Рококо. Живопись Франсуа Буше

Размещено на http://www.allbest.ru

СОДЕРЖАНИЕ

ВВЕДЕНИЕ

ПЕРВАЯ ГЛАВА. ФРАНСУА БУШЕ

ВТОРАЯ ГЛАВА. ОПИСАНИЕ И АНАЛИЗ КАРТИН Ф. БУШЕ

Франсуа Буше «Пейзаж с отшельником.»

Франсуа Буше «Геркулес и Омфала»

Франсуа Буше «Мадонна с младенцем и Иоанном Крестителем»

Франсуа Буше «Юпитер и Каллисто»

Франсуа Буше «Женская головка»

ЗАКЛЮЧЕНИЕ

БИБЛИОГРАФИЧЕСКИЙ СПИСОК

ВВЕДЕНИЕ

Рококо (от франц. Rocaille - раковина, изделие из ракушек) - стилевое направление в европейском искусстве первой половины XVIII века, достигшее наиболее полного выражения во Франции при Людовике XV. Искусство рококо поражает своей грацией и легкостью, в нем господствует изысканная сложность форм, причудливые орнаменты, ассиметричность композиций. Большое значение имеет дух интимности, комфорта и внимания к личному удобству, все приобретает манерно - утонченный, подчеркнуто - изящный и усложненный вид. Искусство рококо по изысканности и красоте принадлежит к высшим достижениям искусства своего времени.

Рококо повлиял на характер декора, прикладное искусство, мелкую пластику. Основная тенденция - полная ассиметрия, округлость форм. В курсовой работе пойдет речь об изобразительном искусстве рококо. Для него характерны камерные по духу галантные сцены, эротико-мифологические и пасторальные сюжеты, ассиметричные композиции. Картины в этот период играют роль украшения интерьеров. Живопись рококо избегает яркого колорита и богата тонкими переливами. «Декоративность и мажорность изобразительного искусства рококо с особой силой выразилась в картинах Буше, изображавшего пастушеские идиллии, кокетливые мифологические сцены с нимфами и амурами.» Большая иллюстрированная энциклопедия. В 32 томах. Т.13. М.:АСТ:Астрель;2010. В данной работе будут рассмотрены и проанализированы картины художника, хранящиеся в Государственном музее им. Пушкина.

Темой исследования станет изучение и выделение характерных особенностей живописи рококо на основе картин Франсуа Буше.

Историографию исследования составляет изучение материалов и книг по данной теме, а так же посещение Государственного музея им. А.С. Пушкина с целью ознакомления с произведениями живописи художника.

Объектом исследования будет ознакомление с работами исследователей рококо, анализ изученных картин, а также собственные выводы об особенностях живописи.

Цель работы: показать, в чем заключается сущность концепции стиля рококо на примере картин Франсуа Буше, хранящихся в Государственном музее изобразительных искусств им. А.С. Пушкина, а также сравнить некоторые полотна с картинами других стилей.

Задачи, поставленные в данном исследовании:

-описать выбранные картины и проанализировать их.

-установить особенности живописи рококо.

-сравнить особенности полотен рококо с картинами других стилей.

Основными методами исследования в данной курсовой работе будут анализ, обобщение, а также заключения выводов из проделанной работы.

ПЕРВАЯ ГЛАВА. ФРАНСУА БУШЕ

Франсуа Буше родился 29 сентября 1703 г. в Париже в семье скромного учителя живописи и торговца эстампами. Отец будущего художника, Николя Буше, скоро обнаружил у сына талант и определил его в ученики к Франсуа Лемуану, известному мастеру-монументалисту. Буше учился у Лемуана несколько месяцев, затем в семнадцать лет поступил в мастерскую гравера Жана-Франсуа Карса. Здесь будущий великий художник занимался составлением виньеток, гербов и эмблем для франмассонских дипломов, заглавных листов и т.п. Это позволило юному живописцу зарабатывать на жизнь самостоятельно, а также завести полезные знакомства.

