Направления, течения и стили в искусстве

Размещено на http://www.allbest.ru

Размещено на http://www.allbest.ru

РОССИЙСКИЙ ГОСУДАРСТВЕННЫЙ

ГЕОЛОГОРАЗВЕДОЧНЫЙ УНИВЕРСИТЕТ

кафедра гуманитарных наук

РЕФЕРАТ

по курсу

Культурология

ТЕМА

Направления, течения и стили в искусстве

Выполнила: студентка группы ЭКО-11 Настапова Мария

Преподаватель: доцент Третьякова Наталья Мезаировна

Москва 2012



Содержание

Введение

1. Основные стили в искусстве

1.1 Романский (Х-ХШ вв.), готический (XIII-XVI вв.)

1.2 Барокко (конец XVI -- середина XVIII в.)

1.3 Классицизм (XVII -- начало XIX в.)

1.4 Рококо (Франция, XVIII в.)

1.5 Сентиментализм (XVIII в.)

1.6 Романтизм (конец XVIII -- начало ХХ в.)

1.7 Реализм (XIV-XVI вв. и XVIII-XIX вв.)

1.8 Натурализм (XIX в.)

1.9 Модернизм (конец XIX -- начало XX в.)

2. Стили в искусстве XX в.

2.1 Символизм

2.2 Импрессионизм

2.3 Сюрреализм

2.4 Кубизм

2.5 Футуризм

2.6 Дадаизм

2.7 Абстракционизм

2.8 Постмодернизм

Заключение

Список использованных источников



Введение

Направления, течения и стили в искусстве являются своеобразными «визитными карточками», отмечающими напряженную духовную жизнь каждой эпохи, постоянные поиски прекрасного, его взлеты и падения. Так же как лицо -- «зеркало души» отдельного человека, искусство -- зеркало души своего народа и своего времени.

В самом общем виде направления, течения и стили в искусстве можно определить как исторически сложившуюся общность художественных признаков в том или ином виде искусства (или одновременно в нескольких искусствах), характерную для разных эпох и народов и обусловленную единством идейно-эстетических устремлений творческого меньшинства.

В ХХ веке возникает целый ряд направлений и течений художественной культуры, которые долгое время будут восприниматься как направления, отказавшиеся от всех художественных традиций. Эти новые направления принято обозначать терминами «модернизм», «новое искусство», «художественный авангард». В буквальном значении все эти названия подчёркивают новаторский характер нетрадиционных художественных направлений.

Творчество отдельных представителей авангарда вообще не вписывается в рамки каких-либо художественных течений.

Новое искусство ХХ века - это многообразие сечений и направлений.

НАПРАВЛЕНИЯ, ТЕЧЕНИЯ И СТИЛИ В ИСКУССТВЕ -- понятия (в современном искусствознании употребляемые часто как синонимы), отражающие исторически сложившуюся общность художественных признаков в том или ином виде искусства (или одновременно в нескольких искусствах), характерную для разных эпох и народов и обусловленную единством идейно-эстетических устремлений творческого меньшинства.



1. Основные стили в искусстве

1.1 Романский (Х-ХШ вв.), готический (XIII-XVI вв.)

РОМАНСКИЙ СТИЛЬ (фр. roman, от лат. romanus -- римский, от Roma -- Рим) -- художественный стиль Х-ХIII вв. в странах Западной, Центральной и частично Восточной Европы, преемственно связанный с греко-римской культурой.

Термин «романский стиль» возник в 20-х гг. XIX в. для обозначения одного из важнейших этапов развития средневековой художественной культуры, воспринявшего элементы древнерусского, византийского, меровингского искусства, «каролингского возрождения» и др.

Сооружения романского стиля наследуют многие признаки римской архитектуры, отличаются монументальностью и рациональностью конструкций, многофигурными скульптурными композициями, создавая впечатление мощности и определённой приземлённости в отличие от готического стиля.

1.2 Барокко (конец XVI -- середина XVIII в.)

БАРОККО (итал. barocco--причудливый) -- один из главенствующих стилей в европейской архитектуре и искусстве конца XVI -- середины XVIII в.

Пришедший на смену гуманистической художественной культуре Возрождения и изощрённому субъективизму искусства маньеризма, стиль барокко воплотил в себе новые представления о единстве, безграничности и многообразии мира, о его драматической сложности и изменчивости.

Барокко. Италия. Караваджо, Микеланджело Меризи де. Юноша с корзиной фруктов.

Отказавшись от присущих классической ренессансной культуре представлений о гармонии и строгой закономерности бытия, о безграничных возможностях человека, его воли и разума, эстетика барокко строилась на коллизии человека и мира, идеальных и чувственных начал, разума и власти иррациональных сил.

Человек в искусстве барокко предстаёт многоплановой личностью со сложным внутренним миром.

Для искусства барокко характерны грандиозность, пышность и динамика, патетичность и приподнятость, интенсивность чувств, пристрастие к эффектным зрелищам, совмещению иллюзорного и реального, сильным контрастам масштабов и ритмов, материалов и фактур, света и тени.

Синтезу искусств в барокко, носящему всеобъемлющий характер, свойственно торжественное монументально-декоративное единство.

Городской ансамбль, улица, площадь, парк, усадьба в барокко стали пониматься как организованное, развивающееся в пространстве художественное целое, многообразно разворачивающееся перед зрителем.

Дворцы и церкви благодаря роскошной, причудливой пластике фасадов, беспокойной игре светотени, сложным криволинейным планам и очертаниям приобрели живописность и динамичность.

Парадные интерьеры зданий украсились многоцветной скульптурой, лепкой и резьбой; зеркала и росписи иллюзорно расширяли пространство, а живопись плафонов создавала иллюзию разверзшихся сводов.

В изобразительном искусстве барокко преобладают декоративные композиции религиозного, мифологического или аллегорического характера, парадные портреты, подчёркивающие привилегированное общественное положение человека. Идеализация образов сочетается в них с бурной динамикой, неожиданными композиционными и оптическими эффектами, реальность -- с фантазией, религиозная аффектация -- с подчёркнутой чувственностью, а нередко и с острой натуральностью и материальностью форм, граничащей с иллюзорностью.

