Пространственные виды искусства: маньеризм и готика

Размещено на http://www.allbest.ru/

План

Введение

1. Исторические основы готики и маньеризма

1.1 Возникновение готического стиля в искусстве

1.2 Возникновение маньеризма

2. Готика и маньеризм в пространственных видах искусства

2.1 Маньеризм в пространственных видах искусства

2.2 Готика в пространственных видах искусства

Заключение

Список используемой литературы

Введение

Искусство Маньеризма напоминает искусство готики. Оно мистично, устремлено ввысь, очень духовно, прихотливо. Так что страны Северной Европы с удовольствием продолжили культивировать родные им готические традиции, которые эти страны пронесли через весь Ренессанс.

Маньеризм - (от итальянского maniera - приём, манера) течение в европейском искусстве XVI века. Представители маньеризма отошли от ренессансного гармонического восприятия мира, гуманистической концепции человека как совершенного творения природы. Острое восприятие жизни сочеталось с программным стремлением не следовать природе, а выражать субъективную "внутреннюю идею" художественного образа, рождающегося в душе художника. Маньеризм большее распространение получил в Италии. Над ним работали: А. Бронзино, Понтормо, Дж. Вазари, Дж. Романо, Б. Челлини и другие. Маньеризм можно встретить в произведениях, живописи, скульптуре, музыке. Маньеризм стал популярным благодаря художнику Дж. Вазари, который характеризовал им высокую степень грациозности, уравновешенности и утончённости в искусстве. В период Высокого Возрождения (Ренессанс) Леонардо да Винчи, Микеланджело и Рафаэлем, термин "Маньеризм" относили к искусству, которому свойственны метафорическая насыщенность, пристрастие к гиперболе и гротеску. Рафаэль, один из работающих над этой темой, отказался от предельно ясных и уравновешенных средств выражения, свойственных Высокому Возрождению, и начал работать в более изощрённой манере. Для Маньеризма характерны удлинённость фигур, напряжённость поз (контрапост), необычные или причудливые эффекты, связанные с размерами, освещением или перспективой, и яркие цвета.[5]

Готический стиль - это художественный стиль, явившийся завершающим этапом в развитии средних веков искусства стран Западной, Центральной и частично Восточной Европы. Термин "Готика" введен в эпоху Возрождения как уничижительное обозначение всего средневекового искусства, считавшегося "варварским". Готика в основе сосредоточена на религиозной теме. Готика прослеживается в скульптуре, живописи, архитектуре, литературе. Великолепны здания, сделанные в этом стиле, они высоки, нарядны, зрелищно декорированы. В данной теме работали Вазари, Рафаэль, Шпенглер и другие. О. Шпенглер отмечал что "готический стиль растворяет материальность в пространстве".[3]

Целью работы является раскрытие особенностей готики и маньеризма в пространственных видах искусства, развитие этих двух стилей.

Работа поделена на несколько задач:

- возникновение готического стиля в искусстве

- возникновение маньеризма

- готика в пространственных видах искусства

- маньеризм в пространственных видах искусства

Теоретическая основа - работы по теории искусства:

По готической культуре и искусству: Муратова К.М., Булдакова В. Л., Беляева Е. Л., Анна Эрши, Алпатов М.В., Н.Н.Ростовцев.

По искусству маньеризма: Л.И. Тананаева, Булдакова В. Л., Беляева Е. Л., Алпатов М.В., Н.Н.Ростовцев.

Реферат состоит из 20 листов, включает введение, 2 главы, 4 параграфа, заключение, список литературы (6 источников).

1. Исторические основы готики и маньеризма

1.1 Возникновение готического стиля в искусстве

Готический стиль - (франц. gothique, нем. gotisch, итал. gotico от лат. gothi, ср.-лат. gotthus, греч. gothos из др.-верхн.-нем. gaut - исток, часть слова, входящая в название реки Gautelfr, отсюда этноним) - исторический художественный стиль, господствовавший в западноевропейском искусстве в XIII-XV вв. Готами древние римляне называли варварские племена, вторгавшиеся с севера в пределы империи в III-V вв. Термин появился в эпоху Итальянского Возрождения как насмешливое прозвание "варварской", примитивной, уходящей в прошлое средневековой культуры. Вначале (ок. 1476 г.) его применяли к литературе - для обозначения неправильной, искаженной латыни. Средневековую архитектуру тогда называли общим словом "tedesca" (итал. "немецкая"). Есть предположение, что слово "готика" впервые употребил Рафаэль, знаменитый художник эпохи Возрождения, в докладе Папе римскому Льву X (1513-1521) о ходе строительства собора Св. Петра (ок. 1520; см. Ватикан) в качестве синонима "варварской архитектуры", противопоставляя ее "римской".

