Кубанский пейзаж

Художественно-исторические основы пейзажной живописи. История русского пейзажа. Особенности, пути, средства пейзажа как жанра. Композиционные особенности и цвет. Оборудование и материалы для масляной живописи как одного из распространенных видов живописи.

Рубрика Культура и искусство
Вид дипломная работа
Язык русский
Дата добавления 14.10.2013
Размер файла 2,0 M

Отправить свою хорошую работу в базу знаний просто. Используйте форму, расположенную ниже

Студенты, аспиранты, молодые ученые, использующие базу знаний в своей учебе и работе, будут вам очень благодарны.

Размещено на http://www.allbest.ru/

МИНИСТЕРСТВО ОБРАЗОВАНИЯ И НАУКИ РОССИЙСКОЙ ФЕДЕРАЦИИ

Федеральное государственное бюджетное образовательное учреждение

Высшего профессионального образования

"КУБАНСКИЙ ГОСУДАРСТВЕННЫЙ УНИВЕРСИТЕТ"

(ФГБОУ ВПО "КубГУ")

ВЫПУСКНАЯ КВАЛИФИКАЦИОННАЯ (ДИПЛОМНАЯ) РАБОТА

Кубанский пейзаж

Работу выполнил Н.С. Токман

Факультет художественно-графический

Специальность 050602 Изобразительное искусство

Научный руководитель

доцент С.В. Лымарь

Нормоконтролер инженер-технолог 1 категории М.Н. Ивашина

Краснодар 2013

Содержание

  • Введение
  • 1. Художественно-исторические основы пейзажной живописи
  • 1.1 История развития пейзажной живописи
  • 1.2 История русского пейзажа
  • 2. Особенности, пути и средства выбранного жанра
  • 2.1 Пейзаж как жанр
  • 2.2 Композиционные особенности
  • 2.3 Цвет в живописи пейзажа
  • 3. Оборудование и материалы для масляной живописи
  • 3.1 Картины маслом или немного о самом популярном виде живописи
  • 4. Ход работы
  • Заключение
  • Список использованных источников
  • Приложение А
  • Приложение Б

Введение

Потребность в создании прекрасного вокруг себя, потребность в творчестве - является одной из важных духовных потребностей человека. Реализовать эту необходимость человеческой души помогает искусство, да к тому же оно настолько многообразно, что позволяет найти каждому что - то свое.

Существует множество различных видов искусства, которые позволяют передать красоту, яркость, гармоничность, реальность окружающего мира. Одним из таких видов является живопись.

Нередко перечисляя жанры искусства пейзаж упоминают на одном из последних мест. Ему придают порой, второстепенную роль по отношению к сюжету картины. Но сегодня такая точка зрения, соответствующая старинным представлениям кажется, по меньшей мере, наивной. В наше время неспокойных раздумий о кризисе во взаимоотношениях человека и природы, поисков путей сближения цивилизации и окружающей среды пейзажное искусство предстает зачастую мудрым учителем. В произведениях минувших эпох, в лучших полотнах современности оно демонстрирует, как входит природа в человеческое сознание, претворяясь в символ, лирическое раздумье или тревожное предупреждение [2, с.30].

Цель дипломной работы - создание творческой работы адекватной заявленной теме.

Задачи дипломной работы: обусловлены поставленной целью и формулируются следующим образом:

1. Охарактеризовать историю развития пейзажной живописи.

2. Определить особенности, пути и средства выбранного жанра.

3. Описать средства выполнения пейзажной живописи.

4. Описать ход работы.

Дипломная работа состоит из четырех глав, введения, заключения, списка использованной литературы и приложения.

Во введении сформулированы цель и задачи работы, изложена её структуpа.

Первая глава - теоретическая. В ней затронуты история развития жанра и выделены наиболее яркие художники, работавшие в жанре масляной живописи.

Во второй главе исследованы особенности, пути и средства выполнения масляной живописи.

В третьей главе описаны средства выполнения масляной живописи: оборудование и материалы для масляной живописи; основные правила работы масляными красками.

В четвертой главе подробно описан ход работы над композицией и выбор темы. Подробно описана последовательность работы над холстом, от его подготовки до завершения работ.

