Своеобразие творческой манеры Роя Лихтенштейна, Роберта Раушенберга и Энди Уорхола

Размещено на http://www.allbest.ru

4

Размещено на http://www.allbest.ru

Содержание

Введение

Глава 1. Направление в искусстве "Поп-арт"

1.1 Основные черты

1.2 Теория и разработки

Глава 2. Творчество художников "Поп-арта"

2.1 Роберт Раушенберг

2.2 Рой Лихтенштейн

2.3 Энди Уорхол

Заключение

Список использованной литературы

Введение

Поп-арт рождался и утверждал себя как новое направление в искусстве, вне всяких традиций и норм. Художники создавали своё произведение любым способом, из любых материалов. Они могли использовать мотивы и образы из модных журналов, рекламы, комиксов - банальные и безвкусные. Обратившись к миру вещей, созданных массовым промышленным производством, поп-арт быстро вошел в сферу современной массовой культуры.

Актуальность данной работы, заключается в том, что поп-арт представляет собой одно из самых важных и оригинальных явлений в истории мирового изобразительного искусства второй половины XX века.

Целью данной работы является изучение свойств вещей в творчестве художников Роя Лихтенштейна, Роберта Раушенберга, Энди Уорхола.

Предметом исследования является направление популярного искусства, выраженное в творчестве американских художников.

Объектом исследования являются своеобразие творческой манеры Роя Лихтенштейна, Роберта Раушенберга и Энди Уорхола.

Для раскрытия поставленной цели в курсовой работе были выполнены следующие задачи:

- На основе теоретического анализа литературы выделить основные периоды в жизни и творчестве художников поп-арта.

- Изучить особенности стиля, уникальности художественного творчества представителей поп-арта.

- Рассмотреть и научиться проводить анализ произведения Энди Уорхола.

Глава 1. Направление в искусстве "Поп-арт"

Поп-арт - направление в искусстве, возникшее как реакция на абстрактный экспрессионизм, использующие образы продуктов потребления. Зародился в преддверии бунтарских 60-х годов XX столетия, буквально "взорвав" сначала Америку, а затем и весь мир. Одно из наиболее распространенных направлений в англо-американском искусстве, оказавшее влияние и на искусство других стран.

Термин "поп-арт" впервые появился в прессе в статье английского критика Лоуренса Эллоуэя (1926--1990). Он означал - популярное искусство. Образный язык был непривычен, парадоксален. В нем будто таилась насмешка над всем, что люди привыкли называть красотой, духовностью, художественным творчеством.

Существует версия, что поп-арт родился случайно. К Рою Лихтенштейну пришел маленький сын с книжкой комиксов и попросил сделать из них что-нибудь смешное. Рой поглядел на незамысловатые картинки и придумал увеличить их до громадных размеров. Так он начал создавать свои картины, которые потом пользовались бешеной популярностью. Комиксы или отдельные их части увеличивались порой настолько, что нельзя было понять, что там. Абстракция, да и только. "Я за искусство, которое не сидит на своей заднице в музее. Я за искусство, которое вырастает и не подозревает о том, что оно искусство… Я за искусство, которое смешано с повседневной чепухой и все же поднимается наверх", -- рассуждал Лихтенштейн.

По другой версии начало поп-арту положила картина-коллаж Ричарда Гамильтона "так что же делает современные дома столь необычными и столь привлекательными?". Выглядит это, как "набор" вырезок из цветных журналов. Обычный дом среднестатистического американца, «подсевшего» на рекламу. С рекламных страниц в интерьер сошли и магнитофон, и телевизор, и, безусловно, газета, а на стенах вместо картин -- увеличенный фрагмент комикса -- ширпотреб. За окном виднеется кинотеатр. Центральная мужская фигура вырезана из рекламы культуризма, женская -- тоже в духе "хочешь похудеть? Спроси меня как". Образ реального мира вытеснен скоплением фиктивных имиджей масс-культуры. Жизнь, превращенная в сказку с помощью рекламы. Поп-арт рождался и утверждал себя как новое направление в искусстве, вне всяких традиций и норм.

