Представители направления поп-арт и их методы выразительности

Казалось бы, название должно декларировать смысл произведения искусства. У Розенквиста это не совем так. Названия его картин не констатируют смысл увиденного. Этого и не может быть, поскольку смысл изображения всегда ускользает. Имена рождаются по тем же принципам, что и сами картины. Часто они неоднозначны, с открытым семиотическим значением. Иногда их прямой смысл переворачивается изображением, иногда наоборот. Словом, в названиях картин Розенквиста всегда присутствует элемент построения рекламного слогана: «Взбодрись! (Синие ноги)» (1961), «Капсула фламинго» (1970), «Постоянство электрических нимф в пространстве» (1985) и т. д.

«Между умом и указателем, температура тела» (1980). В первом варианте «Между умом и указателем находилась температура тела», то есть внутреннее напряжение человека. В данном варианте -- отточенная сталь высокотехнологичных вещей.

Однажды, незадолго до смерти, проведя пару раз щеткой по плечу чистой, цвета лаванды, футболки, Розенквист сказал находящимся рядом, показывая на едва видимые в воздухе частицы: «Вот это... это пыль времени. Это то, что мы все аккумулируем всю свою жизнь».

2.8 Алекс Кац

Американский художник, известный своими большими масштабами, упрощенными образами семьи и друзей. Кац был сыном русских иммигрантов, родился в 1927 году и вырос в Нью-Йорке. Алекс Кац учился в школе искусств Союза Купера в Нью-Йорке и в училище живописи и скульптуры Скоуниган в штате Мэн. Алекс Кац является весьма уважаемым современным художником поп-арта и гравером. Он является самым известным за его большие, часто больше, чем в натуральную величину портреты. Алекса Каца отличает его способность отразить в искусстве своих близких - жену Аду и сына Винсента. Жена Алекса, Ада, сыграла важную роль в творческой жизни мужа. Картины с ее изображением получили культовый статус и стали беспрецедентными по своей направленности, имея одну тему для творчества на протяжении столь многих десятилетий. На протяжении более 50 лет, художник КАЦ нарушил модные тенденции современного искусства и представил свой собственный стиль фигуры живописи.

Кац является одним из самых значительных американских художников начиная с 50-х годов XX века. В течении своей карьеры, Кац создает замечательные импрессивные работы, образовывающие уникальный аспект современного реализма. С конца 50-х в творчестве Каца начинают преобладать портреты -- главным образом его супруги Ады, сына Винсента, друзей-художников, поэтов («Портрет поэта Кеннита Коха»), критиков и танцоров. Его портреты формируют новый и своеобразнейший тип реализма в американском искусстве, совмещая в себе элементы абстракции и изображения. Его работы характеризуются плоским рисунком, драматическими образками, громадными заголовками наподобие тех, что встречаются в фильмах, рекламе и уличных вывесках. Кац интересен не столько своей эмоциональной повестью, сколько собственным портретным почерком, в которым традиционный жанр принимает экспансивный и современный вид.

Характеристика подписи стиля Каца обманчива проста, его малый размер и откровенные элементы, которые отличают его картины остротой и элегантностью («Сандалии»). Кац работает на плоских гранях цвета и открытых пространствах для достижения реализма. Впервые работы Каца были выставлены в Нью-Йорке в 1954 году. Сейчас его работы находятся в коллекции Тэйт и Музее современного искусства. Увидев хоть один раз картины Алекса Каца - вы навсегда запомните его стиль.

Отточенный контур, чистый плоский цвет и стилизованная форма, комбинация абстрактных и реалистических элементов в работах Каца увлекают зрителя в мир образов, находящихся на границе реальности и искусства.

«Поп-арт имеет дело со знаками, а я - с символами. Поп-арт циничен и ироничен, мои работы - нет. Поп-арт рожден исключительно современностью, мое искусство опирается на многовековую живописную традицию" - Алекс Кац. Жан Бодрийяр. Поп-арт: искусство общества потребления? // Бодрийяр Жан. Общество потребления. Его мифы и структуры. -- М.: Культурная революция; Республика, 2006. -- (С. 150).

2.9 Том Вессельман

Том Вессельман пришел в большое искусство из коммерческого, дизайнерско-прикладного цеха -- в начале своей карьеры он промышлял карикатурами для газет и журналов (рисовать он начал в армии в Корее). И совершил тот же эстетический кульбит, что и его коллеги, превратив презренный (правда, презренный где угодно, только не в Америке) масскульт в, как говорится, уникальные авторские вещи.

Том Вессельман был американским поп-арт художником, который все свои творческие поиски обратил в искусство коллажа.