Актуальность настоящего исследования состоит в том, что, масляная живопись тесно связан с многовековой историей мировой художественной культуры. В живописи, как и в других жанрах изобразительного искусства, установились свои традиции, выработались свои каноны.

Пейзаж представляет собой одну из самых эмоциональных областей изобразительного искусства. Своим эстетическим воздействием произведения пейзажной живописи способны духовно обогатить человека. Пейзаж, передающий характер родной природы, в котором выражено эмоциональное отношение к ней художника, является и важным средством воспитания чувства любви к Родине [1, с.101].

1. Художественно-исторические основы пейзажной живописи

1.1 История развития пейзажной живописи

В переводе с французского слово "пейзаж" (paysage) означает "природа". Именно так именуют в изобразительном искусстве жанр, главная задача которого - воспроизведение естественной или измененной человеком природы.

Кроме того, пейзаж - это конкретное художественное произведение в живописи или графике, показывающее зрителю природу. "Героем" такого произведения является естественный или выдуманный автором природный мотив.

Элементы пейзажа можно обнаружить уже в наскальной живописи. В эпоху неолита первобытные мастера схематично изображали на стенах пещер реки или озера, деревья и каменные глыбы, рисунки со сценами охоты и перегона стад.

В качестве самостоятельного жанра пейзаж появился уже в VI веке в китайском искусстве. Картины средневекового Китая очень поэтично передают окружающий мир. Одухотворенная и величественная природа в этих работах, выполненных в основном тушью на шелке, предстает как огромная вселенная, не имеющая границ. Традиции китайской пейзажной живописи оказали большое влияние и на японское искусство

В Европе пейзаж как отдельный жанр появился намного позже, чем в Китае и Японии. В период Средневековья, когда право на существование имели лишь религиозные композиции, пейзаж трактовался живописцами как изображение среды обитания персонажей. [1, с.99].

Человеку всегда было свойственно всматриваться в окружающий его мир прекрасной и великой природы. Живописные произведения помогают увидеть этот мир глазами людей давно ушедших времён. Сегодня само понятие "пейзаж" мы прилагаем ко всякому виду местности, изображённому художником. Но представление о пейзаже как особом живописном жанре появилось всего несколько столетий тому назад.

Рождению пейзажа предшествовало формирование представлений о природе в мифах. Огонь, воздух, вода и земля в древнейших мифологиях основными являются стихиями мироздания.

Жанр пейзажа некоторые ошибочно считают простым, общедоступным, не требующим высокой квалификации. Создание глубокого образа в пейзажной живописи - дело нелёгкое, но дарующее художнику чувство наслаждения картинами природы, мотивами сельского и городского пейзажа [2, с.147].

В памяти человечества созданные художниками пейзажные образы продолжают жить и формируют восприятие окружающего мира. Глазами Клода Лоррена видели красоту природы целые поколения людей, живших в XVIII и XIX вв. - спустя многие десятилетия после его смерти. Левитановскую грусть и сейчас ещё мы находим в русской природе.

Исследователи и знатоки всё время продолжают пополнять сокровищницу пейзажной живописи новыми открытиями и находками, художники пишут новые картины. Но галерея знаменитых пейзажей не так уж велика, и расширяется она не столько за счёт новых прибавлений, сколько благодаря углубляющемуся освоению художественного наследия, которое обретает новую жизнь, когда становится достоянием не отдельных специалистов, а широкой публики. Повышенный интерес художников и зрителей к пейзажному искусству в наши дни отнюдь не случаен. Атмосфера созидания, в которой живёт наш народ, вдохновляет художника. Веками дремавшая природа открывает пытливой мысли человека свои тайны, отдаёт ему свои богатства. Всё это не может не затрагивать воображения художников. Всё это побуждает осмыслить творчески грандиозность происходящих в нашей современности событий.

Пейзаж по своей природе - искусство, в котором наиболее непосредственно сражаются эмоции. В этом смысле пейзаж можно было бы сравнить с музыкой. Цветовые оттенки красочной палитры передают в картине гамму чувств, даже без ясно обозначенного литературного сюжета. Поэтому в пейзаже особенно важна поэтичность восприятия и трактовки природы. Пейзаж несёт в себе чувственное выражение мысли - в этом его сила и действенность [3, с.38].