В живописи большое значение приобретают эмоциональное, ритмическое и колористическое единство целого, часто непринуждённая свобода мазка, в скульптуре--живописная текучесть формы, ощущение изменчивости становления образа, богатство аспектов и впечатлений.

В Италии, на родине барокко, в рамках данного стиля работали такие художники, как основоположник демократического реализма М. Караваджо, лидеры академизма братья Карраччи, архитектор Дж. Виньола, выдающийся скульптор Джамболонья и пр.

Позднее итальянское барокко эволюционировало к фантастичности построек Г. Гварини, бравурности живописи С. Розы и А. Маньяско, головокружительной лёгкости росписей Дж. Б. Тьеполо.

Своё наиболее яркое воплощение данный стиль нашёл в полных религиозной и чувственной аффектации произведениях архитектора и скульптора Л. Бернини, архитектора Ф. Борромини, живописца П. даКортоны.

Жизнерадостные, реалистические начала присущи барокко во Фландрии (живописцы П.П. Рубенс, А. Ван Дейк, Ф. Снейдерс).

В Испании в XVII в. черты барокко проявились в аскетичной архитектуре школы X. Б. де Эрреры, в реалистической живописи X. де Шиберы, Ф. Сурбарана, скульптуре X. Монтаньеса.

В XVIII в. в постройках X. Б. де Чурригеры формы барокко достигали необычайной сложности и декоративной изощрённости (ещё более гипертрофированной в «ультрабарокко» стран Латинской Америки).

Стиль барокко получил своеобразное истолкование в Австрии, где он сочетался с тенденциями рококо (архитекторы И. Б, Фишер фон Эрлах и И. Л. Хильдебрандт, живописец Ф. Маульберч), Германии (архитекторы и скульпторы Б. Нейман» А. Шлютер, М. Пёппельман), в Польше, Словакии, Венгрии, Словении, Хорватии, Западной Украине, Литве.

Во Франции, где ведущим стилем в XVII в. стал классицизм, барокко оставалось до середины века побочным течением, но с установлением абсолютизма оба направления слились в единый помпезный так называемый «большой стиль» (убранство залов Версаля, живопись Ш. Лебрена).

Понятие «барокко» иногда неправомерно распространяется на всю художественную культуру XVII в., в том числе на явления, далёкие от барокко по содержанию и стилю (например, «нарышкинское барокко», или «московское барокко» в русском зодчестве конца XVII в.).

Во многих странах Европы в XVII в. сложились и яркие национальные реалистические школы, опиравшиеся как на приёмы караваджизма, так и на местные художественные традиции реализма.

Наиболее ярко они отразились в творчестве великих мастеров (Д. Веласкеса в Испании, Я. Вермера Делфтского, Рембрандта в Голландии и др.), принципиально отличном, а порой сознательно противопоставленном художественным концепциям барокко.

В России развитие искусства барокко, отразившего рост и укрепление дворянской абсолютной монархии, приходится на первую половину XVIII в.

Стиль барокко в России был свободен от экзальтации и мистицизма (характерных для искусства католических стран) и обладал рядом национальных особенностей.

Русская архитектура барокко, достигшая величественного размаха в городских и усадебных ансамблях Петербурга, Петергофа, Царского Села и др., отличается торжественной ясностью и цельностью композиции зданий и архитектурных комплексов (арх. М. Земцов, В. Растрелли, Д. Ухтомский, С. Чевакинский); изобразительное искусство обращается к светским, общественным темам, получает развитие портретный жанр (скульптура Б. К. Растрелли и др.).

К выдающимся памятникам в стиле барокко относится и Андреевская церковь в Киеве (1747-1753), построенная московским архитектором И. Ф. Мичуриным по проекту В. В. Растрелли. Особенностью Андреевской церкви, органично вписанной в живописные днепровские склоны, являются изысканные пропорции её краеугольных пилонов, верхов, а также форм куполов.

В первой половине XVIII в. барокко эволюционирует к грациозной лёгкости стиля рококо, сосуществует и переплетается с ним, а с 1770-х гг. повсеместно вытесняется классицизмом.

1.3 Классицизм (XVII -- начало XIX в.)

КЛАССИЦИЗМ (лат. classicus -- образцовый) -- стиль и направление в литературе и искусстве XVII -- нач. XIX в., обратившееся к античному наследию как к норме и идеальному образцу. Классицизм сложился в XVII в. во Франции.

В XVIII в. классицизм был связан с Просвещением; основываясь на идеях философского рационализма, на представлениях о разумной закономерности мира, о прекрасной облагороженной природе стремился к выражению возвышенных героических и нравственных идеалов, к строгой организованности логичных, ясных и гармоничных образов.

Классицизм. Франция. Давид, Жак-Луи. Портрет мадам Рекамье.

В целом для классицизма характерны рационализм, нормативность творчества, стремление к монументальности, ясности и благородной простоте стиля, уравновешенности композиции.

Идеологией классицизма во Франции стали рационалистическая философия Р. Декарта (1546-1650), драматургия П. Корнеля (1606-1648), Ж. Расина (1639-1699), Ж.Б. Мольера (1622-1673), поэтика Н. Буало (1636-1711).

Художественное произведение в классицизме воспринимается как создание искусственное -- сознательно сотворенное и разумно организованное.

В классицизме выделяются «высокие» жанры (трагедия, ода, живопись), мифологические (религиозные и исторические темы) и «низкие» (комедия, басня, пейзаж, натюрморт, портрет).

Идеологию классицизма составляют мотивы патриотизма, государственного служения.

Возвышенным этическим идеям, воспитательной программе искусства эстетика классицизма устанавливала иерархию жанров -- «высоких» (трагедия, эпопея» ода, история, мифология, религиозная картина и т. д.) и «низких» (комедия, сатира, басня, жанровая картина и т. д.).

В литературе (трагедии П. Корнеля, Ж. Расина, Вольтера, комедии Мольера, басни Ж. Лафонтена, проза Ф. Ларошфуко, Ж. Лабрюйера во Франции, творчество веймарского периода И. В. Гете и Ф. Шиллера в Германии, оды М. Ломоносова и Г. Державина, трагедии А. Сумарокова и Я. Княжнина в России) ведущую роль играют значительные этические коллизии, нормативные типизированные образы.

