Классический танец, история хореографии

Принцесса видит своего избавителя, и в её сердце рождается любовь. Дезире просит у Короля и Королевы руки их дочери. На свадьбу Авроры и Дезире пришли герои волшебных сказок:

принцесса Флорина и Голубая птица, Белая кошечка и Кот в сапогах, Красная шапочка и Волк, Золушка и Принц Фортюне. В согласном и торжественном дуэте предстают принц и принцесса.

Фея Сирени и её свита благословляют жениха и невесту.

Билет №10

1.Древняя Греция и Рим

Танец в Древней Греции играл не только эстетическую, но и воспитательную роль. Преподавание танца было обязательным во всех учебных заведениях. Греческие философы Платон, Аристотель, Плутарх оставили в своих трудах первые хореографический термины. В Греции танцы делились на культовые, общественные, пиррические (воинственные) и сценические (танец был составной частью древнегреческого театра). Танцы назывались хороводами, что означало обязательное круговое построение. Медленные и торжественные танцы посвящались богу Аполлону и богам Олимпа, а быстрые и зажигательные пляски - богу Вакха (богу виноделия). Пиррические танцы преподавались в школах древней Спарты и приравнивались их к общефизической подготовке будущих воинов. Сценические танцы исполнялись в театральных спектаклях свободными гражданами, которых называли хоревтами. Каждому жанру соответствовали свои танцы: эвмелии исполнялись в трагедиях, кордаксы исполнялись в комедиях, сикиниды исполнялись в сатирах. Во время танца исполнители отбивали ритм ногами, одевая специальные деревянные или железные сандалии, или руками с помощью кастаньет (устричные раковины). Танцы делились на домашние. городские и сельские. Об отношении к танцу в Древней Греции говорит тот факт, что муза танца Терпсихора была приравнена к богам. Древние греки любили танцы связанные с ритуалами и торжественные процессии. Большим праздником были шествия в честь богини земледелия Деметры и ее дочери Персефоны. Праздник в честь бога плодородия Диониса постепенно сложился в определенные церемонии - дионисии. Для проведения этих праздников специально обучались танцоры.

Культура Древнего Рима впитала в себя греческое танцевальное искусство. Танец был чрезвычайно распространен, поскольку не знал языкового барьера и не требовал перевода. Это стало одной из причин рождения нового жанра - пантомимы. В Риме появились грандиозные массовые зрелища - пиррихии, которые устраивались в Колизее, где вмещалось до 50 тысяч зрителей. Суровые римские воины очень любили воинственные танцы. Позднее у римлян возникли сценические танцы, которые взяли свои истоки в сельских праздниках. Во время упадка Римской империи танцы и пантомимы превратились в безнравственные зрелища. О танцах римлян в своих трактатах писали Цицерон и Гораций.

2.Мари Салле

Марим Саллем (1707 - 1756) - французская артистка балета и балетмейстер XVIII века, ученица Прево, Блонди и Баллона.

Дочь акробата, племянница знаменитого арлекина Франциска Муайена, Мари принадлежала к известной артистической семье Муайен и с 11 лет выступала в ярмарочных театрах Парижа (в комических операх, пантомимах, дивертисментах), где была замечена знаменитой исполнительницей Франсуазой Прево. Под её руководством Мария Салле становится одной из ведущих танцовщиц Королевской Парижской оперы. Дебют состоялся в 1721 году в «Венецианских празднествах». В 1725 - 1727 годах Мария была приглашена выступать в Лондоне, где имела огромный успех. Салле ещё несколько раз приезжала на работу по контракту в Лондон, где уже не просто танцевала в качестве примы, но и самостоятельно ставила балеты: 1734 год - «Пигмалион», «Вакх и Ариадна». Несмотря на признание за рубежом, Салле много выступает и на родине в Королевской Парижской опере. Ей принадлежали ведущие партии в операх-балетах: «Галантная Европа», «Галантная Индия» и «Балет чувств». Много выступает она и в операх Люлли, одним из ее партнеров был Антуан де Лаваль. В 1739 - 1752 годы Салле - частый гость в Версале ее приглашают выступать в придворных спектаклях Людовик XV и его фаворитка маркиза де Помпадур. В своём творчестве Салле пыталась связать танец с действием, использовать танцевальные движения и мимику для раскрытия содержания спектакля. Основное внимание танцовщица уделяла не технике, а грации и осмысленности танца. Нарушая принятые в балетах XVIII века условности, Салле выступала в лёгком, близком к античному одеянию без маски и парика с распущенными волосами. Мария Салле по праву считается одной из самых интересных и значимых фигур в истории балета XVIII века, недаром именно ее во Франции называли Терпсихорой.

3.Балет «Ромео и Джульетта»

«Ромео и Джульетта»: композитор Сергей Прокофьев, постановщик Леонид Лавровский (Иванов), по мотивам одноимённой трагедии Шекспира, год создания 1938.

Действующие лица: Эскал - герцог Вероны; Парис - жених Джульетты; Капулетти; жена Капулети; Джульетта - дочь Капулетти; Тибальд - племянник Капулетти; Кормилица Джульетты; Монтекки; Ромео - сын Монтекки; Меркуцио - друг Ромео; Бенволио - друг Ромео; Лоренцо - Монах; Паж Париса; Паж Ромео; Трубадур; Шут.

Раннее утро на улицах Вероны. Появляются прохожие, трактирные служанки готовят столы для посетителей. Из дома Капулетти выходят слуги и любезничают со служанками. Из дома Монтекки также выходят слуги. Начинается драка. Тибальд, который только и ищет случая сразиться с кем-нибудь из враждебного рода, выхватывает шпагу. На шум схватки из обоих домов выбегают родные и слуги, разгорается бой. Появляется герцог Вероны. Он приказывает сложить оружие и объявляет, что отныне поединки в городе караются смертью. Зал во дворце Капулетти и сад перед дворцом. Джульетта шалит, поддразнивает кормилицу, и лишь вошедшая мать прекращает веселую возню. Джульетта - невеста Париса и должна вести себя с достоинством. На бал по случаю помолвки собираются гости. Начинаются танцы, все просят Джульетту показать свое искусство. Тайком проникший во вражеский дом замаскированный Ромео не может оторвать от нее глаз. Меркуцио, также пробравшийся сюда в маске, смешит гостей. Воспользовавшись тем, что всеобщее внимание направлено на кузена, Ромео говорит Джульетте о своей любви. Маска спадает с него, и Джульетта видит прекрасное лицо юноши. Ее также охватывает любовь. Тибальд узнает Ромео. Гости расходятся, и кормилица раскрывает Джульетте имя того, кто ее пленил.

