Изобразительное искусство Японии

Размещено на http://www.allbest.ru/

Содержание

Введение

Японская живопись

Японская гравюра

Японская каллиграфия

Икэбана

Ошибана

Бонсэки

Заключение

Список используемой литературы

Введение

Культура Японии ярко выделяется своей необычной многогранностью на общем фоне мировой культуры, и для западного человека кажется очень притягательной, загадочной и непостижимой. Она непрерывно развивалась, начиная с X - XI веков, поэтому ей был присущ повышенный динамизм и особенная чуткость к восприятию. Главной ее особенностью является то, что в центре философских и художественных исканий оказалась природа на протяжении всего средневекового периода, а её закономерности считались универсальными, определявшими жизнь и взаимоотношения людей. С многообразными проявлениями природы сопоставлялся внутренний мир человека. Это повлияло на развитие символического метода в изобразительном искусстве, определив его иносказательный поэтический язык. Под влиянием подобного отношения к природе формировались виды, жанры искусства, происходил рассвет пейзажной живописи. С XVII и до середины XIX века Япония была практически закрыта для иностранцев. В период этой изоляции в Японии получило творческое развитие, национальное своеобразие. И когда, по прошествии, нескольких веков перед миром, наконец, открылась богатейшая традиционная культура Японии, она оказала сильное влияние на последующее развитие европейской живописи, театра и литературы. В данной работе целью является изучение культуры Японии как изобразительного искусства. В соответствии с целью ставятся задачи:

1. Открыть традиционные виды изобразительного искусства, ставшие национальным достоянием.

2. Выявить сущность каждого из этих видов искусств и узнать, какой вклад они сделали в культуре Японии.

3. Познакомиться с мастерами и художниками того времени.

Японская живопись

Японская живопись очень разнообразна не только по содержанию, но и по формам: это настенные росписи, картины - ширмы, вертикальные и горизонтальные свитки, исполнявшиеся на шёлке и бумаге, альбомные листы и веера. О древней живописи можно судить лишь по упоминаниям в письменных документах. Самые ранние из сохранившихся выдающихся произведений относятся к периоду Хэйан (794..1185 годы). Это иллюстрации знаменитой «Повести о принце Гэндзи» писательницы Мурасаки Сикибу. Иллюстрации были выполнены на нескольких горизонтальных свитках и дополнены текстом. Их приписывают кисти художника Фудзивара Такаёси (первая половина XII века). Характерной особенностью культуры той эпохи, созданной довольно узким кругом аристократического сословия, был культ красоты, стремление найти во всех проявлениях материальной и духовной жизни, свойственное им очарование, неуловимое и ускользающие. Живопись того времени, получившая в последствии название Ямато-э (в буквальном переводе - японская живопись), передавала не действие, а состояние души.

Когда наступил закат культуры Хэйанской эпохи, в живописи на свитках утвердилось повествовательное начало: это полные драматических эпизодов легенды о чудесах, жизнеописания проповедников буддийской веры, сцены сражений воинов. В XIV, XV веках под воздействием проповедников «Дзэн-буддизма», с их особым вниманием к природе, начала развиваться пейзажная живопись. В изобразительном искусстве Японии «Дзэн» проявился в так называемом стиле “одного угла”. Этот стиль воплощается в принципе “экономной кисти”, когда художник несколькими мазками передает суть его работы. В течение полутора веков японские художники осваивали китайскую художественную систему, сделав одноцветную пейзажную живопись достоянием национального искусства. Её наивысший расцвет связан с именем выдающегося мастера Тоё Ода (1420..1506), больше известного под псевдонимом Сэссю. В своих пейзажах он, пользуясь одними лишь тончайшими оттенками чёрной туши, сумел отразить всю многоцветность мира природы и её бесчисленных состояний: насыщенную влагой атмосферу ранней весны, невидимый, но ощущаемый ветер и холодный осенний дождь, неподвижную застылость зимы.