В XVII в. появилось множество национальных школ, сформировались новые жанры и их разновидности. Это время было весьма удачным для дальнейшего развития пейзажного жанра [4, с. 192].

Образы природы занимают важное место в творчестве голландского художника Питера Брейгеля Старшего. В картинах, посвященных временам года, мастер проникновенно и поэтично показал суровые северные ландшафты. Все пейзажи Брейгеля оживлены фигурами людей, занятых повседневными делами. Они косят траву, жнут рожь, гонят стада, охотятся. Спокойный и неторопливый ритм человеческого быта - это тоже жизнь природы. Своим творчеством Брейгель словно стремится доказать: небо, реки, озера и моря, деревья и растения, животные и человек - все это частицы мироздания, единого и вечного.

На XVII в. приходится необычайный расцвет голландской живописи и всех ее жанров, наиболее распространенным из которых становится пейзажный. [4, с.146]

Голландские пейзажисты смогли запечатлеть на своих полотнах всеобъемлющую картину мира во всех его проявлениях. Произведения таких художников, как X. Аверкамп, Э. ван дер Пул, Я. Порселлис, С. де Влигер, А.Г. Кейп, С. ван Рейсдал и Я. ван Рейсдал, передают гордость человека за свою землю, восхищение красотой моря, родных полей, лесов и каналов. Чувство искренней и безграничной любви к окружающему миру ощущается во всех произведениях голландских пейзажистов.

Каналы с парусными лодками, равнинные ландшафты, мельницы, густые леса, заснеженные селения, городские улицы с каменными домами и площади - все эти приметы говорят зрителю, что перед ним настоящий голландский пейзаж. Для большинства голландских пейзажей характерен приглушенный колорит, состоящий из светло-серебристых, оливково-охристых, коричневатых оттенков, близких к естественным краскам природы. Полные лирического чувства и поэтической прелести картины изображают окружающий мир в разное время года и в различные часы суток, когда низкие облака медленно плывут над землей, окутанной влажной, туманной атмосферой, а солнечные лучи, пробиваясь сквозь тучи, легко ложатся на воду каналов. ветви деревьев, крыши зданий.

Ян ван Гойен, основоположник реалистического пейзажа в голландской живописи, равно как и другой голландский пейзажист, Филипс Конинк, с большой достоверностью показывал вересковые дюны, берега и речные заводи, деревья, ветряные мельницы, болота, каналы, морские просторы.

С тонким лиризмом передает дороги с деревьями по обочинам и аллеи в лесу замечательный художник Мейндерт Хоббема. Главная особенность пейзажей другого голландского мастера, Альберта Кейпа, - соединение пейзажа с анималистическим жанром. Его картины восхищают зрителя своими насыщенными и звучными красками.

Реалистическое искусство Испании, Италии и Франции также сыграло свою роль в развитии пейзажной живописи. В XVII веке в искусстве классицизма сложились принципы создания идеального пейзажа. Классицисты трактовали природу как мир, подчиненный законам разума [5, с. 201].

Французский живописец Никола Пуссен, работавший в Италии, стал создателем героического пейзажа. Картины Пуссена, показывающие грандиозность мироздания, населены мифологическими персонажами, героями, воспитывающими в зрителе возвышенные чувства. Пуссен не делал публику участницей своих картин. Зрители, смотревшие на его пейзажи, должны были довольствоваться ролью созерцателей, наслаждающихся изображением и совершенствующих свой разум.

В рамках классицизма Клод Лоррен разработал концепцию идиллического пейзажа. Его картины проникнуты духом идеальной гармонии. Художник так умело выстраивает планы - памятники античности, древние руины, деревья с густыми кронами, что на полотне остается достаточно места для передачи широких пространств моря, земли и воздушных далей.

Новое отношение к природе появилось в искусстве во второй половине XVIII столетия. В пейзажной живописи эпохи Просвещения не осталось и следа от прежней идиллической условности рокайльного искусства. Художники стремились показать зрителю естественную природу, возводимую в эстетический идеал. Многие живописцы, работавшие в этот период, обращались к античности, видя в ней прообраз свободы личности. Величественные руины Древнего Рима воссоздают картины Юбера Робера. Как и другие пейзажисты своего времени, Робер соединял в своих композициях реальность и вымысел.