Лунная ночь. В саду дворца Капулетти тайком встречаются влюбленные - никакая вражда не может стать преградой их чувствам. На площади в разгаре карнавальное веселье. Кормилица разыскивает Ромео и передает ему письмо Джульетты. Он счастлив: Джульетта согласна стать его женой. В келью монаха Лоренцо приходит Ромео с просьбой обвенчать его с Джульеттой. Лоренцо согласен. Появляется Джульетта, и монах благословляет юную чету. На улицах Вероны продолжается карнавал. Все веселятся. Тибальд вызывает Меркуцио на поединок. Ромео пытается остановить их, но Тибальд наносит роковой удар - Меркуцио убит. Ромео мстит за друга: Тибальд также падает мертвым. Ромео должен бежать, чтобы не быть казненным. Ромео в комнате Джульетты. Он пришел проститься. С рассветом влюбленные расстаются. Входят родители Джульетты и объявляют, что выдают ее замуж за Париса. Напрасны мольбы Джульетты. Снова келья монаха Лоренцо. К нему прибегает Джульетта за помощью. Лоренцо дает ей зелье, выпив которое она погрузится в сон, подобный смерти. Когда ее оставят в фамильном склепе Капулетти, Ромео, предупрежденный монахом, придет за ней. Джульетта дает согласие на брак с Парисом, но, оставшись одна, выпивает зелье. Подруги, пришедшие нарядить ее к венцу, застают невесту мертвой. В усыпальницу прибегает услышавший о страшной вести Ромео - Лоренцо не успел предупредить его. В отчаянии юноша выпивает яд. Джульетта просыпается и, увидев мертвого возлюбленного, закалывает себя кинжалом. Появляются старые Монтекки и Капулетти.

Потрясенные, они клянутся прекратить роковую вражду.

Билет №11

1.Балет Италии XVII века

В Итальянском балете XVII века на смену развлекательным зрелищам пришли поучительные спектакли: 1634 год - балет «Истина - враг Ложного величия», где говорилось о моральности, 1640 год - балет «Алхимики», где высмеивались искатели «философского камня», 1723 год - «Балет о Табаке», где рассказывалось об острове на котором выращивали табак. В Италии балеты ставились при дворе Медичи во Флоренции и в других княжествах, но они были лишь вставками к операм и служили украшением. Вместе с тем профессиональное мастерство хореографов и танцовщиков было развито, поскольку в Италии раньше чем в других странах возникли публичные театры. Публичные театры находились в городах Мантуя, Венеция, Неаполь, Рим, Милан, Сиенна, Флоренция. С 1650 года балеты постепенно становились самостоятельными.

Народную танцевальную культуру хранила комедия масок, народные танцы исполнялись во время ежегодных карнавалов. В 1848 году в Италии был поставлен балет «Катарина, дочь разбойника», где кульминационным моментом действия был карнавал. Опыт лирического театра и народное искусство имели большое влияние на развитие итальянского балета XVII века. Существуя как вспомогательное, второстепенное искусство, балет накапливал в себе силы, передавая из поколения в поколение традиции профессионализма для своего расцвета.

2.Мари Камарго

Марим Анн Кюпи (псевдоним Камарго) (1710 - 1770) - французская танцовщица.

Училась у известной французской балерины Прево, однако бунтарский характер юной ученицы и свободолюбивые нравы привели к конфликту, Прево отказалась от воспитанницы. Комарго продолжала свое обучение у Блонди. Известна как реформатор балетного танца. которая выступала против придворного театра, ввела на сцену более быстрые танцы, оживленный темп. Достигла успехов в исполнении танцев гавот, менуэт, ригодон. Для облегченного исполнения движений и прыжков, сняла с туфель каблук, укоротила юбку, убрала лишние украшения, все это повысило технику исполнения танца. Камарго первой из женщин с 1730 года стала исполнять кабриоли и антраша, которые считались принадлежностью техники исключительно мужского танца. До 1751 года пользовалась огромным успехом в Парижском оперном театре. Выступала и как певица. Грация Камарго приводила в восторг многих знаменитых людей того времени, в том числе и Вольтера.

3.Балет «Щелкунчик»

Смотреть Билет №1.

Билет №12

1.Русский балет XVIII века

В отличии от Западной Европы, широко применявшей танец в придворном быту, Россия не имела подобных примеров до эпохи Петра I. При царе Александре в 1673 году был поставлен первый придворный «Балет об Орфее», а с приходом к власти Петра I в практику светской жизни вводятся ассамблеи - первые общественные балы в России. Приглашаются иноземные учителя танцев, учебный репертуар состоит из менуэтов, контрдансов и гавотов. В 30-е годы XVIII века постановки опер и балетов носили эпизодический характер, в 40-е годы они становятся более систематическими. Этому способствовало появлению первых русских артистов балета - учеников Жана Батиста Ланде. В 50-е годы в России начинают проходить регулярно оперно-балетные спектакли. В 1756 году в Россию приехала на гастроли итальянская труппа, вначале она захватила внимание зрителей Москвы и Петербурга, но вскоре интерес пропал из-за безсюжетности, спектакли были далеки от русской жизни. В России работали итальянские (Кальцеваро, Анджолини), французские (Парадиз, Шарль Ле Пик), австрийские (Хильфердинг) балетмейстеры, они пытались создать балеты в соответствии с требованиями классицизма, опираясь на опыт Новерра. В XVIII веке русские народные танцевальные образы, народная пляска широко вводились в русскую комедию: «Бобыль», «Санкт-Петербургский гостиный двор», «Несчастье от кареты», «Ямщики на подставе». Во второй половине XVIII века в России начинается быстрый рост культуры. Театр становится одним из самих любимых развлечений, но придворный театр был закрыт для широкой публики. Первый публичный театр был открыт в 1777 году в Петербурге и стал называться городским, но вскоре он перестал вмещать всех желающих, и в 1783 году было построено другое здание, где постановки осуществляли русский балетмейстеры Балашов и Райков. Подобные театры были открыты и в других крупных городах России. В Москве долгое время не было общедоступного театра, но именно Москва готовила прекрасных артистов балета с 1756 года в Московском университете, а с 1773 года и в Воспитательном доме. В 1778 году танцевальные классы Воспитательного дома возглавил Парадиз. В 1780 году был построен Петровский театр в Москве. В конце XVIII века в русском искусстве на смену классицизма приходит сентиментализм.