Художник создавал своё произведение любым способом, из любых материалов. Он мог использовать мотивы и образы из модных журналов, рекламы, комиксов - банальные и безвкусные.

Поп-арт вернул предмет в искусство, но это был предмет, не возвышенный художественным видением, а предмет бытовой, связанный с современной индустриальной культурой и, в особенности, с современными формами информации: печать, телевидение, кинематограф. Новые технические приемы, позаимствованные из промышленного дизайна и рекламы: фотопечать, использование диапроектора, включение реальных предметов, способствовали как "обезличиванию" индивидуальной творческой манеры художника, так и "раскрытию эстетической ценности".

После Второй мировой войны в Америке сформировался большой социальный слой людей, зарабатывающих достаточно денег, чтобы приобрести товары, которые не являлись товарами первой необходимости. Яркий пример тому выступает Coca-cola и джинсы Levi's, которые в то время стали важным и самым распространенным атрибутом потребительского общества. Человек, используя тот или иной товар, показывает свою принадлежность к определенному социальному слою. Таким образом, вещи становились символами, стереотипами. Товары - доступные и дешевые. Потребление всеми одинаково качественных товаров сравнивали с равенством социальным. Энди Уорхол говорил: "И школьница, и президент США могут пить кока-колу, в обоих случаях она будет одинаковой по вкусу и форме".

Он говорил о том, что поп-арт поменял местами внутреннее и внешнее. Представители это направления создавали образы, узнаваемые всеми: шторы для ванной, бутылки колы, мужские штаны, столы для пикника, комиксы - всё то, что абстрактные экспрессионисты "не видели".

Понятно, что критика относилась к такому искусству по-разному. Одни говорили о вырождении искусства или, на худой конец, обновленной форме натурализма. Другие говорили о новом этапе в развитии искусства, называя поп-арт "новым реализмом" или "сверхреализмом". Демократизм поп-арта критики отмечали в том, что зритель может стать героем произведения, если он входит внутрь него, присаживается на нем отдохнуть или видит свое отражение в зеркале, то есть принимает участие в той игре, которую ему предлагают.

1.1 Основные черты

Начиная с Поп-Арта, искусство становится массовым, то есть предметами ее интереса становятся вещи массового потребления. Искусство, следовательно, получает новый образ - им является все то, что человек назовет искусством, любая вещь. Главное - чтобы ими была хорошо выражена идея, замысел воплотителя. Именно концепция делает вещь произведением искусства. К примеру, известный "Фонтан" Дюшана. Если человек не знает концепции, то в писсуаре Дюшана он видит лишь писсуар, ничего более. Стоит отметить и то, что художник как таковой перестает существовать, им может быть любой, кто будет обладать стоящей идеей, и который сможет воплотить ее в реальность.

Так как мы продолжаем существовать в потребительском обществе и по сегодняшний день, соответственно и искусство испытывает на себе некое влияние от него. Точнее не переставало испытывать со времен Поп-Арта. Мы уже привыкли видеть искусство спонтанным, неожиданным, поражающим сознание, постоянно непредсказуемым. Большей частью лишь потому, что в современном искусстве нет определенных рамок, нет критериев, которых должны были бы придерживаться художники. То есть, фактически мы не знаем, что ожидать от новых творений, так как искусство направлено на зрителя неподготовленного, на зрителя, живущего культурной жизнью от случая к случаю.

Таким образом, вещи давно утратили свою настоящую сущность, свое первоначальное значение. Сейчас для нас вполне обычное дело увидеть некоторые вещи просто в качестве аксессуаров для интерьера. К примеру, хрустальные или стеклянные вазы - достаточно распространенный прием в современных интерьерах, или же любой предмет одежды, допустим, шляпа или красивым образом завитая шаль в качестве стального или стеклянного, деревянного подсвечника или плафона для ночной лампы. Уже даже в сюрреализме можно было увидеть подобную трансформацию вещи.

