Венская классическая школа

Венская классическая школа как художественное направление в музыкальной культуре XVIII – начала XIX века. Стиль венской классической школы. Музыкальные жанры. Ф.Й. Гайдн – основоположник венской классической школы. Музыкальный гений – В.А. Моцарт.

Рубрика Культура и искусство
Вид реферат
Язык русский
Дата добавления 24.11.2008
Размер файла 53,6 K

Отправить свою хорошую работу в базу знаний просто. Используйте форму, расположенную ниже

Студенты, аспиранты, молодые ученые, использующие базу знаний в своей учебе и работе, будут вам очень благодарны.

2

Содержание

Введение 3

1. Венская классическая школа как художественное направление

в музыкальной культуре XVIII - начала XIX века 4

1.1. Особенности стиля венской классической школы 4

1.2. Музыкальные жанры 7

2. Ф.Й. Гайдн - основоположник венской классической школы 10

3. Музыкальный гений - В.А. Моцарт 12

4. Творческий путь Л. ван Бетховена 16

Заключение 19

Список использованной литературы 20

Введение

На протяжении XVIII века в ряде стран (Италии, Германии, Австрии, Франции и др.) происходили процессы формирования новых жанров и форм инструментальной музыки, окончательно сложившихся и достигших своей вершины в так называемой «венской классической школе».

Венская классическая школа, органически впитавшая в себя передовые достижения национальных музыкальных культур, сама была явлением глубоко национальным, коренилась в демократической культуре австрийского народа. Представителями данного художественного направления были Й. Гайдн, В.А. Моцарт, Л. ван Бетховен. Каждый из них являлся яркой индивидуальностью. Так, стиль Гайдна отличало светлое мировосприятие, ведущая роль жанрово-бытовых элементов. Для стиля Моцарта более характерным было лирико-драматическое начало. Стиль Бетховена - воплощение героического пафоса борьбы. Однако наряду с отличиями, обусловившими неповторимость индивидуальности каждого из этих композиторов, их объединяют реализм, жизнеутверждающее начало и демократичность.

Искусство венских классиков внесло в мировую музыкальную культуру мощную реалистическую и демократическую струю, основанную на богатствах народного творчества, и потому оно сохранило для нас всю свою ценность и художественную значимость.

1. Венская классическая школа как художественное направление в музыкальной культуре XVIII - начала XIX века

1.1. Особенности стиля венской классической школы

Художественный стиль классицизм (от лат. classicus - «образцовый») возник в XVII веке во Франции. Основываясь на представлениях о закономерности, разумности мирового устройства, мастера этого стиля стремились к ясным и строгим формам, гармоничным образцам, воплощению высоких нравственных идеалов. Высшими, непревзойдёнными образцами художественного творчества они считали произведения античного искусства, поэтому разрабатывали античные сюжеты и образы. Классицизм во многом противостоял барокко с его страстностью, изменчивостью, противоречивостью, утверждая свои принципы в разных видах искусства, в том числе и в музыке.

Вершиной в развитии музыкального классицизма стало творчество Йозефа Гайдна, Вольфганга Амадея Моцарта и Людвига ван Бетховена, работавших преимущественно в Вене и образовавших направление в музыкальной культуре второй половины XVIII - начала XIX столетия - венскую классическую школу.

Деятельность композиторов венской классической школы была подготовлена художественным опытом их предшественников и современников, включая итальянскую и французскую оперу и инструментальную культуру, достижения немецкой музыки. Огромную роль в становлении венской классической школы сыграли музыкальный быт Вены - крупнейшего музыкального центра, музыкальный фольклор многонациональной Австрии. Искусство венских классиков тесно связано с общим подъёмом австро-немецкой культуры, с просветительством, отразившим гуманистические идеалы третьего сословия в преддверии Великой французской революции. Творческие идеи венских классиков тесно соприкасаются со взглядами Г.Э. Лессинга, И.Г. Гердера, И.В. Гёте, Ф. Шиллера, И. Канта, Г. Гегеля, с некоторыми положениями французских энциклопедистов.

Для искусства представителей венской классической школы характерны универсальность художественного мышления, логичность, ясность художественной формы. В их сочинениях органично сочетаются чувства и интеллект, трагическое и комическое, точный расчёт и естественность, непринуждённость высказывания.