Для театрального искусства (М. Шанмеле, в Санкт-Петербурге А. Л. Лекен, Ф. Ж. Тальма во Франции, Ф. К. Нейбер в Германии, Ф. Г. Волков, И. А. Дмитревский в России) характерны торжественность спектаклей, размеренное чтение стихов.

В музыкальном театре утвердились героика, нормативность и приподнятость стиля, логичная ясность драматургии, доминирование речитатива (оперы Ж. Б. Люлли во Франции) или вокальная виртуозность в ариях (итальянская опера-сериа), благородная простота и возвышенность (оперы К. Глюка в Австрии).

Архитектуре классицизма (Ж. Ардуэн-Мансар, Ж. Габриель, К. Леду во Франции, К. Рен в Англии, В. Баженов, М. Ф. Казаков, А. Н. Воронихин, А. Д. Захаров, К. И. Росси в России) присущи четкость и геометризм форм, логичность планировки, сочетание гладкой стены с ордером и сдержанным декором.

Изобразительное искусство (живописцы Н. Пуссен, К. Лоррен, Ж. Л. Давид, Ж. О. Д. Энгр, скульпторы Ж. Б. Пигаль, Э. М. Фальконе во Франции, скульпторы Г. Шадов в Германии, Б. Торвальдсен в Дании, А. Канова в Италии, живописцы А. П. Лосенко, Г. И. Угрюмов, скульпторы М. И. Козловский, И. П. Мартос в России) отличается логичным развёртыванием сюжета, ясностью, уравновешенностью композиции.



1.4 Рококо (Франция, XVIII в.)

РОКОКО («причудливый», «капризный», фр. rococo, от rocaille -- осколки камней, раковины) -- стилевое направление, господствовавшее в европейском искусстве в течение первых трёх четвертей XVIII в.

Представлял собой не столько самостоятельное художественное явление, сколько фазу, определённый этап общеевропейского стиля барокко.

Рококо. Франция. Буше, Франсуа. Рождение Венеры

Термин «рококо» возник во Франции в конце XVIII в., в эпоху расцвета классицизма, как презрительная кличка для всего манерного и вычурного искусства XVIII века: изогнутая, капризная линия, напоминающая очертания раковины, -- его главный признак.

Искусство рококо -- это мир вымысла и интимных переживаний, декоративной театральности, изысканности, изощрённой утончённости, в нем нет места героизму и пафосу -- они сменяются игрою в любовь, фантазией, прелестными безделушками.

Тяжелой и патетической торжественности барокко приходит на смену камерная хрупкая декоративность.

Лозунгом краткого, недолговечного «века» рококо становится «искусство как наслаждение», цель которого -- возбуждать лёгкие, приятные эмоции, развлекать, ласкать глаз причудливым узором линий, изысканными сочетаниями светлых нарядных красок, что особенно отразилось в архитектурном убранстве интерьеров, с новыми требованиями которого сообразовалась и живопись рококо.

Самой распространённой формой живописного произведения стало декоративное панно, большей частью овальной, круглой или причудливо-изогнутой формы; в основе композиции и рисунка лежит мягко изгибающаяся линия, которая придаёт произведению обязательную для этого стиля вычурность и нарядность.

В своих колористических исканиях мастера шли от Рубенса, Веронезе и венецианцев, но предпочитали не их насыщенные, сочные цвета, но бледные полутона: красный становится розовым, синий -- голубым, появляются лимонно-жёлтые, блекло-голубые, розовые, сиреневые цвета, даже вымышленные -- вроде «цвета бедра испуганной нимфы».

Одним из основоположников стиля рококо был талантливый Антуан Ватто, давший наиболее совершенное воплощение принципам этого стиля.

Эмоциональность и меланхолическая мечтательность придают характерам образов Ватто особую утончённость, которой уже не достигают непосредственные последователи мастера, превратившие его мотивы и манеру в изысканную и поверхностную моду (Ланкре, Патер, Кийар).

Крупнейшим мастером собственно рокайльного искусства стал ученик Франсуа Лемуана Франсуа Буше, мастер занимательных любовных сюжетов, великолепный колорист и рисовальщик.

Живопись Буше диктовала законы целой плеяде мастеров (Натуар, братья Ваяло, Антуан Куапель и др.), и это влияние продержалось во Франции вплоть до революции 1789 г.

Среди значительных мастеров рококо были художники самого разного дарования, обращавшиеся к самым разным жанрам живописи: Ж. М. Наттье, Друэ, Токке, Луи-Мишель Ванло, Латур, Перроно. Последним крупным живописцем рококо был Жан Оноре Фрагонар, тонкий портретист и пейзажист, как и Ватто, не вписывающийся в рамки просто модного стиля.

Скульптура рококо менее значительна и своеобразна, чем живопись.

Большое распространение в искусстве рококо и всего XVIII в. получили портретные бюсты и маленькие скульптурные группы или статуи купальщиц, нимф, амуров, их ставили в парке, украшали ими беседки, салоны, купальни. Крупнейшие скульпторы рококо: Ж. Б. Лемуан, Пигаль, Пажу, Фальконе, Клодион.

Для архитектуры рококо характерно то, что главное внимание зодчего сосредоточивалось на интерьере.

Во Франции в трактовке фасада продолжал господствовать классицизм XVII в. Только ряд незначительных изменений смягчал строгость архитектурного образа.

Скульптурная деталь, применяемая для украшения фасада, делается более выпуклой, приобретает самодовлеющее значение, не подчиняясь больше основным архитектурным линиям.

Плоские пилястры большого ордера заменяются выпуклыми полуколоннами, придающими стене более живописный вид.

Планы зданий рококо большей частью асимметричны и строятся часто на круглых, овальных и восьмиугольных комнатах; резкий прямой угол избегается даже между стеной и потолком, а линия соединения маскируется рельефным орнаментом, неподвижная плоскость стены дробится, углубляется, комнаты тем самым получают еще более нарядную причудливую форму. Стены окрашиваются в светлые, воздушные тона и украшаются живописными панно, резными панелями, зеркалами в вычурных золочёных рамах.

Крупнейшие французские зодчие рококо: Робер Декотт, Габриэль, Боффран, Оппенор, Дельмер, Мейссонье.