Живописный пейзаж неразрывно связан с мифологическими образами, но в нем изначально отражался и эмпирический опыт художника и осознание собственных, независимых от религии, мифологии, идеологии, задач искусства.

1.2 История русского пейзажа

Пейзаж в русской живописи отставал от пейзажа в художественной литературе. Лицо родной природы было угадано уже Пушкиным в "Евгении Онегине" и в его лирике - в картинах русской снежной зимы, одетых в багрец осенних лесов и особенной невзрачной прелести хмурых дней. Мотивы русской природы мы находим у Баратынского, Лермонтова и Тютчева. Гоголь смелой кистью набросал дивную панораму, которая с вышки дома Тентетникова открывалась на окрестные луга, зеленеющие рощи, желтые пески и далекие синеющие как моря леса. "Равнодушно не мог выстоять на балконе никакой гость и посетитель. От изумления у него захватывало в груди дух, и он только выкрикивал: "Господи, как здесь просторно!"

Между тем наши пейзажисты продолжали по старинке воспевать полдневную красоту Италии. В живопись позднее робко проникают русские мотивы: жиденькие ели у Венецианова, спокойная гладь озера у Сороки, русская зима в картине венециановца Н. Крылова. Очарование этих первых русских пейзажей - в целомудренной робости, с которой художники подходили к этой теме, в их любовном стремлении передать со всей достоверностью каждую черточку природы, каждую мельчайшую подробность независимо от устоявшихся формул классических, академических и каких-либо иных.

Развитие русского пейзажа в XIX веке питалось растущей, все более осознанной любовью русских людей к родной земле. Наиболее красноречивое выражение эта любовь нашла себе у наших писателей. Вдали от родины А. Герцен со страстной нежностью вспоминал русские деревни и села, почерневшие бревенчатые избы, свежий запах сена и смолистой хвои, всю прелесть русской природы, нечто мирное, доверчивое, кротко-грустное в ней, как в народной песне. Русские пейзажисты А. Саврасов, Ф. Васильев, И. Шишкин, каждый со своими стремлениями и пристрастиями, немало потрудились над тем, чтобы донести до зрителя черты сельской природы - леса и степи, рек и озер [4, с.97]. Но, поскольку дело не ограничивалось одной точностью передачи ее черт, уже перед ними возникали и более сложные вопросы понимания поэтики пейзажа и его средств выражения. Как ни странно, русские пейзажисты второй половины века лишь в очень незначительной степени опирались на наследие А. Венецианова и его школы. Нельзя сказать, что итальянские пейзажи А. Иванова оставались неизвестны, но прямого воздействия и они на русских пейзажистов того времени не оказали. Русские мастера в большей степени исходили из традиций среднеевропейского пейзажа, в частности Голландии XVII века, с его приглушенными красками, облачным небом, далекими равнинами и прижатыми к земле крестьянскими домиками. Голландские традиции проникали в Россию нередко и через немецких мастеров. Еще И. Крамской в похвалу Ф. Васильеву сравнивает его с А. Ахенбахом, хотя и признает, что русский мастер превзошел немецкого. В. Стасову приходилось призывать русских художников освободиться от влияния А. Калама, так как оно еще давало о себе знать. Все эти мотивы входят и в русский пейзаж XIX века. Он воспринимается живописцами не только как данность природы, но и как выражение человеческой души. В пейзаже человек находит отклик на свое безотчетное стремление вдаль, на поиски лучшего, на тоску по счастью, на влечение к вольной жизни. Наши живописцы, особенно И. Левитан в пространственном строе картин, стремились выразить место человека в мире, его иллюзии и мечты, его надежды и стремления.

В своих ранних произведениях Левитан, особенно в этюдах с натуры, ограничивается уголком, фрагментом, не более того. Над головой человека нередко мало неба, под ногами его много бурой земли. Но если пейзаж пересекает овраг или дорога бежит к горизонту, то при всем ощущении придавленности и тесноты в него входит движение и оно как бы раздвигает рамки картины.

