Русский модерн

Зарождение стиля "Модерн". Отказ от прямых углов и линий в пользу более плавных, изогнутых линий. Представители модернизма в европейской живописи. Творчество Михаила Александровича Врубеля. Анализ картины Михаила Врубеля "Демон сидящий" 1890 года.

Рубрика Культура и искусство
Вид курсовая работа
Язык русский
Дата добавления 07.06.2014
Размер файла 50,2 K

Отправить свою хорошую работу в базу знаний просто. Используйте форму, расположенную ниже

Студенты, аспиранты, молодые ученые, использующие базу знаний в своей учебе и работе, будут вам очень благодарны.

Размещено на http://www.allbest.ru/

1. Зарождение стиля «Модерн»

В 1860-1870 годы в Европе главенствовал стиль эклектики, который заключался в цитировании и повторении предыдущих художественных стилей. Но уже в 1880-е годы в работах ряда мастеров стал вырабатываться новый стиль, который противопоставлял эклектизму новые художественные приемы.

Уильям Моррис (1834-1869) создавал предметы интерьера, вдохновленные растительными орнаментами, а Артур Макмердо (1851-1942) использовал элегантные, волнистые узоры в книжной графике.

Наиболее заметной особенностью модерна стал отказ от прямых углов и линий в пользу более плавных, изогнутых линий. Часто художники брали за основу своих рисунков орнаменты из растительного мира. «Визитной карточкой» этого стиля стала вышивка Германа Обриста «Удар бича». Так произошло зарождение стиля «модерн».

Модерн стремился стать единым синтетическим стилем, в котором все элементы из окружения человека были выполненные в одном ключе. Вследствие этого в этот период возрос интерес к прикладным искусствам: дизайну интерьеров, керамике, книжной графике. В европейских странах начали создаваться различные художественные ассоциации, работающие в новом стиле: «Выставочное общество искусств и ремесел» (1888) в Великобритании, «Объединенные художественно-ремесленные мастерские» (1897) и «Немецкие мастерские художественных ремесел» (1899) в Германии, «Мир искусства» (1890) в России.

В каждой стране возникало свое наименование стиля: В Англии - «Модерн стайл» (новый стиль), в США - «Тиффани стайл» (по имени Луиса Комфорта Тиффани), во Франции - «Ар Нуво», в Германии - «югендстиль» (молодой стиль), в Австрии - «стиль Сецессион», в Италии - «стиль Либерти», в Испании - «модернизм».

Эстетика модерна развивала идеи символизма и эстетизма, «философии жизни» Ф. Ницше.

Модерн, по мысли ряда его теоретиков (бельгиец Хенри Клеменс Ван де Велде, опиравшийся на социалистические утопии У. Морриса), должен был стать стилем жизни нового, формирующегося под его воздействием общества, создать вокруг человека цельную эстетически насыщенную пространственную и предметную среду, выразить духовное содержание эпохи с помощью синтеза искусств, новых, нетрадиционных форм и приемов, современных материалов и конструкций.

Наиболее последовательно модерн осуществил свои принципы в узкой сфере архитектурных шедевров, принадлежащих частным лицам. Но в духе модерна, стремившегося стать универсальным стилем своего времени, строились и многочисленные деловые, промышленные и торговые здания, вокзалы, театры, мосты, доходные дома.

Модерн пытался преодолеть характерное для культуры XIX века противоречие между художественными и утилитарным началами, придать эстетический смысл новым функциям и конструктивным системам, приобщить к искусству все сферы жизни и сделать человека частицей художественного целого. Стремление изменить искусством мир в рамках капиталистического общества было глубоко утопичным. Практически же модерн явился первым относительно цельным стилем художественного оформления различных сфер жизни.

Модерн противопоставил эклектизму XIX века единство, органичность и свободу развития стилизованной, обобщенной, ритмически организованной формы, назначение которой - одухотворить материально-вещную среду, выразить тревожный, напряженный дух переломной эпохи.

Период становления модерна (рубеж XIX-ХХ веков) отмечен национально-романтическими увлечениями, интересом к средневековому и народному искусству. Для этого этапа характерно возникновение художественно-ремесленных мастерских (прообразами их были мастерские У. Морриса, 1861, и «Выставочное общество искусств и ремесел», 1888, в Великобритании), часто противопоставлявших себя капиталистической индустрии: «Объединенные художественно-ремесленные мастерские» (1897) и «Немецкие мастерские художественных ремесел» (1899) в Германии; «Венские мастерские» (1903) в Австрии; мастерские в Абрамцеве (1882) и Талашкине (около 1900) в России.

Зрелый модерн (конец 1900-х и 1910-е годы) приобрел черты интернационального стиля, основанного на применении принципиально новых художественных форм.

Быстрому распространению модерна способствовали журналы «Revue blanche» (1891, Париж), «The Studio» (1893, Лондон), «The Yellow Book» (1894, Лондон), «Jugend» (1896, Мюнхен), «Deutsche Kunst und Dekoration» (1897, Дармштадт), «Ver Sacrum» (1898, Вена), «Мир искусства» (1898/99, Петербург).

В период модерна эстетика изогнутой линии, появившаяся еще в живописи французских постимпрессионистов, а затем усиленная восточными влияниями, приобрела конструктивный характер.