В творчестве венских классиков выражено динамическое понимание жизненных процессов, нашедшее наиболее полное воплощение в сонатной форме и обусловившее симфонизм многих их сочинений. С симфонизмом, в широком смысле, связаны расцвет ведущих инструментальных жанров эпохи - симфонии, сонаты, концерта и камерного ансамбля, окончательное формирование 4-хчастного сонатно-симфонического цикла.

Музыка композиторов венской классической школы - новый этап в развитии музыкального мышления; для их музыкального языка характерны строгая упорядоченность, централизованность в сочетании с внутренним разнообразием, богатством. В их творчестве формируются классические типы музыкальных структур - период, предложение и др.

Расцвет венской классической школы совпал с общим процессом становления симфонического оркестра - его стабильного состава, функциональной определённости оркестровых групп. Сложились главные классические типы камерных ансамблей - фортепианное трио, струнный квартет и др. Из музыки для сольных инструментов особенно выделилась фортепианная. Оперное творчество Моцарта открыло широкие перспективы развития различных типов оперы - лирической и социально-обличительной комедии, музыкальной драмы, философской оперы-сказки и др.

Каждый из мастеров венской классической школы обладал неповторимой индивидуальностью. Гайдну и Бетховену наиболее близкой оказалась сфера инструментальной музыки, Моцарт в равной мере проявил себя и в оперном, и в инструментальных жанрах. Гайдн больше тяготел к объективным народно-жанровым образам, юмору, шутке, Бетховен - к героике, Моцарт, будучи универсальным художником - к разнообразным оттенкам лирического переживания.

Творчество композиторов венской классической школы, принадлежащее к вершинам мировой художественной культуры, оказало огромное влияние на дальнейшее развитие музыки.

1.2. Музыкальные жанры

Как уже отмечалось выше, в творчестве композиторов венской школы многие музыкальные жанры получили свой классический облик. В данном разделе нашего реферата рассмотрим наиболее значительные из них.

Симфония

Наиболее сложная форма инструментальной музыки - симфония (греч. «созвучие»). Она рассчитана на исполнение симфоническим оркестром. Возможности этого жанра велики: он позволяет выразить музыкальными средствами философские и нравственные идеи, рассказать о чувствах и переживаниях. Сформировался жанр в середине XVIII столетия в творчестве представителей венской классической школы. Композиторы разработали сонатно-симфонический цикл из четырёх частей, которые различаются характером музыки, темпом и приёмами развития темы. Первая часть, построенная в сонатной форме и обычно исполняемая в быстром темпе, наполнена драматическим содержанием. Иногда ей предшествует медленное вступление. Вторая часть медленная, созерцательная; это лирический центр композиции. Третья - контрастна по отношению ко второй: подвижная, живая музыка носит либо танцевальный, либо шутливый характер. До начала XIX в. композиторы использовали форму менуэта (фр. menuet, от menu - «маленький, мелкий»), распространённого салонного танца XVIII столетия. Позднее менуэт был заменён скерцо (от итал. scherzo - «шутка») - так назывались небольшие вокальные или инструментальные произведения, быстрые по темпу и шутливые по содержанию. Четвёртая, обычно быстрая, часть - финал симфонии; здесь подводятся итоги развития тем и образов произведения.

Композиторы венской школы придали симфонии необычайную гибкость и способность воплощать в обобщённой форме разнообразные стороны человеческого бытия. Ими созданы различные типы симфонизма - народно-жанровый, лирико-драматический, героико-драматический, которые впоследствии были развиты и обогащены композиторами-романтиками.