К примеру, Сальвадор Дали создал и изготовил женскую шляпку в образе туфельки для своей любимой жены. Или возьмем, к примеру, работы периода позднего сюрреализма, выполненные Мерет Оппенгейм - "Завтрак в Мехах" (1936 год) и "Моя няня" (1936 год).

В работе "Завтрак в мехах" обыгрывается несовместимость разных видов чувственного восприятия: мех приятен коже, но отвратителен языку, и, соответственно, из кружки не выпьешь, так как мех является барьером.

В работе "Моя няня" мы можем наблюдать две связанные туфельки, у которых на каблуках венчики, используемые как украшения для блюда из курицы. Сами туфельки очень напоминают формой курицу на блюде. Частично еще этот эффект достигается за счет того, по какому принципу туфельки обвязаны веревкой, делящей данный образ "курицы" на основные части. Мерет Оппенгейм в этой работе тем самым хотела обратить внимание зрителя на отсутствие предмета как такового, то есть мы видим образ курицы, но съесть ее не можем.

В творчестве белорусского современного художника Константина Горецкого достаточно часто мелькает изображение туфельки на его картинах, и выступает она здесь в роли образа сексуальности, эротизма. В своих картинах он выражает самого себя самыми различными символами - двуглавый орел, как символ борьбы добра, и зла или та же туфелька - черная с красным носиком, которая как нельзя лучше придает эротические нотки картинам.

В современном искусстве туфелька так же играет немаловажную роль и зачастую является тем предметом, который выражает и олицетворяет собой символ женственности. В честь этого были созданы различные памятники по всему миру.

Искусство поп-арта тесно переплеталось с искусством торговой рекламы, ставшей неотъемлемой частью американского образа жизни. Реклама броско и навязчиво пропагандирует товарный стандарт.

Как и в рекламе, главными сюжетами поп-арта стали холодильники, пылесосы, фены, сосиски, мороженое, манекены и так далее.

Создатели рекламных передач и шоу способны искромсать на кусочки и соединить в нужной им комбинации стиральный порошок и известный шедевр искусства, зубную пасту и классическую музыку. Точно также поступает и поп-арт. Отличительная черта - сочетание вызова с безразличием. Все одинаково ценно или одинаково бесценно, одинаково красиво или одинаково безобразно, одинаково достойно или не достойно.

Подходя к главному, основные черты поп-арта: яркие радужные цвета, броские формы, использование пластика, повторяющиеся элементы. Поп-арт открыто оспаривал принципы "хорошего дизайна", отрицая модерн и его ценности. Основной упор делался на изменения, разнообразие, веселье, бунтарство и недолговечные, одноразовые вещи, дешевизну и ставку на массовое потребление. Дизайнеры занялись производством вещей, которые потребитель желал, а не тех, в которых он нуждался. На первый план вышел стиль. Впервые недолговечные, одноразовые вещи стали приниматься за норму.

"Поп" - художник, отражая окружающую жизнь, претворяет ее и таким образом выражает свое отношение к ней. При этом его реакция на окружение необязательно должна быть ясной и непосредственной. Использование стольких широко известных образов ведет к сложной серии взаимодействий и отзвуков, которые улавливаются и осмысляются глазом и разумом зрителя. Такая образность находилась вне пределов того, что мы раньше называли "изящными" искусствами, то есть пейзажа, портрета, религиозной или исторической живописи. "Поп" - художники интересуются людьми как предметами (отсюда упор на изображение кинозвезд), а также машинами -- автомобилями и электроприборами. Они многим обязаны стилизованному изображению людей и предметов в современных журналах, на телевидении, в фотографиях, комиксах, кино, рекламе.

