Размещено на http://www.allbest.ru/

Введение

Античность - это история всех нас, живущих в западном мире. Поэтому знание великого наследия наших предков, понимание мотивов создания произведений искусства античных греков и римлян углубляет не только наши знания истории, но и позволяет достигать вершин эстетического наслаждения.

К. Маркс писал: "памятники античного искусства продолжают доставлять нам художественное наслаждение и в известном смысле сохраняют значение нормы и недосягаемого образца".

Создателями культуры и искусства античности, по-праву, считаются древние греки, или эллины. Именно в Древней Элладе сформировалось и выросло античное искусство, достигшее небывалого размаха в более поздние периоды.

Древние народы и цивилизации оставили нам богатое наследство. Античное искусство, родившееся в Древней Греции и Древнем Риме, послужило родоначальником всего последующего западного искусства. Слово "античный" происходит от латинского "антиквус", что в переводе на русский означает "древний". Впервые термин "античность" был использован примерно в XV веке в Италии, во время формирования новых настроений эпохи Возрождения.

На протяжении всей эпохи античности укреплялось представление об античном искусстве, античной культуре в самом широком проявлении как об идеальном, недостижимом образце для подражания. Античные греческие и римские произведения привлекали мастеров эпохи Возрождения не только как образчики высочайшего мастерства, но и своей идеологической подоплекой, возвышающей образ человека и утверждающей высочайшую ценность свободы. Таково было великое мировоззрение античности.

Точкой отсчета начала Эпохи античности принято считать первые Олимпийские игры, проведенные в 776 до н. э. Исчезновение эпохи античности относят к падению Рима в 776 году до нашей эры. Античную эпоху подразделяют на несколько исторических периодов, каждому из которых была характерна самобытная культура и своеобразное искусство.

У истоков античности лежит Крито-микенский период (конец III--II тысячелетия до нашей эры), во время которого зародились первые основы государственного строя, возникновение письменного языка, налаживание связей с древними цивилизациями Востока. Этот период закончился завоеванием Крита ахейцами и дорийцами.

Именно ахейцы дали начало великой цивилизации Древней Греции. Начался огромный Полисный период античности, который разделялся на гомеровский период, периоды греческой архаики, греческой классики и эллинизм.

Целью данной работы является показать и кратко охарактеризовать основные периоды развития античного искусства в целом и развитие античной пластики в частности.

Искусство древнего Рима, как и древней Греции, развивалось в рамках рабовладельческого общества, поэтому именно эти два основных компонента имеют в виду, когда говорят об «античном искусстве». Обычно в истории античного искусства придерживаются последовательности -- сначала Греция, потом Рим. Причем считают искусство Рима завершением художественного творчества античного общества. В этом есть своя логика: расцвет эллинского искусства приходится на V -- IV вв. до н. э., расцвет римского -- на I--II вв. н. э. В связи с этим мы будем рассматривать развитие скульптурной портретной пластики именно в этом хронологическом порядке.

1 Древняя Греция

Искусство Древней Греции внесло значительный вклад в развитие всего мирового искусства. Среди основных характеристик греческого искусства: гармония, уравновешенность, упорядоченность, успокоенность, красота форм, пропорциональность. Оно глубоко гуманистично, ибо рассматривает человека как "центр Вселенной и меру всех вещей". Искусство носит идеалистический характер, так как представляет человека в его физическом и моральном совершенстве. Главная цель древнегреческого искусства -- эстетическое наслаждение.

Трехмерность, пластика, скульптурность греческого искусства была отражением целостной и гармоничной модели мира и соответствующего ей целостного бытия греков. В греческом мире индивид идеально вписывался в полис, а полисная структура в космос. Соответственно, в греческой модели мира космос, несмотря на свою величественность, был понятен и доступен. Боги в такой модели мира были хоть и высшими существами, но вполне доступными для общения. Более того, боги даже обладали понятными для человека слабостями. Человек был уверен, что похож на богов, и с этим связывалась идея свободного владения пространством и временем, воплотившаяся в греческом искусстве.

В античной Греции процветали различные виды искусства, включая пространственные: архитектура, скульптура, вазопись. История античного искусства включает в себя несколько этапов.

Крито-микенский, или эгейский, период в искусстве (III--II тысячелетие до н. э.)