Сонатная форма

Одна из самых сложных и богатых по содержанию музыкальных форм, сонатная, начала складываться в первой половине XVIII в. и окончательный вид обрела во второй половине столетия в произведениях композиторов венской классической школы. Сонатная форма - это принцип изложения музыкального материала. Он предполагает не механическое чередование частей и разделов, а взаимодействие тем и художественных образов. Темы - главная и побочная - либо противопоставляются друг другу, либо дополняют одна другую. Развитие тем проходит три этапа - экспозицию, разработку и репризу. Темы возникают в экспозиции (от лат. expositio - «изложение, показ»). Главная звучит в основной тональности, которая и определяет наименование тональности всего сочинения (например Симфония до мажор). Побочная обычно излагается в иной тональности - между темами возникает контраст. В разработке происходит дальнейшее развитие тем. Они могут вступать в острое взаимное противоречие. Иногда одна подавляет другую или, наоборот, уходит в тень, оставляя «сопернице» полную свободу действий. Обе темы могут предстать в ином освещении, например, будут исполнены другим составом инструментов, или резко поменяют характер. В репризе (фр. reprise, от reprendre - «возобновлять, повторять») темы на первый взгляд возвращаются в начальное состояние. Однако побочная звучит уже в основной тональности, таким образом приходя к единству с главной. Реприза - итог сложного пути, к которому темы приходят обогащённые опытом экспозиции и разработки. Итоги развития иногда закрепляют в дополнительном разделе - коде (от итал. coda - «хвост»), однако она необязательна. Используют сонатную форму обычно в первой части сонаты и симфонии, а также (с небольшими изменениями) во второй части и в финале.

Соната

Один из основных жанров инструментальной музыки - соната (итал. sonata, от sonare - «звучать»). Это многочастное (обычно из трёх или четырёх частей) произведение; у композиторов второй половины XIX - начала XX в. есть и одночастные сочинения. В творчестве мастеров венской классической школы соната, так же как и симфония, достигла расцвета. В отличие от симфонии соната предназначена либо для одного инструмента (как правило, фортепиано), либо для двух (один из которых фортепиано). Первая часть произведений такого жанра пишется в сонатной форме. Здесь обозначаются основные музыкальные темы произведения. Вторая часть, обычно спокойная, медленная, составляет резкий контраст с первой. Третья - финал, исполняемый в быстром темпе. Он подводит итоги и окончательно определяет общий характер произведения.

2. Ф.Й. Гайдн - основоположник венской классической школы

О музыке Йозефа Гайдна - одного из основателей венской классической школы - его друг и младший современник Вольфганг Амадей Моцарт писал: «Никто не в состоянии делать всё: и балагурить, и потрясать, вызывать смех и глубоко трогать, и всё одинаково хорошо, как это умеет Гайдн». С творчеством Гайдна связан расцвет таких жанров, как симфония (их у него сто четыре, не считая утерянных), струнный квартет (восемьдесят три), клавирная соната (пятьдесят две). Большое внимание уделял композитор концертам для различных инструментов, камерным ансамблям и духовной музыке.

Родился Франц Йозеф Гайдн в деревне Рорау (Австрия) в семье каретного мастера. С восьми лет он стал петь в капелле Святого Стефана в Вене. Будущему композитору приходилось зарабатывать на жизнь перепиской нот, игрой на органе, клавире и скрипке. В семнадцать лет Гайдн потерял голос и был исключён из капеллы. Только через четыре года он нашёл постоянную работу - устроился аккомпаниатором к известному итальянскому оперному композитору Николе Порпоре (1686-1768). Тот оценил музыкальное дарование Гайдна и стал преподавать ему композицию.

В 1761г. Гайдн поступил на службу к богатым венгерским князьям Эстерхази и провёл при их дворе в качестве композитора и руководителя капеллы почти тридцать лет. В 1790г. капелла была распущена, но за Гайдном сохранили оклад и должность капельмейстера. Это дало мастеру возможность поселиться в Вене, путешествовать, выступать с концертами. В 90-х гг. Гайдн подолгу жил и плодотворно работал в Лондоне. Он приобрёл европейскую известность, его творчество по достоинству оценили современники - композитор стал обладателем множества почётных степеней и званий. Йозефа Гайдна часто называют «отцом» симфонии. Именно в его творчестве симфония стала ведущим жанром инструментальной музыки.