В работах художников все более стала прослеживается увлеченность не только искусством Востока и эстетикой изогнутых линий, но также и стремление к рациональности и конструктивности. Особенно это заметно в постройке архитектора В. Орта - «Народном доме» в Брюсселе (1896-1898), в которой очень хорошо видны элементы конструктивизма. Сам Виктор Орта сказал: «Я хочу уже в фасаде выразить план и конструкцию здания так, как это делалось в готике, и, подобно готике, выявить материал, а природу - отобразить в стилизованном декоре».

Как видится, эти слова можно считать программой художественного синтеза - основной идеи искусства «стиля модерн».

В дальнейшем постройки Ф. Журдэна, например, магазин «Самаритэн» в Париже, появившийся в 1905 году, и произведения Э.Ж. Гимара насыщены началом, превращающим металлические конструкции в причудливые заросли фантастических цветов. Биоподобные, флореальные формы причудливых оград парижского метро, созданные по проекту Гимара, до такой степени отвечали вкусам нового стиля, что искусство Ар Нуво в Париже одно время называли «стилем метро», или «стилем Гимара».

В дальнейшем художественный стиль Ар Нуво эволюционировал. На первой стадии развития, согласно лозунгу, выдвинутому А. Ван де Велде: «Назад к природе», художники стремились освободиться от излишеств декора, свойственных эклектизму «викторианского стиля», Второго Ампира, Необарокко и «неоренессанса» середины XIX века.

На второй стадии архитекторы модерна переходили к целостному проектированию здания «изнутри наружу», тогда как ранее использовался противоположный метод отдельного оформления фасада по принципу «слоеного пирога». При этом возрождалась старая традиция, когда архитектор рисовал все «до последнего гвоздя»: от общего эскиза сооружения до рисунков дверных ручек, оконных переплетов, светильников и каминов. Причем в качестве основного мотива мог быть выбран любой завиток или иной небольшой формальный элемент. Так, например, узор вентиляционной решетки мог стать доминантным мотивом, как эхо, повторяющимся в других формах и в композиции целого. Это придавало некоторую мистичность, загадочность и уберегало «стиль модерн» от излишней рациональности.

В 1890-1900-х годах интернациональными стали мотивы морской волны, вьющихся растений, цветов ирисов, лилий, цикламенов, а также рифмующихся с растительными формами лебединых шей, томных и бледных женских лиц - дев с длинными волнистыми волосами, извивами рук и струящимися складками одежд.

Поэты-символисты не заставили себя ждать, воспевая «бледный идеал» и сравнивая молодое искусство с крито-микенским, этрусским, «пламенеющей готикой» средневековья и французским Рококо. Как и в эпоху Рококо, в моду входили бледные тона: серо-голубой, оливково-зеленый, «соломенный», палевый, бледно-розовый.

В 1900-1910-х гг., прежде всего в школе венского модерна - последователей архитектора О. Вагнера, использовались иные формы: прямые линии и углы, мотив «шахматной сетки».

Стилистический диапазон искусства Модерна широк. Во многих петербургских зданиях «классического модерна» стиль не проявляется в «чистом виде». Например, в здании Витебского вокзала классическая колоннада дорического ордера сочетается с растительным орнаментом в стиле Ар Нуво и открытыми железными конструкциями. То же смешение элементов разных стилей можно видеть в зданиях Торгового дома братьев Елисеевых в Москве и Петербурге.

Для названий произведений искусства периода Модерна характерны экзотические определения: «павлиний глаз», «цвет красной парчи», «сине-зеленый атлас павлиньих перьев», «перламутр нежной ночи». Возрождались классические мотивы и материалы, а также редкие техники эмалирования, иризации и росписи стекла эмалями, краклэ - приемы венецианского стеклоделия эпохи Возрождения. Ювелирная отделка деталей, использование необычных материалов проникают в живопись.

Таково искусство Густава Климта (1862-1918) - австрийского живописца, театрального декоратора и художника-графика. Яркие синие, зеленые, красные цвета его картин, уплощенность рисунка, орнаментальность, необычная фактура из мелких квадратов и прямоугольников вызывают в памяти византийские мозаики и японскую графику. Г. Климт соединял живопись маслом с аппликацией и инкрустацией, введением в картину смальты, майолики, меди и латуни, полудрагоценных камней и даже кораллов.

В русском искусстве самым ярким представителем романтики периода Модерна был Михаил Александрович Врубель (1856-1910). Своеобразие врубелевской живописной манеры заключается в бесконечном дроблении формы на грани, как бы окрашенные изнутри светом и цветом, наподобие кристаллов или фантастических каменных цветов. Своего «Демона» Врубель изобразил среди таких фантастических растений-кристаллов. Закономерно обращение М. Врубеля, как и многих других мастеров Модерна, к керамике. Композицию «Принцесса Греза» художнику удалось реализовать в майоликовом панно на фасаде одного из лучших зданий московского Модерна - гостиницы «Метрополь».

Характерно новое обращение художников Модерна к «египетскому стилю». Как и в искусстве французского Ампира начала XIX века, мотивы Древнего Египта просто и естественно входили в архитектуру Модерна, подвергаясь легкой стилизации во вкусе времени. Другое течение национально-романтического направления представляет «северный модерн». Рационалистические тенденции и Неоклассицизм породили оригинальную «модернизированную классику».

В период Модерна не было создано единого исторического художественного стиля, обладающего необходимой целостностью формальных признаков. Поэтому под словом «модерн» следует понимать конкретный исторический период, включающий различные течения, школы и стили, связанные общими идеологическими устремлениями. Словосочетание «стиль модерна» конкретнее и обозначает отдельное стилистическое течение, в котором наиболее полно проявились идеи синтеза.