Готический стиль характеризует заключительную стадию развития средневекового искусства Западной Европы. Христианская культура Запада вступила в период интенсивного развития позднее, чем восточная культура Византии; ее формирование было затруднено столкновением разных этнических и религиозных традиций, разнообразием ландшафта и сложностью природных условий, миграцией народов. Но затем те же факторы стали причиной эффективного обмена идей, откровений и художественных открытий. Искусство Византии, напротив, стесненное догмами и канонами, оказывалось архаичным, и его значение отступало перед достижениями Запада.[1]

Основным стимулом формирования искусства Готики стало уникальное соединение христианского мировоззрения, традиций античной культуры, прежде всего архитектуры Рима, латинской письменности, книжной миниатюры, романо-кельтских художественных ремесел. Развитию нового стиля способствовал стремительный рост европейских городов и торговли. Средоточием духовной жизни стал городской собор. Дополнительным импульсом развития архитектуры явилась необходимость собрать в одном месте на воскресную мессу все население растущего города. Старые романские храмы были для этого слишком тесны. Важно и то, что новый стиль быстрее развивался там, где укреплялась духовная и светская, королевская власть, концентрировались материальные средства в руках могущественных заказчиков. Поэтому закономерно, что начало истории готического стиля документально зафиксировано в провинции Иль-де- Франс, маленьком "островке" на севере Франции с центром в г. Париже. В 1136-1140 гг. под руководством аббата Сугерия (Сюжера; франц. Suger, 1088-1151) были возведены два пролета главного нефа церкви аббатства Сен-Дени к северу от Парижа. Одновременно (ок. 1133 г.) новую конструкцию свода применяют в соборе г. Дарема в Англии. Аббат Сугерий был одним из самых образованных людей своего времени. Теолог, историк, советник, в 1147 г. - регент французского короля Людовика VII, помимо философских сочинений, он написал трактат по эстетике христианской архитектуры, в котором обосновал символическое значение многих элементов архитектурной композиции, в том числе витражей и стрельчатой арки.

Строительство аббатства Сен-Дени в XIII в. продолжал Пьер де Монт-рёй (он же в 1265-1267 гг. работал в соборе Нотр-Дам в Париже). Амбулаторий, неф и трансепт церкви Сен-Дени представляют собой ранний памятник архитектуры готического стиля. В книге "Готическая архитектура и схоластика" Э. Панофский утверждал, что "новый стиль строительства" (лат. opus franci-genum - "франкское творение"), сотворенный, по словам Сюжера, "многими мастерами разных народов" и вскоре действительно развившийся в истинно интернациональный стиль, распространялся "из района, который умещался в радиусе менее чем в сто миль с центром в Париже".[4]

Факт рождения готического стиля можно считать кульминацией романского и вместе с тем - его преодолением. Долгое время элементы того и другого стиля сосуществовали, а переходное время XII в. носило "возрожденческий характер".

Парадоксальной особенностью готического стиля, совершенные формы которого демонстрируют иррационализм, дематериализацию и наивысшую, мистическую экспрессию, является то, что поводом (но не причиной) его возникновения послужили технические достижения - рациональное совершенствование строительной конструкции. На Востоке, в Византии, где впервые сложился тип христианского храма, более устойчивой формой оказались центрические, крестово-купольные постройки. На Западе со временем преобладающими стали удлиненные базилики с планом в форме латинского креста. Романские базилики оказались удобны для проведения службы, поскольку внимание входящих, их продвижение вдоль нефа - главного продольного помещения храма (показательно значение франц. слова nef от лат. navis - "корабль"), - естественным образом обращалось к алтарю.[1]

Удалось выявить, что готический стиль вобрал в себя все достижения средневекового искусства, создав особенный образ, но, в то же время он отражает в себе достижения и более ранних стилей в этом и заключается его уникальность. В своей основе готический стиль держит христианские мировоззрения, и эта религиозная основа не покинет готику и в дальнейшем. Эпоха Возрождения явилась своеобразным толчком для существования готического стиля, как переломный момент в искусстве.