В симфониях Гайдна интересна разработка основных тем. Проводя мелодию в разных тональностях и регистрах, придавая ей то или иное настроение, композитор таким образом обнаруживает её скрытые возможности, выявляет внутренние противоречия: мелодия то преображается, то возвращается к первоначальному состоянию. Гайдн обладал тонким чувством юмора, и эта особенность личности отразилась в музыке. Во многих симфониях ритмика третьей части (менуэта) нарочито тяжеловесна, словно автор пытается изобразить неуклюжие попытки простолюдина повторить элегантные движения галантного танца. Остроумна симфония №94 (1791г.). В середине второй части, когда музыка звучит спокойно и тихо, неожиданно раздаются удары литавр - чтобы слушатели «не скучали». Не случайно произведение назвали «С боем литавр, или Сюрприз». Гайдн нередко использовал приём звукоподражания (поют птицы, бродит по лесу медведь и т.п.). В симфониях композитор часто обращался к народным темам, в основном к славянским - словацким и хорватским.

Представителям венской классической школы, и прежде всего Гайдну, принадлежит заслуга формирования устойчивого состава симфонического оркестра. Прежде композиторы довольствовались лишь теми инструментами, которые в данный момент были доступны. Появление устойчивого состава оркестра - яркий признак классицизма. Звучание музыкальных инструментов приводилось таким образом в строгую систему, которая подчинялась правилам инструментовки. Эти правила основаны на знании возможностей инструментов и предполагают, что звук каждого - не самоцель, а средство, выражающее определённую идею. Устойчивый состав давал цельное, однородное звучание оркестра.

Помимо инструментальной музыки Гайдн уделял внимание опере и духовным сочинениям (создал ряд месс под влиянием Генделя), обращался к жанру оратории («Сотворение мира», 1798г.; «Времена года», 1801г.).

3. Музыкальный гений - В.А. Моцарт

Творчество Моцарта занимает особое место в венской классической школе. В его произведениях классицистическая строгость и ясность форм соединились с глубокой эмоциональностью. Музыка композитора близка к тем направлениям в культуре второй половины XVIII в., которые были обращены к чувствам человека («Буря и натиск», отчасти сентиментализм). Именно Моцарт впервые показал противоречивость внутреннего мира личности.

Вольфганг Амадей Моцарт родился в Зальцбурге (Австрия). Обладая феноменальным музыкальным слухом и памятью, он уже в раннем детстве научился играть на клавесине, а в пять лет написал первые сочинения. Первым педагогом будущего композитора стал его отец Леопольд Моцарт - музыкант капеллы архиепископа Зальцбургского. Моцарт виртуозно владел не только клавесином, но также органом и скрипкой; славился как блестящий импровизатор. С шести лет он гастролировал по странам Европы. В одиннадцать создал первую оперу «Аполлон и Гиацинт», а в четырнадцать уже дирижировал в театре Милана на премьере собственной оперы «Митридат, царь Понтийский». Примерно в это же время его избрали членом Филармонической академии в Болонье.

Как и многие музыканты той эпохи, Моцарт состоял на придворной службе (1769-1781гг.) - был концертмейстером и органистом у архиепископа города Зальцбурга. Однако независимый характер мастера вызывал резкое неудовольствие архиепископа, и Моцарт предпочёл покинуть службу. Из выдающихся композиторов прошлого он стал первым, кто выбрал жизнь свободного художника. В 1781г. Моцарт переехал в Вену, у него появилась семья. Зарабатывал он редкими изданиями собственных сочинений, уроками игры на фортепиано и выступлениями (последние послужили стимулом для создания концертов для фортепиано с оркестром).

Особое внимание Моцарт уделял опере. Его произведения - целая эпоха в развитии этого вида музыкального искусства. Опера привлекала композитора возможностью показать взаимоотношения людей, их чувства и стремления.

Моцарт не стремился к созданию новой оперной формы - новаторской была сама его музыка. В зрелых произведениях композитор отказался от строгого разграничения оперы на серьёзную и комическую - появился музыкально-драматический спектакль, в котором эти элементы переплетены. Как следствие в операх Моцарта нет однозначно положительных и отрицательных героев, характеры живые и многогранные, не связанные рамками амплуа.

Моцарт часто обращался к литературным источникам. Так опера «Свадьба Фигаро» (1786г.) написана по пьесе французского драматурга П.О. Бомарше «Безумный день, или Женитьба Фигаро», которая была запрещена цензурой. Главная тема оперы - любовь, что, впрочем, можно сказать обо всех творениях Моцарта. Однако есть в произведении и социальный подтекст: Фигаро и его возлюбленная Сюзанна умны и энергичны, но они незнатного происхождения, а всего лишь слуги в доме графа Альмавивы. Их противодействие господину (глуповатому и одураченному аристократу) вызывает сочувствие автора - совершенно очевидно, что он на стороне влюблённых.