2. Представители модернизма в европейской живописи

Творчество Густава Климта отражает две противоположные тенденции в австрийской живописи конца XIX века: традиционную историческую живопись в различных ее формах (К. Раль, Х. Макарт) и импрессионизм, близкий к французской пленэрной живописи. Кроме того, на протяжении всего своего творческого пути Климт постоянно обращался к символическим картинам с множеством персонажей, при этом основное внимание он уделял монументальным пейзажам и портретам. Эти факторы определяют модернистическое течение в живописи Густава Климта.

Пейзажи Климта, к этому жанру художник впервые обратился в 1897 году, расположены на плоской поверхности, подчеркивающей архитектоничность композиции. Ранние его работы исполнены в реалистической манере, позже появляется тонкий и изысканный разрыв плоскостей и асимметричная композиция. Краски наносятся пуантилистскими мазками, палитра становится более интенсивной. Эта новая, «молекулярная» живопись характерна для таких пейзажей Климта, как «Парк» (1910). Изображая природу, он, таким образом, стремится передать ее органическую жизненную силу. Большего успеха Климт добивается, работая над портретными и сюжетными композициями. Климт в работах соединял живопись маслом с аппликацией и инкрустацией, вводил в картину смальты, майолику, медь и латунь, а иногда использовал камни и кораллы, именно этим усовершенствуя и прославляя новое искусство и свою живопись. Климт, по мнению многих авторов, один из первых, кто так гармонично сплел воедино непостоянство сверкающих нарядов с блеском женщины, ее душевной и физической красотой. Он достиг того, что на его картинах существуют два мира: мир эротического тела и мир узора, но никто не получает первого места, все едино. Тело, становясь еще более прекрасным от орнаментов вокруг, дает жизнь каждому штриху узора, еще больший блеск золоту, яркость и насыщенность цветам.

То же стремление проявилось в его больших аллегорических композициях: «Надежда» (1903), «Три возраста» (1905), «Смерть и любовь» (1911-1913), «Дева» (1913), «Невеста» (1917-1918). Некоторые большие портреты в рост исполнены по законам симметрии, придающей персонажам внутренне спокойствие, в то же время краски здесь нанесены легкими, почти импрессионистскими мазками: «Адель Блох-Бауэр II» (1912), «Баронесса Элизабет Бахофен-Эхт» (1914), «Фредерике-Мария Беер» (1916).

К стилизации добавляются мотивы, заимствованные из средневекового, византийского и восточного искусства. Натуралистически изображенные лица и руки становятся все более чуждыми тому обилию элементов, в который погружает их художник. Огромное количество рисунков и эскизов свидетельствует о напряженной внутренней жизни художника и о том, насколько его занимала проблема видения природы и мира. Однако монументальные картины Климта производят совершенно противоположное впечатление, это жажда абсолютной свободы в изображении предметов, что приводит зрителя к игре орнаментальных форм.

Особой в выразительном отношении считается картина Густава Климта «Поцелуй» (1907-1908). «На цветочном поле, из орнамента и абстрактных форм вырастает силуэт целующейся пары. В колорите картины преобладает золотой тон с вкраплением ярких пятен полевых цветов и богатого узора одежд. Эротический характер придают сцене чувственные линии, пышный орнамент и пряный колорит - символ роскоши и декадентства».

Позже он пишет две картины для Дессю-де-Портов в Музыкальном салоне во дворце мецената Николауса Думбы: «Аллегория музыки» и «Шуберт за роялем» (1898-1899). Постепенно в его произведениях исчезает традиционная светотень и уступает место нейтральному освещению. Густав Климт на протяжении всего творчества оставался верен этим тонким силуэтам с легкими, но вместе с тем твердыми контурами. Подобные черты можно видеть и в «Портрете Сони Клипе» (1898). В это время проявилась и другая особенность искусства Климта - композиционная асимметрия, придающая картинам художника некоторый «восточный дух», в чем и отражается искусство «Сецессиона». Искусство двухмерных плоскостей, стремящееся объединить живопись и архитектуру, является главным вкладом Климта в возрождении монументальной живописи.

Климт больше предпочитал писать женщин, чем мужчин - мужские фигуры довольно редко встречаются на его картинах и служат в них в основном живым фоном. «Томный взгляд, изящно сложенные пальцы рук, наряды, сотканные из множества деталей - глядя на них снова и снова, улавливаешь что-то новое. Все это составляет неподражаемый образ роковой женщины, созданный Густавом Климтом». «Скорее всего, именно такими были средневековые ведьмы, изящные, тонкорукие, но имеющие во взгляде ту необузданную силу, что притягивает и отпугивает одновременно».

«Даже в легких белоснежных портретах девушек из Венского света, таких, как «Портрет Герты Фельшвани» и «Портрет Сирены Ледерер», чувствуется бьющаяся энергия молодых тел, словно они жаждут вырваться из-под своих одеяний и кисти мастера, ворваться в бурную жизнь Вены. Их темные глаза прикрыты, но в них сверкает энергия жизни, фантазии. Нежные пальцы рук, кажется, готовы распрямиться и разорвать оболочку покоя прямо у нас на глазах. Климту, как никому другому из его современников, удалось передать энергию в бездвижье портрета».