Известная картина И. Левитана "Владимирка" - это и наиболее крупное и зрелое его произведение, образ, в котором путь-дороженька и сопровождающие ее, то отбегающие от нее, то сливающиеся с ней тропиночки как бы призывают нас мысленно в нее войти. Лирическая нотка в этой картине очень сильна. Маленькая, едва заметная фигурка путника и рядом с ней голубец, столбик с образком усиливают впечатление потерянности человека в мире. Зритель мысленно следует за путником, входит в картину, догоняет его, разделяет его путь. На горизонте призывно светится полоска леса с едва заметной белой церковкой. Это движение в глубь картины не могут остановить бегущие ему наперерез редкие мелкие облачка, но они вносят в картину нечто тревожное. Неба в ней больше, чем земли, от этого она легче, воздушнее.

В русских пейзажах конца XIX века нередко дорога или река уходят не прямо в глубь картины, как во "Владимирке", а заворачивают, образуют поворот на первом плане, и благодаря ему зритель более энергично вовлекается в картину и имеет возможность своим взглядом охватить большее пространство в ней. Это можно видеть еще в "Оттепели" Ф. Васильева со следами полозьев на талом снегу. Наглядный пример такого построения пространства - этюд Левитана "Пасмурный день на Волге" (1886). Содержание этого пейзажа определяется не только мотивами, которые в нем воспроизведены, - берег, дорога, озеро, река и т.д., но и тем, как они "прочитываются" глазом зрителя. В этюде Левитана берег реки как бы огибает картину, наш глаз невольно скользит по его краю, мы мысленно входим в нее, и, поскольку край берега уходит к горизонту, мы с одного взгляда охватываем большое пространство, любуемся простором широкой, как озеро, реки и блеском ее водной глади. Нас чарует этот простор, он не подавляет нас своей безмерностью, но радует тем, что заключен в тесное поле картины.

В превосходной акварели В. Сурикова "Енисей" (1914, Москва, частное собрание) представлен величавый поворот реки, нечто похожее на остроуховское "Сиверко". Но ничто не зовет нас "войти" в картину. Пейзаж поднимается, как могучая скала, он складывается из низко нависших облаков, свинцовой глади реки и кусков берега. Акварель В. Сурикова изящна своими переливчатыми серебристо-перламутровыми тонами, но в целом она выглядит, как фрагмент стенной росписи. В ней звучат отголоски исторического эпоса. Еще больше нового в понимании пейзажа у Павла Кузнецова. Хотя в его известной картине "Мираж в степи" (1912) царит ощущение бескрайнего простора, света и воздуха, но в нее уже невозможно войти, она открывается взору человека как прекрасное зрелище. Конечно, помимо непосредственных впечатлений художника на Востоке в этом новом понимании пейзажа сыграл роль и его опыт создания таких картин, как его "Фонтаны". Но особенно существенно то, что вместе с зыбким миражем в пейзаж входит архитектоника. (Образ неба, как у А. Ахматовой "Небывалая осень построила купол высокий".) В живописи это восстанавливало понимание пейзажа как архитектурного подобия всего мира, которое исчезло из искусства после Ренессанса.

2. Особенности, пути и средства выбранного жанра

2.1 Пейзаж как жанр

В переводе с французского слово "пейзаж" (paysage) означает "природа". Именно так именуют в изобразительном искусстве жанр, главная задача которого - воспроизведение естественной или измененной человеком природы. Человек начал изображать природу еще в далекие времена, элементы пейзажа можно обнаружить еще в эпоху неолита, в рельефах и росписях стран Древнего Востока, особенно в искусстве Древнего Египта и Древней Греции. В средние века пейзажными мотивами украшали храмы, дворцы, богатые дома, пейзажи нередко служили средством условных пространственных построений в иконах и больше всего в миниатюрах. В качестве самостоятельного жанра пейзаж появился уже в VI веке в китайском искусстве. Картины средневекового Китая очень поэтично передают окружающий мир. Одухотворенная и величественная природа в этих работах, выполненных в основном тушью на шелке, предстает как огромная вселенная, не имеющая границ. Традиции китайской пейзажной живописи оказали большое влияние и на японское искусство.