Искусство этого периода характеризует высокое мастерство художников и зодчих Крита. Благодаря раскопкам А. Эванса на рубеже XIX--XX веков была открыта удивительная по красоте художественная культура Крита, названная им минойской. Ансамбли дворцов, росписи стен (фрески), керамика впечатляют свободной живописностью, фантазией, высоким художественным уровнем исполнения. Кнооский Дворец представлял собой уникальный памятник художественной культуры Крита. Он занимал площадь 16 тыс. м2. Его росписи, архитектура, керамика являются образцом искусства; напоминающего египетское, но более непринужденное, с плавными линиями, красивыми силуэтами и красочными рисунками. При всей своей величественности он не подавляет человека, а выступает соразмерным ему. Фрески дворца свидетельствуют о том, что главный герой критского искусства -- человек, его впечатления от окружающей жизни, которые были положены в основу изображения пейзажа и животных.

Зная лишь пять красок -- белую, красную, голубую, желтую и черную, владея лишь «цветным силуэтом», живописцы Крита сумели создать яркие эмоциональные образы.

По сравнению с искусством Египта и Месопотамии искусство Крита раскрывает совершенно новый мир, полный гармонии.

Обожествление природы и красоты, радость бытия, ликующее восприятие мира отражены в искусстве Крита, считающемся самым изящным и абсолютно законченным в своем мастерстве из всех, до и после него возникших.

Изменчивость и Движение как основы художественного образа, быстрая смена видений, стремление запечатлеть мгновенность -- вот то новое, что дало миру искусство Крита.

Искусство гомеровской эпохи (XI--IX вв. до н. э.)характеризуется новым типом. Художественное ремесло достигает расцвета, и особо ценится мастер-ремесленник, создающий искусно выполненные вещи. Главным в искусстве этого периода является не изображение окружающего мира, не передача впечатлений от него, а создание нового изделия, работа в материале, конструирование новых форм, не существующих в природе, в противоположность тому, что было в минойский период. Постепенно над поэтическим видением мира преобладает анализ, расчет, поиск рационального, т. е. разум человека становится все более независимым от природы. Стиль становится более строгим, композиции -- более стройными. Упорядоченность формы и стиля вызвана представлениями об упорядоченности мира, космоса, торжества его над хаосом. Расчет, ритм, симметрия в искусстве получают философское обоснование, а прекрасное как эстетическая категория и правила красоты получают математическое, числовое выражение. Почвой для этой новой, более развитой формы культуры стала греческая мифология, дающая космогоническую картину происхождения мира. Именно в этот период боги, герои, мифологические существа получают человеческий облик, т. е. абстрактно-знаковая форма сменяется изобразительной. Начинают бурно развиваться пластика, монументальная скульптура. Скульпторы ищут возможности свободного и живого изображения тела человека сначала в статичном положении, а потом и в динамике.

С развитием городов, земледелия и торговли усложняется мифологическое осмысление мира. В культуре Древней Греции такие изменения характеризуют период архаики (VII-- VI вв. до н. э.). Расцветает поэзия, в которой прославлялись зодчие, вазописцы, наиболее известные музыканты. Греческая архитектура в своем развитии выходит на новый виток: особое распространение получает храмовое строительство. Архитектура и вазопись являются в период архаики наиболее развитыми областями художественной культуры. Архаическая вазопись претерпевает качественные изменения: стремясь передать пространство, объем и движение, мастера меняют технику изображения, и силуэтная чернофигурвая роспись сменяется краснофигурной. Краснофигурный стиль позволял воплотить задуманное: росписи получили необходимый объем и глубину пространства. В скульптуре появились произведения, передающие человеческий образ, приближенный к реальности. Период греческой архаики (от греческого архайос - древний) - это эпоха формирования монументальных изобразительных и архитектурных тенденций. В эпоху архаики сложились такие архитектурные понятия, как дорический и ионический ордера, появились основные типы монументальной скульптуры: статуи куроса и коры.

Одним из наиболее ранних памятников архаического искусства является статуя куроса, исполненная из крупнозернистого мрамора на рубеже VII и VI веков до н. э. Она была найдена на мысе Сунион, около храма бога морей Посейдона.

Такие статуи часто посвящали в дар богам. Трехметровая фигура обнаженного юноши высечена из монолитной глыбы камня. Размеры статуи, намного превосходящей человеческий рост, и упрошенный стилизованный силуэт сообщают ей монументальное величие поистине монументальной скульптуры. Оно подчеркнуто неподвижностью позы: выдвинутая вперед левая нога и отодвинутая назад правая создают впечатление покоя.

