым талантливым современником Караваджо в Италии был Гвидо Рени (1575-1642), но подлинным титаном эпохи барокко был, несомненно, фламандец Питер Пауль Рубенс (1577-1640), который почти весь третий десяток лет своей жизни посвятил учебе в Италии.

2. Рубенс - гений барокко

Питер Пауль Рубенс родился 28 июня 1577 г. в канун праздника святых Петра и Павла, в честь которых и был наречен. Будущий художник появился на свет в городке Зигене, что в германской провинции Вестфалия, и был в семье шестым из семерых детей. Опасаясь религиозных преследований у себя па родине, его отец Ян Рубенс счел за благо переехать с семьей в Германию, поскольку во Фландрии не жаловали католиков, подозреваемых в симпатиях к кальвинизму. Поначалу семья обосновалась в Кёльне, где Ян - юрист по профессии - был назначен секретарем Анны Саксонской, супруги принца Вильгельма Оранского. Но опрометчивая любовная связь между Рубенсом и Анной привела к ее беременности, и виновнику грозила смертная кара. Марии Рубенс удалось вымолить жизнь супруга, но в наказание семейство было изгнано из Зигена.

В 1587 г. - а к тому времени семье разрешили вернуться в Кёльн - Ян Рубенс скончался, и Мария, недолго думая, переехала в родной Антверпен. Из детей остались в живых лишь Питер Пауль, старший на три года брат Филипп и 20-летняя сестра Бландина. Трое младших детей умерли в младенчестве, а самый старший брат уже создал собственную семью. Мальчиков определили в школу, хотя основы их образования успел заложить еще покойный отец. Однако в 1590 г. им пришлось оставить учение, так как Бландина вышла замуж, и ей полагалось достойное приданое. Финансовое положение семьи и без того оставляло желать лучшего, поэтому мальчикам пришлось поступить на службу. 16-летний Филипп сумел найти место клерка у государственного чиновника и по совместительству учителя хозяйских детей. 13-летний Питер Пауль был принят в пажи при дворе графини де Лален. Впрочем, оставался он там недолго, так как уже твердо решил, что станет художником.

Мальчику повезло - сначала его взял в ученики художник Тобиас Верхахт, а позднее нашлось место в мастерской Адама ван Порта. Спустя четыре года юный Рубенс стал учеником Отто ван Вена.

Едва достигнув 22 лет, он отправился на Апеннины, но, внимая наставлениям тамошних живописцев и усердно постигая секреты их мастерства, все же оставался фламандцем по духу. Если итальянцы установили классические каноны красоты и обращались в своем творчестве к возвышенным сюжетам, то фламандцы почитали главной задачей художника правдивое отображение окружающего мира.

В Италии сделанные Рубенсом эскизы произвели сильное впечатление на герцога Мантуи Винченцо I, и вскоре художник был принят к нему на службу. Часть его обязанностей заключалась в копировании знаменитых картин для пополнения художественной коллекции герцогского дворца в Мантуе. Это предполагало постоянные разъезды по городам и весям, давая Рубенсу прекрасную возможность посетить все основные центры итальянского искусства, В 1602 г. Рубенс получил свой первый официальный заказ - три алтарных образа для церкви Св.. Креста Иерусалимского.

На какое-то время в художественной карьере Рубенса наступило затишье, но, сравнительно мало занимаясь самостоятельным творчеством, он сумел обзавестись полезными связями.

В 1606 г. растущая слава и связи обеспечили Рубенсу почетный заказ - алтарный образ для новой церкви Санта-Мария ин Валличелли. Первый вариант был сочтен неудачным, и художник написал второй. Однако увидеть свое творение установленным в церкви ему так и не удалось, поскольку в октябре 1608 г. от брата Филиппа пришло известие о тяжелой болезни матери. Художник бросил все и поспешил на родину, но Мария Рубенс скончалась до его приезда.