На конец XVI и XVII веков приходится расцвет декоративной настенной живописи в Японии. Мир, созданный художниками японских декоративных росписей, при первом знакомстве кажется то простым и понятным, то сложным и недоступным. Их завораживающая красота и гармония убеждают в том, что существуют какие-то особые законы взаимодействия реальных наблюдений и художественной фантазии мастеров, их создавших. До нашего времени больше всего росписей сохранилось в городе Киото, древней столице Японии. Именно здесь работали выдающиеся художники: Кано Эйтоку, Кано Санраку, Хосэгава Тохаку, а позднее Таварая Сотацу и Огата Корин. Они оставили потомкам произведения, принадлежащие к сокровищам мирового искусства. Творчество каждого из этих мастеров - важный этап в истории стилевого развития декоративных росписей. Но их созданиям присущ и ряд общих свойств, определяемых в первую очередь взаимодействием с архитектурным пространством, в котором они помещались. Любая настенная живопись зависит от форм архитектуры, ее конструкции и материала. В традиционной японской архитектуре главным строительным материалом было дерево, а основу конструкции составлял каркас из столбов и балок, на котором располагалась кровля. Стены ограждали внутреннее помещение и делили его в соответствии с жизненной необходимостью. Они двигались по специальным направляющим желобкам и представляли собой деревянные рамы, затянутые бумагой. Для наружных стен употреблялась полупрозрачная, пропускавшая свет бумага, для внутренних перегородок - плотная, напоминавшая картон. Как раз ее использовали для росписей. Другим видом стены - перегородки была ширма, так же украшавшаяся живописью. Подвижность стен, на которых располагались росписи, оказывала воздействие на восприятие произведений. Когда стены раздвигались, менялась конфигурация пространства, в поле зрения попадали расписанные панели в соседних помещениях. Композиционное построение произведений было обусловлено образом жизни людей: поскольку в японском доме отсутствовала мебель и главной поверхностью, на которой сидели, спали, принимали пищу, являлся покрытый циновками пол. Это было светское искусство, обращенное к жизни и потребностям людей.

Японская гравюра

В XVII - первой половине XIX века в японском искусстве развилось направление «укиё-э» - «искусство быстротекущего мира». Оно было порождено становлением нового городского сословия - ремесленников и торговцев. Искусство этого мира - «укиё-э» и прежде всего гравюра - стало отражением всей жизни горожан, их вкусов, интересов. В отличие от аристократической живописи средних веков гравюра на дереве была многотиражной, доступной по цене, воистину популярной. Японская гравюра на дереве - это обрезная ксилография. Клише для нее изготовлялись на продольном срезе грушевого или вишневого дерева. Эскиз художника накладывался на доску, и все линии обрезались с двух сторон острым ножом. При этом плавность рисунка древесных волокон не могла не сказываться на ее линеарном строе. Она основывалась на традициях книжной графики, программ излюбленного театра горожан - Кабуки, но только с появлением гравюр на отдельных листах - итимаеэ она стала приобретать все большее значение как самостоятельный вид искусства (вторая половина XVII) . Первоначально гравюра была одноцветной, и весь сравнительно небольшой тираж ее подкрашивался от руки, что придавало произведениям особое очарование непосредственности и рукотворности. В основном гравюры подразделялись на две группы: театральные, на которых изображали актёров японского классического театра Кабуки в различных ролях, и бытописательной, посвященные изображению красавиц и сцен из их жизни.

Ранний период развития гравюры датируется 1680--1760 годами. Самым знаменитым мастером театральной гравюры был Тосюсяй Сяраку, который крупным планом изображал портреты актёров, подчёркивая особенности исполнявшейся ими роли, характерные черты человека, перевоплотившегося в персонажа пьесы: гнев, страх, жестокость, коварство. О жизни графика не сохранилось никаких свидетельств, кроме 150 великолепных гравюр, в большинстве своем театральных. Его портреты актеров отличаются смелостью и артистизмом исполнения, предельным накалом страстей. Но, несмотря на кратковременность художественной карьеры, Сяраку успел войти в историю как выдающийся мастер японской театральной гравюры.