В опере «Дон Жуан» (1787г.) получил музыкальное воплощение средневековый сюжет о покорителе женских сердец. Энергичному, темпераментному, своевольному и свободному от всех нравственных норм герою противостоит в лице Командора высшая сила, олицетворяющая разумный порядок. Философское обобщение соседствует здесь с любовными интригами и жанрово-бытовыми элементами. Трагическое и комическое образуют неразрывное единство. Эту особенность оперы подчеркнул и сам автор, дав своему сочинению подзаголовок «Весёлая драма». Казалось бы в финале справедливость торжествует - порок (Дон Жуан) наказан. Но музыка оперы тоньше и сложнее такого упрощённого понимания произведения: она вызывает у слушателя сочувствие к герою, оставшемуся верным себе даже перед лицом смерти.

Философская сказка-притча «Волшебная флейта» (1791г.) написана в жанре зингшпиля. Основная идея произведения - неизбежность победы добра над злом, призыв к стойкости духа, к любви, к понимаю её высшего смысла. Герои оперы подвергаются серьёзным испытаниям (молчанием, огнём, водой), но достойно преодолевают их и достигают царства красоты и гармонии.

Моцарт главной считал музыку, хотя относился к тексту либретто очень требовательно. В его операх значительно возросла роль оркестра. Именно в оркестровой партии нередко обнаруживается авторское отношение к действующим лицам: то промелькнёт насмешливый мотив, то появится прекрасная поэтическая мелодия. Внимательному слушателю эти детали говорят больше, чем текст. Основными портретными характеристиками остались арии, а о взаимоотношениях героев рассказывается в вокальных ансамблях. Композитор сумел передать в ансамблях особенности характера каждого персонажа.

Будучи представителем венской классической школы. Моцарт большое значение придавал жанру симфонии. Особенно популярны три последние симфонии - Тридцать девятая, Сороковая и Сорок первая («Юпитер»), созданные в 1788г. В произведениях этого жанра окончательно закрепились четырёхчастный цикл и правила сонатной формы. Симфонии Моцарта включают множество тонких эмоциональных нюансов. Темы часто неровные по характеру, сложные по ритму, порой идут в сопровождении резких гармоний, но музыка сохраняет отточенные, чёткие формы.

Моцарт стал и одним из создателей жанра классического концерта. В основе концерта соревнование солиста и оркестра, и этот процесс всегда подчинён строгой логике. Композитору принадлежит двадцать семь концертов для фортепиано с оркестром, семь для скрипки с оркестром. В одних произведениях слушателя поражает виртуозное мастерство, праздничность, в других драматизм и эмоциональные контрасты.

Фортепианное творчество Моцарта включает девятнадцать сонат, в которых он продолжал разрабатывать сонатную форму, а также сочинения в жанре фантазии (музыкальное произведение, основанное на импровизации и свободное по форме). Композитор отказался от клавесина и клавикорда, обладающих по сравнению с фортепиано более мягким, но слабым звуком. Фортепианная манера Моцарта - отчётливая, элегантная, с тщательной отделкой мелодии и аккомпанемента.

Интересы мастера не ограничивались оперой и инструментальной музыкой. Им созданы и духовные произведения: мессы, кантаты, оратории, реквием. Музыка реквиема (1791г.), предназначенного для солистов, хора и оркестра, глубоко трагична (Моцарт работал над сочинением, когда уже был болен, фактически перед самой смертью). Части сочинения, напоминающие оперные арии и ансамбли, делают музыку очень эмоциональной, а полифонические (прежде всего «Господи, помилуй!») олицетворяют духовное начало, высшую справедливость. Главный образ реквиема - страдающий человек перед лицом сурового Божественного правосудия.

Мастер так и не успел дописать реквием, он был доработан по наброскам композитора его учеником Ф.К. Зюсмайром.