1.2 Возникновение маньеризма

Маньеризм (от итальянского maniera, манера) -- западноевропейский литературно-художественный стиль XVI -- первой трети XVII века. Характеризуется утратой ренессансной гармонии между телесным и духовным, природой и человеком. Маньеризм появился в Италии, где важнейшими очагами развития стиля стали Флоренция, Мантуя и Рим, а затем получил распространение во Франции и других европейских странах. Стиль был отчасти порожден кризисными явлениями в общественно-политической сфере, характерными для позднего Возрождения с его социальной, моральной и религиозной неустойчивостью; иногда начальную фазу маньеризма связывают с разграблением Рима в 1527 году. Самое же главное, маньеризм в броской форме отразил существенную, подобную взрыву трансформацию искусства и литературы от средних веков к Новому времени.

Маньеризм представляет собой стиль в искусстве, который был основан на усвоении манеры того или иного великого мастера изобразительного искусства или той или иной художественной школы. Содержание эпохи маньеризма великолепным образом отражает переход от средневековья к совершенно новому времени, где старое и новое переплетаются и создают особое сочетание.

Для такого стиля в искусстве, как маньеризм, особенно характерны достаточно обозначенный субъективизм при восприятии тех или иных образов или явлений и особо ярко выраженное пристрастие к каким-либо театральным эффектам. Художники-маньеристы большое значение в своих картинах уделяют линии, утонченным и удлиненным пропорциям фигур, аффективным жестам и ярким контрастным тонам, что позволяет лучше выразить сложные душевные состояния.

Особый вклад в развитие данного направления в изобразительном искусстве внес Рафаэль, который отказался в свое время от проявления в картинах довольно ясных и уравновешенных средств выражения, которые были свойственны в свое время эпохе Высокого Возрождения. Кроме удлиненности фигур в картинах Рафаэля вы сможете обозначить некоторую напряженность поз, достаточно яркие цвета и необычные эффекты, которые связаны с нестандартными причудливыми формами, с особым освещением, перспективой и нехарактерными размерами. В Италии направление маньеризма проявилось в творчестве таких художников, как А. Бронзино, Понтормо, Дж. Вазари, Дж. Романо, Б. Челлини и других. Многие произведения маньеризма наполнены аллегорическими образами, причудливыми позами с изысканной плавностью и элегантностью форм.

Если рассматривать маньеризм в общем смысле, то можно обозначить, что в данном случае показывается превалирование формы над содержанием. Основной причиной возникновения маньеризма можно считать исчерпанность ренессансных идей, когда художники, демонстрируя свое мастерство, прибегали к различным внешним эффектам, виртуозной технике и оригинальности манеры исполнения. Маньеризм стал великолепным толчком развития в сторону экспрессивности, живописности и динамичности формы.

В эволюции маньеризма можно проследить два основных этапа. Первый из них охватывает 20--30-е гг. 16 в. и включает в себя творчество ряда живописцев (в меньшей степени -- скульпторов и архитекторов) римско-тосканского и эмилианского круга. Уже в эти годы маньеризм определяется как направление, противостоящее передовым, основанным на ренессансных традициях устремлениям итальянского искусства. Микеланджело, ряд мастеров Венеции и террафермы решают в обстановке все сгущающейся феодальной реакции новые проблемы, которые ставила перед ними действительность, тему трагической сложности взаимоотношений личности и мира, с гуманистических ренессансных позиций. Сохраняя веру в значительность человека, они развивают и обогащают принципы ренессансного реализма, воплощая в образной форме наиболее актуальные идеи своего времени.

Но одновременно в центрах, наиболее сильно захваченных экономическим и политическим кризисом, -- Флоренции, Риме, Парме и др. -- выступает поколение художников, воспринимающих этот кризис как полное крушение всех устоев бытия, представлений о мире и человеке и бессильных обрести в действительности новые положительные идеалы, ибо, по существу, это поколение выражает смятение и растерянность той части итальянского общества, которая стояла в стороне от наиболее передовых устремлений жизни и культуры страны. Поэтому у большинства ранних маньеристов ощущение разлада с окружающей действительностью перерастает в разочарование в действительности и ренессансных идеалах, в стремлении отгородиться от реального мира, от его противоречий. Это приводит маньеристов к утрате больших положительных идейных ценностей, потере веры в человека, обусловливает узость их эстетических позиций и идеалов, нарочито противопоставленных действительности и ее законам, приобретающих сугубо отвлеченный и формальный характер.