В бытописательной гравюре прославились такие выдающиеся художники как Судзуки Харунобу и Китагава Утамаро. Утамаро был создателем женских образов, воплощавших национальный идеал красоты. Его героини как будто застыли на мгновение и сейчас продолжат своё плавное грациозное движение. Но эта пауза - наиболее выразительный момент, когда наклон головы, жест руки, силуэт фигуры передают чувства, которым они живут.

Самым известным мастером гравюры был гениальный художник Кацусика Хокусай (1749--1860).Творчество Хокусая основывается на многовековой живописной культуре Японии. Хокусай исполнил более 30 000 рисунков и проиллюстрировал около 500 книг. Будучи уже в преклонном возрасте, Хокусай создал одно из самых значительных произведений - серию «36 видов Фудзи» - в действительности содержит сорок шесть пейзажей, позволяющую поставить его в один ряд с самыми выдающимися художниками мирового искусства. В этой серии священная гора Японии предстает как символ нации и страны. Хокусай впервые раскрывает образ родины и образ народа в их единстве. Художник увидел жизнь как единый процесс во всём многообразии её проявлений, начиная от простых чувств человека, его повседневной деятельности и заканчивая окружающей природой с её стихиями и красотой. Творчество Хокусая, вобравшее в себя многовековой опыт искусства своего народа, - последняя вершина в художественной культуре средневековой Японии, её замечательный итог.

Японская каллиграфия

Японская каллиграфия - одно из самых популярных, изящных искусств Японии. Каллиграфические работы ценятся не меньше, чем произведения живописи. Но этот вид изобразительного искусства, помимо художественных достоинств обладает глубоким философским смыслом. По большому счету, каллиграфия - это нечто среднее между рисунком и письмом. Изображенные на листах бумаги или шелка иероглифы выполняют функцию картины - доставляют эстетическое наслаждение и несут определенный смысл. Чтобы понять, каллиграфию как искусство, начнем издалека. Дело в том, что во всех первобытных культурах понятия «писать» и «изображать» были идентичными. Информацию передавали не буквы и слова, а картинки. В дальнейшем рисунки схематизировались, становились не изображением предметов, а упрощенными знаками, обозначающими эти предметы. У китайцев такими знаками стали иероглифы, представляющие собой совокупностью письма и живописи, слова и рисунка, понятия и его обозначения. Так в мире появилось одно из самых изящных искусств - каллиграфия. Из Китая каллиграфия пришла в Японию - примерно в V веке н.э. в процессе внедрения в Страну восходящего солнца китайской письменности. Долгое время китайский язык в Японии считался чем-то вроде литературного языка. Потом стали применяться китайские иероглифы , адаптируя их к требованиям родного японского.

В Японии каллиграфия считалась одним из видов изящных искусств, которым, наравне с поэзией и живописью, должен был владеть каждый культурный житель вышеозначенных стран. Красиво написанный иероглиф или строка из стихотворения свидетельствовали о красоте мысли и духа. По качеству почерка угадывался не только уровень образования пишущего, но и его характер и нравственные качества. «И если потерять голову от портрета незнакомки» - это такая европейская романтика, «то влюбиться по почерку» - это уже восточная реальность. В восточной каллиграфии нет ничего случайного: для каждой линии и точки важно начало, направление, форма и окончание, важен баланс между элементами, и даже пустое пространство говорит о многом. Иероглифы гармоничны, пропорциональны, сбалансированы.

Существует три типа написания иероглифов: Кайсе (квадратом) - когда одна линия пишется за другой. Этот стиль используется редко. Дзисё (полу курсивом) - более быстрое написание. Сосё (курсивом) - быстрое написание (в несколько движений), при котором линии письма менее чёткие.