Высекая обнаженную фигуру, скульптор стремится подчеркнуть характерные признаки атлетически развитого тела -- широкие плечи и узкую талию юноши. Ноги напоминают могучие столбы, и в них четко обозначены коленные чашечки. Не владея точным знанием анатомии, мастер лишь приблизительно намечает мускулы: на животе они прочерчены врезанными линиями, а на спине трактованы декоративными узорами. Все мускулы тела показаны в одинаково напряженном состоянии. Части лица переданы округлыми сглаженными объемами. Уголки губ чуть приподняты, что создает впечатление загадочной улыбки. Условными завитками изображены длинные волосы, падающие на спину. Фигура куроса обращена лицом к зрителям, руки плотно прижаты к телу, кубической формы голова поставлена прямо, и взгляд устремлен вдаль. Художественные приемы, использованные греческим скульптором, заставляют вспомнить древнеегипетские статуи.

Это сказывается, прежде всего, в одинаковой системе обработки камня. Вначале мастер придавал глыбе четырехгранную форму, затем наносил на каждую ее грань контур будущей скульптуры и начинал высекать статую одновременно со всех сторон, снимая камень параллельными прямыми слоями. Такая манера, свойственная и египетской и греческой архической пластике, делала статую угловатой и замкнутой, а все объемы человеческого лица сводились к плоскостям профиля и фаса. Подобный метод диктовал скульптору и так называемый закон фронтальности, господствующий в архаическом искусстве, и строгую вертикальность позы и соблюдение принципов симметрии при построении фигуры. Сходство архаических статуй куросов с творениями мастеров отмечали уже писатели древности. Однако, заимствуя своеобразные приемы искусства древневосточных цивилизаций, греческий мастер вкладывает в свой образ новый смысл, созвучный гуманистическим идеалам греческой культуры. Статуя создана не для обоготворенного владыки, она утверждает и прославляет мощь свободного человека. Образ куроса проходит через все архаическое искусство.

Статуя, которую скульптор создавал по заказу города, выражала не только его личный идеал, но и представление о красоте мужественного и энергичного человека, свойственное всем гражданам в условиях суровой и полной борьбы жизни. Изображая обнаженных юношей, мастера совершенствовали знание пропорций человеческой фигуры, изучали мускулатуру тела, овладевали необходимыми техническими навыками. В VI веке до н. э. монументальная пластика получает широкое распространение в эллинских полисах. Многочисленные статуи богов и героев греческой мифологии воздвигали на площадях городов, в храмах и святилищах. Скульптурами отмечали победы знаменитых атлетов на общественных состязаниях. Над могилами умерших ставили надгробные памятники и стелы с рельефными изображениями. Фронтоны храма, метопы и фриз украшали декоративными скульптурами. Чтимые всеми греками святилища были переполнены посвятительными статуями, щедрыми дарами, принесенными в знак благодарности богам от городов или богатых рабовладельцев.

Переход от архаики к классике ( VI-V вв. до н.э.) был к значительной мере обусловлен социальными и политическими изменениями в обществе. В результате в мировоззрении греков наметился переход к качественно новому осмыслению мира, что проявилось в искусстве в виде новых форм художественного выражения. Центром античной культуры классической эпохи становятся Афины. Афинское государство стало примером в стремлении к развитию культуры своих граждан. Культ тела и физической красоты стал одной из сторон воспитания личности. Вторая четверть V века до н. э. -- один из интереснейших периодов в развитии греческого искусства. Это время напряженных поисков, время, когда мастера скульптуры овладевают приемами реалистического изображения человеческого тела, познают выразительные возможности движущейся фигуры. В активном движении раскрывается внутреннее состояние человека.

Статуя Посейдона -- прекрасный образец высокого искусства бронзового. В V веке до н. э. бронза стала излюбенным материалом скульпторов, так как ее чеканные формы особенно хорошо передавали красоту и совершенство пропорций человеческого тела. В бронзе работали два крупнейших скульптора V века до н. э. -- Мирон и Поликлет. Их статуи, прославленные в древности, до наших дней не сохранились. О них можно судить по мраморным копиям, выполненным римскими мастерами пятьсот лет спустя после создания оригиналов, в I--11 веках н. э.

Мирон большую часть своей жизни работал в Афинах.

Среди его произведений наибольшей известностью пользовалась статуя «Дискобол», исполненная между 460 и 450 годами до н. э. Она прославляет победителя атлетических состязаний. Сжав диск в правой руке, обнаженный юноша наклонился вперед. Рука с диском отведена назад до предела. Кажется, через мгновение атлет распрямится и брошенный с огромной силой диск полетит на далекое расстояние. Все тело юноши пронизано захватившим его движением.