Образ человека в искусстве маньеристов не только теряет героическую значительность, наполняется ощущением смятения, тревоги, но и, постепенно подчиняясь условному, сугубо аристократическому идеалу, утрачивает содержательность и самостоятельное значение.[1]

Удалось выявить, что маньеризм стал началом нового времени в искусстве. Общественно-политический кризис позднего Возрождения породил разлад старого искусства, но послужил его обновлению. Маньеризм определяется мастерством художников, своеобразными способами его проявления. Стираются старые идеалы и творцы изображают мир тревожными, эмоциональными образами, которые отличаются от старого динамичностью и экспрессивностью форм.

2. Готика и маньеризм в пространственных видах искусства

готика маньеризм искусство культура

2.1 Маньеризм в пространственных видах искусства

Живопись. К живописцам маньеризма относят Франческо Пармиджанино, Якопо Понтормо, Джованни Баттиста Нальдини, Джорджо Вазари, Джулио Романо, Джузеппе Арчимбольдо, Бронзино, Россо Фьорентино, Франческо Сальвиати, Доменико Беккафуми, Алессандро Аллори, Артемизию и Орацио Джентилески и т. д. Отчасти этот стиль прослеживается также у Рафаэля и Микеланджело, у художников венецианской школы -- Тинторетто и Тициана. За пределами Италии маньеризм представлен школой Фонтенбло во Франции, рядом нидерландских художников XVI века (многие из них восприняли идеи маньеризма, побывав в Италии) и Эль Греко в Испании. Маньеризм интенсивно развивался в Праге, при дворе императора Рудольфа II (Б. Шпрангер, Ханс фон Аахен и др.).

Мастера Маньеризма культивировали представления о неустойчивости мира, шаткости человеческой судьбы, находящейся во власти иррациональных сил, стремились не столько следовать природе, сколько выражать "внутреннюю идею" образа, рожденного в душе художника. Для итальянского Маньеризма 1520-х гг. (живопись Понтормо, Пармиджанино, Джулио Романо) характерны драматическая острота образов, преувеличенная экспрессия поз и движений, удлиненность пропорций фигур, колористические и световые диссонансы, виртуозная нервная линеарность рисунка. В элитарном, ориентирующемся на знатока искусстве маньеризма возродились и отдельные черты средневековой, придворно-рыцарской культуры. В маньеристическом портрете (Бронзино и др.), открывающем новые пути в развитии этого жанра, аристократическая замкнутость персонажей сочетается с обострением субъективно-эмоционального отношения художника к модели.[2]

Скульптура. В ваянии представителями маньеризма были Бартоломео Амманнати и Джамболонья, в искусстве которого, оказавшем огромное влияние на его современников, сочетаются причудливость поз с изысканной плавностью и элегантностью форм. К ведущим скульпторам-маньеристам относят Бенвенуто Челлини.

В скульптуре первым маньеристом считается Джамболонья. Он был родом из габсбургской Фландрии, учился живописи в Антверпене, потом переехал в Италию и изучал в Риме античную скульптуру. Джамболонья находился под сильным влиянием Микеланджело, однако создал свой собственный художественный стиль маньеристского направления, отличающийся изящными поверхностями, холодной элегантностью и красотой.

В итальянской скульптуре, главным представителем которой в конце 16в. был Б. Челлини. Его произведения при всей их кажущейся классичности отличаются вниманием ко всем деталям без учета их отношения к целому, чего не было у его великих предшественников Донателло, Микеланджело. Еще одной чертой маньеризма в изобразительном искусстве является особое пристрастие художника к тщательной, ювелирной обработке поверхности, увеличение материалом в большей степени, чем тем, что он должен выразить. Не случайно Челлини после отливки своих скульптур из бронзы тщательно полировал их поверхность, украшая ее чеканкой и гравировкой. Занимаясь много ювелирным искусством, он и к скульптуре подходил как к ювелирному изделию.[2]

Архитектура. Маньеризм в архитектуре выражает себя в нарушениях ренессансной сбалансированности; использовании архитектонически не мотивированных, вызывающих у зрителя ощущение беспокойства структурных решений, элементов гротеска. К наиболее значительным достижениям архитектуры маньеризма относятся Палаццо дель Те в Мантуе (работа Джулио Романо) и Библиотека Лауренциана во Флоренции, спроектированная Микеланджело. В маньеристском духе выдержана фланкирующая здание Галереи Уффици во Флоренции лоджия Джорджо Вазари.