В 1722 Буше иллюстрировал новое издание «Французской истории» Габриеля Даниэля, а в 1723 году получил за картину «Евилмеродах, сын и наследник Навуходоносора, освобождающий из оков царя Иоахима» академическую премию. В 1723 году Франсуа Буше победил в конкурсе на Римскую премию Королевской академии живописи и ваяния и должен был как победитель уехать в Италию, но для него не нашлось вакантного места. Тогда Буше на собственные средства в 1727 году уехал в Рим, где на него произвели сильное впечатление работы Пьетро да Кортона и Джованни Ланфранко. Вернувшись из Италии в 1731 году, Буше стал кандидатом в Королевскую академию по отделению живописи за картину «Венеру, заказывающую Вулкану вооружение для Энея», а в 1734 был принят туда за работу «Ринальдо и Армида». В этом же году он расписывает аллегорическими фигурами Сострадания, Изобилия, Верности и Благоразумия комнату королевы в Версальском дворце. Начинается период расцвета творчества художника. В 1737 году Буше становится профессором академии. Также он начал работать для парижского театра «Опера», где разрабатывал костюмы и создавал декорации для балетов, опер и драматических спектаклей. Художник создает массу картин, лучшими из которых являются «Рождение Венеры», «Эпическая поэзия», «Пастушеская сценка» и «Диана, выходящая из купальни».

В конце 1740-х годов Ф.Буше стал давать уроки рисования любовнице короля Людовика ХV мадам Помпадур, благодаря которой получал выгодные заказы и обрел еще большую популярность. Живописец также занимался эскизами для сервизов и фарфоровых фигурок, производившихся на фабрике в Севре. Благодаря своей покровительнице в 1752 году Буше получил мастерскую в Лувре. Только избранные живописцы удостаивались такой чести. После смерти мадам Помпадур Франсуа Буше получил звание Первого придворного живописца и должность директора Королевской академии живописи и ваяния.

«Буше получил известность благодаря своим чувственным и, в какой-то мере, легкомысленным картинам на мифологические темы, а также пасторальным пейзажам». Большая иллюстрированная энциклопедия. В 32 томах. Т.13. М.:АСТ:Астрель;2010 Картины исполнены динамичным мазком, полны очарования, фантазии. Художник предпочитал светлый колорит, строившийся на розово-красных, белых и нежных голубых тонах. Буше не стремился к правдивости образов, его герои чувственно - идеализированы и однообразны, а композиции пронизаны жизнерадостностью и безмятежностью. Но к концу жизни творчество Буше приобрело холодные оттенки, живопись стала жесткой, носящей отвлеченный характер.

В середине XVIII столетия наметился кризис королевской власти, и нападкам со стоны противников режима подвергался не только король, но и его приближенные, в том числе и Франсуа Буше. Его творчество объявили поверхностным и бездумным, а самого Буше - человеком без чести и совести, развращающим молодых людей. Дени Дидро раскритиковал картины живописца с Салоне 1765 года, чем немало ударил по самолюбию художника. В 1768 году он оставил пост директора Королевской академии. 30 мая 1770 года Франсуа буше скончался от приступа астмы и был похоронен в парижской церкви Сен-Жермен л'Озетруа.

После революции 1768 года творчество живописца было предано забвению, и о нем долго вспоминали как о поверхностном художнике. Но в настоящее время современная критика отводит Буше почетное место среди художников французской школы живописи XVIII столетия, признавая превосходную технику художника, но при этом отмечают «слащавость» его работ, а также «буржуазность» его стиля.

ВТОРАЯ ГЛАВА. ОПИСАНИЕ И АНАЛИЗ КАРТИН Ф. БУШЕ.

Франсуа Буше «Пейзаж с отшельником»

Одной из главных задач курсовой работы является выделение особенностей живописи рококо, отметив характерные черты стиля рококо, и как они меняются в сравнении с 17 веком.

Картина «Пейзаж с отшельником» написана в 1742 году. Сюжет взят из новеллы Лафонтена «Отшельник». Юноша, задумавший соблазнить красивую, но скромную и робкую деревенскую девушку, решает поселиться рядом с ней под видом благочестивого отшельника. Он убеждает мать девушки в своей святости, и та сама отводит к нему дочь послушать его благих поучений. В композиции картины главное место занимает пейзаж.