Франция явилась законодательницей эстетики рококо; европейские страны были неравномерно захвачены этим веянием.

Наибольшее распространение рококо получило в Германии, особенно в Пруссии при дворе Фридриха II. Архитектор Кнобельсдорф создал в Потсдаме один из наиболее прославленных рокайльных ансамблей (Сан-Суси). Крупнейшие представители рококо в Германии -- архитекторы Бальтасар Нейман и Кнобельсдорф, живописцы Цик, Маульберч, Дитрих, скульптор Доннер.

В России рококо развивалось под непосредственным влиянием приезжих французских и немецких мастеров (Токке, Рослин, Фальконе); под сильным этим влиянием в России работали такие мастера, как Растрелли, Ринальди (постройки в Ораниенбауме), Ухтомский, Рокотов, Левицкий.

Чрезвычайно характерен для эпохи рококо расцвет графики.

Почти все крупные живописцы XVIII в. были также блестящими рисовальщиками (Ватто, Фрагонар), многие мастера полностью посвятили себя графическому искусству (Сент-Обен, Кошен, Дебюкур во Франции, Ходовецкий в Германии). Оформление книги, мастерство переплёта, мебель, бронза и т. п. достигли в этот период небывалой художественной высоты.

1.5 Сентиментализм (XVIII в.)

СЕНТИМЕНТАЛИЗМ (фр. sentiment -- чувство) -- художественное течение второй половины XVIII -- начала XIX в., пришедшее на смену классицизму.

Провозглашая «естественное» чувство определяющим моментом жизненных ценностей, сентименталисты стремились противопоставить своё восприятие рационализму классицизма.

Сентиментализм. Владимир Лукич Боровиковский.

Портрет княгини Елизаветы Григорьевны Темкиной.

Сентиментализму характерно внимание к раскрытию внутреннего мира человека, к углублению психологического анализа, к индивидуализации образа.

В живописи возросла роль пейзажа как средства передачи личного переживания и настроения.

Концептуально сентиментализм оформился в Англии в творчестве писателя Дж, Томсона.

1.6 Романтизм (конец XVIII -- начало ХХ в.)

РОМАНТИЗМ (фр. romantisme, от лат. Romanus -- римский, от Roma -- Рим) --

1) идейно-художественное направление в европейской культуре конца XVIII -- начала XIX в., отразившее разочарование в итогах французской революции, в идеологии Просвещения.

Романтизм тяготел к безграничной свободе, жажде совершенства и обновления, к гражданской и личной независимости.

Обыденной жизни романтизм противопоставляет сильные страсти и жизнь духа, тайные движения души, её «ночную» сторону, бессознательное, интуитивное.

Индивидуализированная личность внутренне бесконечна («микрокосм», «малая Вселенная»).

Поскольку «гений не подчиняется правилам, а творит их» (И. Кант), то романтизм пренебрежительно относится к реальному миру.

Типичными представителями романтизма в России были В.А. Жуковский, ранний А.С. Пушкин, В.Ф. Одоевский, М.Ю. Лермонтов, Ф.И. Тютчев и др.;

2) художественный метод, состоящий в стремлении писателя противопоставить неудовлетворяющей действительности необычные, отступающие от внешнего правдоподобия образы и сюжеты, рождённые его мечтой, фантазией.

1.7 Реализм (XIV-XVI вв. и XVIII-XIX вв.)

РЕАЛИЗМ (лат. realis -- вещественный) --

1) философское направление, признающее лежащую вне сознания реальность, толкуемую либо как бытие реальных объектов (Платон, средневековая схоластика), либо как объект познания, не зависимый от субъекта познавательного процесса и опыта (философский реализм XX в.);

2) направление и метод в художественном творчестве, основанный на правдивом отображении действительности. Как творческий метод начал формироваться в 20-30-е гг. XIX в. (О. Бальзак, П. Мериме, А.С. Пушкин и др.).



1.8 Натурализм (XIX в.)

НАТУРАЛИЗМ (лат. natura -- природа) -- художественный стиль, стремящийся к преодолению условности искусства, превращению произведения в точную копию натуры.

Натурализм утверждает, что весь видимый мир -- часть природы и может быть объяснён её законами, а не сверхъестественными, или паранормальными, причинами.

Натурализм возникает в XIX в. под влиянием философии позитивизма О. Конта, Г. Спенсера, И. Тэна. Эстетика натурализма, перенося принципы позитивизма в сферу искусства, разрабатывалась братьями Э. и Ж. Гонкурами, Э. Золя. В России элементы этого метода встречались у П. Боборыкина, М. Арцибашева, Д. Мамина-Сибиряка.

В художественной концепции натурализма уравновешены желания и возможности, идеалы и реальность, ощущается удовлетворённость своим положением и нежелание что-либо менять в мире.

Инвариантом художественной концепции натурализма стало утверждение человека-плоти в вещно-материальном мире; человек, взятый как высокоорганизованная биологическая особь, заслуживает внимания в каждом своём проявлении; при всём своём несовершенстве мир устойчив, и все подробности о нём общеинтересны.

1.9 Модернизм (конец XIX -- начало XX в.)

МОДЕРНИЗМ («ар нуво», «югендстиль») (фр. moderne -- современный) -- стилевое направление в европейском и американском искусстве конца XIX -- начала XX в., противопоставившее себя традиционализму как единое «искусство современности» или «искусство будущего».

Термин «модерн» был впервые использован в V в. для разделения христианства, получившего официальный статус, и римского язычества.

С этого времени «модерновость» (принадлежность к современности) всегда предусматривала необходимость осознания эпохи в её соотнесении с античностью.

В Европе новая культура всегда формировалась на базе обновлённого отношения к античности. Так, античное искусство всегда считалось нормативным образцом, с которым сверяли свои произведения художники модерна во все времена.

Культура модерна любой эпохи всегда опиралась на античность и, даже критикуя ее, никогда полностью от неё не отказывалась.

В XIX в. модерн стал приобретать стойкую тенденцию, выражавшуюся в противопоставлении себя истории и традиции вообще, полного разрыва исторических связей. Модерном начинает считаться только то, что является просто «новым».