В Европе пейзаж как отдельный жанр появился намного позже, чем в Китае и Японии. В период Средневековья, когда право на существование имели лишь религиозные композиции, пейзаж трактовался живописцами как изображение среды обитания персонажей.

Большую роль в формировании пейзажной живописи сыграли европейские миниатюристы. В средневековой Франции при дворах герцогов Бургундских и Беррийских в 1410-х г. работали талантливые иллюстраторы братья Лимбург - создатели очаровательных миниатюр к часослову герцога Беррийского. Эти изящные и красочные рисунки, рассказывающие о временах года и соответствующих им полевых работах и развлечениях, показывают зрителю природные ландшафты, выполненные с мастерской для того времени передачей перспективы. Ярко выраженный интерес к пейзажу заметен в живописи Раннего Возрождения. И хотя художники еще очень неумело передают пространство, загромождая его ландшафтными элементами, не сочетающимися друг с другом по масштабу, многие картины свидетельствуют о стремлении живописцев добиться гармоничного и целостного изображения природы и человека. Таково полотно "Шествие волхвов" (первая половина XV в., Метрополитен-музей, Нью-Йорк) итальянского мастера Стефаноди Джованни по прозвищу Сасетта.

Более важную роль пейзажные мотивы начали играть в эпоху Высокого Возрождения. Многие художники стали внимательно изучать натуру. Отказавшись от привычного построения пространственных планов в виде кулис, нагромождения деталей, несогласованных в масштабе, они обратились к научным разработкам в области линейной перспективы. Теперь пейзаж, представленный как цельная картина, становится важнейшим элементом художественных сюжетов. Так, в алтарных композициях, к которым чаще всего обращались живописцы ландшафт имеет вид сцены с человеческими фигурами на первом плане [6, с.178].

Несмотря на столь явный прогресс, вплоть до XVI столетия художники включали в свои произведения пейзажные детали лишь в качестве фона для религиозной сцены, жанровой композиции или портрета. Ярчайшим примером тому является знаменитый портрет Моны Лизы (ок.1503г., Лувр, Париж), написанный Леонардо да Винчи.

Великий живописец с замечательным мастерством передал на своем полотне неразрывную связь человека и природы, показал гармонию и красоту, которые на протяжении вот уже многих столетий заставляют зрителя в восхищении замирать перед "Джокондой". За спиной молодой женщины открываются безграничные просторы вселенной: горные вершины, леса, реки и моря. Этот величественный ландшафт подтверждает мысль о том, что человеческая личность так же многогранна и сложна, как мир природы.

В создании пейзажного жанра большую роль сыграли мастера венецианской школы. Первым художником, придававшем пейзажу огромное значение, стал Джорджоне, работавший в начале XVI столетия. Природа является главным персонажем его картины "Гроза" (ок.1506-1507гг., Галерея Академии, Венеция). Пейзаж на этом полотне - уже не столько среда, в которой живет человек, сколько носитель чувств и настроений. "Гроза" предлагает зрителю погрузиться в мир природы, внимательно прислушаться к его голосам. На первый план в картине выходит эмоциональное начало, призывающее к созерцанию, проникновению в поэтический мир, созданный мастером. Огромное впечатление производит колорит картины: глубокие, приглушенные краски зелени и земли, свинцово-синие оттенки неба и воды и золотисто-розовые тона городских сооружений [3, с.105].

В других картинах Джорджоне пейзаж играет не менее важную роль. Идея единения человека и природы нашла отражение в таких работах мастера, как "Три философа" (1507-1508гг., Музей истории искусства, Вена) и "Спящая Венера" (1508 гг., Картинная галерея, Дрезден). В последней композиции спящая молодая женщина как будто олицетворяет восхитительную итальянскую природу, пронизанную горячим южным солнцем.

Джорджоне оказал значительное влияние на Тициана, позднее возглавившего венецианскую школу. Тициан сыграл большую роль в формировании всех жанров европейской пейзажной живописи. Знаменитый художник не оставил без внимания и пейзаж. На многих его полотнах предстают величественные образы природы. Восхитительны тенистые рощи, в которых мощные деревья заслоняют путника от палящих солнечных лучей. Среди густой травы видны фигуры пастухов, домашних животных и диких зверей. Деревья и растения, люди и животные - дети единого мира природы, прекрасного и величественного. Уже в раннем полотне Тициана "Бегство в Египет" (Эрмитаж, Санкт - Петербург) изображение природы на заднем плане затмевает печальную сцену бегства Святого семейства в Египет.