Первое впечатление от работы художника и первая мысль, возникшая у меня - это то, что картина очень «теплая». Нет никаких ярких цветов, бросающихся в глаза. Отсутствует локальный колорит, так же, как и в настоящем мире. Изумляет мастерство художника, так тщательно проработавшего каждую деталь, делая этим свое произведение необыкновенно реалистичным. Но что-то в нем не так. Создается впечатление, что картина, несмотря на натуралистичность деталей, слишком «слащавая», не похожа на настоящий мир. Будто мы перед собой видим сюжет из какой-то сказки.

В правой части картины мы видим освященное солнцем обиталище лжеотшельника. Свет настолько мягкий и нежный, будто вокруг царит атмосфера благочестия и чистоты. Но стоит поднять зрителю глаза к небу - так он тут же видит, что оно почерневшее от туч, надвигается буря, будто бы сама природа намекает матери и дочери, идущим навстречу отшельнику, о том, что им грозит опасность. Склонившийся крест на жилище коварного юноши тоже говорит о намерениях похотливого молодого человека. Сломанное куцее дерево, падающая ель - все эти детали с первого раза могут быть не замечены зрителем, но при внимательном рассмотрении могут открыться удивительные «подсказки», оставленные художником.

Если внимательно посмотреть на дорогу, можно увидеть, что она идет от реки. Провожая взглядом путь, мы снова сворачиваем обратно в реку, попадая в «кольцо», в «ловушку», удерживающий взгляд зрителя в картине. Композиция возрастает слева направо. Маленькие фигуры матери и дочери, светлое чистое небо, простор, открывающийся за счет далекой перспективы, все это сменяется огромным разваливающимся жилищем, темным грозным небом и замкнутостью пространства, которое достигается густотой деревьев и монументальностью постройки.

Но не смотря на все это, картина не утрачивает своей мягкости, не давит на зрителя темными цветами, она будто сохраняет нежность и изящность. В произведении нет прямых линий, все округлое и ассиметричное, взгляд зрителя удерживается в картине и хочется просмотреть каждую деталь, настолько тщательно написанную художником.

Отметив характерные черты пейзажа рококо, перейдем к сравнению с французской живописью 17 века. Рассмотрим и проанализируем картину Никола Пуссена «Пейзаж с Геркулесом и Какусом» (1660). Сюжетом служит победа Геркулеса над великаном Какусом, воспетая в «Энеиде» Вергилия и «Метаморфозах» Овидия. Здесь сюжет трактован в глубоком смысле - как победа разума над страстями и злом. Человек является частью мироздания, всего лишь маленькой крупинкой огромного грозного мира, который является на полотне главным героем. Зритель чувствует это благодаря монументальности скал и грозности природы. Здесь нет как в «Пейзаже с отшельником» легких красок, нежных изящных линий, зритель не чувствует сказочность и «слащавость». Картина Пуссена несет в себе философский характер, мы чувствуем благоговение перед могущественной природой. Она вечна, человек - нет. Зритель не может легкомысленно размышлять, стоя над этой картиной. Если «Пейзаж с отшельником» был написан прежде всего для эстетического наслаждения, то «Пейзаж с Геркулесом и Какусом» был создан для более высокой цели. Громоздящиеся скалы, купы деревьев, прозрачная вода соединяются в ясной композиции. Природа подчинена вечным незыблемым законам, в отличии от человека, подверженного страстям. Темные строгие цвета говорят о серьезности мысли, которую пытаются рассказать зрителю, и он понимает и слушает, поражаясь монументальностью природы, удивляясь ее мощи, и, безусловно, наслаждаясь мастерством художника.

Франсуа Буше «Геркулес и Омфала»

Картина «Геркулес и Омфала» (1732-1734) повествует о пребывании Геркулеса в плену у Омфалы, царицы Лидии. Античный герой был отдан в рабство в наказание за убийство Ифита, который пришел к Геркулесу, чтобы помочь найти быков, но тот в безумии сбросил его со стены Тиринфа. Омфала присвоила себе палицу и львиную шкуру Геркулеса, а ему приказала надевать женское платье и выполнять домашние работы.