В архитектуре Италии второй половины 16в. Маньеризм проявился в произвольном смешении и алогичном использовании элементов различных ордеров, романских и готических архаизмов. При этом зодчие стремились добиться пластической выразительности (Б. Перуцци). Великолепный декор Дворца дожей (плафон зала X) и Золотой лестницы выполнен в духе маньеризма -- орнаменты сочетают римско-мантуанские черты. Разрушение строгой, логичной связи элементов ордера, присущей классической системе, можно было бы назвать эклектичным и нехудожественным, если бы не новые, пусть и алогичные, композиционные принципы, которые заключались, прежде всего, в смене тектонического формообразования пластическим. Именно это, вероятно, имел в виду Дж. Вазари, когда писал о постройках Б. Перуцци, что они "не сложены, а словно выросли". Особое течение в искусстве архитектурного маньеризма представляют стилизации под причудливые естественные образования: пещеры, гроты, обросшие мхом стены, скульптура, "вырастающая" из земли. Статуя-гора "Апеннины" на вилле Демидова близ Флоренции занимает переходное положение между естественной средой и искусственным сооружением. Такое неустойчивое равновесие характерно для эстетики Маньеризма.[2]

Прикладное искусство. Типичным образцом маньеризма в прикладном искусстве является знаменитая золотая солонка Франциска I (1540--1543; Вена, Музей), где дробность форм круглого постамента, несущего солонку в виде кораблика и перечницу в виде храмика, иллюзорность покрытых яркими смальтами изображений животных моря и суши, рыб, цветов подчеркивают холодно-утонченную красоту и некоторую отвлеченность золотых статуэток Земли и Нептуна, преувеличенную легкость их пропорций, изысканность силуэтов.[3]

Удалось выявить, что маньеризм в пространственных видах искусства это совсем новый взгляд на художественное искусство. Отказ от классической системы и создание алогичных, нехарактерных образов. Пластичность, экспрессивность, эмоциональность в полной мере присутствует в маньеризме. Так же, маньеристы значительно вкладывали в свое искусство мысль неустойчивости мира и, чтобы это можно было почувствовать, они выражали в своих творениях тревожность, беспокойство, но, также красоту, изящность.

2.2 Готика в пространственных видах искусства

Живопись. Одним из основных направлений готической живописи стал витраж, который постепенно вытеснил фресковую живопись. Техника витража осталась такой же, как и в предыдущую эпоху, но цветовая палитра стала гораздо богаче и красочней, а сюжеты сложнее -- наряду с изображениями религиозных сюжетов появились витражи на бытовые темы. Кроме того в витражах стали использовать не только цветное, но и бесцветное стекло.

На период готики пришёлся расцвет книжной миниатюры. С появлением светской литературы (рыцарские романы и пр.) расширился круг иллюстрированных рукописей, также создавались богато иллюстрированные часословы и псалтыри для домашнего употребления. Художники стали стремиться к более достоверному и детальному воспроизведению натуры. Яркими представителями готической книжной миниатюры являются братья Лимбурги, придворные миниатюристы герцога де Берри, создавшие знаменитый "Великолепный часослов герцога Беррийского" (около 1411--1416).

Развивается жанр портрета -- вместо условно-отвлечённого изображения модели художник создаёт образ, наделённый индивидуальными, присущими конкретному человеку чертами.

Завершается почти тысячелетнее господство византийских канонов в изобразительном искусстве. Джотто в цикле фресок Капеллы Скровеньи изображает людей в профиль, помещает на первом плане фигуры спиной к зрителю, нарушая табу византийской живописи на любой ракурс кроме фронтального. Он заставляет своих героев жестикулировать, создаёт пространство, в котором движется человек. Новаторство Джотто проявляется и в его обращении к человеческим эмоциям.