Впились в землю пальцы правой ноги, которая служит опорой телу, резко обозначились напряженные мускулы, и, словно тугой лук, согнуты руки. Новаторство Мирона заключалось в том, что он одним из первых мастеров греческого искусства сумел передать в скульптуре ощущение движения. В позе «Дискобола» как бы слиты несколько последовательных движений: размах, мгновенная остановка перед броском и намек на сам бросок. Эта поза не является точным повторением какого-то одного момента в движении атлета. Правдивое впечатление движения в искусстве Мирона складывается благодаря единству простых и легко воспринимаемых жестов, которые передают различные моменты реально движущейся фигуры.

Фигура «Дискобола» передает огромное внутреннее напряжение, которое сдержано внешними формами скульптуры, упругими замкнутыми линиями, очерчивающими ее силуэт. В образе атлета Мирон раскрывает способность человека к активному действию.

Утверждение достоинства и величия человека-гражданина становится главной задачей греческой скульптуры эпохи классики. В статуях, отлитых из бронзы или высеченных из мрамора, мастера стремятся передать обобщенный образ совершенной человеческой красоты, которая, по выражению греческого писателя Лукиана, «состоит в том, чтобы воедино слились добродетель души с соразмерной красотой тела». В творческом воображении мастеров скульптуры этот идеал связан прежде всего с обликом юноши атлета.

Наступала эпоха эллинизма (III в. до н.э. и последние десятилетия I в. до н.э.). Ее искусство характеризуется исключительно интенсивным развитием всех художественных форм, связанных и с греческими, и с «варварскими» принципами культуры, с развитием науки, техники, философии, религии, с расширением кругозора. Это объясняется и обширными военными походами, н торговыми контактами, и научными путешествиями того времени. Границы, на которых существовал гражданин полиса и которые формировали его мировоззрение, снимаются, и возникает неведомое ранее «чувство мировых просторов». Этот сложный мир, лишенный привычной гармония, был новым. Его необходимо было понять, а значит, и выразить в художественных формах средствами искусства.

Бурно развивается архитектура как результат развития старых и строительства новых городов и скульптура, отражающая стремление многих правителей прославить мощь своих государств и себя в памятниках. Расцветают виды искусства, связанные с украшением зданий и интерьеров: мозаика, расписная керамика, декоративная скульптура. Искусство эпохи эллинизма более демократично, лишено жестких норм, канонов, более реалистично и гуманистично, ибо человек с его страстями и в реальном обличье стал центром внимания искусства того периода. Чрезмерное увлечение бытовой точностью часто выражается в мелочную повествовательность, и даже отталкивающий натурализм. Таковы изображения стариков и старух, свойственные мастерам Александрии. В то же время родосские скульпторы явно предпочитают кровавые, бьющие по нервам сюжеты и тяготели к намеренно эффектным театральным приемам.

Порой мастера эллинизма обращали свои взоры в прошлое, к возвышенным образам греческой классики. Под их влиянием появляются такие замечательные произведения искусства, как статуя богини Афродиты, найденная в XIX веке на небольшом островке Мелос. Ее создал мастер Александр около 120 года до н. э. Эта знаменитая ныне статуя пошла в историю под названием Венеры Милосской. Полуобнаженная фигура богини высечена и паросского мрамора. Руки ее были утрачены еще в древности. Ученые предполагают, что в одной руке Афродита держала яблоко, символ острова Мелос, а другой придерживала ниспадающую одежду. Фигура богини с разных точек зрения кажется то гибкой и подвижной, то полной сдержанного покоя. Скульптор достиг удивительной тонкости в обработке материала: по поверхности мрамора легко и трепетно скользят световые блики и прозрачные тени, создавая ощущение живого и прекрасного человеческого тела. Облик богини, в котором естественно сочетаются нежность и сила, привлекает здоровой и целомудренной красотой. Лицо Афродиты с идеально правильными чертами пленяет ясным спокойствием и поэтической одухотворенностью. В этой статуе слились воедино лучшие достижения греческого искусства.

Она рождает чувство светлой гармонии, показывает, какой чистоты и нравственного совершенства может достичь человек.

2 Древний Рим

Культура Древнего Рима связана с завершением истории античного общества. Она продолжала эллинистическую традицию и в то же время выступала как самостоятельное явление, определяемое ходом исторических событий, своеобразием условий жизни, религии и свойствами характера римлян. Для культуры Древнего Рима характерно усиление индивидуализма. Личность всё больше начинает противопоставлять себя государству, переосмысляются и критикуются традиционные античные идеалы, общество становится более открытым внешним влияниям.