Начинается погоня за «великой новизной» как таковой. Такая модификация модерна ярко представлена, например, в теории искусства Ш. Бодлера, ориентировавшего художников на отказ от традиционных норм и образцов. Художнику предлагалось завоевать пространство и время будущего, не признавая никаких правил в этом открытом для него будущем, достаточно просто создавать новое.

Таким образом, модернизм представляет собой совокупность целого ряда направлений, сложившихся в искусстве XX в.

Условными временными рамками существования модернизма (точные временные рамки этого явления определить тяжело именно в силу его неоднородности) можно считать период с 1907 г. (возникновение кубизма) по 60-е гг. XX в. (начало постмодернизма).

Основными центрами модернизма считаются Франция, Германия, Италия и Россия.

Модернизм как явление культуры XX в. объединил множество идейно-художественных направлений (кубизм, футуризм, экспрессионизм, конструктивизм, сюрреализм, абстракционизм), отошедших от традиций внешнего подобия и утверждавших новый подход к изображению социального бытия.

Модернизм открыл и освоил многие новые художественные средства (поток сознания, коллаж, ассоциативный монтаж и др.), оказавшие существенное влияние на последующее развитие эстетики.

Большое влияние на практику модернизма оказали идеи иррационалистического волюнтаризма А. Шопенгауэра и Ф. Ницше, учение об интуиции А. Бергсона и Н. Лосского, психоанализ 3. Фрейда и К. Юнга, экзистенциализм М. Хайдеггера, Ж.-П.Сартра и А. Камю, теории социальной философии Франкфуртской школы Т. Адорно и Г. Маркузе.



2. Стили в искусстве XX в.

2.1Символизм

СИМВОЛИЗМ (греч. symbolon -- знак) -- направление в европейском и русском искусстве 1870-1910-х гг., сосредоточено преимущественно на художественном выражении посредством символа интуитивно постигаемых сущностей и идей, смутных, часто изощрённых чувств и видений.

Символизм. Рерих, Николай Константинович. Из Гималайской серии 13

Философско-эстетические принципы символизма восходят к сочинениям А. Шопенгауэра, Э. Гартмана, Ф. Ницше, творчеству Р. Вагнера, стремясь проникнуть в тайны бытия и сознания, узреть сквозь видимую реальность сверхвременную идеальную сущность мира («от реального к реальнейшему») и его «нетленную», или трансцендентную красоту.

Символисты выразили неприятие буржуазности и позитивизма, тоску по духовной свободе, трагическое предчувствие мировых социально-исторических сдвигов. В России символизм нередко мыслился как «жизнетворчество» -- сакральное действо, выходящее за пределы искусства. Основные представители символизма в литературе -- П. Верлен, П. Валери, А. Рембо, С. Малларме, М. Метерлинк, А. А. Блок, А. Белый, В. И. Иванов, Ф. К. Сологуб; в изобразительном искусстве: Э. Мунк, Г. Моро, М.К. Чюрленис, М.А. Врубель, В.Э. Борисов-Мусатов; близко к символизму творчество П. Гогена и мастеров группы «Наби», графика О. Бердсли, работы многих мастеров стиля модерн.

2.2Импрессионизм

ИМПРЕССИОНИЗМ (фр. impressionnisme, от impression -- впечатление) -- направление в искусстве последней трети XIX -- начала XX в. Сложилось во французской живописи конца 1860-х -- начала 70-хгг.

Название «импрессионизм» возникло после выставки 1874 г., на которой экспонировалась картина К. Моне «Впечатление. Восходящее солнце. («Impression. Soleil levant», 1872 г.).

Импрессионизм. Франция. Моне, Клод. Вокзал Сен-Лазар в Париже.

Около 1877. 60 x 80 см. Холст, масло.

В пору зрелости импрессионизма (70-е -- первая половина 80-х гг. XIX в.) его представляла группа художников (К. Моне, О. Ренуар, Э. Дега, К. Писсарро, А. Сислей, Б. Моризо и др.), объединившихся для борьбы за обновление искусства и преодоление официального салонного академизма и организовавших с этой целью в 1874-1886 гг. восемь выставок.

Одним из создателей импрессионизма стал Э. Мане, не входивший в эту группу, но ещё в 60-х -- начале 70-х гг. XIX в. выступивший с жанровыми работами, в которых переосмыслил композиционные и живописные приёмы мастеров XVI-XVIII вв. применительно к современной жизни.

Импрессионизм продолжает начатое реалистическим искусством 40-60-х гг. XIX в. освобождение от условностей классицизма, мантизма и академизма, утверждает красоту повседневной действительности, простых, демократических мотивов, добивается живой достоверности изображения.

Он делает эстетически значимой подлинную современную жизнь в её естественности, во всём богатстве и сверкании её красок, запечатлевая видимый мир в присущей ему постоянной изменчивости, воссоздавая единство человека и окружающей его среды.

Во многих картинах импрессионистов (особенно в пейзажах и натюрмортах, ряде многофигурных композиций) акцентируется как бы случайно пойманный взглядом преходящий момент непрерывного течения жизни, сохраняются непредвзятость, сила и свежесть первого впечатления, позволяющие схватить в увиденном неповторимое и характерное.

Произведения импрессионистов отличаются жизнерадостностью, увлечённостью чувственной красотой мира. Импрессионисты впервые создали многогранную картину повседневной жизни современного города, запечатлели своеобразие его пейзажа и облик населяющих его людей, их быта, труда и развлечений.

В пейзаже они (особенно А. Сислей и К. Писсарро) развили пленэрные искания Дж. Констэбла, барбизонской школы, К. Коро и др., разработали законченную систему пленэра.

В пейзажах импрессионистов простой, будничный мотив часто преображается всепроникающим подвижным солнечным светом, вносящим в картину ощущение праздничности.

Работа над картиной непосредственно на открытом воздухе дала возможность воспроизводить природу во всей её трепетной реальной живости, тонко анализировать и запечатлевать её переходные состояния, улавливать малейшие изменения цвета, появляющиеся под воздействием вибрирующей и текучей с ветовоздушной среды (органично объединяющей человека и природу), которая становится в импрессионизме самостоятельным объектом изображения.