В 1609 г. Рубенс стал придворным художником принца Альберта и его жены, инфанты Изабеллы, и в том же году женился на Изабелле Брант. Супруги были счастливы в браке и произвели на свет чегырех детей. Когда спустя 15 лет Изабелла умерла, Рубенс сетовал, что воистину потерял прекрасного друга.

Вес это время художник не знал отбоя от учеников, жаждавших постигать основы живописи под его началом, и постепенно приобретал репутацию лучшего живописца Северной Европы. Два огромных алтарных образа «Водружение креста» и «Снятие со креста» (1б11-14) убедительно показали, что мастер в совершенстве овладел итальянской «великой манерой» трактовать возвышенные сюжеты в столь же приподнятом героическом ключе.

С заключением перемирия между воюющими северными и южными провинциями Нидерландов многим церквям потребовался срочный ремонт и обновление, и в мастерскую Рубенса мощным потоком хлынули заказы. Самым крупным из них был заказ на роспись иезуитской церкви в Антверпене. Мастер согласился сделать эскизы 39 картин для этого храма, но сами росписи были исполнены его помощниками и завершены всего за 9 месяцев. К сожалению, все они сгорели во время пожара в 1718 г., однако до наших дней дошло несколько эскизов.

Не менее крупные заказы поступали и из-за границы. Так, Рубенс создал эскизы 12 гобеленов для французского короля Людовика XIII, а также исполнил серию из 25 гигантских живописных полотен для матери Людовика, Марии Медичи, предназначавшихся для ее нового дворца в Париже.

Чтобы как-то справиться со скорбью о безвременно умершей в 1б2б г. жене, Рубенс продолжал работать не покладая рук и всю энергию направил на живопись и дипломатическую деятельность. По поручению инфанты Изабеллы он отправился с секретной миссией в Испанию, а в 1629-30 гг. был милостиво принят английским королем Карлом I. В Англии он, в частности, создал серию росписей для плафона Банкетного зала, который ныне является частью дворца Уайтхолл.

В 1630 г, Рубенс женился па Елене Фоурмен. К двум оставшимся в живых сыновьям от первого брака они прибавили еще двоих сыновей и трех дочерей.

Об огромной любви Рубенса к своей семье красноречиво свидетельствуют бесчисленные портреты жены и детей. В преклонные годы обремененный семейством живописец постепенно отошел от светской жизни, поселился в деревне и посвятил себя - пейзажной живописи. Он все же работал и брал заказы, но в них все большая доля труда принадлежала помощникам, ибо правую руку мастера сковала подагра. Шаг за шагом недуг добрался до сердца, и 30 мая 1640 г. художник скончался в возрасте 62 лет. Восемь месяцев спустя Елена родила его последнего ребенка.

3. Официальный стиль королевского двора

Длившееся 12 лет царствование Людовика XIV - Короля-Солнца - ознаменовалось национальным самоутверждением и небывалым подъемом французской культуры на всех поприщах - от литературы и живописи до архитектуры и ремесел.

Представители следующего поколения - Гверчино (1591-1666) и Пьетро да Кортона (1596-1669) - не знали себе равных в технике, типичной для стиля барокко, - иллюзионизме. Их творения создавали у зрителя полную иллюзию реальности. И дело здесь было не в помещении в рамку искусно сделанной «фотографии». Иллюзионизм барокко растворял сами рамки изображения. Простейшая форма иллюзионизма - это мастерски написанная на глухой стене дверь или вид из раскрытого окна. Этот прием называется французским термином (trompe d'oeil («обман зрения»), К лучшим образцам живописи барокко относятся богатейшие плафоны, созданные с таким мастерством, что невозможно разглядеть границы стен, и над залом словно распахивается бездонное небо, где в окружении фантастических крылатых существ восседает какой-нибудь великий монарх, вельможа или библейский персонаж. Яркая голубизна небес и парящие в облаках фигуры порождают у зрителя чувство оптимизма и радости жизни, к чему всегда стремилось искусство барокко.