Для мировосприятия римлянина раннего периода были характерны ощущение себя как свободного гражданина, сознательно выбирающего и совершающего свои поступки; чувство коллективизма, принадлежности к гражданской общине, приоритета государственных интересов над личными; консерватизм, следование нравам и обычаям предков (аскетические идеалы бережливости, трудолюбия, патриотизма); стремление к общинной замкнутости и обособленности от внешнего мира. От греков римляне отличались большей трезвостью и практичностью.

Римское искусство как особое художественное явление стали изучать лишь в XX в., по существу только тогда осознав всю его самобытность и неповторимость.

В произведениях древних римлян, в отличие от греков, преобладали символика и аллегория. Соответственно пластические образы эллинов уступили у римлян место живописным, в которых преобладала иллюзорность пространства и форм -- не только во фресках и мозаиках, но и в рельефах. Изваяния, подобные Менаде Скопаса или Нике Самофракийской, уже не создавались, зато римлянам принадлежали непревзойденные скульптурные портреты с исключительно точной передачей индивидуальных особенностей лица и характера, а также рельефы, достоверно фиксировавшие, исторические события. Римский мастер, в отличие от греческого, видевшего реальность в ее пластическом единстве, больше склонялся к анализированию, расчленению целого на части, детальному изображению явления. Это может быть объяснено не только спецификой собственно римского склада мышления, но и уже сложившейся традицией -- развившимся в практике эллинизма тяготением античного художника к возможно более адекватному воспроизведению жизненных образов. Грек видел мир как бы сквозь все объединявшую и связывавшую воедино поэтическую дымку мифа. Для римлянина она начинала рассеиваться, и явления воспринимались в более отчетливых формах, познавать которые стало легче, хотя это же приводило к утрате ощущения цельности мироздания.

В древнем Риме скульптура ограничивалась преимущественно историческим рельефом и портретом, зато получили развитие изобразительные искусства с иллюзорной трактовкой объемов и форм -- фреска, мозаика, станковая живопись, слабо распространенные у греков. Пластические формы греческих атлетов всегда представлены открыто. Образы, подобные молящемуся римлянину, набросившему на голову край одеяния, большей частью заключены в себе, сосредоточены. Если греческие мастера сознательно порывали с конкретной неповторимостью черт ради передачи широко понимаемой сущности портретируемого -- поэта, оратора или полководца, то римские мастера в скульптурных портретах концентрировали внимание на личных, индивидуальных особенностях человека.

Система римских архитектурно-пластических образов глубоко противоречива. Компактность форм в них только кажущаяся, искусственная, вызванная, видимо, подражанием классическим образцам эллинов. Отношение римлян к форме, объему, пространству совершенно иное, нежели у греков, основанное на принципе прорыва границ и рамок, на эксцентрической, а не концентрической динамике художественного мышления.

Римская монументальная скульптура не получила такого развития, как греческая; она не ориентировалась на изображение физически и духовно совершенного человека; ее героем был римский государственный муж, облаченный в тогу. В пластическом искусстве доминировал скульптурный портрет, исторически связанный с обычаем снимать с умершего восковую маску и хранить ее вместе с фигурками домашних богов. В отличие от греков, римские мастера стремились передать индивидуальные, а не идеально-обобщенные черты своих моделей; их произведениям была свойственна большая прозаичность. Постепенно от детальной фиксации внешнего облика они переходили к раскрытию внутреннего характера персонажей («Брут», «Цицерон», «Помпей»).

Этруски и этрусское искусство VII-IV века до нашей эры

Этруски - это древние народности, существовавшие в первом тысячелетии до нашей эры на территории Апеннинского полуострова, в его северо-западной части (современная Тоскана на территории Италии). Этруски - народ во многом загадочный: точно не установлено ни их происхождение, ни их языковые корни, ни их исчезновение.

Существует две основные гипотезы происхождения этрусков. Согласно одной из них, эти народности появились из первобытных племен Апеннин. Согласно другой, этруски пришли из Средиземноморья или же Малой Азии. Письменность появилась у этрусков в VII веке до нашей эры.

Развитие культуры этрусков происходило на фоне развития древнегреческих цивилизаций начиная с гомеровского периода, и влияние греческой культуры оказывалось достаточно существенным. Тем не менее, искусство этрусков настолько отличается от древнегреческого, что дает основания полагать наличие других, более древних, корней.

С VI века до н.э. на цивилизацию этрусков все большее воздействие оказывает через греческие колонии на юге Италии эллинская культура, греческое искусство. Этруски заимствовали греческий алфавит, театральное искусство и мифологические представления Древней Эллады. По греческому образцу стали чеканить золотые монеты. Аристократы Этрурии увлекались чернофигурными и краснофигурными вазами, и не случайно именно в этрусских гробницах обнаружены многие великолепные произведения греческой керамики.