Излюбленным мотивом в творчестве была сильная, властная женщина. Климт нашел в Юдифи обобщающий символ правосудия, которое женщина творит над мужчиной, искупающим смертью свою вину. Чтобы спасти свой народ, Юдифь соблазнила вражеского полководца Олоферна и отрубила ему голову. Ветхозаветная героиня - прекрасный пример храбрости и решительности, служащая идеалом. «В этой библейской фигуре Эрос и Смерть объединены в знакомом союзе, который «fin de siecle» (конец века) находил таким интригующим».

«Практически все произведения Климта пронизаны лучами чувственной, а порой, по выражениям многих, слишком откровенной эротикой. Климта нередко обвиняли в откровенности или даже в порнографии, в том, что он выносит на широкий круг зрителя то, о чем многие не осмеливались даже заговорить. Но фурор, произведенный картиной «Поцелуй», затмили все. Климт доказал, что и прикрытые платьем чувства оставляют неугасающий след. Хотя, быть может, картина заслужил такую высокую оценку у зрителей потому, что в это произведение были вложены чувства истинной любви и счастья».

«Климт возмутился: «Довольно цензуры… Я хочу свободы… Я отказываюсь от любой поддержки со стороны государства, обойдусь без всего этого». Желая быть независимым от больших государственных заказов, он сосредоточился на частных портретах и пейзажах. Он знал, как именно придать этим портретам респектабельный вид, но на самом деле он писал то, что почти всегда интересовало его - обольстительную женственность, вездесущий Эрос. Заказчики портретов оставались довольны. Для сохранения видимости, подчиняясь общественным условностям, Климт мог не писать женщин обнаженными. Он наряжал их в фантастические одежды, но, прикрывая наготу, привлекал к ним гораздо больше внимания».

У женщин на этих портретах всегда одинаково безмятежное, мечтательное выражение лица: они взирают на мир и на мужчину меланхолично и отрешенно. «Боязнь свободного пространства» Климта проявилась здесь одновременно с величественными позами героинь. Его эклектизм позволял ему творить в стиле то Диего Веласкеса, то Фернана Кнопфа. От одного он воспринял манеру писать очертания подбородков и пышные прически, от другого - основные характеристики роковых женщин.

«Манера Климта работать в духе равеннских мозаик внушала уважение, а от истинного содержания внимание отвлекало обилие деталей: ниспадающие волосы, стилизованные цветы, геометрический декор, экстравагантные шляпы или огромные меховые муфты. Однако эти атрибуты усиливали эротическое сияние, которое излучала женщина в центре картины. Перед тем как одеть женщин на своих картинах, Климт писал их обнаженными. Холст «Невеста» (1915), так и оставшийся незаконченным, после его смерти выдал этот секрет. К тому же экзотический Восток, с его удивительными птицами, зверями, растениями и людьми, был включен в декоративное убранство. Последние работы художника, композиция которых часто была выстроена в виде пирамиды, наполнены кривыми линиями и спиралями, волшебными водоворотами и светом, выделяющим фигуры. Только что созданный воображаемый мир возникал вокруг главных образов, увлекая зрителя вглубь подсознания и лабиринты мыслей».

Творчество норвежского художника Эдварда Мунка - явление необычайно сложное. Художник «северного модерна» предвосхитил других и своим талантом, и остротой восприятия окружающего мира, и особым, почти мистическим возбуждением духа. Пройдя через влияние позднего французского импрессионизма, он закрепился в стиле модерн и одновременно как бы совместил его основные приемы и формы с принципами экспрессионизма.

Уже ранние работы Мунка при ярко выраженных индивидуальных особенностях были отмечены печатью символизма и экспрессионизма, которые в дальнейшем сосуществовали в его творчестве параллельно. Искусство Мунка складывалось под влиянием произведений Метерлинка, Пшибышевского, Ибсена, Стриндберга, с которыми художник был дружен. Огромную роль в формировании его как художника сыграло и творчество Гогена и Ван Гога. Впитав в себя символизм и постимпрессионизм, Мунк вошел в искусство как художник, в произведениях которого была выражена эстетика экспрессионизма. В 1885 году появилась его «Мадонна», созданная, возможно, под влиянием Пшибышевского. Образ конкретной женщины превратился в символ вечной женственности, источника жизни. Струящиеся мягкие линии и сдержанные тона со всполохами красного обтекают полуобнаженную женскую фигуру с закинутыми за голову руками. Разметавшиеся волосы, закрытые глаза - во всем ее облике есть ощущение огромного внутреннего напряжения и мучительного раздумья.

Вся творческая жизнь художника - это смесь трагических нот отчаяния, неудовлетворенности, страха и пауз гармонии, умиротворения. Ранняя смерть матери, а потом и смерть сестры оставили глубокий след в душе художника, что позже выразилось в пристальном его внимании к темам смерти и болезни. На молодого художника огромное влияние оказал и Ханс Иегер, автор запрещенного романа «Христиания - богема» и афористаческой «Библии анархиста». В это же время А. Стринд-берг написал роман «Красная комната», в котором жестокость возводится в высший культ. Мир, окружающий художника, становится страшным, он полон боли, кошмаров и зла. Все это очень серьезно повлияло на болезненно, остро воспринимавшего человеческие страдания Мунка. Богема стала для него второй семьей. Его творчество резко изменилось. В нем появились гротеск, надрыв, страх перед непознаваемостью мира и человека, болезненная эротика. И во всем этом был еще и протест молодого скандинавского интеллигента против размеренной, благополучной буржуазной, мещанской жизни.