Традиции венецианской школы нашли отражение в живописи испанского художника Эль Греко. Грек по происхождению (настоящее имя - Доменикос Теогокопулос), он оставил свою родину, Кипр, и уехал в Венецию, а затем поселился в Испании. Среди самых известных картин мастера - пейзаж "Вид Толедо" (1610-1614 гг., Метрополитен-Музей, Нью-Йорк). Эль Греко очень эмоционально и живо передает природу в момент грозы. По небу несутся свинцовые тучи, освещаемые вспышками молний. Застывший серебристо-серый город с домами, башнями, церквями кажется в таинственном фосфорическом свете сказочным видением. Напряженный драматизм, пронизывающий полотно, помогает художнику донести до зрителя свою идею о противоборстве земных и небесных сил [13, с.180].

В Северной Европе в XVI в. пейзаж также завоевал в живописи прочные позиции.

Образы природы занимают важное место в творчестве голландского художника Питера Брейгеля Старшего. В картинах, посвященных временам года, мастер проникновенно и поэтично показал суровые северные ландшафты. Все пейзажи Брейгеля оживлены фигурами людей, занятых повседневными делами. Они косят траву, жнут рожь, гонят стада, охотятся. Спокойный и неторопливый ритм человеческого быта - это тоже жизнь природы. Своим творчеством Брейгель словно стремится доказать: небо, реки, озера и моря, деревья и растения, животные и человек - все это частицы мироздания, единого и вечного.

В XVIII в. дальнейшее развитие пейзажная живопись получила и в искусстве Франции. Антуан Ватто, которого называли "живописцем галантных праздников", писал мечтательные сцены на фоне чудесных парков. Его пейзажи, выполненные нежными и трепетными красками, очень эмоциональны, они передают разнообразные оттенки настроения ("Паломничество на остров Киферу", 1717г., Лувр, Париж).

Ярким представителем искусства рококо был французский художник Франсуа Буше, создававший пейзажи, полные чувственного очарования. Словно сотканные из голубых, розовых, серебристых оттенков, они кажутся восхитительными волшебными грезами ("Пейзаж в окрестностях Бовэ", Эрмитаж, Санкт-Петербург). У Буше учился другой французский художник, работавший в стиле рококо, - Жан Оноре Фрагонар, чьи красочные пейзажи, пронизанные воздухом и светом, передают свежесть воздуха, тепло солнечных лучей, трепетное движение листвы на деревьях ("Сады виллы д'Эсте", собрание Уоллес, Лондон) [22, с.250].

В XX в. к пейзажному жанру обращались представители самых различных художественных направлений. Яркие, напряженно звучные картины природы создавали фовисты: Анри Матисс, Андре Дерен, Альбер Марке, Морис Вламинк, Рауль Дюфи и др.

Кубисты (Пабло Пикассо, Жорж Брак, Робер Делоне и др.) выполняли свои пейзажи с помощью расчлененных геометрических форм. Пейзажный жанр интересовал художников-сюрреалистов (Сальвадор Дали) и абстракционистов (Василий Кандинский, Хелен Франкенталер), писавших декоративные композиции, в которых главное - впечатление непосредственной импровизации в передаче образов природы.

Признанными мастерами пейзажной живописи в XX в. оставались и представители реалистических направлений (Рокуэлл Кент, Джордж Уэсли Беллоуз, Ренато Гуттузо).

Особое место занимает пейзаж в русской живописи. Впервые пейзажные мотивы, переданные схематично, появились в древнерусской иконописи. Фигуры Христа, Богородицы, святых и ангелов на старинных иконах изображались на фоне условного пейзажа, где невысокие холмы обозначали скалистую местность, редкие деревца, породу которых невозможно определить, символизировали лес, а здания, лишенные иллюзорных объемов, представляли собой храмы и палаты [16, с. 20].