Чтобы сохранить в картинах свежесть и разнообразие красок натуры, импрессионисты (за исключением Дега) создали живописную систему, которая отличается разложением сложных тонов нечистые цвета и взаимопроникновением чётких раздельных мазков чистого цвета, как бы смешивающихся в глазу зрителя, светлой и яркой цветовой гаммой, богатством валёров и рефлексов, цветными тенями.

Объёмные формы как бы растворяются в окутывающей их световоздушной оболочке, дематериализуются, обретают зыбкость очертаний: игра разнообразных мазков, пастозных и жидких, придаёт красочному слою трепетность, рельефность; тем самым создаётся своеобразное впечатление незаконченности, формирования образа на глазах у созерцающего полотно человека.

Таким образом, происходит сближение этюда и картины, а нередко и слияние нескольких стадий работы в один непрерывный процесс. Картина становится отдельным кадром, фрагментом подвижного мира. Этим объясняются, с одной стороны, равноценность всех частей картины, одновременно рождающихся под кистью художника и одинаково участвующих в образном построении произведения, с другой стороны -- кажущиеся случайность и неуравновешенность, асимметрия композиции, смелые срезы фигур, неожиданные точки зрения и сложные ракурсы, активизирующие пространственное построение.

В отдельных приёмах построения композиции и пространства в импрессионизме ощутимо влияние японской гравюры и отчасти фотографии.

Импрессионисты обращались также к портрету и бытовому жанру (О. Ренуар, Б. Моризо, отчасти -- Э. Дега).

Бытовой жанр и ню в импрессионизме часто переплетались с пейзажем (особенно у Ренуара); фигуры людей, освещенные естественным светом, обычно изображались у открытого окна, в беседке и т. п.

Для импрессионизма характерны смешение бытового жанра с портретом, тенденция к стиранию чётких границ между жанрами. С начала 80-х гг. XIX в. некоторые мастера импрессионизма во Франции стремились к видоизменению его творческих принципов. Поздний импрессионизм (середина 80-х -- 90-е гг.) развивался в период сложения стиля «модерн» различных направлений постимпрессионизма. Для позднего импрессионизма характерно появление ощущения самоценности субъективной художественной манеры художника, нарастание декоративных тенденций. Игра оттенков и дополнительных тонов в произведениях импрессионизма становится всё более изощрённой, появляется тяготение к большей цветовой насыщенности полотен или к тональному единству; пейзажи объединяются в серии.

Живописная манера импрессионизма оказала большое влияние на французскую живопись. Определённые его черты были восприняты салонно-академической живописью.

Для ряда художников изучение метода импрессионизма стало начальным этапом на пути сложения собственной художественной системы (П. Сезанн, П. Гоген, В. ван Гог, Ж. Сера).

Творческое обращение к импрессионизму, изучение его принципов явилось важной ступенью в развитии многих национальных европейских художественных школ.

Под влиянием французского импрессионизма сложилось творчество М. Либермана, Л. Коринта в Германии, К. Коровина, В. Серова, И. Грабаря и раннего М. Ларионова в России, М. Прендергаста и М. Кассатт в США, Л. Вычулковского в Польше, словенских импрессионистов и др.

Вместе с тем, за пределами Франции были подхвачены и развиты лишь отдельные стороны импрессионизма: обращение к современной тематике, эффекты пленэрной живописи, высветление палитры, эскизность живописной манеры.

Термин «импрессионизм» применяется также к скульптуре 1880 -- 1910-х гг., обладающей некоторыми сходными с живописью импрессионизма чертами, -- стремлением к передаче мгновенного движения, текучестью и мягкостью форм, нарочитой пластичностью, незавершённостью.

Наиболее ярко импрессионизм в скульптуре проявился в работах М. Россо в Италии, О. Родена и Э. Дега во Франции, П. Трубецкого и А. Голубкиной в России и др. Отдельные приёмы импрессионизма сохранились во многих реалистических течениях искусства XX в.

Импрессионизм в изобразительном искусстве оказал влияние на развитие выразительных средств в литературе (Г. Мопассан, К. Гамсун, Г. Келлерман, Г. фон Гофмансталь, А. Шницлер, О. Уайльд, А. Саймоне, К. Гамсун, И. Анненский и др.), в музыке (К. Дебюсси, М. Равель, А. Скрябин).

2.3Сюрреализм

искусство барокко рококо сентиментализм

СЮРРЕАЛИЗМ (фр. surrealisme -- сверхреализм) -- направление в художественной культуре XX в., провозгласившее изображение сферы бессознательного главной целью искусства.

СЮРРЕАЛИЗМ. Полунин, Александр. Горизонт

Автором термина «сюрреализм» является Г. Аполлинер.

Эстетическая концепция сюрреализма представляет собой противоречивое сочетание идеалистических и субъективистских философских учений, среди которых основное место занимают интуитивизм и фрейдизм.

В сюрреализме провозглашается эстетический релятивизм: человек и мир, пространство и время относительны; всё течёт, всё искажается, смещается, расплывается; нет ничего определённого и постоянного.

Мир воспринимается загадочным и непознанным, в нём исчезают время и история, а человек живёт подсознанием и оказывается беспомощным в борьбе за своё существование.

Основоположники сюрреализма -- художники, поэты, писатели (А. Бретон, Ф. Упо, М. Эрнст, Ж. Арп, Ж. Миро, П. Блум, И.Танги), опираясь на психоанализ 3. Фрейда, изображали не только реальный мир, но и сны, галлюцинации, фантазии. Их привлекала идея 3. Фрейда об искусстве как одном из средств сублимации.

Ярчайший представитель сюрреализма -- С. Дали, чьё творчество представляет собой рискованные эксперименты со смыслами и ценностями европейской традиции.

Обращаясь к сфере подсознательного, интересуясь эротикой, неосуществлёнными желаниями, игрой фантазии, С. Дали объединяет разнородные объекты, противопоставляет их друг другу в сверхъестественных ситуациях.

Среди известнейших образов С. Дали -- расплавленные часы, телефонный аппарат с трубкой в виде лангуста, диван-губы, рояль, свисающий, как драпировка, и пр.

2.4 Кубизм

КУБИЗМ (фр. cube -- куб) -- модернистское течение в изобразительном искусстве первой четверти XX в., знаменующее собой разрыв с традициями реализма; это геометризированная разновидность примитивизма, упрощающая реальность, воспринимая ее детскими или «дикарскими» глазами.