2.Мария Тальони

Маримя Тальомни (1804 - 1884) - прославленная балерина XIX века, представительница итальянской балетной династии Тальони в третьем поколении, одна из центральных фигур балета эпохи Романтизма. Мария родилась в семье балетмейстера и хореографа Ф. Тальони. Девочка не обладала ни балетной фигурой, ни особой внешностью. Несмотря на это, её отец решил сделать из неё балерину. Мария училась в Вене, Стокгольме, а затем в Париже. Позже отец занимался с Марией сам, в 1822 году он поставил балет «Приём молодой нимфы ко дворцу Терпсихоры», с которым Мария дебютировала в Вене. Танцовщица отказалась от присущих в то время балету тяжёлых нарядов, париков и грима, выходила на сцену только в скромном лёгком платье. Парижскую публику Мария покорила в 1827 году в «Венецианском карнавале», с тех пор она часто танцевала в парижской Гранд-Опера. Затем она танцевала в Лондоне. В марте 1832 года в парижской Гранд-Опера состоялась премьера балета «Сильфида», ознаменовавшего начало эпохи балетного романтизма. Именно она тогда ввела в балетный костюм пачку и тогда же она впервые продемонстрировала танец на пуантах - пальцах ног. Следующие пятнадцать лет Мария Тальони гастролировала по всей Европе: от Лондона до Берлина и от Милана до Санкт-Петербурга.

Ее репертуар состоял, главным образом, из постановок ее отца. Лучшие роли её были в балетах:

«Бог и баядерка», «Сильфида», «Зефир и Флора». По свидетельству очевидцев, танцы Тальони были воплощением грации и изящества. В 1832 году Мария вышла замуж за графа де Вуазен, но продолжала носить девичью фамилию и не бросила сцены. Оставив театр в 1847, жила в Италии.

Давала уроки балета. Тальони ещё только раз появилась в Париже, с целью поощрения своей ученицы Эммы Ливри, восходящей звезды, воскресившей на некоторое время позабытые с уходом Тальони классические балетные традиции. С именем Леви связана единственная балетмейстерская работа Тальони, для нее она поставила балет «Бабочка». Мария Тальони умерла в 1884 году в Марселе.

3.Балет «Корсар»

Смотреть Билет №2.

Билет №13

1.Бальный танец и его происхождение

Бальный танец - это одна из бытовых форм хореографии. Термин «бальный танец» появился вследствие интереса к танцам в быту в эпоху Возрождения. Бальный танец уходит своими корнями в бытовые формы народного танца. На определенном этапе расслоения общества на классы, появились салонные или бальные танцы. Первые светские танцы возникли в XII веке в эпоху Средневековья, в эпоху рассвета замковой рыцарской культуры. Первые танцы - это танцы-шествия, полуцерковные - полусветские процессии, уличные балеты, которые проходили во Франции, огромные по масштабу и сложные по замыслу. В XIII - XIV веках во время проведения театрализованных праздников появились выразительные средства будущих балетов и бальных танцев. Первые описания танцев были сделаны в XVI веке знаменитым французским теоретиком Туано Арбо. Танец бранль, любимый народом, был стилизован в аристократических салонах и стал одной из форм бальных танцев и сыграл большую роль в развитии бальной хореографии. Огромной популярностью пользовался танец павана. До XVI века бальные танцы исполнялись под музыкальное сопровождение небольшого оркестра и не отличались разнообразием движений. Эти танцы относились к группе бассдансы (низкие танцы), сочетали в себе пантомимические сценки и разнообразные рисунки. На смену бассдансам приходят менуэт и ригодон, которые были заимствованы у народных танцев, появляются легкие прыжки, повороты, ускоряется темп танца, стали изящнее позы.

2.Мариус Петипа

Мариус Петипа родился в 1818 году. Его отец, Жан-Антуан Петипа, был известным французским провинциальным балетмейстером. В 1831 году Мариус дебютировал в балете своего отца «Танцемания». В шестнадцатилетнем возрасте Мариус Петипа получил место не только первого танцовщика в Нантском театре, но и балетмейстера. В 1839 году он вместе с отцом гастролировал в Нью-Йорке. Вернувшись, совершенствовался в школе Парижской оперы и на три года уехал в Испанию. Потом снова вернулся в Париж, а из Парижа, заключив контракт с дирекцией императорских театров, - в Санкт-Петербург. Талантливый балетмейстер, которому не было еще тридцати лет, покинул родину не только потому, что в России ему предложили выгодное место.

Во Франции его имя стало известным, и он мог сделать блестящую карьеру, но вот отношение к балету в Европе его не устраивало. Петипа не был гениальным танцовщиком, и успех его на этом поприще был обусловлен упорными занятиями и личным обаянием. В то время главным балетмейстером был Перро, и Петипа стал его учеником и помощником. Лишь с 1855 года Петипа смог поставить небольшие спектакли: «Звезда Гренады», «Парижский рынок». Первый монументальный балет Петипа «Дочь фараона» появился в 1862 году - публика восприняла его хорошо и простила автору слабый сюжет за отличные танцы. В 1871 году на петербургской сцене был поставлен второй вариант балета «Дон Кихот». В петербургской постановке классическому танцу была отведена большая роль. В 1874 году он поставил для бенефиса Екатерины Вазем балет «Капризы бабочки». К постановкам Петипа относились двояко и лишь в 1877 году его редкий талант проявился во всю мощь - Петипа поставил «Баядерку». Затем была неудачная первая постановка «Лебединого озера». К началу 1890 года «Спящая красавица» была готова - после спада балетное искусство вновь было на подъеме. Впереди у Петипа были балеты: новая версия «Лебединого озера», «Щелкунчик», «Раймонда» и «Четыре времени года». Впереди было удачное и плодотворное сотрудничество с Всеволожским. Все балеты, поставленные им за семнадцать лет директорства Всеволожского, имели успех: «Спящая красавица», «Золушка», «Синяя борода», «Привал кавалерии», «Пробуждение Флоры», «Хитрость любви», «Арлекинада», «Ученицы господина Дюпре», «Дон Кихот», «День и ночь», «Прелестная Жемчужина» , «Капризы бабочки», «Приказ короля», «Талисман», «Сон в летнюю ночь», «Шалости амура». В 1882 году умерла жена Петипа. Мариус женился во второй раз на дочери известного артиста Леонидова, Любови Леонидовне. С тех пор, по признанию самого Петипа, он «впервые узнал, что значит семейное счастье и домашний очаг». Не смотря на разницу в возрасте (Мариусу было пятьдесят пять лет, Любови - девятнадцать) они очень любить друг друга. Артистическая семья была большой, все дети Петипа связали свою судьбу с театром. Четверо его сыновей стали драматическими актерами, четыре дочери танцевали на сцене Мариинского театра. Правда, ни одна из них не достигла высот славы, хотя все они прекрасно владели хореографической техникой. Однако последние годы творчества великого балетмейстера были омрачены отношением к нему нового директора императорских театров Теляковского. Уволить Петипа он не мог, так как поклонником творчества артиста был император Николай II, который изъявил желание, чтобы Мариус оставался первым балетмейстером до конца жизни. Несмотря на преклонный возраст, творческие способности балетмейстера отнюдь не угасли, его ум оставался живым и ясным, а энергия и работоспособность были удивительными. Не в силах уволить балетмейстера, Теляковский стал чинить ему препятствия в постановках, вмешивался в творческий процесс, давая невыполнимые и некомпетентные указания. Балетная труппа поддерживала старого мастера, но конфликт с дирекцией продолжался. Мариус Петипа скончался 1 июля 1910 года.