1.2 Теория и разработки

лихтенштейн раушенберг уорхол художник

Начальные теоретические разработки поп-арта появились в Англии в период в 1952 по 1955 годы, когда в Институте современного искусства в Лондоне образовалась "Независимая группа" архитекторов, художников, критиков среди них были Ричард Гамильтон, Эдуард Паолоцци, Рой Лихтенштейн. Позже к ним присоединились и другие. Слово "поп" было добавочно введено критиком Эллоуэем для обозначения фактически нового эстетического сознания, новой эстетической позиции, которая утверждала художественную значимость предметов, событий, фрагментов повседневности человека индустриального общества, до этого считавшихся в художественно-эстетической элите нехудожественными, антихудожественными, ничем, дурным вкусом. В 1966 году Эллоуэй открыто признавался: "Тогда я не вкладывал в это понятие тот смысл, который оно содержит сегодня. Я использовал это слово наравне с термином "поп-культура", чтобы охарактеризовать продукты средств массовой информации, а не произведения искусства, для которых были использованы элементы этой "народной культуры". В любом случае понятие вошло в употребление где-то между зимой 1954-1955 годов и 1957 годом".

Художники поп-арта открыли своеобразную поэтику массовой продукции городской культуры, находя ее в банальных и тривиальных вещах, событиях, жестах, в окружающей и потребительской среде: в голливудских боевиках и популярных "звездах", в газетных и журнальных фото, в рекламе, афишах, плакатах, газетах, в предметах домашнего обихода, комиксах, научной фантастике, бульварной литературе. Во всем, что составляло повседневную среду обитания евро-американского обывателя середины XX века.

Изымая элементы и имиджи массовой культуры из повседневной среды и помещая их в контекст из них же создаваемого художественного пространства, поп-артисты строили свои произведения на основе игры смыслами массовых стереотипов, таких как новые контекстуальные связи, иной масштаб, цвет, иногда деформации в новой семиотической среде. Ранние произведения поп-арта выполнялись в техниках коллажа или традиционной живописи с элементами коллажа.

В дальнейшем используемые материалы и техника создания поп-произведений существенно расширяются и усложняются. В традиционную живопись активно внедряются инородные элементы, такие как обломки гипсовых изображений, предметы повседневной действительности, фотографии, детали машин.

Появляются поп-скульптуры, объекты, ассамбляжи, инсталляции, в которых используются самые различные материалы, в том числе и в большом количестве вещи, бывшие в употреблении, то есть содержимое мусорных ящиков, помоек и свалок. Часто создаются композиции из упаковочного картона, тары потребительских товаров и тому подобных материалов.

Глава 2. Творчество художников "Поп-арта"

2.1 Роберт Раушенберг

Американской художник, создавший в 50-х, отмеченные влиянием дадаизма, коллажи и произведения так называемой "комбинированной живописи ", в которых абстракция объединена с изображением предметов повседневного быта. Благодаря своему стремлению увязать жизнь с искусством Раушенберг стал одним из провозвестников американского поп-арта.

В первой половине 50-х Раушенберг разработал стиль, типичный для направления "поп-арт", используя в качестве художественного материала предметы повседневного быта. В рамках своих произведений "комбинированной живописи" он объединял предметы, хорошо известные американскому обществу из рекламы и средств массовой информации. Это техника коллажа, объединяющая реалистичные объекты и газетные фотографии в абстрактные живописные панно. Одной из наиболее известных картин такого рода (отмеченная влиянием дадаистов Марселя Дюшампа и Курта Швиттерса) была написанная в 1956 "Кровать": на полотне большого формата Раушенберг представил свою кровать вместе с постельными принадлежностями, забрызганную краской и поставленную вертикально, как картина.

В течение 1950-х годов в работах Раушенберга постепенно возрастало количество реальных предметов - газетных фотографий, кусочков ткани, дерева, консервных банок, травы, чучел животных - до тех пор, пока не достигалось ощущений, что холст или вся композиция вот-вот прорвется в какой-то другой мир, странно искаженную реальность. В шестидесятые годы Раушенберг стал устраивать перфомансы, сотрудничать с инженерами и использовать различные печатные материалы; он стремился выразить сложность и многослойность существования современного индустриального общества.