Зрительное восприятие текста по значению не уступало зрительному восприятию картины и играло важную роль в смысловом восприятии того же текста. Отсюда и получил громадное распространение культ каллиграфии. Из стремления соединить стиль начертания слов с их смыслом возникли и существовали на протяжении многих столетий четко отработанные и освященные традицией приемы графической стилистики. Их предназначение - усиливать эмоциональное воздействие на читателя продуманным соответствием каллиграфического почерка смысловому и литературно - стилевому содержанию написанного текста. Существо же заключалось в том, что произведения определённого литературного стиля или научного содержания записывались определённым каллиграфическим почерком: стихотворные сборники - тонкой, вытянутой в длину строкой скорописи, пьесы причудливо закрученной, плотной скорописью, растянутой в ширину и стянутой по вертикали.

Таким образом, каллиграфия - это не только искусство идеального написания слов, но и искусство идеального духа.

Икэбана

Икэбана - древнее японское искусство, создания цветочных композиций. Слово «икебана» состоит из двух иероглифов: «икэ» - жизнь и «хана» - цветок и чаще всего переводится как «дать цветам новую жизнь» или «позволить цветам выразить себя». Истоки икэбаны уходят вглубь истории Японии. Они связаны с древним обычаем преподношения цветов умершим предкам и божественным духам, которые, согласно религии Синто, находятся в каждом предмете. На смену религиозной системе синтоизма в VI веке в стране был введен в качестве государственной религии буддизм. С построением буддийских храмов был создан и ритуал преподношения цветов Будде, их ставили к алтарю в больших букетах. Первыми учениками и преподавателями этого искусства были буддийские монахи.

Искусство икэбана отличается каноничностью, и в то же время в нем природа и человечность сливаются воедино. Вопреки представлениям о цветочной композиции как о наборе пестрых разноцветных растений, в составлении икебана часто уделяется внимание стеблям и листьям, а также формам, линиям и очертаниям. Хотя икэбана - это творческое самовыражение, она имеет определенные правила составления. Замысел художника в каждой композиции проявляется через сочетание цветов, природные формы, изящность линий, и обязательно присутствие внутреннего смысла Духовный аспект искусства икэбана считается чрезвычайно важным. Во время составления икэбаны молчание - важная составляющая. Это время посвящается попытке оценить красоту вещей в природе, что люди часто упускают из-за динамичного ритма жизни. Человек становится более терпеливым и терпимым к различиям, не только в природе, но и в целом. В процессе составления человек чувствует близость к природе, которая дарит отдых для ума, тела и души. Искусство икебана позволяет увидеть красоту во всех видах искусства.

Прошло время, появились другие школы, поменялись стили, Икэбана стала традиционным видом искусства в японском обществе. Духовный аспект искусства икэбана считается чрезвычайно важным. Икэбана и по сей день остается одним из самых ярких видов искусства в японской культуре. О нем рассказывают по телевидению, ему обучают в школах и им восхищаются.

Ошибана

изобразительный искусство гравюра живопись япония

Ошибана - это вид изобразительного искусства, рожденного флористикой. Это очень древнее искусство, которое наиболее распространено было в Японии и появилось в XIVвеке.Основная идея в том, что мастер собирает и засушивает природный материал (цветы, кору деревьев, листья, семена и т. д.), а затем создает великолепные картины из собранного материала, поэтому Ошибану еще называют живописью растениями. В Японии искусством Ошибана долгое время могли заниматься исключительно воины. Ошибана была для японских самураев частью военной подготовки (наряду с написанием иероглифов и владением мечом). Искусство Ошибана было мужским занятием, но постепенно им увлеклись и женщины.

Растительный материал собирают, подсушивают на бумаге, а затем помещают его под пресс. Вначале растения раскладывают на плоской поверхности для просушки, а затем помещают под пресс на газетный лист. Очень важно, чтобы бумага была пористой, ведь естественная влага должна легко испаряться в процессе высушивания, поэтому глянцевые книги и журналы для этой цели не подойдут. Быстрее всего сохнут полевые цветы и розы, которые можно высушить за 3-4 дня. Если правильно высушить растения и хранить их в соответствующих условиях, то растительный материал для Ошибана сохранит свой цвет на очень долгое время.