3.Балет «Спартак».

Смотреть Билет №3

Билет №14

1.Танец Средневековья.

Средневековье (XII-XIV век) известное своими жестокими нравами, запретом народных и светских зрелищ. Не смотря на это, оставило нам образы первых бытовых танцев, на основе которых развивалось западноевропейское танцевальное искусство. Для эпохи Средневековья было характерно острое чувство страха смерти. Изображение смерти, дьявола, постоянно встречается в средневековой символике. В Средневековье, образ танцующей смерти превращается в символ потрясающей силы. «Танец смерти» особенно широко распространился в XIV веке в период эпидемии чумы. В годы эпидемии чумы «Танец смерти» часто перерастал в истерическое веселье. Эти безумные танцы наблюдались во всех станах Европы. В Германии он получил название «Пляска Святого Витта». В Италии - «Тарантелла». В эпоху Средневековья танец был не только необходимым средством разрядки, но и главным развлечением. Это бассдансы - медленные и величавые танцы знати и бранли - народные танцы крестьян. Бранли имели более трехсот разновидностей, исполнялись на народных праздниках, передавались из поколения в поколение, из бранлей родились известные и сегодня танцы: менуэт, гавот, ригодон, буре. Средневековый танец был импровизированным действом. Народ любил хороводы, но устойчивых правил исполнения не существовало. Движения были простыми, сопровождались пением. Мавританская пляска была одним из старинных и самых распространенных танцев средневековья. В Испании она называлась моррис данс, в Германии - морен танц, в других странах - мориска, мореска. Этот танец перекочевал из эпохи Средневековья в эпоху Возрождения. В XII веке культ романтической любви и рыцарство преобразил танец. Танец был неотъемлемым занятием для рыцарей и выступал как параллель к турнирам на открытом воздухе. Большое значение в развитии придворного танца сыграло появление профессиональных учителей танцев, которые не только обучали знать танцам, но и этикету, манерам поведения и оказывали влияние на атмосферу при дворе.

2.Василий Федорович Гельцер

Василий Фёдорович Гельцер (1840 - 1908) - знаменитый артист балета Московской императорской труппы.

Василий Гельцер происходил из обрусевшей немецкой семьи. Отец -- Фридрих Гельцер, принял российское подданство в 1845 году. Имя Фридрих трансформировалось в русское Фёдор, и все дети стали по отчеству Фёдоровичами. Получилось так, что вся жизнь Василия Гельцера была связана с Московской императорской труппой. В семье было много артистов. Сестра Вера - драматическая актриса Московской императорской труппы, брат Федор - артист балета, брат - Анатолий - театральный художник, дочь Вера - артистка балета, дочь - Любовь - драматическая актриса, дочь Екаторина - выдающаяся балерина.

В 1848 году Василий Гельцер восьмилетним мальчиком был принят в театральное училище при Московской императорской труппе. Обучался он экстерном и завершив учебу в 1856 году, был принят в Московскую императорскую труппу танцовщиком. В 1863 году был переведён в солисты. Очень скоро он обратил на себя внимание своим артистическим даром и прослыл мастером перевоплощения. Ему были подвластны любые характерные партии: жанровые, гротесковые, комические, трагические, драматические. С одинаковым успехом он создавал на сцене образы и героев, и отъявленных негодяев, и веселых шутников, и неудачников. Поэтому нет ничего удивительного, что Василий Гельцер оказался в числе самых востребованных артистов-солистов московского балета, танцевал в балетах «Тщетная предосторожность» и «Эсмеральда», «Спящая красавица» и «Жизель». В 1876 г. Гельцер написал сценарий к балету П. И. Чайковского «Лебединое озеро». Впрочем, первая постановка этого, ставшего впоследствии выдающегося балета, оказалась неудачной. В 1883 году вышел императорский указ о реформе московского балета, по которому часть московской труппы была уволена на пенсию, а часть перешла в Петербург.

Однако Гельцер предложение уехать работать в Петербург не принял. Таким образом московский балет как эстетическое направление в искусстве был сохранен и продолжен и Гельцер остался работать в Москве. С 1897 года Василий Гельцер танцевал мимическую партию немого Малайца, по мнению современников, эта роль стала вершиной творчества артиста. В течении 1894 - 1901годов В.Гельцер занимал должность режиссера балетной труппы при императорских театрах в Москве. В 1903 году Василию Гельцеру было присвоено звание заслуженный артист императорских театров. Выступал на сцене до 1906 года, до прощального бенефиса. С 1907 года наряду с пенсией (пенсия полагалась каждому уходившему в отставку работавшему на императорской службе), В. Ф. Гельцер как особо прославившийся артист, получал ежегодное пособие от Министерства Императорского двора. Еще с 1880 года Василий Гельцер по приглашению Станиславского вел курс танца и пластики в Обществе искусства и литературы, помимо этой работы, начиная с 1898 года Гельцер преподавал мимику и пластику в Московском балетном училище при императорской труппе (с 1898 года по 1902 год он возглавлял Московское балетное училище) и в Московской консерватории. Одновременно вел работу на драматических курсах при Малом театре. Василий Федрович работал до самой смерти (1908 г.). Похоронен в Москве на Ваганьковском кладбище.

3.Балет «Руслан и Людмила».

Смотреть Билет №4.