В 1980-е были опубликованы несколько альбомов фотографий Раушенберга, которые явились логическим завершением частого использования фотографического материала в коллажах и воплощением представления автора о мире как о нелепом нагромождении образов.

В 1951 году состоялась первая персональная выставка Раушенберга в галерее Бетти Парсонс, не имевшая успеха у критиков. Впервые Раушенберг заставил заговорить о себе после выставки в нью-йоркской галерее Лео Кастелли (1958). В дальнейшем его творчество оказывало большое влияние на развитие поп-арта.

В конце 50-х появились первые, так называемые, "переводные рисунки": коллажи фото из газет и рекламных плакатов, которые Раушенберг переводил на белый лист в зеркальном отражении.

В замысел Раушенберга входило столкновение известных символов с художественными элементами картин. Раушенберг (считавший себя художником-универсалом) экспериментировал с электроникой ("Черный рынок", 1961) и занимался оформлением представлений совместно с коллегами-художниками. Прорыв на международный уровень произошел в 1964: Раушенберг стал обладателем главного приза на биеннале в Венеции. Правда, такое решение жюри вызвало бурную реакцию -- Ватикан высказался об "упадке культуры"; и все же присуждение первого места представителю поп-арта окончательно утвердило официальное признание этого направления. Это признание выгодно сказалось и на доходах Раушенберга -- цены на его работы подскочили в несколько раз.

Раушенберг раздвинул пространство своих коллажей с помощью включения трехмерных объектов и стал называть их "комбинированными произведениями". Эта революционная техника способствовала развитию современного искусства и способов творческого выражения.

Для коллажа 1964 г. "Ретроактивность 1" Раушенберг использовал фотографии современных событий, опубликованные в многочисленных газетах и журналах. Большая газетная фотография Джона Кеннеди, выступающего на телевизионной пресс-конференции, была положена в основу трафаретного оттиска на холсте. Он наложил образ Кеннеди на шелкографическое изображение астронавта, спускающегося на парашюте.

В 1977 году в "Музее изящных искусств" в Вашингтоне открылась ретроспективная выставка художника, в которой он представил свои самые известные работы, затем последовало турне по США.

В 1980-е годы были опубликованы несколько альбомов фотографий Раушенберга, которые явились логическим завершением частого использования фотографического материала в коллажах и воплощением представления автора о мире как о нелепом нагромождении образов. Начиная с 80-х, его работы уже не таят в себе никаких стилистических неожиданностей. Сегодня 10 картин этого общепризнанного мэтра современного искусства экспонируются в Эрмитаже, будучи подаренными музею самим художником.

"Я не хочу, чтобы картина выглядела как-то неестественно. Я хочу, чтобы изображение предмета соответствовало его содержанию. И, на мой взгляд, картина больше похожа на реальный мир, когда она сделана из объектов реального мира".

2.2 Рой Лихтенштейн

Великий мастер поп-арта, чьи работы, в стиле комиксов, символизировали опошление культуры в современной американской жизни. Используя яркие, "кислотные" цвета и промышленные типографские методы, он иронически соединял объекты и стереотипы "массовой культуры" и близкие ему образцы "высокого" искусства живописи.

В основе его дизайна лежит удивительный контраст - контраст цвета и форм. Как результат - "визуальная провокация". Цвета и элементов оказывается больше, чем "ожидает" увидеть глаз.

Благодаря Лихтенштейну вслед за простыми предметами свою креативную ценность доказали образцы масскульта: журнальная реклама, комиксы и вкладыши для жвачек. Конечно, как настоящий шестидесятник, Лихтенштейн говорил, что он рисует их, чтобы исследовать и разоблачать мифы общества потребления и массовой культуры. И надо согласиться - ему это удалось.