Музыку Моцарт сочинял очень легко, иногда даже без черновиков, создавая творения, непревзойдённые по художественной красоте и гармоничности. Музыканты-современники высоко ценили дарование Моцарта, но большинство аристократической публики его творчество не понимало, а в последние годы жизни композитора не принимало вовсе. Умер Моцарт в бедности и был похоронен в Вене в общей могиле.

4. Творческий путь Л. ван Бетховена

«Музыка должна высекать огонь из груди человеческой» - это слова немецкого композитора Людвига ван Бетховена, произведения которого принадлежат к высшим достижениям музыкальной культуры.

Мировоззрение Бетховена складывалось под воздействием идей Просвещения и свободолюбивых идеалов Французской революции. В музыкальном отношении его творчество, с одной стороны, продолжало традиции венского классицизма, с другой - запечатлело черты нового романтического искусства. От классицизма в произведениях Бетховена возвышенность содержания, прекрасное владение музыкальными формами, обращение к жанрам симфонии и сонаты. От романтизма смелое экспериментаторство в области этих жанров, интерес к вокальной и фортепианной миниатюре.

Людвиг ван Бетховен родился в Бонне (Германия) в семье придворного музыканта. Заниматься музыкой он начал с раннего детства под руководством отца. Однако настоящим наставником Бетховена стал композитор, дирижёр и органист К.Г. Нефе. Он преподавал юному музыканту основы композиции, обучал игре на клавире и органе. С одиннадцати лет Бетховен служил помощником органиста в церкви, потом придворным органистом, концертмейстером в оперном театре Бонна. В восемнадцать лет он поступил в Боннский университет на философский факультет, однако не окончил его и впоследствии много занимался самообразованием.

В 1792г. Бетховен переехал в Вену. Он брал уроки музыки у Й. Гайдна, И.Г. Альбрехтсбергера, А. Сальери (крупнейших музыкантов той эпохи). Альбрехтсбергер познакомил Бетховена с творчеством Генделя и Баха. Отсюда блестящее знание композитором музыкальных форм, гармонии и полифонии.

Вскоре Бетховен начал давать концерты; стал популярным. Его узнавали на улицах, приглашали на торжественные приёмы в дома высокопоставленных особ. Он много сочинял: писал сонаты, концерты для фортепиано с оркестром, симфонии.

Долгое время никто не догадывался, что Бетховена поразил серьёзный недуг - он начал терять слух. Убедившись в неизлечимости болезни, композитор решил уйти из жизни и в 1802г. приготовил завещание, где объяснял мотивы своего решения. Однако Бетховен сумел преодолеть отчаяние и нашёл в себе силы писать музыку дальше. Выходом из кризиса стала Третья («Героическая») симфония.

В 1803-1808гг. композитор также работал над созданием сонат; в частности Девятой для скрипки и фортепиано (1803г.; посвящена парижскому скрипачу Рудольфу Крейцеру, поэтому получила название «Крейцерова»), Двадцать третьей («Аппассионатой») для фортепиано, Пятой и Шестой симфониями (обе 1808г.).

Шестая («Пасторальная») симфония имеет подзаголовок «Воспоминание о сельской жизни». Это произведение рисует различные состояния человеческой души, отстранившейся на время от внутренних переживаний и борьбы. Симфония передаёт чувства, возникающие от соприкосновения с миром природы и сельской жизни. Необычна её структура - пять частей вместо четырёх. В симфонии есть элементы изобразительности, звукоподражания (поют птицы, гремит гром и т.д.). Находки Бетховена впоследствии использовались многими композиторами-романтиками.

Вершиной симфонического творчества Бетховена стала Девятая симфония. Задумана она была ещё в 1812г., но работал над ней композитор с 1822 по 1823г. Симфония грандиозна по масштабам; особенно необычен финал, представляющий собой нечто вроде большой кантаты для хора, солистов и оркестра, написанной на текст оды «К радости» И.Ф Шиллера.