Величавшим и разносторонне одаренным гением барокко был прославленный скульптор, блестящий архитектор, живописец и поэт Джованни Лоренцо Бернини (1598-1680). Рассказывают, что он поставил оперу, к которой написал либретто и музыку создал декорации, эскизы костюмов и даже изобрел сценические механизмы! Он родился в Неаполе, но отец-скульптор отвез талантливого подростка в Рим. Там он довольно быстро приобрел известность под покровительством кардинала Сипионс Боргезе, К 26 годам его патроном стал папа Урбан VII, и в 1629 г. молодой Бернини был назначен архитектором крупнейшего в христианском мире собора св. Петра, строительство которого тянулось уже добрую сотню лет. Перед мастером открылась прямая дорога к славе. Он почти безвыездно работал в Риме, и многие великие памятники и достопримечательности древнего города полностью или частично I обязаны ему своим рождением. М

Бернини-скульптор был виртуозом в истинном духе барокко. Вышедший из-под его е резца холодный мрамор оживает то мягкой 2 теплотой кожи, то блеском и текучестью тканей, а складки драпировок словно колышутся на легком ветру. В отличие от ранних скульптур, его зрелые произведения смотрятся из одной единственной точки и, как правило, помещены в созданный специально для них архитектурный интерьер, из которого как бы выплывают навстречу зрителю. Этот тщательно продуманный художественный прием весьма характерен для искусства барокко. Мастер часто стремится вовлечь зрителя в открывающееся его взору волшебство, которое бесследно растает, если обойти вокруг изваяния.

Из всей титанической работы Бернини над интерьерами собора св. Петра более всего поражает воображение Балдахин - величественный (высотой 29 м) навес над престолом из позолоченной бронзы, возведенный над тем местом, где, по преданию, были погребены св. Петр и св. Павел. Его витые колонны символизируют преемственность христианства, восходящую через Константинополь к древнему храму.

Весьма характерны для эстетики барокко, вольно обходившейся с классическим представлением колонны ради зрелищности и новизны. Скульптурные украшения каркаса и бронзовый, богато украшенный кистями навес, создающий иллюзию тяжелой бархатной ткани, делают Балдахин одним из самых замечательных памятников искусства барокко.

Однако вряд ли найдутся в мире памятники, способные соперничать величием с мощными колоннадами, которые Бернини возвел на площади св. Петра. Как говаривал сам мастер, они, словно заботливые руки матери-церкви, объединяют и укрепляют всех католиков в святой вере. К числу других его римских шедевров принадлежит и Фонтан четырех рек на пьяцца Навона. Четыре главных фигуры в этой скульптурной группе символизируют великие реки разных континентов - Дунай, Нил, Ганг и Ла-Плату. Все они сгруппированы вокруг доминирующего над всей композицией подлинно античного обелиска.

4. Национальные особенности барокко

Несмотря на свои католические «южные» истоки, стиль барокко оказал мощное влияние на искусство Фландрии, Германии и Австрии. Во Франции пышность и великолепие барокко служили прославлению абсолютной монархии Людовика XIV. К тому же, там были весьма сильны традиции сдержанного классицизма, и даже грандиозный дворец Людовика в Версале к чистому барокко отнести нельзя.

Стиль барокко доминировал в Европе вплоть до середины. XVIII века. Самый известный образец его в России - Зимний дворец - построен В. В. Растрелли в 1754-62 гг.