Но одним из главных условий Ошибана является то, что художник обязан сохранить форму и фактуру засушенного растения. Именно по этой причине японцами была разработана методика. Суть ее в том, что мастера помещают уже готовую картину под стекло и выкачивают воздух между стеклом и сухими растениями, таким образом, создавая вакуум, который не позволяет растениям испортиться.

Вот после такого непростого пути, можно увидеть всевозможные цветочные композиции, натюрморты ,пейзажи и даже портреты, которые радуют глаз и до сих пор являются национальным достоянием в Японии.

Бонсэки

Бонсэки - ландшафт в миниатюре, пейзажи, изготовленные исключительно из неживого материала: камней и песка, а также сами камни, в силу своей необычной формы или текстуры ,становившейся объектом любования. Такие камни называли суйсэки (слово, составленное из двух иероглифов -- «вода» и «камень»). Их собирали в руслах пересохших ручьев, на морском побережье, а также в пустынях, где суйсэки формировались под воздействием не текущей воды, а сухого ветра, за многие тысячелетия способного придать камням необычный вид. Искусство Бонсэки изображается на черном лакированном подносе с помощью белого песка (кварца) крупного, среднего и мелкого помола. Не всегда такая картина на подносе плоская. Мастера Бонсэки используют натуральные предметы для придания объема своим произведениям. Бонсэки также сравнивают с трехмерными картинами, которые таинственно пульсируют движениями природы, уносят и художника, и наблюдателя в свои глубины, искажающие реальность. Камни всех форм становятся настоящими горами, выстроенными грядой, или же выступающими морскими скалами, в то время как различные виды песка используются для разработки деталей.

Япония познакомилась с первыми образцами такого искусства много позже, чем Китай, лишь в начале VII века, когда ко двору императрицы Суйко прибыло посольство из Китая. Среди многочисленных даров японскому престолу были и Бонсэки.

В Японии традиция создания миниатюрных пейзажей сложилась в эпоху Муромати (1333-1568), а в эпоху Эдо (1600-1868) возникли школы «миниландшафтного дизайна» со своими техниками и правилами. В период Момояма мастер этого течения Сэн Рикю немного видоизменил технологию и стал более естественно изображать природу. Рассматривая композиции искусства Бонсэки, видно, что большая роль уделялась, прежде всего, ландшафту, морской тематике, временам года и лишь немного образам растительного мира, также используются создания фигурки птиц, домов, лодок и др. образов.

Заключение

Японская культура во многих отношения уникальна. И даже столь краткое знакомство с художественной культурой Японии позволяет нам почувствовать всю ее самобытность и представить богатство, создававшееся на протяжении столь долгого времени. При всех изменениях, которые происходили в японской культуре на протяжении веков, природа всегда оставалась главным объектом внимания, центральной темой. В разные эпохи восприятие прекрасного менялось. В IX - XI веках под влиянием буддийского учения идеал красоты был связан с грустным очарованием. В XIV - XV веках дзэнские наставники открывали красоту в обыденном и неприметном. С развитием городской культуры в XVI- XVIII веках опять произошли изменения в понимании прекрасного. Но стремление найти и открыть эту красоту постоянно питало общую художественную направленность японской культуры, влияло на внутренний мир людей и их отношение к окружающему. Я думаю, это дает нам право заявить о том, что Япония - удивительная страна, чей путь развития не похож на развитие других стран.

Список используемой литературы

v http://www.waysamurai.ru

v http://www.krugosvet.ru

v http://www.cultline.ru

v http://www.refoman.ru

v http://www.artprojekt.ru

v http://www.japancalligraphy.eu/ru/

v "Открывая искусство Японии: исторический экскурс".Sadao, Tsuneko.

v Мировое искусство. Санкт-Петербург. СЗКЭО. «Кристалл». Москва. «Оникс».2007 г.

Размещено на Allbest.ru