Лихтенштейн писал в стилизованной манере, имитируя технику, применявшуюся при создании потребительской иллюстративной продукции. Вместо оттенков цвета он использовал полиграфический растр, когда две или более точки определенных цветов комбинируются для получения третьего цвета. В результате его работы приобретали неповторимую яркость и эмоциональную выразительность. В начале своей деятельности художник выполнял точки вручную, а затем стал применять трафареты.

"Легкость" произведений Лихтенштейна обманчива. Над каждым из них художник работал долго и кропотливо. Найдя нужный мотив и сделав набросок, он с помощью диапроектора переносил изображение на большой холст и приступал к подготовке шаблонов. Созданная в результате картина во много раз превосходила по размерам оригинал.

Несмотря на то, что многие из его картин являются сравнительно небольшими, методы обработки объекта, применяемые Лихтенштейном,

дают ощущение монументальности изображения кажутся массивными и грандиозными по размеру!

Свою любовь к живописи Рой Лихтенштейн особо выразил в знаменитой серии работ, изображающие мазки кистью. Эти гигантских размеров мазки не нанесены, а именно изображены - опять-таки, с помощью растровой техники.

С одной стороны, таким образом, художник исполнил гимн искусству, с другой - саркастически усмехнулся: до чего же опускаются художники, делая предметом изображения такую безделицу, как простые мазки.

Первичные спектральные цвета - красный, желтый и синий, резко ограниченные черным - стали его фаворитами. Иногда, правда, он использовал и зеленый. Вместо оттенков цвета, он использовал растровую точку, метод, которым изображение и плотность тона, модулируется при типографской печати.

В 1961 он обратился к использованию в картинах комиксов и персонажей мультфильмов, благодаря которым он и создал свой легко узнаваемый стиль и получил всемирную известность. "Последнее Хрю…" (1962, Музей Современного Искусства) было первым впечатляющим примером его новой живописи.

Одной из самых знаменитых его работ является картина "В машине" (1963). На ней художник в точности воспроизводит фрагмент комикса, увеличивает его до невероятных размеров и имитирует точки растра, воссоздавая технику растровой печати массовых газет. Лихтенштейн достигает сильного впечатления благодаря яркому открытому цвету и простоте стиля. Лихтенштейн использовал образы массовой культуры, при этом часто изымал их из контекста и пародировал.

Преувеличивая и упрощая эти образы, он не давал социальный комментарий к сюжету, а лишь стремился показать зрителю эстетические ценности США 60-х годов.

Начиная с 1962, его "мишенью" становились не только комиксы, мультфильмы, афиши и рекламные плакаты, но и произведения великих мастеров. В 1963 году Лихтенштейн перерисовал фрагмент знаменитого произведения Пабло Пикассо "Женщины Алжира", своеобразно, в своем стиле. Свою репрезентацию он шутливо назвал "Женщина Алжира". Глядя на эту "пародию" издалека, думаешь, что это настоящий Пикассо. Но при ближайшем рассмотрении понимаешь, что это ни кто иной как "подлинный Лихтенштейн".

Рой Лихтенштейн - это один из весёлых художников. Художник говорит о любви, человеческих отношениях в шутливой манере, помогает их лучше понять, сделать их более доступными и для людей, не слишком разбирающихся в искусстве. При этом самого себя художник старается не выпячивать, предпочитает оставаться "в тени".

2.3 Энди Уорхол

Энди Уорхол, наверно, является самой известной и противоречивой личностью в искусстве во второй половине двадцатого века. Он был одним из основоположников поп-арта и доказал, что искусство может быть материально прибыльным. На протяжении всей своей жизни он создавал множество историй вокруг своей персоны. Уорхол занимался различными видами искусства, он был и коллекционером, и издателем журнала, и дизайнером, и кинорежиссером, и скульптором, и писателем, а так же художником и продюсером.