На Украине, где барокко было более популярно, чем в России, ХVП-ХVШ века - расцвет культуры барокко, соединившейся с православной традицией в удивительном синтезе, который отразил духовные и философские искания бурной, противоречивой и героической эпохи. Мастера той поры, продолжая и словно наверстывая упущенное вслед западноевропейскому Ренессансу, рисовали своего героя сильным, умным, энергичным и страстным. Но это уже не богоподобный титан Возрождения, а человек, осознавший быстротечность и иллюзорность «радостей земных». Отсюда меланхоличность и внутренняя сосредоточенность персонажей как церковной, так и светской живописи среди пышного цветения жизни. Мораль эпохи не превозносит отказ от земного и человеческого, а утверждает необходимость разумного самоограничения. Человек барокко все время стоит перед выбором - быть счастливым здесь и сейчас (то есть на земле) или потом и там (на небе). Постоянно сопоставляя земную твердь с небесной, художники дают волю фантазии, освобождая себя и зрителя от условностей как формальной религии, так и повседневной логики. Отсюда фантасмагоричность образов как характерный элемент барокко и одна из самых ярких черт его украинской разновидности.

5. Расцвет барокко при Людовике XIV

Взойдя на французский престол в 1643 г. четырехлетним ребенком, Людовик XIV после кончины своего первого министра кардинала Мазарини в 1661 г. взял власть в свои руки и до 1715 г. безраздельно правил самым крупным государством Европы. При нем Франция превратилась в богатую державу, диктовавшую свою волю всему континенту. Политическая стабильность и экономический рост создали благоприятные условия для расцвета искусств и ремесел.

Людовик видел в искусствах и художественных ремеслах прекрасное средство возвеличения Франции на международной арене а потому они развивались под эгидой государства ради прославления Франции и ее живого символа - короля - в глазах всего мира. Искусствами ведал первый министр Людовика. Жан-Батист Кольбер (1619-83), но вдохновителем этой политики был сам король.

Казалось бы, государственная монополия в сфере культуры должна была принести к засилью посредственности, однако в официальном французском искусстве второй половины XVII в. царил всеобщий подъем и дух самоутверждения. Если до Людовика XIV во Франции почти ничего не строилось, то с его приходом начался настоящий строительный бум. По заказам короля возводились прекрасные здания в классическом стиле, олицетворявшие блеск и славу новой эпохи. При нем Париж обогатился рядом выдающихся памятников архитектуры. Королевский архитектор Жюль Ардуэн-Мансар (1646-1708) создал проект Вандомской площади с се знаменитой колонной. Через Сену близ недавно достроенного дворца Тюильри шагнул Королевский мост. В модных предместьях Сен-Жермен и Сент-Оноре вдоль широких улиц выросли роскошные особняки вельмож, и, наконец, в 1676 г. Людовик XIV торжественно открыл Дом инвалидов - госпиталь для 7000 ветеранов королевской армии.

Усилиями военного инженера Себастьяна де Вобана (1633-1707), который произвел подлинную революцию в проектировании пограничных крепостей, военная архитектура вышла на передовые позиции в Европе.

В первую очередь юный король взялся за расширение Лувра, старого дворца-крепости в Париже, в котором ныне размещается богатейшее собрание произведений искусства. Проект нового восточного фасада Лувра был поручен великому архитектору итальянского барокко - Бернини (1598-1680). Однако проект Бернини был отвергнут, и предпочтение отдали малоизвестному французскому архитектору Шарлю Перро.

Первое место среди архитектурных памятников эпохи Людовика XIV по праву занимает грандиозный Версальский дворец - символ могущества Короля-Солнца. В величественных зданиях, огромных парках и роскошных придворных церемониях Версаля, как ни в чем ином, воплотилось политическое и культурное превосходство тогдашней Франции.

Дворец вырос на месте небольшого охотничьего замка, построенного в Версале еще Людовиком XIII для собственных нужд. В его окрестностях юный Людовик XIV устраивал с друзьями шумные вечеринки вдали от суеты -взрослого» двора. Однако мысль о строительстве нового дворца Людовику внушило совсем иное празднество, когда в 1661 г. честолюбивый министр финансов Никола Фуке (1615-80) пригласил монарха и 6000 гостей в свой новый дворец Во-ле-Виконт, расположенный к юго-востоку от Парижа.