Широкое распространение получили в пластике этрусков большие терракотовые саркофаги со скульптурными фигурами покойных на крышках. Так, на саркофаге второй половины VI века до н. э. из Цере мастер изобразил семейную пару знатных этрусков. Опираясь на подушки, они возлежат на пиршественном ложе. Рука мужчины покоится на плече женщины. Торжественные позы лежащих и условные жесты сообщают им своеобразную значительность. Их торсы переданы объемно, тогда как нижняя половина фигуры, скрытая одеждой, выглядит совсем плоской.

Образы, созданные ваятелем, привлекают изысканной декоративностью и тщательной отделкой деталей. Мягкой пластичной лепкой переданы лица умерших, оживленные легкой улыбкой. При всей их обобщенности можно заметить и некоторые индивидуальные признаки. Длинные волосы падают на плечи, изящно вылеплены тонкие ступни ног. Художественные приемы, которыми пользуется скульптор, явно говорят о его знакомстве с произведениями греческих мастеров эпохи архаики.

Искусство Римской республики IV - I

Самые ранние поселения на месте будущего Рима появились еще в X веке до н. э. Позднее на холмах вдоль реки Тибр возникли деревни италийских племен - латинян и сабинян, которые в VIII веке до н. э. слились в единую общину IV-I века до нашей эры

Римской республикой называют эпоху Древнего Рима IV-I с века до нашей эры, для которой была характерна олигархическая форма управления государством. Фактическая власть сосредоточилась в руках сената и консулов.

В течение трех столетий Рим находился под управлением монархов-патрициев, однако в III веке до нашей эры власть в результате нескольких переворотов перешла к нобилитету (группе римских аристократов). Во время их правления происходит окончательное подчинение этрусков. В течение последующего столетия Рим подчиняет своему влиянию крупнейшие античные центры - Карфаген и Афины.

Как это часто бывало в античной истории, завоеватели перенимали и интегрировали культуру подчиненных народов. Это произошло и с Римом: огромное влияние на культуру и искусство последнего оказали этрусские и греческие традиции и художественные школы.

С другой стороны, огромным оказалось влияние и эллинской культуры.

В эпоху Римской республики развивается реалистический скульптурный портрет, занимающий особое место в античном искусстве. Его своеобразие особенно ярко выступает при сравнении с портретами эпохи эллинизма. Самые ранние римские портреты выполнены этрусскими мастерами.

Подлинным шедевром скульптуры является бронзовый бюст, созданный в первой половине III века до н. э. - «Голова Брута». В нем запечатлен человек с крупной красивой формой головы и правильным овалом лица. Пропорции лица свидетельствуют о стремлении к благородному идеалу греческого искусства, но типично римский орлиный профиль и чуть заметная асимметрия черт придают ему неповторимое своеобразие. Прекрасно гравированы волосы и борода. Инкрустированные глаза создают ощущение проницательного взгляда. Внутренняя сила и сосредоточенность сообщают образу нравственное величие. В нем чувствуется ум, жизненный опыт, цельность характера.

Умение обобщенно передать черты лица и сознательная типизация сближают работу этрусского мастера с портретными скульптурами ораторов и политических деятелей Греции IV-III веков до н. э. Долгое время этот бюст считался изображением прославленного римлянина Юния Брута, одного из инициаторов восстания в конце VI века до н. э., в результате которого был изгнан последний римский царь Тарквиний Гордый и установлена республика. В сознании римлян и в их легендах это был человек большого мужества, беспредельно любящий свободу, образец доблестного гражданина. Не удивительно, что бронзовый бюст ассоциировался с образом легендарного римлянина.

Развитию портрета способствовало и предоставленное римским чиновникам в I веке до н. э. право воздвигать свои портретные статуи в общественных местах. В это время римляне заимствуют у греков ранее незнакомый им материал - мрамор - и технические приемы его обработки.

Одно из направлений в портретной скульптуре I века до н. э. следовало исконной римской традиции, стремясь к максимальной точности внешнего физиономического сходства. В портрете римлянина из Ватиканского музея, который относится к 80-70 годам до н. э., скульптор изобразил пожилого человека с аскетически суровым лицом. На его голову наброшено покрывало. Вероятно, эта голова принадлежала статуе, представляющей римского гражданина в момент жертвоприношения богам.