Художник очень чувственно передал порыв страсти своих героев в этой любовной сцене. Все внимание зрителя сосредоточено в центр композиции. От тел главных героев исходит свечение, особенно от Омфалы, которая белизной кожи напоминает нам фарфоровую статуэтку. Взгляд зрителя, благодаря плавным линиям тела, волос, ткани остается в картине, словно совершает круги, не позволяя отвлечься вниманию. Главная мысль картины - страсть, победа чувства над разумом (ведь Омфала должна была наказать Геркулеса по воле богов). В тоже время картина создает чувство уюта благодаря камерности, теплоте цветов. Наше внимание привлекает красное покрывало - единственный яркий, бросающийся в глаза предмет. Красный цвет - символ страсти. Два амура держат ту самую шкуру и палицу, которые носила Омфала. За спиной у одного амура красная лента - как символ любви, божеством которым и является купидон. В картине царит дух интимности и комфорта, все приобретает манерно - утонченный, подчеркнуто - изящный и усложненный вид. Мы видим много причудливых орнаментов то на ножках кресла, то на стене позади Геркулеса и Омфалы. Все эти детали придают картине некую наполненность, складывается ощущение камерности, чего-то замкнутого.

Перед нами красивое изображение, созданное не для того, чтобы нас поучить, а для того, чтобы доставить эстетическое наслаждение. Искусство может не только поучать и наставлять, но и нравиться и развлекать, как утверждает эстетика 18 века.

Полотно Никола Пуссена «Великодушие Сципиона»(1640) поднимает проблему соотношения личного чувства и долга. Сюжет повествует о Сципионе Африканском, который после победы над Карфагеном увидел среди пленных прекрасную Лукрецию. Но Сципион, покоренный ею, отказался от девушки и возвратил ее жениху Алуцею. Сципион являет собой образ мудрого и справедливого правителя, ставящего разум и справедливость выше собственных чувств и страстей, его поступками движет чувство долга. Сципион одерживает победу не только над Карфагеном, но и над самим собой. В этом отличие от «Геркулеса и Омфалы». Если в той картине главную победу одерживают чувства, если главное - развлечь зрителя, то в этом полотне главной мыслью является победа долга над страстью. Художник пытается научить, показать, как нужно делать правильно. В картине присутствует рассудительность, построено единство, нет случайных деталей. В картине фигурируют три главных героя: Сципирон, олицетворяющий собой образ мудрого правителя, жених Лукреции Алуцей, склоненный перед правителем в знак благодарности и уважения, и воин, стоящий позади жениха, который наблюдает все со стороны. Каждого главного персонажа окружают три человека. В картине много простора, в отличии от «Геркулеса и Омфалы», где камерное ограниченное пространство. Складывается впечатление, что перед нами театральная мизансцена, и это последний акт. Композиция картины призвана выявить разумность происходящего. Живопись Пуссена отличает локальный цвет, повторяющийся в разных частях композиции, ясность линейного рисунка, лаконизм и обобщенность форм. Свет рассеян равномерно, не привлекая внимание зрителя на какого-нибудь определенного персонажа или деталь. Все эти приемы придают поступку героя особую значимость, а сцене - характер величественности и торжественности.

Франсуа Буше «Мадонна с младенцем и Иоанном Крестителем»

Эта картина была написана по заказу маркизы Помпадур в 1758 г. и выставлена в Салоне в 1759 г. под названием «Рождество». Несмотря на свой богословский сюжет, полотно явно несет в себе цель удовлетворить эстетическую потребность человека. Зритель скорее получает удовольствие от изящного и утонченного рисунка, нежели испытывает духовное благоговение перед Рождением Христа. То, что перед нами не простая женщина, а Мадонна указывают символы, оставленные в картине как «подсказки». Белая Лилия в нижнем левом углу картины представляет собой символ чистоты и непорочности Девы. Барашек, лежащий рядом с колыбелью - символ Христа, Агнца Божьего, взявшего на себя грех мира и принявшего смерть для спасения людей. В нижнем правом углу картины находится крест, на котором лежит ткань с надписью «Agnus», что значит на латыни «агнец». В руках у Иоанна Крестителя, на которого смотрит Мария, колос и виноград, как символы Хлеба и Вина, использующиеся в самом важном обряде христианства - Святом Причащении. Все эти «подсказки» говорят нам о том, что перед нами Мадонна.