С последней четверти XIV века в изобразительном искусстве Европы господствует стиль, названный позднее интернациональной готикой. Этот период явился переходным к живописи Проторенессанса.[6]

Скульптура. Скульптура играла огромную роль в создании образа готического собора. Во Франции она оформляла в основном его наружные стены. Десятки тысяч скульптур, от цоколя до пинаклей, населяют собор зрелой готики.

С готическим зодчеством неразрывно связано развитие пластики. Скульптуре принадлежало первое место в изобразительном искусстве этого времени. Она усиливала эмоциональность и зрелищность готической архитектуры, в ней наиболее очевидно проявлялось стремление к чувственно-поэтическому, изобразительному воплощению не только религиозных представлений времени, но и наивно обоготворенной человеком природы и его самого как ее совершенного порождения. Особенно богато украшался готический собор, который Виктор Гюго образно сравнивал с гигантской книгой. Главное место в его внешнем и внутреннем декоративном убранстве принадлежало статуе и рельефу. Композиционный и идейный замысел скульптурного декора был подчинен разработанной теологами программе. В храме, олицетворяющем, как и прежде, образ вселенной, теперь наиболее развернуто в зримых чувственных формах представлялась религиозная история человечества с ее возвышенными и низменными сторонами, с ее жизненной многосложностью. Тысячи статуй и рельефов выполнялись в мастерских при соборах.

Готическая скульптура -- органическая часть архитектуры собора. Она включается в архитектурную конструкцию, входит в состав функциональных элементов постройки. В Реймском соборе она даже определяет его внешний облик. Взаимодействие архитектуры со скульптурой и живописью порождало то неповторимое разнообразие впечатлений, которым готика обогащала современников. Статуи сохраняют теснейшую связь со стеной, с опорой. Фигуры удлиненных пропорций как бы вторят вертикальным членениям архитектуры, подчиняясь динамическому ритму целого, образуя единый архитектурно-скульптурный ансамбль. Размеры их находились в точном соотношении с архитектурными формами, зависели от установленного религиозными канонами месторасположения.

Скульптура Поздней готики испытала большое влияние итальянского искусства. Примерно в 1400 г. Клаус Слутер создал ряд значительных скульптурных работ для Филиппа Бургундского, такие как Мадонна фасада церкви погребения Филиппа, Kartause в Champmol около Дижона, стены Figurationen 1385 или фигуры фонтана Мозе (1395--1404). В Германии хорошо известны работы Тильмана Рименшнайдера (Tilman Riemenschneider), Вита Ствоша (Veit Stvosh) и Адама Крафта (Adam Kraft).[2]

Архитектура. Готический стиль, в основном, проявился в архитектуре храмов, соборов, церквей, монастырей. Развивался на основе романской, точнее говоря -- бургундской архитектуры. В отличие от романского стиля, с его круглыми арками, массивными стенами и маленькими окнами, для готики характерны арки с заострённым верхом, узкие и высокие башни и колонны, богато украшенный фасад с резными деталями (вимперги, тимпаны, архивольты) и многоцветные витражные стрельчатые окна. Все элементы стиля подчёркивают вертикаль.

В готической архитектуре выделяют 3 этапа развития: ранний, зрелый (высокая готика) и поздний (пламенеющая готика).

Церковь монастыря Сен-Дени, созданная по проекту аббата Сугерия, считается первым готическим архитектурным сооружением. При её постройке были убраны многие опоры и внутренние стены, и церковь приобрела более грациозный облик по сравнению с романскими "крепостями Бога". В качестве образца в большинстве случаев принимали капеллу Сент-Шапель в Париже.

Из Иль-де-Франс (Франция) готический архитектурный стиль распространился в Западную, Среднюю и Южную Европу -- в Германию, Англию и т. д. В Италии он господствовал недолго и, как "варварский стиль", быстро уступил место Ренессансу; а поскольку он пришёл сюда из Германии, то до сих пор называется "stile tedesco" -- немецкий стиль.

С приходом в начале XVI века Ренессанса севернее и западнее Альп, готический стиль утратил своё значение.