Хотя еще в Союзе Купера Вессельман на уроках рисовал, его первоначальная цель в искусстве была стать карикатуристом. Его ранние работы были в значительной степени под влиянием художников абстрактного экспрессиониста, особенно Виллем де Кунинг. Его искусство стало более популярным в 1960-е годы , где состоялась его первая персональная выставка в 1962 г.

Художник никогда не скрывал своего восхищения Матиссом и Боннаром, и если смотреть с точки зрения классической живописи, то мировую традицию живописания обнаженной натуры он дополнил американской гигиеной и комфортом -- его девушки всегда чистенькие, только что из ванны, о чем свидетельствуют настоящие кафель и полотенцесушители, которые он иногда монтировал в свои картины («Ванная комната»). Что более важно -- слово "натура" для его ню и вовсе не подходит. Том Вессельман никогда не писал своих красавиц с живых женщин -- только с идеальных рекламных журнальных изображений, которые он ухитрился сделать еще идеальнее, выведя формулу "красоты по-американски" задолго до известного фильма: розовое тело, незагорелая часть бикини (очень по-американски -- дом должен быть с бассейном), желтые волосы (джентльмены предпочитают блондинок), красная помада и теперь уже неамериканская сигарета у рта. И никакой индивидуальности -- ни носа, ни глаз, ни каких-нибудь лишних изгибов.

Начиная с 1950-х годов, он сделал коллаж из журнала вырезки и найденных предметов, часто включая в свои коллажи обнаженных женщин. Вессельман наиболее известен своими сериями "Великий Американский Ню".

Он вполне мог бы стать мишенью феминисток за свое отношение к женщине как к бездушному натюрморту, а к ее телу -- как к такому же массовому товару, как кафель и полотенца. Но не стал -- даже самые упертые защитницы женских прав не смогли бы отрицать, что в его картинах все же есть ирония по отношению к потребительскому американскому раю, для которого он и вывел свою соответствующую женскую "породу".

Но чем больше работы Вессельмана канонизировались, закупались музеями и коллекционерами, тиражировались, прикнопливались на стенку в виде репродукций, тем меньше в них оставалось иронии. Зато все больше -- красоты.

Эротический образ лежащей обнаженной с раздвинутыми ногами соседствует с вырезанными фотографиями нескольких порций мороженого и шейкера для взбивания коктейлей. Черты лица обнаженной отсутствуют, чтобы избежать портретности. Картина принадлежит к созданной в начале 1960-х годов серии, в которой Вессельман соединял обнаженные фигуры, написанные чистым плоским цветом, с коллажем из журнальных вырезок и плакатов. Значение произведения определяет откровенная демонстрация сексуальной свободы в ту эпоху, когда обнаженная натура была еще редкостью в американских средствах массовой информации, а также включение в композицию образов, прямо заимствованных из новой эры потребления. Подобная манипуляция эротическими символами и объектами потребительской культуры связывает творчество Вессельмана с движением поп-арта в США.

С 1983 года художник оставил живопись и обратился к изготовлению вырезанных из металла настенных панно на основе набивки войлоком или рисунков пером («Пейзаж»).

2.10 Клас Олденбург

Клас Олденбург -- человек, ставший «позором» своей семьи и одновременно одним из основоположников американского поп-арта. «Поп-арт подобен сосуду, назначение которого -- оставаться пустым», -- сказал об этом направлении другой основоположник. Однако К.Олденбург заработал на этом «пустом сосуде» столько, что смог купить себе скромную яхту «размером с небольшого кита».

«Я за искусство, которое не сидит на своей заднице в музее, а делает что-то другое. Я за искусство, которое вырастает и не подозревает о том, что оно -- искусство... Я за искусство, которое смешано с повседневной чепухой и все же поднимается наверх... Я за искусство, развертывающееся, как карта, которое вы можете сжать, как руку своей подружки, или даже поцеловать». Борзова Е.П. История мировой культуры. 2-е изд., стер. - СПб.: Издательство «Лань», 2002. (с. 64)

Клас Тур Олденбург

Cамая настоящая духовка с аппетитнейшими кусками мяса. Рука так и тянется потрогать, отрезать, попробовать... Но не стоит этого делать -- перед нами всего лишь раскрашенный макет, созданный художником из марли, мешковины и простого пластыря.

При чем же здесь искусство? Совершенно не причем. Вы участвуете в хэппенинге, хотите вы того или нет. Эта духовка с мясом, являющаяся неотъемлемой частью нашей жизни, -- идеальная декорация. Изо дня в день мы встаем, готовим себе на плите завтрак, обед и ужин. Каждый день, совершая обычные, ни к чему не обязывающие действия, мы играем одну простую на первый взгляд пьесу, называется - жизнь.