Кубизму присущ особый характер примитивизации: видение мира через формы геометрически правильных фигур.

В живописи и скульптуре кубизм развивали итальянские художники Д. Северини, У. Боччионе, К. Карра; немецкие -- Э.Л. Кирхнер, Г. Рихтер; американские -- Дж. Поллок, И. Рей, М. Вебер, мексиканский -- Диего Ривера, аргентинский -- Э. Петторути и др.

В кубизме ощущаются архитектурные построения; массы механически сопрягаются друг с другом, причём каждая масса сохраняет свою самостоятельность. Кубизм открыл принципиально новое направление в фигуративном искусстве.

Условные работы кубизма (Брака, Гриса, Пикассо, Леже) сохраняют связь с моделью.

Портреты соответствуют оригиналам и узнаваемы (один американский критик в парижском кафе узнал человека, известного ему только по портрету кисти Пикассо, составленному из геометрических фигур).

Кубисты не изображают действительность, а создают «иную реальность» и передают не облик предмета, а его конструкцию, архитектонику, структуру, сущность. Они не воспроизводят «повествовательный факт», а зрительно воплощают свои знания об изображаемом предмете.

2.5 Футуризм

ФУТУРИЗМ (лат. futurum -- будущее) -- авангардистское течение в европейском искусстве начала XX в., преимущественно в Италии и России, явившееся выражением стихийно-эмоционального предощущения социального и культурного разлома, нарастающего утилитаризма мышления, массовости культуры.

Футуризм возник как общественно-политическое движение в Италии в 1909 году. Идеологом течения стал литератор Ф. Маринетти.

В своих манифестах футуристы предлагали идею «восстания» против тирании слов «гармония» и «хороший вкус», предлагали уничтожить театры, музеи, «вымести» из живописи все уже использованные сюжеты, изображать современную динамическую жизнь.

Вслед за Ф. Ницше (утверждавшим, что мир находится в постоянном развитии), футуристы старались передать ускоряющийся темп жизни средствами ритмического повторения отдельных фигур и их частей (увеличивая, например, количество рук или ног у бегущего человека: Дж. Северини, У. Боччони).

Для литературы -- переплетение документального материала и фантастики, в поэзии (В.В. Хлебников, В.В. Маяковский, А.Е, Крученых, И. Северянин) -- языковое экспериментирование («слова на свободе» или «заумь»).

Футуризм отрицает традиции; он устремлён в будущее, где будут преобладать «техника», «скорость», «сила». В искусстве футуристы видели предмет для самотворчества, самовыражения, игры формами, случайными ассоциациями.

Разрабатываемая футуристами эстетика урбанистической цивилизации проявилась в живописи -- в «динамическом», совмещённом изображении разных стадий движения фигур, резких цветовых контрастах, введении слов и фрагментов; в поэзии -- «телеграфный» стиль или попытки освобождения звукового состава слова («заумь»).

Определяющий художественный фактор футуризма -- динамика.

Футуристы осуществляли принцип безграничного экспериментаторства и достигали новаторских решений в литературе, живописи, музыке, театре, полученных в процессе стремительного движения.

2.6 Дадаизм

ДАДАИЗМ (фр. dadaisme, от dada -- деревянная лошадка, в переносном смысле -- бессвязный, детский лепет) -- авангардистское литературно-художественное течение в европейском и американском искусстве (1916-1921 гг.), возникшее как протест против традиционных моральных и культурных ценностей.

Дадаизм зародился в Цюрихе, в среде анархиствующей интеллигенции, воспринявшей Первую мировую войну как разжигание в человеке извечных звериных инстинктов, а разум, мораль, эстетику -- как их лицемерную маскировку.

Отсюда -- программный иррационализм и демонстративный антиэстетизм дадаизма и конкретные методы его представителей (М. Дюшан, Ф. Пикабия, Ж. Арп, М. Эрнст, К. Швиттерс), нередко сводившиеся к разного рода скандальным выходкам -- заборным каракулям, псевдотехническим чертежам, комбинациям случайных предметов, наклейкам на холст (коллажам) и т. п. В 20-х гт. XX в. во Франции дадаизм слился с сюрреализмом (перенявшим парадоксальность приёмов дадаизма), а в Германии -- с экспрессионизмом.

Дадаистские методы комбинации «готовых» предметов стали в середине XX в. источником поп-арта.

Дадаисты не разрабатывали свой особый художественный стиль, бросаясь из одной крайности в другую, стараясь любыми способами (в том числе -- и вызывающим поведением) эпатировать самодовольного обывателя.

Излюбленные жанры дадаизма -- монтаж, коллаж и «реди-мейд» (обыденные предметы, представленные как произведения искусства).

Дадаизм очень быстро стал популярным (особенно в Нью-Йорке, где его возглавил Марсель Дюшан), но как сформировавшееся течение просуществовал недолго.

Оказал значительное влияние на другие течения, в частности на сюрреализм (прежде всего в его приверженности к абсурду и фантастике), абстрактный экспрессионизм и концептуальное искусство.

2.7 Абстракционизм

АБСТРАКЦИОНИЗМ (лат. abstractio -- отстранённость) --

художественное мировоззрение, направление в искусстве, для которого характерна замена натуралистической предметности свободной игрой цветов, линий и форм.

Художественная концепция абстракционизма провозглашает бегство личности от банальной и иллюзорной действительности. Произведения абстракционизма отрешены от форм самой жизни и воплощают субъективные цветовые впечатления и фантазии художника.

Среди основателей абстрактного искусства -- В. Кандинский, П. Мондриан, мастера орфизма. Абстракционизм возникает в 1910 г. и становится кульминационной точкой модернизма в плане отхода от предметности.

Первым абстрактным произведением считается «Акварель» В. Кандинского (1910), на которой, по словам одного французского критика, «первый раз в истории живописи нельзя было что-либо заметить или узнать».

Абстракционизм отличается простым рисунком: основное внимание уделяется свету и цвету.

В абстракционизме сложились два основных течения.