Настоящий скандал вызвали выставки Мунка 1889 и 1892 годов в Христиании, а в Берлине группа художников во главе с А. фон Вернером даже отказалась принять на выставку произведения Мунка, что послужило толчком к расколу и организации «Нового Сецессиона». В 1890-е годы - первом десятилетии XX века Мунк жил то в Париже, то в Берлине, ездил по Франции и Италии. Это время, когда у него выработался свой стиль - один из вариантов возникшего в Европе арт-нуво. Его излюбленными образами-символами стали девушка-цветок с льняными косами, в белой одежде, рыжеволосая женщина-вампир, скорбящая мать. Они воплощали жизнь и смерть, любовь, ревность, теску. Девушка появлялась и в созданном в 1894 году «Пепле» - в белом платье на фоне сумеречного лесного пейзажа, волосы ее распущены, руки заломлены, а у нижнего края картины можно различить темный силуэт мужчины, который охватил руками голову и застыл в немом отчаянии. Девушка есть и в «Танце жизни» (1899-1900), и в картине «Три возраста женщины».

В живописных картинах Мунка появился резко очерченный контур, который особенно заметен в серии его «Мостов», где подчеркнут ритм расходящихся линий перил, над которыми неподвижно застыли люди. В тех же линейных ритмах с чередованием светлых и темных полос написаны северные пейзажи - лесные массивы, фьорды. В портретах Мунк иногда использует мелкий мазок импрессионистов («Портрет сестры», 1892), а иногда концентрические красочные вихри, напоминающие Ван Гога, как в «Автопортрете с папиросой» (1895). Его краски стали резче и интенсивнее.

Самым значительным в творческом наследии Мунка можно считать созданный им в 1890-1910-е годы цикл «Фриз жизни». По замыслу он должен был состоять из картин символического содержания, в основе которых лежала бы жизнь «со всеми ее причудами, все ее вариации, ее радости и печали». Но кроме задуманных картин, «Фриз жизни» объединил ряд живописных и графических произведений, каждое из которых связано с трагическим и оптимистическим аспектами бытия. В 1918 году Мунк писал: «Я работал над этим фризом с долгими перерывами в течение 30 лет». Фриз включает «Поцелуй», «Барку юности», «Крик», сюжеты с образом Мадонны, с улицей, мужчинами и женщинами, вампирами… В этих картинах, пересеченных извилистой линией берега, с волнующимся за нею морем, под кронами деревьев развертывается вся жизнь с ее радостями и печалями.

Мунк был не только художником-станковистом, но и монументалистом. В 1910-1916 годах он выполнил большой цикл росписей в зале университета в Осло. Темы росписей ему подсказали философские работы Ницше.

Мунк работал в технике гравюры на дереве, офорта, черной и цветной литографии. Многие его произведения были переведены им в офорт и литографию, которыми он овладел в совершенстве. Одним из важнейших видов его творчества стала гравюра. Работая в технике офорта, сухой иглы, акватинты, литографии, ксилографии, художник не искал ни новых тем, ни новых композиций, а только варьировал мотивы своих живописных произведений. Причем в этом случае его картины можно расценивать как предварительный этап работы, а графический оттиск - как завершающий.

Картину от гравюры отделяло не менее года, а иногда - и десять-пятнадцать лет. Это давало художнику возможность посмотреть на созданное со стороны, а затем, отбросив лишнее и частное, сконцентрировать внимание на выражении главной мысли. Офорт «Голос» был создан в 1895 году, через два года после одноименной картины. От изображенной здесь женской фигуры на фоне освещенного луной пейзажа веет тишиной. Все вокруг полно таинственного ожидания, вслушивания. Тончайший серебристый тон акватинты лишь подчеркивает изящную хрупкость линии берега, фигуры женщины, веток деревьев. Лунный свет, который освещает поверхность воды, отражается на лице женщины, становится носителем неземных, потусторонних сил.

Свет, как средство выражения, был в произведениях Мунка, особенно в его графике, первостепенным. Он выступал и как композиционно-строящее, и как материально-разрушающее начала. Свет придавал произведению необходимый эмоциональный настрой.

Мунк, как и Гоген, часто обыгрывал фактуру дерева, иногда в декоративных целях, иногда - в смысловых. В созданной в 1902 году гравюре «Поцелуй» волнообразные линии текстуры дерева - это своеобразный камертон эмоционального состояния слившихся воедино в страстном порыве героев. Большинство ксилографии Мунка построено не на традиционном черном пятне, а на белом.

В последние годы жизни Мунк писал много автопортретов и портретов, в которых есть и юмор («Автопортрет. У Мунка грипп», 1919), и скептицизм, но и гуманизм человека, прожившего сложную, яркую жизнь.

Каждый его портрет - это не только изображение конкретного человека, но и символ определенных представлений. Символом обаяния и гармонии стал созданный в 1903 году «Портрет Евы Мудосси». Литография, на которой изображена английская скрипачка, превратилась в поэму о любимой женщине. Подчеркивая величие образа, художник назвал гравюру «Мадонна». В созданном в 1896 году «Портрете Августа Стриндберга» на черном фоне выступают лишь лицо и белый ворот рубашки. Черты намечены легкими штрихами, а пышные волосы - волнообразными линиями. Мунк практически не использоваал прямых линий. Он считал, что точно передать внутреннее состояние, по его собственному выражению, «энергию жизни» героев способны только взвихренные, волнообразные линии.