Почти вся архитектура готических соборов обусловлена одним главным изобретением того времени -- новой каркасной конструкцией, что и делает эти соборы легко узнаваемыми.[2]

Декоративно-прикладное искусство. Эпоха позднего Средневековья характеризуется расцветом городской культуры, развитием торговли, ремёсел. С середины XIII века начинается строительство зданий светского назначения -- городских ратуш, рынков, цеховых домов, а также роскошных замков знати. Все элементы экстерьера и интерьера сооружений подчинялись готической архитектурной форме. Одним из крупнейших европейских замков эпохи является Авиньонский папский дворец (1334--1364). Как и другие интерьеры Средневековья, убранство Папского дворца сохранилось лишь частично. Примечательны "шпалерные" росписи стен, изображающие сцены охоты и рыбной ловли, выполненные под руководством Маттео Джованетти.

Пришедшее через мусульманский Восток художественное ткачество получило вначале развитие в Скандинавии и Германии. Здесь шпалера не только украшала интерьер, но и выполняла функции защиты от сквозняков, утепления помещения. С конца XIV века производство шпалер в Европе стало важнейшей отраслью художественного ремесла. Возникают крупные мануфактуры в Париже, позднее в Аррасе. Одним из выдающихся произведений позднего Средневековья, сравнимым с лучшими образцами фресковой живописи, является серия шпалер на сюжеты Апокалипсиса, так называемый Анжерский апокалипсис (1370--1375), созданная по заказу Людовика I Анжуйского. Подготовительные рисунки были выполнены миниатюристом Эннекеном из Брюгге. Образцом послужили миниатюры X века из "Комментария к Апокалипсису" Беатуса из Льебаны. Работу выполнили парижские мастера под руководством ткача Карла V Никола Батая. Шпалеры сохраняют плоскостное изображение, подчёркнутую двухмерность пространства миниатюр "Комментария". Тема противоборства человека и сил зла по сравнению с первоисточником решена в более мажорном ключе, с ярко выраженной фольклорной основой.[3]

Удалось выявить, что готика в пространственных видах искусства приобрела красочный и более реалистичный характер. Выражается вертикальный стиль искусства. Архитектура, живопись, скульптура выступают в ансамблевом построении больше в религиозных зданиях, создавая натуральный пластичный эмоциональный образ искусства готики.

Заключение

На основе данного материала и проведенного анализа удалось выявить общие особенности развития готического стиля и маньеризма в пространственном виде искусства. Два этих стиля появились в самом конце средневековья и стали популярными из за необычной и уникальной манере создания.

Эпоха возрождения была богата новыми идеями и в связи с осознанием людей своей роли и места в жизни менялось и искусство. Как известно церковь средневековье играло очень важную роль в жизни каждого человека и, конечно же, религия отразилась в искусстве. Готический стиль сохранил в себе религиозную мысль. Готические храмы выражали в себе всю сущность готики: преобладание вертикали делали храм более изящным и величественным, витражная живопись стала более красочная, структурно- сложная.

Готика, как и маньеризм, зародилась в западноевропейском искусстве, поэтому можно сказать о том, что эти два направления взаимопроникали в друг друга. Духовность, направленность высокой мысли, некоторая мистичность сближает готику и маньеризм.

В свою очередь маньеризм считается искусством нового времени, когда пришло время забыть о классической системе. Маньеристы воплощали в своем искусстве то, что чувствовали душой, то чего так не хватало и хотелось видеть в жизни. От сюда и экспрессивность, когда в свое творчество маньерист вкладывал свою душу и мысли.

Готика и маньеризм стали переходным этапом от старого искусства к новому, предоставили возможность для создания новых непохожих на старых стилей художественного искусства.

Список используемой литературы

1. Алпатов М. В. Всеобщая история искусств, Т.2, М., "Искусство", 1960г.

2. Алпатов М. В., Н. Н.Ростовцев Искусство: Живопись, скульптура, архитектура, графика. Часть 1: Древний мир, средние века, эпоха Возрождения.

3. Булдакова В. Л., Беляева Е. Л. "Популярная художественная энциклопедия: архитектура, живопись, скульптура, графика, декоративное искусство".

4. Муратова К.М., Мастера французской готики 12-13вв, М,."Искусство", 1988г.

5. Тананаева Л. И. Некоторые концепции маньеризма и изучение искусства Восточной Европы конца XVI и XVII века // "Советское искусствознание". М.: 1987. -- Вып. 22. -- С. 123--167.

6. Эрши Анна. Живопись интернациональной готики.

Размещено на Allbest.ru