Энди Уорхол с детства всем своим юношеским сердцем ненавидел школу. Чтобы как-то осчастливить свой досуг, Энди начал рисовать и делать коллажи. Рылся на помойках, выпрашивал старые номера журналов у продавцов в киосках. В глянцевой макулатуре перед маленьким мальчиком открывался совсем другой, яркий мир, где короли, Микки-Маусы и голливудские звезды. Энди усердно, с воодушевлением искал, вырезал, склеивал, перерисовывал. Бэтмен дружески похлопывал своим широким крылом по худенькому плечу принца Уэльского, Грета Гарбо шла под венец с Микки-Маусом, а из мешка с новогодними подарками выглядывал радостный президент США.

Повзрослевший Уорхол внимательно присматривался к только зарождавшемуся искусству, находя в нем свое, родное, воспоминания детства. Предметом живописного изображения могло стать что угодно: обрезки газет, рекламные плакаты. Уорхол не боялся экспериментировать. Днями и ночами искал новый поворот. Чего только не пробовал: клал свеженарисованные холсты на тротуар, желая запечатлеть следы только что прошедших людей, пробовал новые, неординарные сочетания цветов.

Однажды один из бизнесменов посоветовал изображать купюры долларов. Уорхол последовал совету. И не зря. "Долларовые" картины имели большой коммерческий успех. В своих дневниках Уорхол рассуждал: "Мне нравятся деньги на стенах. Например, вы собираетесь купить картину за 200000 долларов. Я думаю, вам следует взять эти деньги, перевязать их в пачки и повесить на стену. Тогда, если кто-нибудь придет к вам в гости, первое, что он увидит -- деньги на стене".

Славу художника с неординарным видением искусства живописи Энди Уорхол получил сразу же после своего творения, на котором было изображены консервы и банки с напитком кока-кола. Самой известной стала серия картин Энди Уорхола с изображением консервной банки с томатным супом от знаменитого в то время производителя "Кемпбелл".

Художник начал использовать технику шелкографии - это техника повторения одного и того же изображения. Эти повторения стали одним из свойств Уорхола.

Глубокое впечатление произвело на Уорхола самоубийство Мэрилин Монро. Она стала на долгие годы его музой. В различных видах представала она на шелкографиях Уорхола. Под кислотный стиль попали изображения Элвиса Пресли, Лиз Тейлор, Мерлин Монро, Мика Джаггера, а так же множественное количество кока-колы. Все эти люди были кумирами того времени. Этот стиль у него не изменился на протяжении всей его жизни, менялись только сюжеты.

Суть в том, что в итоге получалась картинка, лишь отдаленно напоминающая оригинал, темой которой был не сюжет, а технические способы его передачи. Ощущение, что фотографию вывернули наизнанку. Шелкография часто напоминала плохие газетные репродукции, но, в отличие от них, это не потому, что кто-то делал тяп-ляп. Так было задумано.

Когда Уорхол применял при печати фотографии различной плотности красочного слоя и степени давления, получался то почти стертый оттиск, то исчезали полутона и светотеневые переходы, иногда случались потеки краски, смазывающие форму.

Уорхол придумал не возиться с созданием нового, а заниматься спекуляцией старого: купил фотку какой-нибудь звезды экрана, перерисовал ее сто раз на одном холсте и продал в миллион раз дороже. Растиражированное изображение приобретало вид плоской картинки, выброшенной конвейером массового производства. Этим Уорхол добивался эстетической отстраненности от собственного творчества.

Громкие имена поп-артистов, изображающих предметы массового потребления, оказывали большую услугу продавцам этих самых предметов. Подписанные Уорхолом банки консервов раскупались моментально. Уорхол провозглашал превращение художника в машину по тиражированию поп-арт проектов. "Когда умер Пикассо, я прочел в журнале, что он создал в течение своей жизни четыре тысячи шедевров, и подумал: "Ерунда, я могу создать столько же в один день", -- хвастался Уорхол. Но, оказалось, что одного дня просто не хватало.