Признание на поприще поп-арта пришло к Олденбергу в 1961 году, когда он открыл свой проект «Магазин». Стилизовав интерьер студии под обычный магазин, он заполнил ее копиями товаров народного потребления, выполненными из папье-маше и других нетрадиционных материалов.

Духовка Олденбурга, созданная им для этого проекта в 1962 г., должна была стоять на самом видном месте, чтобы любой входящий в студию мог сразу же увидеть ее. Разложенное на ней мясо должно было быть реальным настолько, насколько это возможно. Копченое и жареное, оно должно было выглядеть так, «чтобы у посетителя потекли слюнки, даже если он только что плотно и вкусно пообедал». И все ради того, чтобы страждущий потянулся к горячему аппетитному кусочку и встретил упругую и гладкую искусственную поверхность. Посетитель испуганно отдергивает руку - художник в восторге: в легкой игровой манере ему удалось напомнить об иллюзорности нашего мира.

С олденбурговской духовкой происходит то же самое, что и с пейзажами на картинах художников. Когда мы смотрим на настоящий холм с настоящим деревом, мы пытаемся понять, что же это за дерево? Если яблоня, то есть ли на ней яблоки и спелые ли они? А разглядывая холм на картине Коро или Рейнолдса, мы вешаем ярлык «шедевр». И тут же спешим на рынок покупать яблоки, совершенно забыв о «шедевре». То есть реальность для нас все-таки важнее искусства. Олденбург подменяет «шедевр» реальностью, но не вкладывает в эту подмену особого смысла. Художник показывает нам нашу жизнь, причем показывает так, что буквально на глазах жизнь становится искусством. Или все же искусство -- жизнью?

В начале 1950-х появилась идея создания «мягких скульптур» -- фирменного технического приема художника. При этом мягкость в данном случае -- понятие не буквальное, скульптуры могли быть выполнены и из плотных материалов. Главное -- впечатление мягкости, обтекаемость форм, округлые линии «плавящихся» предметов.

В начале 2000-х был отмечен резкий рост цен на работы художника. Сегодня графика Олденберга на мировых аукционах продается в широком диапазоне от 8 до 30 тысяч долларов. Цены на живопись высокого качества могут запросто «перешагивать» 500-тысячный рубеж.

Скульптуры Класа Олденбурга вызывают улыбку -- памятник губной помаде в виде надувной трубы, мягкая печатная машинка из ткани, туалет из винила, похожий на детскую надувную игрушку. Особенно эффектны произведения Олденбурга, встроенные в городскую среду.

Гигантские кусачки, ножницы, зонты, шляпы, молотки по размерам сопоставимы со зданиями, рядом с которыми они расположены. Первый монумент «Бельевая прищепка» (Рис. 30) высотой более 12 м сооружен в 1976 году в Филадельфии. Скульптура похожа на великана, от которого остались лишь две колоссальных ноги.

Яркий пример дизайнерского решения городской среды -- фонтан в саду. Скульптуры г. Миннеаполиса, созданный Олденбургом совместно со своей женой в 1985--1986 годах. Огромная ложка с вишенкой на фоне урбанистического пейзажа как атрибут Гулливера в стране лилипутов. Из черенка вишни бьет фонтан, создавая вокруг ложки прозрачную ауру из капель. Разные ракурсы выявляют дополнительные эффекты -например, если смотреть на ложку снизу, как бы из-под нее, то она кажется башней с красным навершием и кривой трубой черенка вишенки.

Во взаимодействии с рекламой, искусство само стало рекламой. На примере скульптур Олденбурга видно, как художественное произведение способствует решению дизайнерских задач. Не случайно вишенка в ложке была задумана как фонтан. Чаще всего именно фонтаны предоставляют возможности для создания объектов искусства в городской среде.

Еще один из знаменитых памятников Олденбурга - печать в Кливленде.

В нашей городской инфраструктуре, пожалуй, кроме машины над автосервисом, сами предметы редко выставляются для наружной рекламы. А ведь этот дизайнерский прием мог бы разнообразить архитектурное решение и привлекать внимание.

2.11 Дэвид Хокни

В одном из интервью Дэвид Хокни, британский прародитель поп-арта и один из самых влиятельных художников современности, так выразил свое художественное кредо: «Я согласен со старой китайской истиной: живопись требует трёх вещей: руки, глаза и сердца».

В хрестоматийных работах, таких как «Большой всплеск» или «Политая лужайка», смешивая простые формы и сложные движения, Хокни изменил представление о самом себе, и стал самым известным живописцем. Существенное влияние на сюжеты и манеру письма художника оказали как яркие калифорнийские краски, так и прямоугольная архитектура калифорнийских зданий. В его работах преобладают орнаментальные элементы, они выдержаны в ярких, прозрачных красках и создают эффект переменчивости пространства и света.