Билет №15

1.Балет в Голландии XVII века

Балетный театр Голландии зародился в XVII веке и отличался своеобразием. После революционных событий Фландрия - южная часть Нидерландов осталась под властью Испании, Голландия - северная часть Нидерландов отделилась и получила самостоятельность как буржуазная республика. В Голландии танец преимущественно существовал в народных формах. Церковь празднеств не поощряла. Профессиональный балетный театр возник в Голландии в XVII веке и ориентировался на опыт французского балета. В то время Голландии открылись два театра: в Амстердаме (1638) и в Гааге (1650). Театр в Гааге ориентировался на французскую культуру, они приглашали французских танцовщиков, которые обучали голландских вельмож балетному искусству. В 1700 году француз де ла Монтань был назначен танцовщиком, хореографом и учителем танцев в театре Гааги, там преобладали постановки аллегорических балетов. В Амстердаме первый балет был поставлен в 1642 году, а в 1645 году поставлен «Балет пяти чувств», который шел между актами оперы и его исполняли профессиональные танцовщики. В 1650 году в балете Амстердама произошло событие, которое опередило практику других трупп в Европе, на сцену впервые вышли танцовщицы и исполнили «Балет Девиц». Таким образом амстердамский балет опередил парижский балет на десять лет. К концу XVII века амстердамский балет обладал благоустроенным театром и многочисленной труппой. Балеты, которые ставились на амстердамской сцене: «Восстановленный мир», «Волшебные деяния Армиды» (посвященный приезду в Амстердам Петра I). На рубеже XVII-XVIII веков голландский балет был самостоятельным, его известность простиралась далеко за пределы страны. Постепенно на балетную сцену Голландии начали проникать темы из национальной жизни ремесленников, матросов, служанок.

2.Александр Алексеевич Горский

Алексамндр Алексемевич Гомрский (1871 - 1924) - русский артист балета, балетмейстер, заслуженный артист Императорских театров (1915).

Александр Горский родился под Санкт-Петербургом, в семье торгового служащего. В 1880 году он поступил в Петербургскую балетную школу. В 1889 году он окончил школу и стал танцевать в кордебалете. Лишь одиннадцать лет спустя он достиг положения первого танцовщика. Горский был артистом-универсалом: с одинаковым успехом исполнял и классику, и народно-характерные танцы, и пантомимные роли. Одновременно он очень много читал, посещал вечерние курсы Академии художеств, занимался музыкой - в случае надобности мог дирижировать оркестром. В 1891 году танцовщик Владимир Степанов завершил работу над своей системой записи танца,

Изучив ее, Горский увлекся и стал не только последователем, но и ближайшим помощником Степанова. А когда тот неожиданно скончался - издал пособие для учащихся, желающих овладеть записью танца, - «Таблица знаков для записывания движений человеческого тела по системе артиста императорских танцев В.И. Степанова». В 1896 году Горского взяли в балетную школу ассистентом Гердта и доверили вести самостоятельный предмет - «теория танца». Начальство заинтересовалось деятельностью Горского - после того как он самостоятельно записал весь балет «Спящая красавица» - ему поручили поставить этот спектакль в Москве. Горский прибыл в Москву 3 декабря 1898 года и сразу почувствовал - здесь-то и бурлит художественная жизнь.

Его потрясли спектакли только что открытого Художественного театра, он познакомился с Шаляпиным. Поставив «Спящую красавицу» всего за три недели, Горский убедился в возможностях московской труппы, а труппа - в таланте Горского, и тогда балетмейстеру предложили возглавить московский балет, он с радостью согласился. Для своего дебюта он выбрал балет «Дон Кихот». Первое представление балета «Дон Кихот» состоялось 6 декабря 1900 года, москвичи приняли его с восторгом. Следующей его постановкой было «Лебединое озеро», зрители приняли спектакль благосклонно. То же было и с «Коньком-Горбунком». В конце 1901 года Горский приступил к первой самостоятельной работе по роману Гюго «Собор Парижской Богоматери», спектакль он назвал «Дочь Гудулы». Премьера состоялась в ноябре 1902 года зрители восприняли спектакль как хореографическую драму. Горский вернулся к классике и в 1904 году поставил в Москве «Баядерку», «Волшебное зеркало», «Дочь фараона». Затем Горский увлекся модными течениями - импрессионизмом и символизмом. В 1909 году Горский приступил к работе над одной из лучших своих постановок - балетом «Саламбо» - это была настоящая удача. Новшества Горского привели к расколу внутри труппы Большого театра. Молодёжь горячо поддерживала хореографа. Ведущие артисты избегали участия в постановках Горского. Последний спектакль Горского до революции - новая версия «Баядерки». В канун революции Горскому исполнилось 46 лет. Он уже отпраздновал 25-летие творческой деятельности. В 1915 год Горскому было присвоено почетное звание заслуженного артиста. Он и после революции остался руководителем московского балета. Но в управление труппой включились люди разных вкусов и интересов, и между ними шла борьба за власть. Постепенно Горский стал отходить от управления труппой, все меньше ставил на основной сцене, работал с учениками в Новом театре, в студии, в частных коллективах. В честь годовщины революции в ноябре 1918 года Горский поставил балет «Стенька Разин». Последняя работа Горского, увидевшая свет рампы, - «Грот Венеры», хореограф ставил балет, уже будучи тяжело болен. Спектакль не удался. В последний сезон 1923 - 1924 года Горский уже не мог работать. Он ежедневно приходил в театр, бродил по коридорам и залам, отвечая невпопад на вопросы, не замечая перешептываний. Умер он 20 октября 1924 года.

3.Балет «Красный мак»

Смотреть Билет №5

Билет №16

1.Начало хореографического образования в России

В 1731 году в Петербурге было открыто привилегированное дворянское учебное заведение - Шляхетный Кадетский корпус, которому суждено было стать первой балетной школой в России.

Предполагалось, что в будущем многие воспитанники займут видные государственные должности, а потому им будет необходимо знание всех правил светского этикета. В качестве танцмейстера корпуса в 1734 году был зачислен француз Жан-Батист Ланде - французский танцовщик, балетмейстер, педагог балета; основатель первой танцевальной школы в России. В начале 1730-х годов он получил приглашение приехать в Россию. По приезду Ланде был принят при дворе Анны Иоанновны (приглашение исходило от императорского двора). В основные обязанности Ланде входило организовывать придворные балы, и обучать танцам в Петербурге придворных (даже саму Анну Иоанновну), но при этом он работал частным образом (не был принят на государственную службу), а уже с 1734 года приступил к преподаванию танцев в Шляхетском Кадетском корпусе. В корпусе Ланде прослужил до 1737 года и преподавал там не только бальные танцы, но и вел балетный класс. В преподавании стремился использовать русскую танцевальную культуру и русскую манеру исполнения, поэтому довольно быстро обучил питомцев, так что вскоре они могли танцевать маленькие танцевальные спектакли при дворе. В 1736 году произошло очень важное для культуры России событие: императрица Анна Иоанновна выписала в Санкт-Петербург итальянскую оперную труппу. В труппе было около 30 певцов и около 10 танцоров, которыми руководил прославленный в Италии комический танцовщик-виртуоз Антонио Ринальди. Ему тоже, как и Ланде, предстояло сыграть огромную роль в становлении балета в России.