Фуке устроил грандиозное зрелище с балетом, театральными представлениями и баркой в виде кита, которая, проплывая по специально прорытому каналу, извергала фонтаны фейерверков. Царственное великолепие самого замка и устроенного празднества красноречиво свидетельствовало о неправедных доходах Фукс, и месяц спустя Людовик заключил его в тюрьму за расхищение казны. Наложив руку на Во, Людовик тотчас принялся вывозить оттуда в Версаль драгоценные статуи, апельсиновые деревья, гобелены и серебро, но первым делом взял к себе на службу троих главных создателей Во-ле-Виконт - Лево, Лебрена и Ленотра.

Первоначальный замысел дворца, принадлежащий архитектору Луи Лево (1612-70) сейчас можно оцепить только по нескольким гравюрам того времени, поскольку впоследствии он подвергся основательной переделке. После смерти Лево в 1670 г. место королевского архитектора занял Жюль Ардуэн-Мансар. Именно ему принадлежит проект захватывающей дух Зеркальной галереи, созданной в 1678-84 гг. Огромные стенные зеркала - по тем временам редкая и баснословно дорогая роскошь - разделены пилястрами из зеленого мрамора. Богато декорированный карниз (мраморный выступ, окаймляющий стены под потолком) украшен позолоченной лепниной, а сводчатый плафон расписан художником Лебреном.

Андре Ленотр (1613-1700) был назначен «генеральным контролером королевских строений». Принципы этого крупнейшего мастера ландшафтной архитектуры своего времени ярко отражают дух той эпохи - возвеличение власти разума и порядка над хаосом дикой природы. Пожалуй, самым знаменитым его творением стали Елисейские поля в Париже, которым, как и Версальским паркам, присущ строгий формализм, прямота линий и безупречная геометрия очертаний.

Ленотр не любил и всячески избегал ярких садовых цветов, зато из всех уголков Франции в Версаль были свезены и высажены самые красивые взрослые деревья. В парках Версаля, как и в Во, немаловажная роль отводилась воде, и для подпитки 1400 фонтанов была устроена сложная насосная система.

В узловых композиционных точках Версальского парка размещены сугубо классические по стилю и сюжетам мраморные изваяния римских богов и богинь. Людовик XIV преклонялся перед античным Римом, считая его образцом идеального государственного устройства.

Версальский дворец был не только символом французского могущества, единства и централизованной власти, но и витриной отечественных искусств и ремесел, где дипломаты и заморские гости могли любоваться - а позднее и заказывать - модные и изысканные изделия французских мануфактур. Двор был диктатором в искусстве, насаждая вычурный, помпезный стиль. Лебрену принадлежат эскизы большинства статуй Версальского парка, многих предметов мебели, гобеленов, столового серебра и ковров.

Лебрен учился живописи у Никола Пуссена. Пуссен и Клод Лоррен, бесспорно, были самыми видными французскими живописцами той эпохи, но оба жили в Италии, и даже Король-Солнце не сумел заманить их во Францию. Пуссен и Лоррен черпали сюжеты в античной мифологии и христианской традиции, и, как в регулярных парках Ленотра, в их творчестве линия довлела над колоритом.

В Версале постоянно жили тысячи придворных, и Людовику приходилось заботиться об их развлечениях. Популярной .светской забавой была карточная игра с высокими ставками, где не считалось зазорным мошенничество. По вечерам давались театральные представления новых пьес, устраивались фейерверки, маскарады или балеты. Сам король недурно танцевал и часто принимал участие в балетных спектаклях.

На одном из придворных спектаклей в Лувре Людовик XIV познакомился - и вскоре завел дружбу - с актером и директором группы Мольером (1622-73), автором ряда великих комедий, и доныне не утративших актуальности. Король даже стал крестным отцом первенца Мольера.

Подобно многим выдающимся писателям той эпохи, Мольер был проницательным психологом и мастерски выставлял напоказ лицемерие общества. В пьесах «Мизантроп» (1666) и «Скупой» (1668) он блестяще раскрыл средствами комедии глубинные мотивы, движущие поступками людей.