В первой части музыка сурова и драматична: из хаоса звуков рождается чёткая и очень масштабная тема. Вторая часть - скерцо по характеру перекликается с первой. Третья часть, исполняемая в медленном темпе, - это спокойный взгляд просветлённой души. Дважды в неторопливое течение музыки врываются звуки фанфар. Они напоминают о грозах и битвах, но изменить общий философский образ не в силах. Эта музыка - вершина лирики Бетховена. Четвёртая часть - финал. Темы предыдущих частей проплывают перед слушателем словно уходящее прошлое. И вот появляется тема радости. Удивителен внутренний строй темы: трепетность и строгая сдержанность, огромная внутренняя сила, высвобождающаяся в грандиозном гимне добру, истине и красоте.

Премьера симфонии состоялась в 1825г. в Венском оперном театре. Для осуществления авторского замысла театрального оркестра оказалось недостаточно, пришлось пригласить любителей: двадцать четыре скрипки, десять альтов, двенадцать виолончелей и контрабасов. Для венского классического оркестра такой состав был необыкновенно мощным. Кроме того, каждая хоровая партия (басы, тенора, альты и сопрано) включала двадцать четыре певца, что также превосходило привычные нормы.

При жизни Бетховена Девятая симфония для многих осталась непонятной; ею восторгались лишь те, кто близко знал композитора, его ученики и просвещённые в музыке слушатели. Со временем симфонию стали включать в свой репертуар лучшие оркестры мира, и она обрела новую жизнь.

Для произведений позднего периода творчества композитора характерны сдержанность чувств и философская углублённость, что отличает их от страстных и драматических ранних сочинений. За свою жизнь Бетховен написал 9 симфоний, 32 сонаты, 16 струнных квартетов, оперу «Фиделио», «Торжественную мессу», 5 концертов для фортепиано и один для скрипки с оркестром, увертюры, отдельные пьесы для разных инструментов.

Удивительно, но многие сочинения (в том числе Девятую симфонию) композитор написал, будучи уже совершенно глухим. Однако и его последние произведения - сонаты для фортепиано и квартеты - непревзойдённые шедевры камерной музыки.

Заключение

Итак, художественный стиль классицизм возник в XVII столетии во Франции, основываясь на представлениях о закономерности, разумности мирового устройства. Мастера этого стиля стремились к ясным и строгим формам, гармоничным образцам, воплощению высоких нравственных идеалов. Высшими, непревзойдёнными образцами художественного творчества они считали произведения античного искусства, поэтому разрабатывали античные сюжеты и образы.

Вершиной в развитии музыкального классицизма стало творчество Йозефа Гайдна, Вольфганга Амадея Моцарта и Людвига ван Бетховена, работавших преимущественно в Вене и образовавших направление в музыкальной культуре второй половины XVIII - начала XIX столетия - венскую классическую школу. Отметим, что классицизм в музыке во многом не похож на классицизм в литературе, театре или живописи. В музыке невозможно опираться на античные традиции, так как они почти неизвестны. Кроме того, содержание музыкальных сочинений часто связано с миром чувств человека, которые не поддаются жёсткому контролю разума. Однако композиторы венской классической школы создали очень стройную и логичную систему правил построения произведения. Благодаря такой системе самые сложные чувства облекались в ясную и совершенную форму. Страдания и радости становились для композитора предметом размышления, а не переживания. И если в других видах искусства законы классицизма уже в начале XIX в. многим казались устаревшими, то в музыке система жанров, форм и правил гармонии, разработанная венской школой, сохраняет своё значение до сих пор.

Ещё раз отметим, что искусство венских классиков представляет для нас огромную ценность и художественную значимость.

Список использованной литературы

1. Альшванг А.А. Людвиг ван Бетховен. Очерк жизни и творчества. - М.: Советский композитор, 1971. - 558с.

2. Бах. Моцарт. Бетховен. Мейербер. Шопен. Шуман. Вагнер / Сост. «ЛИО Редактор». - СПб: «ЛИО Редактор» и др., 1998. - 576с.

3. Великович Э. Великие музыкальные имена: Биографии. Материалы и документы. Рассказы о композиторах. - СПб.: Композитор, 2000. - 192с.

4. Музыкальный энциклопедический словарь / Гл. ред. Г.В. Келдыш. - М.: Советская энциклопедия, 1990. - 672с.

5. Осеннева М.С., Бездородова Л.А. Методика музыкального воспитания младших школьников: Учеб. пособие для студ. нач. фак. педвузов. - М.: «Академия», 2001. - 368с.