При первом взгляде на полотно внимание приходится на центр, где расположена фигура Мадонны и новорожденного Младенца. Мягкий свет освещает лицо Марии и Христа, делая их главными героями картины. Мадонна скорее похожа на пастушку или фарфоровую статуэтку, а ангелы напоминают античных амуров. Картина отражает характерные особенности рококо: богатый оттенками колорит, нежные мягкие цвета и полутона, округлость форм, изящество и утонченность рисунка. Рококо не может передавать серьезных повествований, этот стиль подходит для легких мифологических или пасторальных сюжетов. Поэтому, когда я смотрю на эту картину, складывается ощущение чего-то неправдоподобного, будто передо мной не религиозный сюжет, а античный, слишком вычурный и имеющий «сладкий» оттенок.

Для сравнения возьмем картину «Отречение святого Петра», написанную в 1620 г. Валантеном де Булонь. Сюжетом служит евангельское повествование о том, как св. апостол Петр отрекся по пророчеству Христа от своего Учителя, когда Его взяли под стражу. Перед нами словно эпизод, взятый из повседневной жизни. Складывается ощущение, будто мы находимся в реальной окружающей действительности. Все взято из жизни: и Петр, поднявший руки в явном смятении, и служанка, указывающая на апостола, и юноша, одетый в современный костюм, воины, играющие в кости. То, что в центре картины не главный герой, а второстепенный, тоже дает эффект реальной окружающей действительности. Юноша служит опорной точкой, благодаря чему взгляду зрителя позволяется войти в картину. Здесь господствует сумеречный тон, фигуры словно выхвачены из мрака. Зритель чувствует напряженную эмоциональную атмосферу в отличии от картины Буше, в которой все легко, радужно и изящно.

Франсуа Буше «Юпитер и Каллисто»

Картина была написана в 1744 году по мотивам сюжета, взятого из античного мифа. Юпитер, полюбивший нимфу Каллисто, обращается в богиню Диану и в ее облике является к возлюбленной. На полотне изображены две флиртующие женщины, в этой двусмысленной ситуации заключается привкус утонченной эротики, что характерно для рококо. На картине можно увидеть лук и кочан со стрелами, символ богини охоты Дианы. Застреленные на охоте куропатка и заяц тоже рассказывают зрителю о том, кто изображен на полотне.

Персонажи напоминают фарфоровые статуэтки, сияющие и хрупкие. Пейзаж и похожие на свесившиеся цветы амуры - условны и искусственны. Художник использует розовые, дымчато-голубые и зеленые тона, цвет словно лежит на поверхности предметов, создается впечатление, что картина покрыта эмалью. Все линии, формы и краски в картине дышат изысканностью и красотой. Буще тщательно прописал структуру тканей, сделав ее необычайно реалистичной. Нагота превратилась в пикантное изображение, а округлая форма предметов позволяет взгляду зрителя оставаться в картине, мы словно попадаем в ловушку и наслаждаемся нежностью красок и изящностью линий.

В картине Никола Пуссена «Ринальдо и Армида» (1620-е) мы тоже можем наблюдать античный мотив. Отправившегося в крестовый поход молодого рыцаря Ринальдо усыпляет волшебным пением колдунья Армида. Она хочет убить молодого человека, но увидев его, девушка, пораженная красотой юноши, влюбляется и увлекает его в свои зачарованные сады.

В отличие от камерности и нежности картины Буше, мы наблюдаем вспышку, страсть, так ярко переданную цветом у Пуссена. В картине Буше герои спокойны, они пребывают в покое, в отличие от персонажей Пуссена. Все охвачены движением: колесница так и норовит умчаться вперед, сатир льет воду из кувшина, амуры, которые будто бы натягивают стрелы любви, Армида, тянущаяся к Ринальдо - все персонажи передают динамику картины. Здесь бушует страсть, ничто не сидит на месте, также присутствуют локальные цвета. Все говорит о любви, всепоглощающей, страстной, неистовой, способной смести все вокруг, а в картине Буше все дышит спокойствием и комфортом. Картины схожи сюжетом: они обе говорят о любви, но делают это совершенно разным способом.