Однако, в прибывшей труппе не было кордебалета, и было решено использовать в качестве кордебалета учеников Ланде. Первой постановкой этой труппы стала опера «Сила любви и ненависти». Это был первый большой оперный спектакль, поставленный в России. Дата постановки этого спектакля -1736 год - считается датой начала в России профессионального музыкального искусства. Все антракты спектакля были заполнены танцами. Искусство балета еще только зарождалось. Цельные балетные спектакли еще не ставились на сцене, танцу отводилась роль вспомогательная, он носил развлекательный характер, то есть, не был связан с сюжетом того драматического спектакля, в котором употреблялся. От бального танца сценический отличался лишь усложнённостью. После успешного спектакля «Сила любви и ненависти», и особенно успеха кадетов, значимость танца в России необычайно выросла, а вместе с ней вырос и авторитет Жана-Батиста Ланде как танцевального педагога. В 1837 году он был приглашен преподавать танцы в Академию наук. Преподавал Ланде и частным образом. После такого всеобщего признания весь приличный Петербург считал необходимым брать у него уроки танца - об этом даже вспоминала императрица Екатерина II, бравшая у него уроки танцев в юности. Среди именитых учеников Ланде был и будущий император Пётр III. Наступал «звездный час» педагогической деятельности Ланде - он преподавал танцы всем, независимо от сословий: и в императорской семье, и вельможам, и самым низам общества, отданным в артисты. Значимость танца в России благодаря стараниям Ланде так выросла, что стала насущной необходимостью жизни императорского двора. И в 1737 году Ланде подал челобитную императрице Анне Иоанновне о необходимости создания балетной школы, которая бы готовила профессиональные кадры для придворной труппы. В проекте Ланде предлагал определить к нему на обучение 6 мальчиков и 6 девочек простого звания. В течение трех лет Ланде обязывался обучить их искусству танца и довести до такого совершенства, что они не будут ни в чем уступать иностранным танцовщикам. 4 мая 1738 года проект был утвержден Анной Иоанновной, и «Танцомвальная Ея Императорского Величества школа» была открыта в Санкт-Петербурге в Зимнем дворце. Обучение было рассчитано на три года, но со второго года воспитанники уже должны были участвовать в спектаклях. Тут же отобрали детей из крепостных, которым суждено было стать первыми русскими профессиональными танцовщиками. Вскоре Ланде со своими юными питомцами показал на придворной сцене аллегорический «Балет цветов». Представление прошло с неимоверным успехом, и юные танцовщики покорили сердца русских вельмож. А в 1741 году все эти обученные артисты поступили в придворную труппу. Так появилась в России придворная танцевальная школа, через некоторое время ставшая базой для императорского театра (в том числе балетного). В 1779 году танцевальная школа влилась в Санкт-Петербургскую театральную школу при созданных в 1756 году императрицей Елизаветой Петровной императорских театрах; в 1937 году училище вновь было выделено в самостоятельное учебное заведение - Ленинградское хореографическое училище; в 1957 году училищу было присвоено имя Агриппины Яковлевны Вагановой. Танцевальная школа, созданная Жаном-Батистом Ланде из холопских детей, ныне известна во всем мире под названием Вагановской балетной академии. В Москве в 1773 году открылось первое учебное заведение, которое в последствии стало хореографическим училищем. В 1794 году в России издается «Танцевальный учитель» - учебник сценического бального танца, подготовленый педагогом Шляхетного корпуса Иваном Кусковым.

2.Михаил Михайлович Фокин

Михаимл Михамйлович Фомкин (1880 - 1942) - русский солист балета, русский и американский хореограф, считается основателем современного классического романтического балета.

Михаил Михайлович Фокин родился в купеческой семье. Мать Михаила очень любила театр и всю свою страсть и любовь к театральному искусству она передала своим детям. Миша рос красивым, стройным и грациозным мальчиком, и вся семья считала, что балетная сцена будет лучшей участью для него. Но отец, купец Фокин, считал это занятие недостойным мужчины и запретил сыну заниматься танцами. Однако в 1889 году мать Михаила в тайне от отца отвела Мишу в Императорскую балетную школу Санкт-Петербурга на вступительные экзамены, куда его и зачислили. Отцу пришлось смириться. Обучался Фокин у Гердта, Карсавина, Легата. В академии большое внимание уделялось профессиональной подготовке и большую часть времени посвящали репетициям, остальные предметы считались второстепенными. Михаил Михайлович с самых первых лет делал большие успехи в хореографии, что в свою очередь, не мешало ему интересоваться рисованием и музыкой, он освоил балалайку, скрипку и пианино. В музее Ленинградского хореографического училища сохранилось несколько живописных работ Фокина. Первое выступление на большой сцене состоялось в 1890 году в балете «Спящая красавица». А в 1892 году он был участником премьерного показа «Щелкунчика». В 1898 году только что окончивший академию будущий реформатор балета был принят в Мариинский театр, сразу в качестве солиста. Он исполнял сольные партии в различных классических балетах: «Спяща красавица», «Пахита», «Корсар» и других. Однако, всё нараставшая неудовлетворённость в классическом танце заставляла подумывать об уходе с театральной сцены ради рисования и музыки. Переломным оказался 1902 год, когда ему предложили стать учителем в Императорской балетной школе, где он мог начать реализовывать свои идеи. Это обстоятельство и вернуло молодому хореографу желание продолжать балетную деятельность. Тщательно изучив историю искусства и танца Древней Греции, Фокин в 1905 году создал балет «Ацис и Галатея», в 1906 году «Сон в летнюю ночь» и «Виноградную лозу». В следующем году им были поставлены «Шопениана», «Павильон Армиды» и «Умирающий лебедь». В 1908 году поставил балет «Египетские ночи» и в этом же году Александр Бенуа представил молодого хореографа Сергею Дягилеву, который восхищался Фокиным. В 1909 году Фокин принял приглашение Сергея Дягилева отправиться в Париж и стать хореографом «Русских сезонов». В этом же году Дягилев повёз в Париж балетную труппу. Успех был абсолютным, и участники дягилевской труппы во главе с Фокиным - Анна Павлова, Тамара Карсавина, Вацлава Нижинский обрели мировую известность. Каждый год Дягилев требовал от своей труппы новых постановок и в 1910 году Парижу были представлены «Жар-Птица», «Шехерезада», возвращена на свою историческую родину «Жизель». Среди последующих работ Фокина можно выделить «Петрушку» (1911), «Видение розы» (1911), «Дафнис и Хлоя» (1912). Однако, всё нараставшее напряжение между Дягилевым и Фокиным привело в конце концов к разрыву. В 1914 году Фокин согласился вернуться в «Русские сезоны», после ухода Нижинского, где поставил «Бабочку», «Золотого петушка» и «Легенду об Иосифе». Успех всех этих постановок был умеренным. Сезон 1914 года оказался последним для сотрудничества Фокина и Дягилева. С 1914 по 1918 год Фокин снова работал в Мариинском театре. Там он осуществил множество постановок, среди которых: «Сон», «Стенька Разин», «Франческа да Римини», танцы во многих операх. Наиболее удачными стали балеты «Эрос» и «Арагонская хота».