После смерти художника его имущество было исследовано и описано. В его тридцати комнатном манхэттенском доме обнаружили около тысяч картин, полторы тысячи рисунков, банковскую книжку на 15 миллионов долларов, мебель "арт-деко", одеяла индейцев навахо, пятьдесят бело-серебряных париков, сорок две подшивки статей об Уорхоле, полный комплект журнала "Интервью", три тысячи часов аудиозаписей бесед Уорхола, его друзей и знакомых. Десятки тысяч фотографий и шестьсот "капсул времени" -- картонных коробок, куда Уорхол складывал всевозможные ненужные вещи, так сказать, для потомков. Банки из-под печенья, набитые сотенными купюрами, -- сейфам Энди не доверял.

Шедевры живописи, стоившие сотни тысяч долларов, валялись вперемешку с хламом из лавок старьевщиков: Уорхол всегда мечтал найти какую-нибудь вещицу за пять баксов, которая со временем будет стоить миллионы. Бешеные деньги он тратил на покупку нужных и ненужных безделушек, олицетворяя принцип: деньги надо вкладывать в вещи. Здесь можно было найти мумифицированную стопу, счета, яблочный огрызок, ковбойские сапоги, письма, книги, банки супа "Кэмпбелл", который художник с удовольствием ел до самого своего конца, -- продукты жизнедеятельности великого Энди.

О самом известном представителе поп-арта критики писали: "Это самый худший, но самый значительный по своему влиянию ныне живущих, художник".

Заключение

Художники поп-арта различны и своеобразны по своему стилю. Например, Рой Лихтенштейн свои рисунки делал похожими на газетную печать. А Энди Уорхол создавал шелкографические серии. Роберт Раушенберг сочетал живописную технику с созданием объектов и инсталляций из самых различных материалов. Какими бы разными ни были работы представителей поп-арта, все они несут определенную общую идею. А именно: донести до людей настоящие масштабы искусства, отвлечь их от классических канонов, расширить мировоззрение.

Поп-арт - направление, обращенное к молодежи, потому в нем отводится основное место броским краскам, смелым сочетаниям, нестандартным, "безбашенным" решениям. Этот стиль подступает для тех, кто готов погрузиться в "пучину" популярного искусства, откинуть все консервативные и традиционные представления и сделать свою жизнь блестящей, броской и лишенной спокойствия.

Стиль поп-арт не капризен - стать оправой для воплощения дизайнерских идей, например, в интерьере, может любая современная отделка. Отделка может быть самой простой и невыразительной, если акцент планируется на мебели или аксессуарах, преимущественно в светлых тонах. А можно и наоборот - доверить стенам, играть главную роль в дизайне. В качестве декора в поп-арте может использоваться практически любой объект, являющийся представителем современного искусства. Рекламные плакаты, афиши, росписи, тканевые натяжные стены и потолки с фотопринтом, коллажи на тему комиксов, звезд 60-х (бесспорный лидер - постеры с Мерлин Монро в интерпретации Энди Уорхола), яркие картины-абстракции и черно-белые фотографии. Главное, чтобы конечный результат получился тёплым, радостным и уютным. Классический интерьер в стиле поп-арт достаточно прост и игрив, он всегда навевает приятные впечатления и приводит каждого человека в хорошее настроение.

Список использованной литературы

1. Быстрова А.Н. Мир культуры (Основы культурологии): Учебное пособие. - М., 2012.

2. Культурология. XX век. Энциклопедия. В 2 кн. - СПб.: Университетская книга.

3. Полищук В.И. Культурология: Учебное пособие.

4. Официальный сайт Энди Уорхола http://warhol.org.ru.

5. Электронная энциклопедия «Википедия».

6. Электронная энциклопедия "Кругосвет".

7. А. Толстой, Галактика поп-арта "Новая юность" 2012.

8. Томкинс К. "Жизнеописания художников".-- М., 2013.

9. Хоннеф, Клаус. Поп-арт. -- Москва: Taschen "Арт-родник", 2012.

10. Маковский С.: Силуэты американских художников. - М.:Республика.

Размещено на Allbest.ru