С большим вниманием мастер передал неправильной формы голову, высокий лоб, изрезанный асимметричными морщинами, собранные у переносицы складки, глубоко поставленные глаза, выступающие скулы, старческие щеки, впалый, видимо беззубый, рот, сжатые в тонкую линию высохшие губы и тяжелый подбородок. Скульптор сознательно стремится показать лицо таким, каким оно было в действительности, и каждая деталь представляет для него самодовлеющий интерес. Мастер еще не владеет в полной мере приемами обработки мрамора: морщины на лице нанесены жесткими сухими линиями. Однако в портрете мы ощущаем образцового римлянина старого закала, настойчивого и сурового человека, типичного представителя древнеримской доблести, которая в сознании римлян была связана с простотой и строгостью нравов.

В первые века существования Республики римляне заимствовали культ почитания предков, широко распространенный в Этрурии. В приемных богатых домов стояли портретные изображения предков хозяина дома, которые были предметом фамильной гордости аристократов. Писатели древности сообщают, что такие портреты часто отливали из воска и несли в погребальной процессии за гробом умершего знатного римлянина. Эти портреты отличались большой достоверностью в передаче черт лица, и многие из них, по существу, еще не были произведениями искусства, сохраняя культово-семейное значение.

Однако создание таких портретов способствовали развитию у скульпторов навыков точного изображения человеческого лица со всеми его неповторимыми индивидуальными чертами. Говорить о художественном значении этих портретных изображений не приходится - сами римляне предпочитали им прекрасные греческие статуи.

Искусство Римской империи

С падением республиканского строя и установлением Империи перед литературой и искусством Рима встала задача прославления императора, носящего титул "божественный", и возвеличивания его власти I-IV века нашей эры

Конец эпохи Римской республики ознаменовался изнурительными гражданскими войнами, причинами которых были войны за власть.

С установлением на территории Средиземноморья Римской империи изменилась социальная роль искусства. Идеологию того периода прекрасно выразил римский поэт Вергилий: "Вот твое, римлянин, будет искусство. Помни, что ты должен народами правитъ, им устанавливать мир, слабых щадить и укрощать горделивых".

Для искусства Римской империи характерно, прежде всего, создание изображений императора - статуй и портретных работ. Зачастую образцом для подражания служили статуи эпохи Греческой классики. Вообще, влияние греческого искусства приобретает небывалую силу, особенно в конце I века до нашей эры. В греческой скульптуре римские мастера нашли тот пластический язык и те приемы героизации, которые наиболее отвечали требованиям эпохи начала Империи.

Высеченная из мрамора статуя Октавиана Августа прославляет его как полководца и правителя государства. Гордая, величавая поза и выразительный жест руки придают статуе монументальный характер. Плащ эффектно переброшен через руку, жезл символизирует власть полководца. Август облачен в панцирь, который украшают рельефные изображения. Могучая фигура с атлетически развитым телом и обнаженными мускулистыми ногами напоминает статуи греческих богов и героев. У ног Августа скульптор поместил изображение Амура, сына богини Венеры, от которой якобы вел свое происхождение род Августа. Черты лица Августа переданы правдиво, но его облику придано выражение мужественной прямоты и честности, в нем подчеркнуты качества Идеального гражданина, хотя, по свидетельствам историков, Август был осторожным и жестоким политиком.

К лучшим произведениям этой эпохи принадлежит и знаменитая конная статуя императора Марка Аврелия. Она была отлита из бронзы около 170 года. В XVI веке великий итальянский мастер Микеланджело поставил эту статую в центре созданной им площади на Капитолийском холме в Риме. По ее образцу были в дальнейшем исполнены конные монументы во многих странах Европы.

Скульптор изобразил Марка Аврелия в скромном плаще, без императорских отличий. Свободно вьющиеся волосы обрамляют его задумчивое лицо, в котором угадывается высокая интеллектуальная культура «философа на троне», как называли императора историки. Эффектная игра светотени в прическе оттеняет внешнее спокойствие и самоуглубленность Марка Аврелия.

Его поза и приветственный жест протянутой вперед руки отличаются простотой и естественностью. Статуя лишена той подчеркнутой торжественности и показного величия, которыми отмечены изображения правителей Рима предшествующего времени, например статуя императора Августа. В портрете Марка Аврелия мастер раскрыл настроения человека, который остро ощущает противоречия окружающей действительности и стремится уйти от них в мир мечты и глубоко личных переживаний.

Пристальный интерес к тончайшим оттенкам душевного состояния человека -- отличительная черта портретного искусства второй половины II века, когда в римском обществе все больше распространяются идивидуалистические взгляды и разочарование в жизненных ценностях. Поэтому эмоциональные переживания Марка Аврелия воспринимаются не только как проявление его индивидуальной натуры, но и как более общие черты мировоззрения, характерные для всей эпохи. Римские мастера II века обогатили возможности скульптурного портрета, сделав новый шаг в познании человеческой личности. Впервые в истории мирового искусства они приблизились к пониманию сложности и противоречивости душевной жизни человека.