6. Я познаю мир: Дет. энцикл.: Музыка / Авт. А.С. Клёнов. Под общ. ред. О.Г. Хинн. - М.: АСТ-ЛТД, 1997. - 448с.

Приложение

Гайдн написал 24 оперы, преимущественно в жанре итальянской оперы-буффа и оперы-сериа, 3 оратории, 14 месс и др. духовные произведения, 104 симфонии, увертюры, марши, танцы, дивертисменты для оркестра и разных инструментов, концерты для клавира и др. инструментов, 83 струнных квартета, 41 фортепьянных трио, 21 струнное трио, 126 трио для баритона (смычкового), альта, виолончели и др. ансамбли, 52 клавирные сонаты, различные пьесы для клавира, песни, каноны, обработки шотландских, ирландских, валлийских песен для голоса с фортепиано (скрипкой или виолончелью по желанию).


Подобные документы

  • Віденська культура в різні епохи існування. Віденська класична школа музики: К. Глюк, Й. Гайдн, В. Моцарт, Л. Бетховен. Ера оперетки. Династія Штраусів. Захоплення вальсом у "Золоту епоху". Розвиток Віденського живопису, архітектури та літератури.

    курсовая работа [73,2 K], добавлен 17.01.2010

  • Влияние русской классической школы балета на балетмейстеров-хореографов XX века. Характеристика балета XX века. Биография и творческий путь Касьяна Голейзовского. Средства классической хореографии. Создание собственной студии "Московский Камерный балет".

    курсовая работа [43,8 K], добавлен 27.05.2015

  • Роль христианских религии и церкви в жизни средневекового общества. Литературные жанры и развлечения средневековья. Образование: церковные и нецерковные школы. Быт в средние века, социальная значимость одежды. Искусство, стиль церковного строительства.

    контрольная работа [22,2 K], добавлен 27.03.2010

  • Особенности общественно-исторической, натуралистической и социологической школ культурологии. Структурно-функциональное направление и его представители. Символическая современная школа, сложившаяся в результате развития средств массовой информации.

    реферат [29,2 K], добавлен 28.06.2009

  • Изучение Арзамасской школы живописи - А.В. Ступин и его ученики. Ступинская школа была единственным рассадником художественных знаний для крепостных талантов, в большинстве забытых историей. История создания школы, ее особенности и причины ликвидации.

    реферат [39,8 K], добавлен 20.04.2008

  • Основные подходы к концептуализации понятия "научная школа", ее основные критерии, особенности классификации. Этапы формирования и развития научной школы "Анналов". Творческий путь основных представителей школы "Анналов" и их вклад в ее развитие.

    дипломная работа [79,6 K], добавлен 14.06.2017

  • Требования к обустройству школы и содержание стандартов в данной сфере, функционирующих на современном этапе. Основные виды отделочных материалов и освещение. Цветовое и проектно-художественное решение интерьера школы. Технико-экономическое обоснование.

    курсовая работа [57,5 K], добавлен 15.09.2014

  • Рокеры как представители музыкальной субкультуры, зародившейся в конце 50-х в начале 60-х годов: внешний вид и отличительные черты классической рок-музыки. Типичная мода, характерные жесты и мировоззрение металлистов, поклонников хип-хопа и рэперов.

    контрольная работа [1,4 M], добавлен 31.03.2011

  • Социально-экономический и политический фон конца ХІХ - начала ХХ веков. Идейные ориентации "Серебряного века". Анализ музыкальной культуры того времени, обоснование ее места в художественной культуре. Исследование творчества А. Скрябина и С. Рахманинова.

    курсовая работа [69,2 K], добавлен 19.10.2012

  • Реализм как направление в изобразительном искусстве. Реалистическая школа Академического института живописи, скульптуры и архитектуры им. И.Е. Репина. Художник В.И. Братанюк - последователь петербургской школы реализма. Портрет в творчестве художника.

    дипломная работа [3,5 M], добавлен 05.07.2017

Работы в архивах красиво оформлены согласно требованиям ВУЗов и содержат рисунки, диаграммы, формулы и т.д.
PPT, PPTX и PDF-файлы представлены только в архивах.
Рекомендуем скачать работу.