Первое -- лирическо-эмоциональный психологический абстракционизм -- симфония красок, гармонизация бесформенных цветовых сочетаний. Данное направление родилось из импрессионистской пестроты впечатлений о мире, нашедших воплощение в полотнах А. Матисса. Создателем первого произведения психологического абстракционизма стал В. Кандинский, написавший картину «Гора».

Второе течение -- геометрический (логический, интеллектуальный) абстракционизм («неопластицизм») представляет собой нонфигуративный кубизм. В рождении этого течения существенную роль сыграли П. Сезанн и кубисты, создавшие новый тип художественного пространства путем сочетания различных геометрических форм, цветных плоскостей, прямых и ломаных линий.

К основным разновидностям абстракционизма относят геометрическую абстракцию, абстрактный экспрессионизм, ташизм.

2.8 Постмодернизм

ПОСТМОДЕРНИЗМ («постмодерн») (лат. post -- после, и фр. moderne -- современный) -- обобщённое обозначение тенденций с конца 1960-х гг. в культуре и общественной жизни постиндустриального, информационного общества.

Представители французского постмодернизма Ж. Бодрийяр, Ж.-Ф. Лиотар, Ж. Делёз и др. отмечали, что в обществе потребления и массмедиа народ превращается в аморфную массу потребителей и клиентов, в электорат, а интеллигенция вообще освободила место интеллектуалам, которые представляют собой лишь лиц умственного труда.

В силу радикальных изменений интеллектуалы уже утратили иллюзии относительно справедливости, они не претендуют на роль «властителей дум».

Скептическое отклонение от установки на преобразование мира тянет за собой отказ от попыток его систематизации: мир не только не поддаётся человеческим усилиям его переделать, но и не укладывается ни в какие теоретические схемы.

Постмодернизм отрицает способность науки давать объективное, достоверное знание, открывать закономерности и причинные связи, выявлять тенденции. Он настаивает на невозможности зафиксировать наличие жёстких, самозамкнутых систем и в экономике, и в политике, и в культуре.

Новое, «постмодернистское» мышление возникает вне традиционных понятийных оппозиций (субъект -- объект, целое -- часть, внутреннее -- внешнее, реальное -- воображаемое), оно не оперирует привычными устойчивыми целостностями (Восток -- Запад, капитализм -- социализм, мужское -- женское).

Постмодернизм -- это «скандальный», с точки зрения классических интеллектуальных навыков, тип философствования «без субъекта»: субъект распался как центр системы представлений (репрезентаций).

В постмодерновом обществе достаточно типичной и распространённой является фигура «яппи» (молодой профессионал, наслаждающийся всеми благами цивилизации, без «интеллигентских комплексов») и фигура «зомби» -- запрограммированное существо без личностных качеств, не способное к самостоятельному мышлению. Такой человек живет одним днём, главный стимул для него -- профессиональный и финансовый рост любой ценой.

Мировоззрение современного постмодернистского человека не имеет определённых мощных оснований, ведь все формы идеологии размыты, не опираются на волю, в ней уживается все, что раньше считалось несовместимым; в постмодернистском мировоззрении нет устойчивого внутреннего ядра. Мироощущение постмодернистского человека можно определить как неофатализм, ведь человек уже не воспринимает себя как хозяина своей судьбы, он верит в игру случайности, в неожиданное, спонтанное везение. Разочарование в идеалах и ценностях, в исчезновении будущего, которое оказалось будто бы украденным, привело к усилению нигилизма и цинизма.

Этика в постмодернистском обществе отходит на второй план, пропуская вперёд эстетику, культ чувственных и физических наслаждений.

В культурно-эстетическом плане постмодернизм окончательно закрепляет переход от творения к конструкции, от деятельности по творению произведений к деятельности по поводу этой деятельности.

В культурной сфере господствует массовая культура, а в ней -- мода и реклама.

Постмодернизм настаивает на том, что именно мода всё освящает, обосновывает и узаконивает; всё, что не признаётся модой, не имеет права на существование.

Даже научные теории, чтобы привлечь внимание, должны быть модными, поскольку и для них внутренние содержательные достоинства перекрываются внешней привлекательностью и эффективностью. Отсюда и вся постмодернистская жизнь так же неустойчива и эфемерна, как и капризная, непредсказуемая мода.

Постмодернизм в архитектуре и изобразительном искусстве -- совокупность тенденций в художественной культуре второй половины XX в., связанных с радикальной переоценкой ценностей авангардизма.

Утопические устремления прежнего авангарда сменились более самокритичным отношением искусства к самому себе, война с традицией -- сосуществованием с ней, принципиальным стилистическим плюрализмом.

Постмодернизм, отвергая рационализм «интернационального стиля», обратился к наглядным цитатам из истории искусства, к неповторимым особенностям окружающего пейзажа, сочетая всё это с новейшими достижениями строительной технологии.

Изобразительное творчество постмодернизма (ранним рубежом которого стал поп-арт) провозгласило лозунг «открытого искусства», которое свободно взаимодействует со всеми старыми и новыми стилями.

В этой ситуации прежнее противостояние традиции и авангарда утратило свой смысл.



Заключение

Итак, в ХХв. возникает множество авангардных течений в живописи и в других видах искусства. Новые художники отходили от обычных представлений о мире. Их картины представляли собой различные сочетания геометрических форм и фигур, как у кубистов, или же просто набор каких-то ломаных или кривых, как у абстракционистов. Поэтому их картины были понятны лишь узкому кругу людей, так называемой элиты, то есть их работы относились к Элитарной Культуре.

Лично я не поняла искусство авангардистов, однако, меня впечатлили работы экспрессионистов. Их работы более менее приближены к реальным представлениям о мире, не смотря на то что в их работах изображение часто искривлено или деформировано. А работы Кандинского и Малевича не произвели на меня никакого впечатления, хотя работы этих художников даже в настоящее время высоко ценятся и в материальном плане, и в духовном.

В целом искусство начала ХХ века складывалось на фоне ужасных событий. Это, конечно же, I и II мировые войны, революции. Они непосредственным образом отражались в работах художников авангардистских течений.



Список использованных источников

http://artap.ru/cult/

http://www.art-spb.ru/artspb34.html

Ильина Т.В. История Искусств. Западноевропейское искусство

Кравченко А.И. Культурология

Размещено на Allbest.ru