«Всплеск» -- без сомнения, одна из самых значимых работ в живописи 60-х. Когда абстрактный экспрессионизм уже задыхался от собственных художественных методов и «серьезной искренности», Хокни с беспрецедентными жизненной силой и новаторством передал на холсте иллюзию света, пространства и объема. «Я писал „Всплеск“ около двух недель. Прежде всего, мне нравится идея, как Леонардо изучал воду, эти спирали... А во-вторых, я хотел изобразить что-то, что длится всего две секунды. Мне потребовалось две недели, чтобы написать двухсекундный всплеск воды. Все знают, что всплеск не может застыть, -- вот почему картина поражает больше фотографии»

Двойные портреты стали визитной карточкой Хокни - в них он исследует не только личности героев, но и их отношения друг с другом. Наряду с матерью, главная женская модель Хокни - его давняя подруга Селия Бертвелл, текстильный дизайнер. В 1969-м она вышла замуж за модельера Осси Кларка, вместе они открыли знаменитый бутик «Кворум» и стали ключевыми фигурами лондонской жизни рубежа 60-70-х. Хокни знал Осси Кларка с начала 60-х, когда тот учился в Королевском художественном колледже. Картина «Мистер и миссис Кларк и их кот Перси» написана в той же позе, в которой он застал Осси и Селию в их доме в Ноттинг-хилле. Осси только что проснулся, закурил и взял кошку на руки. Хокни воскликнул: «Это отлично!», и сделал фотографии и наброски. Хокни вспоминал, что портрет получился оттого, что «вы чувствуете присутствие двух людей и их непростые отношения. Осси сидит с кошкой, Селия стоит. Хотя мы понимаем, что должно быть наоборот». На стене как подзаголовок к картине висит собственная гравюра Хокни. Работа исследует не только взаимоотношения Кларков, но и их отношения с художником и зрителем. Чувствуется увеличивающаяся между ними пропасть - вскоре после завершения картины они расстались. Над картиной он работал больше года и в ней, по его словам, «ближе всего приблизился к натурализму».

В одном из выпусков влиятельного журнала «Art Review» был опубликован список ста лиц, чья деятельность оказалась революционной для художественного рынка и визуального искусства нашего времени. В списке было всего семь художников и один из них - Дэвид Хокни. Сегодня он пишет акварелью и маслом йоркширские пейзажи, относясь к ним со всей серьезностью.

Заключение

Художники поп-арта различны и своеобразны по своему стилю. Например, Том Вессельман использовал сплошные, ровные цвета. А Рой Лихтенштейн свои рисунки делал похожими на газетную печать. Энди Уорхол создавал шелкографические серии, Роберт Раушенберг сочетал живописную технику с созданием объектов и инсталляций из самых различных материалов. Художник Рой Лихтенштейн использует картинки комиксов, а Клас Олденбург создавал объекты и инсталляции из самых различных материалов. Джеймс Розенквист пишет яркими, часто ядовито режущими глаз синтетическими красками огромные многометровые композиции, Джонс, один из первых художников использовавший для сюжета картины Государственный символ - флаг и т.д.

Какими бы разными ни были работы представителей поп-арта, все они несут определенную общую идею. А именно: донести до людей настоящие масштабы искусства, отвлечь их от классических канонов, расширить мировоззрение.

Библиографический список:

А. Толстой, Галактика поп-арта «Новая юность» 2001, №4(49)

Хоннеф, Клаус. Поп-арт / Под ред. Уты Гросеник. -- Москва: Taschen / «Арт-родник», 2005

Маковский С.: Силуэты американских художников. - М.:Республика, 1999.

Вадим Алексеев "Дэвид Хокни: портрет художника в старости"

Журнал "АНГЛИЯ", 1972 г

Джордж Лeнc. Сто художников XX века

«Модернизм: Анализ и критика основных направлений». Под. редакцией В. В. Колпинского , издательство «Искусство» 1980

Бодрийяр Жан. Общество потребления. Его мифы и структуры. -- М.: Культурная революция; Республика, 2006.

А.Д. Чегодаев «Искусство Соединенных Штатов Америки от войны за независимость до наших дней». М., 1960

Борзова Е.П. «История мировой культуры». 2-е изд., стер. - СПб.: Издательство «Лань», 2002.

Список сайтов:

http://www.indexmarket.ru/reading/?content=doc&id=117

http://popart.com.ru/chto.php

http://hudozhnikam.ru/interesno/i1.html

http://www.coll.spb.ru/public/251.php

http://warhol.org.ru/gallery/

http://www.proza.ru

http://www.indexmarket.ru/

http://www.google.ru/imghp?hl=ru&tab=wi

http://artpages.org.ua/palitra/devid-hokni-dolgaya-doroga-domoy.html

http://hudozhnikam.ru/