Великими мастерами трагедии были Жан Расин (1639-99) и Пьер Корнель (1606-84). В трагедиях «Сид» (1636) и «Полисект» (1643) Корнель глубоко исследует конфликт между долгом и чувством, пользуясь для этого строгим и ясным языком. Конфликт между любовью и долгом был близок королевскому сердцу, т. к. и самому Людовику пришлось расстаться с возлюбленной (племянницей Мазарини Марией Манчини) ради политически выгодного брака с испанской инфантой.

Расин, воспитанный в янсенистском духе и убежденный во всесилии греха, выводит на сцену героев, для которых грань между добром и злом далеко не так неоспорима, как для персонажей Корнеля. Несчастные жертвы своих губительных страстей с холодной точностью хирургического скальпеля препарируют в пространных монологах собственное душевное смятение. Яркие образцы подобного самоанализа мы видим в «Федре» (1677), героиню которой терзают страсть и ревность, и «Беренике» (1670), где разгорается конфликт между любовью и долгом. В то же время, обоих драматургов объединяет строгое соблюдение классических канонов единства действия, места и времени.

Людовик XIV обожал музыку. Он просыпался под звуки капеллы, игравшей во дворе Версальского дворца. В Версальской часовне исполнялись мотеты Люлли, королевский ужин проходил под нежные мелодии скрипок, а летними вечерами король катался с друзьями в гондоле по Версальскому каналу а за ними следовали играющие музыканты. В музыке, как и в живописи, преобладала форма, что с особенной силой проявилось в творчестве первого придворного композитора - Жана-Батиста Люлли (1632-87).

Заключение

К концу XVII века ослепительный блеск Версаля начал меркнуть. Затянувшаяся война истощала государственную казну, в стране царило уныние, а двор стареющего монарха впал в религиозное благочестие. Вычурно-помпезный стиль барокко не смог пережить ни политического и экономического упадка Франции, ни смерти Короля-Солнца, последовавшей в 1715 г. Придворные щеголи один за другим начали переселяться в Париж. Великая эпоха Короля-Солнца подошла к концу, а вместе с ней пошло на спад процветание барокко.

Однако многие элементы этого стиля, в особенности орнаменты и узоры прошли сквозь века, обогатив новые течения в искусстве и дизайне.

Барокко XXI - это реакция не только на функционализм и минимализм, а родная кровинушка постмодернизма. Постмодернизм превратил мировую художественную культуру в дорогой супермаркет, в котором все ее достижения лежат под рукой, в доступном виде, их можно взять в произвольном порядке и смешать в индивидуальной потребительской корзине. И судя по последним мебельным тенденциям, руки дизайнеров и всех ценителей прекрасного в первую очередь потянулись к барокко, потому что оно непередаваемо роскошное. При этом надо учесть, что современный человек о роскоши знает и побольше, чем даже его предки из галантных веков. Со времен эпохи Просвещения человечество изрядно просветилось, особенно в области высоких технологий и промышленного дизайна.

Список литературы

1. Бауэр Г., Пратер А. Барокко. - М.: Арт-Родник, 2007. - 96 с.

2. Боссан Ф. Людовик XIV, король-артист. - М.: Аграф, 2002. - 272 с.

3. Ведьфлин Г. Ренессанс и барокко. - М.: Азбука-Классика, 2004. - 228 с.

4. Власенко Н. Барокко: откровение неведомого. - Новосибирск.: Новосибирское книжное издательство, 2004. - 64 с.

5. Гнедич П.П. История искусств. Западно-европейское барокко и классицизм. - М., ЭКСМО, 2005. - 144 с.

6. Локтев И.В. Барокко от Микеланджело до Гварини. - М.: Архитектура-С, 2004. - 496 с.

7. Ренассанс. Барокко. Классицизм. Проблема стилей в западно-европейском искусстве XV - XVII веков. - М. Наука, 1966. - 428 с.

8. Федотова Е.Д. Барокко. - М.: Белый город, 2007. - 48 с.