После Октябрьской революции Фокин предпочёл эмиграцию и уехал с семьёй в Стокгольм. Там он пробыл до 1919 года и осуществил постановку «Петрушка». В том же году получил предложение переехать в США, которое и принял. В 1921 году в Нью-Йорке Фокин открывает первую в США балетную школу. В 1930 году он попробовал свои силы в Голливуде, но после первых кинематографических экспериментов продюсеры назвали его киноленты «чересчур художественными». Последнее десятилетие творческой деятельности Фокина характеризуется возрождением классической хореографии одновременно с увяданием его творческой деятельности. Балетов, подобных «Петрушке» или «Шопениане», он уже не создавал. В этом периоде можно выделить лишь балеты «Паганини» (1939) и «Русский солдат» (1942). Умер Михаил Фокин 22 августа 1942, оставив после себя 70 балетов и славу главного романтика балетной сцены.

3.Балет «Лебединое озеро»

Смотреть Билет №6

Билет №17

1.Балет в Австрии XVIII века

Австрия XVIII века была феодальной монархией и объединяла под своей властью разные земли и народы. В Вене имелся придворный оперный театр. К началу века венская сцена была одной из образцовых в мире. Ориентировалась она на достижения общеевропейской. Преимущественно итальянской культуры. Австрия была многонациональной империей, поэтому в придворный оперный театр в Вене проникало национальное творчество чехов, венгров и других народов. Балет в Вене долго не был самостоятельным, лишь украшал оперные спектакли и опирался на образцы французского и итальянского балетного искусства. Эти каноны разрушил хореограф Франц Хильфердинг. В 1730 году он отправился учиться в Париж, его наставником был Блонди.

В 1740 году Хильфердинг возвратился в Вену, но в это время умирает король Австрии Карл VI и театральная жизнь Вены надолго приостановилась. В 1742 году после траура открылись венские театры и Хильфердинг начал свою деятельность хореографа. Он ставил свои балеты в Австрии и Германии. Его постановки состояли из серьезных балетов и комических, комические балеты у него получались лучше («Служанка-госпожа» (1733), «Деревенский колдун» (1752), «Великодушный турок» (1758)). Новизна балетов Хильфердинга заключалась в целостности действия, выразительности.

2.Анна Матвеевна Павлова

Амнна Памвловна (Матвемевна) Памвлова (1881 - 1931) - русская артистка балета, одна из величайших балерин XX века.

Анна Павлова родилась в дачном посёлке Лигово под Петербургом. В 1899 году, после окончания императорского театрального училища, была принята в труппу Мариинского театра. Танцевала партии в классических балетах «Щелкунчик», «Конёк-Горбунок», «Раймонда», «Баядерка», «Жизель». В 1906 году стала ведущей танцовщицей труппы. Большое влияние на её исполнительскую манеру оказала совместная работа с балетмейстерами Горским и особенно Фокиным.

Анна Павлова исполняла главные роли в балетах М. Фокина «Шопениана», «Павильон Армиды», «Египетские ночи» и др. В 1907 году на благотворительном вечере в Мариинском театре Анна Павлова впервые исполнила поставленную для неё Фокиным хореографическую миниатюру «Лебедь» (позже «Умирающий лебедь»), ставшую впоследствии одним из символов русского балета XX века. В 1909 году участвовала в «Русских сезонах» Сергея Дягилева в Париже, положивших начало её мировой известности. С 1910 года Павлова гастролировала во многих странах мира вместе со своей собственной труппой. Фокин поставил несколько балетов специально для труппы А. Павловой, один из которых «Семь дочерей горного короля». Последнее выступление балерины в Мариинском театре состоялось в 1913 году, а в России - в 1914 году, после чего она обосновалась в Англии и в Россию больше не вернулась. В 1921 - 1925 годах Павлова гастролировала по США, организатором её гастролей был американский импресарио российского происхождения Соломон Юрок. В 1921 году Анна выступала в Индии и завоевала внимание индийской публики. Имя Павловой ещё при жизни балерины стало легендарным. Анна Павлова скончалась в Гааге, во время гастролей, 23 января 1931 года от пневмонии. Несмотря на желание балерины вернуться на родину, урна с её прахом находится в закрытом колумбарии крематория в Лондоне. Рядом с ней покоится прах её гражданского мужа и импресарио Виктора Дандре. По легенде последними её словами были: «Приготовьте мой костюм лебедя!». В 2009 году эти слова были вынесены в заголовок российского фильма «О грусти, тоске и ожидании смерти».

3.Балет «Жизель»

Смотреть Балет №7

Билет №18

1.Танец Эпохи Возрождения

Эпоха Возрождения развила бытовой танец и превратила его в сценический танец, который стал началом появления балета. В Италии и во Франции появились первые примеры спектаклей, называемые балетом («Балет об Орфее» (1489)), они включали танец, музыку, вокал и словесные монологи. В танцевальных сюитах исполнялись танцы: вольта, гильярда, сальтарелла, куранта.

Эпоха Возрождения дала Европе первые имена учителей танцев, которые одновременно являлись и теоретиками и историками. Фабрицио Карозо «Иль Балерино» (1581), о танцевальном искусстве Англии можно узнать из произведений Шекспира «Ромео и Джульетта», «Венецианский купец». Популярные бытовые танцы в эпоху Возрождения - контрданс, ирландская чечетка, джига. В одних странах преобладали мифологические сюжеты балетов, во Франции были популярными аллегорические балеты с «геометрическими» и «фигурными» танцами. В 1581 году итальянский музыкант Бальтазарини сочинил первый французский балет «Цирцея и ее нимфы».