Самая знаменитая картина из цикла «Фриз жизни» - это созданная в 1901 году картина «Крик», которую можно считать программным произведением зарождающегося экспрессионизма. Ощущение отчужденности, одиночества, враждебности окружающего мира в последующие десятилетия нашло широкое воплощение не только в изобразительном искусстве, но и в литературе, кино, театре. Юноша, стоя на мосту, зажав уши, кричит от отчаяния и страха, и этот вопль превращается в своеобразный символ. Динамичное выражение состояния героя приобретает особую остроту благодаря резким композиционным смещениям, напряженной активности цвета и даже деформации. Усиливает ощущение удушающей атмосферы сама фактура холста и тягучие мазки, вторящие волнообразным цветовым линиям.

Вслед за Гогеном Мунк продолжил возрождение гравюры на дереве, причем использовал не только ее декоративные возможности, но и особую экспрессивную выразительность. Особенно ярко это проявилось в его ксилографии «Крик», которая была построена на контрастном противопоставлении белого и черного, ритмики линий и пространственных планов.

В те редкие моменты, когда Мунк чувствовал спокойствие и радость, он писал картины в духе созданного им в 1903 году полотна «Девушки на мосту».

Мунк стремился подчинить композицию своих произведений ярко выраженному линейному движению, создать из линий фигуры, которые, отдаляясь от реальных прообразов, приобретали самостоятельную экспрессию. В 90-е годы Мунк создал произведения, которые закрепили достижения стиля модерн и в то же время открыли дорогу экспрессионизму.

3. Модернизм в русской живописи

3.1 Особенности русского модернизма

Модерн, стиль модерн, «новый стиль» - так чаще всего именовали в России современники весьма заметное направление в пространственных искусствах 1890-1900-х годов, обнаруживавшее видимое сходство с общеевропейскими исканиями этой эпохи в различных странах называвшееся по-разному: Art Nouveau, Jugenstil, Modern style и т.д., противопоставлявшее свою принципиальную новизну приевшейся за полстолетия эклектической утилизации наследия всех веков и народов. Не менее принципиальна для модерна была и его претензия быть именно стилем, его стремление воплотить дух современной эпохи полно и цельно, во всеобъемлющих и только ей принадлежащих художественных формах, как это было свойственно великим стилям прошлого. Но те стили возникали в развитии культуры органически и осознавались как целостные художественные системы лишь впоследствии, уже ретроспективно. Модерн же именно начинался с желания быть стилем, выдвигал и отстаивал принципиальные стилевые программы.

Можно без особого труда составить перечень тех русских мастеров, творчество которых прежде всего определяло разные стороны и грани русского модерна. В изобразительном искусстве это В.М. Васнецова, М.А. Врубель, М.В. Нестеров, А.Я. Головин, В.Э. Борисов-Мусатов, А.С. Голубкина, Е.Д. Поленова, С.В. Малютин, И.Я. Билибин, М.В. Якунчикова, ведущие деятели «Мира искусства»: К.А. Сомов, Л.С. Бакст, М.В. Добужинский, А.Н. Бенуа.

Называя мастеров модерна в архитектуре и декоративно-прикладном искусстве, понадобится повторить имена В.М. Васнецова, М.А. Врубеля, С.В. Малютина, дабавив к ним Ф.О. Шехтеля, Л.Н. Кекушева, Ф.И. Лидваля, Н.В. Васильева, Н.Я. Давыдову, Н.П. Ламанову Однако было бы гораздо проще перечислить всех художников, так или иначе связанных с модерном, отдавших ему дань в тот или иной период своего творчества. В таком случае список бы значительно увеличился. Явные признаки «нового стиля» можно обнаружить, например, в некоторых произведениях В.А.

Серова и К.А Коровина, В.В. Кандинского, Н.К. Рериха, И.И. Левитана и К.С. Петрова - Водкина. К тому же надо отметить, что противоречивая эстетическая природа модерна была такова, что творчество лишь второстепенных живописцев, скульпторов, графиков могла целиком соответствовать идейным и стилевым нормам этого движения. Любой действительно крупный мастер, формируя «новый стиль», способствуя его развитию в то же время выходил за его пределы, устанавливая более многообразные и глубокие связи между своим искусством и реальной действительностью.

3.2 Представители русского модернизма

Творчество Михаила Александровича Врубеля - одно из самых значительных и загадочных явлений русского искусства конца XIX века. Великое мастерство, трагизм, героический дух и неповторимый декоративный дар делают Врубеля художником на все времена. Вечно живущий в своем собственном мире, недоступном пониманию других, Врубель смог воссоздать свой сложный мир в образах своего необычного искусства, и эти образы стали одними из важнейших вех русской культуры рубежа столетий.

Творчество Врубеля может быть уподоблено взволнованной исповеди. И дело не только в том, что он говорит о себе во множестве автопортретов и изображений, носящих автопортретный характер. Едва ли не любая его композиция и даже портрет - выражение «громадного личного мира художника», по словам Александра Блока. Тем не менее, эти работы полнее раскрывают сущность «рубежа веков» - эпохи, овеянной сознанием кризиса, пронизанной предчувствиями конца света, - чем произведения любого бытописателя. «Кто такой писатель? Тот, чья жизнь - символ. Я свято верю в то, что мне достаточно рассказать о себе, чтобы заговорила эпоха, заговорило человечество», - полагал другой выразитель духа времени, Томас Манн.