В портрете "Сириянки", молодой женщины восточного происхождения, скульптор правдиво изобразил ее внешние черты: узкий овал лица, продолговатые миндалевидные глаза, неправильной формы нос, чуть припухшие губы большого рта и маленький, с ямочкой, подбородок.

Легкий наклон головы и мягкие волны прически, которую увеличивают красиво уложенные косы, придают образу изысканную грацию. В неправильных чертах лица привлекает хрупкая нежность и женственность. Тонкие приподнятые брови, прозрачные тени в уголках глаз и рассеянный взгляд раскрывают поэтическую одухотворенность молодой женщины. Грустная полуулыбка, озаряющая ее лицо, придает образу оттенок мечтательности и слабости.

В мягкой моделировке поверхности мрамора, словно светящегося изнутри, в плавных переходах от чуть выступающих скул к щекам и подбородку, в скользящих по лицу бликах ощущается совершенное мастерство талантливого скульптора.

Постепенно моделировка лица переставала занимать портретистов. Духовным силам человека, особенно остро ощущавшимся в век, когда христианство завоевывало сердца язычников, казалось тесно в жестких формах мрамора и бронзы. Сознание этого глубокого конфликта эпохи, невозможность выразить чувства в материалах пластики придавали художественным памятникам IV в. нечто трагическое. Более подходящими казались теперь формы, не скованные осязаемой прочностью камня,-- иллюзорные мозаики, фрески, иконы.

Широко раскрытые в портретах IV в. глаза, смотрящие то печально и властно, то вопрошающе и тревожно, согревали человеческими чувствами холодные, костеневшие массы камня и бронзы, подобно тому, как сквозь все чаще использовавшиеся оконные проемы освещались то громадные интерьеры роскошных терм Диоклетиана, то скорбные ротонды мавзолеев. Материалом портретистов все реже становился теплый и просвечивавший с поверхности мрамор, все чаще выбирали они для изображения лиц менее сходные с качествами человеческого тела базальт или порфир. В мраморных же портретах предпочтение оказывалось сильно патинирующимся его сортам; больше, чем нежный, подтаивающий мрамор, любили они темную поверхность бронзы. Произведения IV в. свидетельствовали о последних попытках пластики сохранить свое значение; все заметнее становился отход от достижений античной скульптуры периода ее расцвета.

Заключение

В настоящее время уже нельзя говорить в отношении Греции и Рима о пластике просто (как это можно было говорить в XVIII или в первой половине XIX в.). Сейчас изучены все предварительные этапы классической пластики, ее долгий и мучительный архаический период. Установлено многовековое разложение этой пластики, давшее в античном мире целый ряд своих собственных специфических стилей.

Рабовладельческая формация создавала в античности живой опыт вещественного и телесного понимания жизни и бытия, она всегда толкала античное сознание и античное творчество именно к пластике, именно к скульптурному воспроизведению всего существующего. Античная пластика только потому и вырастала здесь с такой огромной силой, что она есть вещественно-телесное понимание жизни, а это последнее - самый прямой и самый необходимый результат рабовладельческой формации, понимающей человека именно как физическую вещь, как материальное тело. Без выяснения этого звена связь между рабовладельческой формацией и пластикой останется такой же внешней, номинальной и в лучшем случае чисто синхронической, как и связь между рабовладельческой формацией и античными типами идеализма и материализма.

Мы кратко рассказали об античной пластике, об этапах ее развития. Разумеется, что охватить в полной мере этот длительный исторический путь развития античного искусства, длившегося на протяжении 17 веков, мы не смогли. Но мы видим, что наследие того периода дошедшее до наших времен, является свидетельством отношения к человеку и как исторические события нашли свое отражение и в скульптурных портретах как греков, так и римлян.

искусство древний скульптура статуя

Использованная литература

1. Лосев А. Ф. История античной эстетики, том I / А. Ф Лосев. - М.: "АСТ", 2000. - 542 с.

2. Соколов Г. И. Искусство Древней Эллады Учебное издание / Г. И. Соколов. - М.: «Просвещение» 1994. - 641 с.

3. Соколов Г. И. Искусство Древнего Рима: Архитектура. Скульптура. Живопись. Прикладное искусство: Кн. для учащихся./ Г. И. Соколов. -- М.: Просвещение, 1996.--224 с.

Размещено на Allbest.ru