В эпоху Возрождения были особенно распространены маскарады (танцы в масках), карнавальные шествия, представления на мифические сюжеты. Во Франции и Италии начали гастролировать небольшие труппы танцоров, они сначала выступали на балах, а затем и в театрах. В конце XIV - начале XV веков учитель танцев Доменикино де Ферраре сочинил трактат «Об искусстве пляски и танца», где определил пять элементов танца: ритм, манера держаться, деление танцевальной площадки, память, элевация. Мабель Долмеси исследует танцы в Испании и Италии XV - XVII века. В 1463 году Гульельмо Эбрео сочинил «Трактат об искусстве танца», где советовал согласовывать движение с ритмом, устанавлеваемый музыкой. В 1465 году Антонио Карнацано отметил в своем трактате «Книга об искусстве танцевания о моде на балет». В 1604 году Чезаре Негри написал книгу «Новые изобретения балета», где он применял уже все пять позиций ног, но не давал им определения и уделом танца считал передачу чувств души в движениях тела.

2.Вацлав Фомич Нижинский

Вацлав Нижинский родился в 1889 году в Киеве, в семье танцовщиков балета. Его родители - Элеонора Береда и Томаш (Фома) Нижинский, поляки по национальности, танцевали в Варшавском императорском театре. Затем отец выступал в различных российских городах. Иногда с ним танцевал и Вацлав. В 1898 году он поступил в Петербургское театральное училище в класс С. Легата. Рано проявил выдающиеся способности и еще ребенком часто выступал на сцене Мариинского театра . В 15 лет произвел фурор своим исполнением партии Фавна в балете «Ацис и Галатея». После окончания в 1907 году училища, был принят в труппу Мариинского театра и сразу выдвинулся на положение первого танцовщика, несмотря на свою не совсем балетную внешность -- небольшой рост, отнюдь не стройные ноги с чрезмерно развитой мускулатурой.

Но на сцене Нижинский преображался - появлялась ловкость, утонченная грация, совершенное понимание стиля. Зрителей поражали его ставшие легендарными прыжки и способность зависать в воздухе. Он обладал замечательным даром перевоплощения, незаурядными мимическими способностями. На сцене от него исходил мощный магнетизм, но в повседневной жизни он был робким, молчаливым и малообщительным человеком. Нижинский стал партнером М. Кшесинской, О. Преображенской, Т. Карсавиной, А. Павловой. Танцевал главные роли в постановках М. Фокина «Павильон Армиды» (Белый раб), «Египетские ночи» (Раб), «Шопениана» (Юноша).

Был неожиданно уволен из труппы театра за то, что самовольно надел в «Жизели» костюм, повторявший исторический немецкий костюм XIV века: сильно обтянутое трико шокировало публику и вызвало смятение. Выступление Нижинского по приглашению Дягилева в первом «Русском сезоне» сразу же принесло ему славу. В 1909-1913 годах Нижинский являлся ведущим солистом «Русских сезонов». Он исполнил главные роли в фокинских постановках «Карнавал», «Шехерезада», «Петрушка», «Нарцисс», «Дафнис и Хлоя» и другие. В 1912 году станцевал главную роль в поставленном им же самим балете «Послеполуденный отдых фавна». В 1913 году поставил для труппы Дягилева балеты «Игры» и «Весна священная». Постановки Нижинского вызвали противоречивые оценки зрителей и критики, явились основой для развития балет середины XX века. В этом же году Нижинский покинул труппу. В 1914 г. Нижинский организовал собственную труппу, выступавшую в Лондоне без особого успеха. Вернувшись в балет Дягилева в 1916 году, Нижинский поставил для труппы балет «Тиль Уленшпигель», с которым «Русские сезоны» гастролировали в Америке. Последний его спектакль - балет "Призрак розы" - состоялся в 1917 году, а последний свой танец он станцевал в 1919 году в Швейцарии. В 1919 году он написал «Дневник Нижинского», изданный в 1958 г. в Париже. В 1919 году, в возрасте тридцати лет завершилась творческая жизнь великого танцовщика и хореографа. Следующие тридцать лет его жизни уже не были связаны с балетным театром. Нижинский был неизлечимо болен. Его связь с действительностью постепенно ослабевали, пока не нарушились совсем. За свою десятилетнюю сценическую деятельность Нижинский обогатил балетное искусство многими находками, став легендой при жизни и оставив после себя бессмертную славу. С конца 1940-х годов Нижинский жил в Лондоне, где и умер 11 апреля 1950 года. В 1953 тело его было перевезено в Париж. Нижинский был кумиром всей Европы.

3.Балет «Бахчисарайский фонтан»

Смотреть Билет №8

Билет №19

1.Балет Дании и Швеции XVII века

Своими путями развивался скандинавский балет. Самостоятельные балетные театры были в двух странах Скандинавии: Швеции и Дании. В XVII веке Дания во всем подражала Франции, приглашала работать французских балетмейстеров, которые ставили балетные спектакли. Шведский балет XVII века старался самоутвердиться, хотя из-за войн развивался неравномерно. Сначала шведский балет ориентировался на Францию, балеты шли в одном из залов дворца без декораций и сценических эффектов («Балет путешествий по свету» (1642), «Балет о фантазиях нынешнего времени» (1643), «Весь мир восхищался» (1645)). В 1646 году в Стокгольме в одной из зал королевского дворца начали строить театр со сценой и театральными машинами. Театр был построен за три года и был открыт балетом: «Страсти победителей и побежденных», в этом же году был поставлен балет «Диана-победительница» и «Рождение мира». Во время царствования королевы Кристины, наряду со сценическими балетами, устраивались конные балеты, карусели, балеты-маски. Придворные празднества не уступали в роскоши крупнейшим городам Европы. В 1654 году Кристина отреклась от престола и был коронован Карл X, на его коронации был показан «Балет Блаженства». На этом завершилось блестящее начало шведского придворного балета, так как Карл X начал военную компанию и все ресурсы страны служили его завоевательным походам. Балеты в Стокгольме возобновились в 1660-х годах («Великий гений»). Король Карл XII ввел балы-маскарады. Зрелищный маскарад проходил в 1700 году с участием колесниц и множества мифологических персонажей, актеры разыгрывали представление, в конце все артисты исполнили гран-балет. В этом же году Швеция начала войну с Польшей и Россией и культура страны пришла в упадок, страна была разорена. Разгром шведов под Полтавой в 1709 году и смерть Карла XII в 1718 году надолго приостановили развитие шведского театра. Балет начал возрождаться в конце XVII века.