Его высказывание смело можно отнести и к Врубелю. В представлении эпохи символизма Врубель становится олицетворением поэта-пророка, тайновидца, а жизнь его - воплощенным символом, ознаменованием, живым подобием легенды о Фаусте. В XX веке она приобретает особенную актуальность, содержанием ее стал вопрос о возможностях и последствиях сделки художника со злом («Доктор Фаустус» Томаса Манна). Факт создания легенды о Врубеле означает прежде всего насущную потребность эпохи в освобождении от позитивизма с его плоской правдой, прозой, приземленной пользой, рационализмом. На почве мятежа против позитивизма выросло и неоромантическое по сути искусство Врубеля Михаила Александровича. Символистская эпоха акцентировала в жизни Врубеля «печать безумия и рока» (Блок) - одержимость образом Демона. Он неотступно преследует мастера, манит неуловимостью облика, заставляет возвращаться к себе вновь и вновь, избирать все новые материалы и техники для своего воплощения. Как водится, в награду художник получает неограниченные творческие возможности. Но расплата неизбежна - его постигает страшная болезнь, смерть ребенка, безумие, гибель. Правдоподобию легенды в немалой степени способствовал бред вины и раскаяния, мучившие больного Врубеля в последние годы. «Верится, что Князь Мира позировал ему. - Есть что-то глубоко правдивое в этих ужасных и прекрасных, до слез волнующих картинах. Его Демон остался верен своей натуре. Он, полюбивший Врубеля, все же и обманул его. Эти сеансы были сплошным издевательством и дразнением. Врубель видел то одну, то другую черту своего божества, то сразу и ту, и другую, и в погоне за этим неуловимым он быстро стал продвигаться к пропасти, к которой его толкало увлечение проклятым. Его безумие явилось логичным финалом его демонизма», - свои нити в пеструю ткань легенды вплетает Александр Бенуа, наблюдавший затем, как лихорадочно Врубель переписывал Демона поверженного, уже висевшего в выставочном зале, открытом для зрителей.

Виктор Михайлович Васнецов.

Душа настоящего художника похожа на певчую птицу, которая заперта в клетке, накрытой невзрачной тканью. Мы не видим ее, но, услышав ее чудный голос, внезапно поражаемся удивительной внутренней красоте естества скрытой за накидкой птахи. В 1873 году Виктор Михайловича Васнецов написал автопортрет, на котором очень трудно в чертах человека с бледным и усталым лицом рассмотреть какие-то особенные внешние признаки гениальности. Но стоит лишь взглянуть на созданные им полотна, как ощущаешь вдруг и сразу всю силу удивительного душевного дара и таланта того, чья рука водила кистью, создавая эти незабываемо прекрасные, без всякого преувеличения сказочные картины.

На формирование уникального внутреннего мира художника повлияли две главные взаимодополняющие первоосновы - семья и бытовое человеческое окружение. Сын сельского священника, Виктор Васнецов рос в российской глубинке среди крестьянских детей, всей душой впитывая красоту и поэзию русских народных былин и сказок. Первые уроки рисования, данные ему отцом, пробудили у мальчика неуемную тягу к изобразительному искусству. Из-за нее он впоследствии оставил семинарию, уйдя из предпоследнего философского класса и отправившись на учебу в Петербург.

Но далеко не сразу Виктор Михайлович обратился к былинным сюжетам и масляной живописи, на первых порах отдавая предпочтение жанровым сценам и графике. Это наложило сильный отпечаток на все его последующее творчество. Лучшие полотна этого художника несут на себе след уверенной и точной руки. Многие из них явно «графичны», «иллюстративны» по манере исполнения. Цвет на этих картинах является только второстепенным инструментом, лишь помогающим максимально мощно выразить высокую концентрацию образной энергии, передающую зрителю ясно ощутимый внутренний импульс.

Тем не менее, несмотря на весомый духовный посыл, произведения Виктора Михайловича глубоко лиричны, романтичны по своей сути и весьма самобытны по стилистике. Полностью перейдя к историческим и сказочным сюжетам, художник Васнецов создал новое, «национальное» направление в современной ему российской живописи. Его «Витязь на распутье», «Царь Иван Васильевич Грозный», «Богатыри», многие другие картины воспевали поэтическую красоту русского народного фольклора, подчеркивали значимость национальной истории.

Виктор Михайлович Васнецов оставил глубокий след не только в области графики и живописи. Он создал целый ряд великолепных росписей, множество оформительских и декоративных работ, выполнил несколько уникальных архитектурных проектов, в число которых вошел и проект его собственного сказочного дома-мастерской.

Революцию художник Васнецов так и не принял. Слишком резко конфликтовала она с тем миром грез и высокого искусства, который наполнял его душу. В последние годы жизни Виктор Михайлович занимался доработкой своих сказочных картин, оставив нам уникальное и обширное наследие, соприкосновение с которым вызывает в сердце неожиданный сладостный трепет, детское удивление сопричастности одухотворенной красоте.

4. Анализ картины М.А. Врубеля «Демон сидящий» (1890)

модерн врубель европейский картина

Размер картины 114х211. Холст. Масло. Государственная Третьяковская галерея, Москва. Демон - это символический образ. Он олицетворяет собой огромные силы человеческого духа, его внутреннюю борьбу, может быть - с самим собой, со злом, сомнениями, неверием… Демон возвышается над горами на фоне мерцающего заката. Он окружен невиданными цветами-кристаллами. Трагически сцеплены руки, безнадежно-печален взгляд огромных глаз на юном лице… Художник показывает нам одиночество, безысходность человека, чьи титанические силы не находят себе применения. В своей трактовке образа Демона он значительно отступает от литературного прототипа (М.Ю. Лермотова), ослабляя настроения бунта, гордыни, презрения к миру и выделяя лирическое начало образа: для него Демон - «дух страдающий, но не злобный».