Франсуа Буше «Женская головка».

«Женская головка» (1730-1740) пользовалась огромным успехом в свое время , о чем говорит огромное число повторений и копий этого произведения в XVIII веке. На полотне изображена девушка, откинувшая голову на синюю подушку. Здесь очень хорошо подобраны цвета. Синего цвета платье, синие камни в ушах, синие глаза и стена, все очень гармонично и приятно смотрится в картине. Матовая белоснежная кожа светится, словно фарфор, делая героиню визуально хрупкой и нежной. Девушка приоткрыла рот, что говорит о чувственности, она словно хочет заманить зрителя к себе. На ее лице прекрасно можно прочесть эмоции и желания. Картина проникнута чувством и изяществом.

В «Женском портрете» (конец 1690-х) Никола де Ларжильера героиня также прекрасна, даже черезчур. Изящный поворот головы, плавные линии покатых плеч, стройная шея, гладкая бархатистая кожа, выразительные глаза, яркие губы, аккуратный нос - все говорит об идеализации образа, а не об индивидуальных особенностях облика. Богатство цвета и сочная живопись вносят в образ чувственное обаяние. Все очень тщательно и аккуратно прорисовано. Героиня яркая, сочная, она наполнена глубокими цветами, в отличие от «Женской головки», где все говорит о нежности и изящности. Героиня смотрит на зрителя лукавым взглядом, она знает о своей привлекательности и смело смотрит вперед. Здесь присутствует характер некого торжества, прямоты и смелости, в отличие от картины Буше, где все камерно, скромно и скрыто от посторонних глаз. Тут нет такого яркого колорита. Картины рококо прекрасно вписываются в окружающий интерьер, почти сливаясь с ним и не привлекая особого внимания, когда как этот портрет вызывающе яркий, приглашающий зрителя посмотреть на себя и полюбоваться.

ЗАКЛЮЧЕНИЕ

Картины Франсуа Буше как никакие другие полотна прекрасно отражают нам особенности стиля живописи рококо: богатый оттенками колорит, нежные мягкие цвета и полутона, округлость форм, изящество и утонченность рисунка.

В работах художника господствуют легкость и изящество, грация и изысканная сложность форм. Картины приобретают манерно - утонченный, подчеркнуто - изящный и усложненный вид. Практически все работы написаны на мифологические сюжеты, представляют собой галантные сцены, эротико-мифологические и пасторальные сюжеты, где большое значение уделяются духу интимности, комфорта и вниманию к личному удобству.

Живопись рококо избегает яркого колорита и богата тонкими переливами. Художник предпочитал светлый колорит, строившийся на розово-красных, белых и нежных голубых тонах. Буше не стремился к правдивости образов, его герои чувственно - идеализированы и однообразны, а композиции пронизаны жизнерадостностью и безмятежностью. Краски исполнены динамичным мазком, полны очарования и фантазии. Картины стиля рококо чаще всего использовались как дополнение к интерьеру, поэтому герои картин спокойны и неторопливы, они не привлекают своей яркостью, а скорее наоборот, успокаивают нежными цветами.

Искусство рококо действительно по изысканности и красоте принадлежит к высшим достижениям искусства своего времени.

БИБЛИОГРАФИЧЕСКИЙ СПИСОК

рококо картина буше живопись

Большая иллюстрированная энциклопедия. В 32 томах. Т.13. М.:АСТ:Астрель;2010

Большая иллюстрированная энциклопедия. В 32 томах. Т.24. М.:АСТ:Астрель;2010

Популярная художественная энциклопедия. Под ред. Полевого В.М.; М.: Издательство «Советская Энциклопедия», 1986

Адамчик М.В. 1750 шедевров мировой живописи. 500 Великих мастеров. Минск: Харвест,2007

Искусство. Современная иллюстрированная энциклопедия. Под ред. проф. Горкина А.П.; М.: Росмэн; 2007

Размещено на Allbest.ru