Демон сидящий открывает московский, наиболее известный период творчества Врубеля, являясь итогом творческих поисков художника в предшествующие годы, которые он провел в Киеве, где, в частности, изучал древние мозаики собора Святой Софии. Именно в киевский период сформировался индивидуальный стиль Врубеля, главная особенность которого - создание эффекта мерцания кристаллических граней формы, что уподобляет картины художника мозаичным панно или витражам.

Метод Врубеля не столько непосредственное наблюдение и передача видимой натуры, сколько метод идеального представления, воображения, которое пользуется видимыми формами, чтобы творить из них неожиданные, странные сочетания, создавая фантастически преображенный мир. Тематика его произведений - это, как правило, «вечные» сюжеты и образы, пришедшие не прямо из жизни, а из искусства.

Заключение

В данной работе была рассмотрена общая картина возникновения и существования в России национального варианта модернизма. Модернизм, зародившись в Германии и США, появился и в других художественных школах, волнами распространился в искусстве многих стран мира. При этом имело место не влияние извне в форме прямого заимствования чужого языка, а взаимодействие, диалог художественных культур, продиктованный собственными тенденциями развития каждой культуры.

Новизна модерна сразу же оказалась несомненной. Он принес не только свои излюбленные мотивы, которые вполне могли затеряться среди прежних, но и небывалые ритмы, особую нервную подвижность, беспокоящую глаз и привлекающую внимание.

Яркими представителями модернизма в России были: М. Врубель, В.М. Васнецов.

Модернизм как направление в изобразительном искусстве, оставил весьма значительный след в мировой культуре.

Созданные модернистами произведения искусства являются для нас и будущих поколений нетленными. Они стоят как бы вне времени, не устаревают и продолжают жить своей внутренней жизнью на продолжении существования человечества. Искусство вечно и стиль модерн интересен и современному поколению.

Список литературы

1. Берсенева А. Архитектура модерна. Екатеринбург, 2012.

2. Борзова Е.П. История мировой культуры. - СПб.: Издательство «Лань», 2010.

3. Борисова Е.А., Стернин Г.Ю. Русский модерн. М., 2011.

4. Горюнов В.С., Тубли М.П. Архитектура эпохи модерна. М., 2011

5. Грибулина Я.Г. История мировой художественной культуры. Тверь, 2011.

6. Дмитриева И.А. Краткая история искусств. М. 2012.

7. Николаева С.И. Эстетика символа в архитектуре русского модерна. М., Издательство «Директмедиа Паблишинг», КноРус, 2010.

8. Сарабьянов Д.В. Модерн. История стиля. Галарт, 2010.

9. Сарабьянов Д.В. Русская живопись XIX века среди европейских школ. М., 2011.

Размещено на Allbest.ru


Подобные документы

  • Модерн – стиль, художественное направление в искусстве и архитектуре, наиболее распространенное в конце XIX–начале XX века. Отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, гладких линий как главная и отличительная особенность данного стиля.

    реферат [8,6 M], добавлен 25.12.2014

  • Вехи биографии М. Врубеля, его жизнь и творчество. Демон - idea fix творчества художника. «Демон сидящий». «Демониана» Врубеля. Последние годы великого художника. Творчество М. Врубеля как уподобие взволнованной исповеди. Характеристика и критика.

    реферат [32,8 K], добавлен 08.12.2008

  • Понятие и зарождение, характерные черты стиля "модерн", его влияние на все виды художественной деятельности конца ХІХ – начала ХХ века на основе творчества М. Врубеля, особенности его портретной живописи. Роль сказочной темы в формировании нового стиля.

    курсовая работа [34,5 K], добавлен 25.04.2009

  • Краткие сведения о жизненном пути и творческой деятельности Михаила Александровича Врубеля – одного из выдающихся художников рубежа XIX-XX вв. Творческое наследие М.А.Врубеля в области художественной керамики. Краткий обзор основных работ М.А. Врубеля.

    контрольная работа [8,6 M], добавлен 07.03.2015

  • Вестник нового искусства Михаил Александрович Врубель. Искания предреволюционной эпохи, ее тревоги и надежды. Биография и этапы творчества. "Демоническое" в творчестве М.В. Врубеля. Последние годы жизни. Переломы художественного сознания в искусстве.

    контрольная работа [36,7 K], добавлен 05.02.2009

  • Истоки формирования стиля модерн, его основные отличия. Анализ принципов формирования костюма в стиле модерн, образцы. Характеристика женского костюма периода 1890-х годов. Особенности аксессуаров и причесок модерн, необходимость реформы верхней одежды.

    курсовая работа [7,4 M], добавлен 17.04.2012

  • Модерн - "кризис науки", отказ от механистических представлений о мире, тяготение к природе. Рассмотрение элементов стиля модерн среди архитекторов, художников, театральных деятелей России. Соединение европейских и восточных художественных традиций.

    презентация [3,7 M], добавлен 12.01.2015

Работы в архивах красиво оформлены согласно требованиям ВУЗов и содержат рисунки, диаграммы, формулы и т.д.
PPT, PPTX и PDF-файлы представлены только в архивах.
Рекомендуем скачать работу.