Первые пейзажа, появившиеся в России в XVIII веке являли собой топографические виды великолепных дворцов и парков. Во времена Екатерины Петровны был издан атлас гравюр с видами Петербурга и его окрестностей, выполненный по рисункам М.И. Махаева. Но только с появлением произведений Обмена Федоровича Щедрина можно говорить о том, что пейзаж как отдельный жанр сформировался в русской живописи. Свою лепту в развитие пейзажа внесли современники Щедрина - М.Л. Иванов и Ф.Л. Алексеев. Живопись Алексеева оказала влияние на молодых художников - М.П. Воробьева, С.Ф. Галактионова, А.Е. Мартынова, посвятивших свое искусство Петербургу: его дворцам. набережным, каналам, паркам [7, с.56].

МЛ. Воробьев воспитал целую плеяду замечательных пейзажистов. В их число входили братья Г.Х. и H. T. Чернецовы. К.Л. Рабус и др. Ряд чудесных литографических акварельных пейзажей с видами окрестностей Петербурга выполнил А.Л. Брюллов, брат знаменитого К.Л. Брюллова, позднее ставший архитектором. Но произведения этих мастеров тускнеют рядом с картинами Сильвестра Феодосиевича Щедрина, запечатлевшего на своих полотнах яркую красоту итальянской природы.

К середине XIX века в русской пейзажной живописи сформировались определенные принципы эстетического восприятия природы и приемы ее отображения [19, с. 198].

От школы Воробьева идут романтические традиции, воспринятые его учениками. Среди них - рано умерший М.Л. Лебедев. Л.Ф. Лагорно и И.К. Айвазовский. главной темой искусства которого было море. Особое место в русской живописи занимает творчество А.К. Саврасова, ставшего основоположником национального лирического пейзажа. Саврасов оказал воздействие на своего ученика и друга - пейзажиста Л.Л. Каменева.

2.2 Композиционные особенности

Создание произведения искусства представляет собой сложнейшее явление, в котором содержание и форма приведены к единству. В результате завершения творческого процесса содержание целиком переходит в форму. Анализ этого перехода, совершаемого через ряд периодов творческого процесса, - важнейшая задача теории искусства. С этой целью приходится расчленять художественное произведение на части или элементы, не забывая о том, что это возможно сделать только теоретически [8, с.222].

Через композицию художник выражает то, что его волнует, интересует. Поэтому композицию можно считать средоточием и вместе с тем началом творческого процесса.

Работа над композицией начинается с набросков, зарисовок, этюдов, эскизов, т.е. сбора материала. В них отражаются все наблюдения и впечатления. Выполняются линейные эскизы композиции, эскизы в цвете. В натуре сравниваются самые крайние по контрасту зрительные впечатления. В первую очередь определяются отношения первого плана к дальнему. В этюдах малых размеров сама по себе устраняется дробность восприятия деталей. В них не "списываешь" натуру в упор, а строишь большие цветовые отношения. Выбирается самый интересный мотив среди множества других. Производится композиционный поиск: определяется размер этюда, уточняется формат, выбирается колорит картины.

Работа над картиной - это стремление выразить виденное за прошедшую жизнь, всё обретённое в художнической практике. Когда иду на этюды, ищу мотив, который соответствует моему настроению, но не просто смотрю перед собой, а хочу запомнить всё вокруг. Если даже найденный мотив целиком отвечает моему состоянию, уже работая над ним, я как бы пытаюсь запечатлеть всё, что находится и рядом и вдали. Пытаюсь изобразить не просто конкретный уголок природы, но передать ощущение того мира, который меня окружает. Ведь всё кругом движется, дышит, одним словом - всё необыкновенно! [1, с.38]. Произведения живописи создаются на основе социального и профессионального опыта: образного мышления, воображения, наблюдательности, умения живописными средствами правдиво воспроизводить натуру, передавать её конструктивные, объёмные, материальные, пространственные, тонально-колористические качества. Без единства этих составных элементов творческого процесса и профессионального мастерства полноценные художественные произведения живописи создать невозможно.

Содержание пейзажа, жизненность его мотива неотъемлемы от композиции, художественно-цельного видения всей натуры, отбора главного, как в композиционно-пластическом отношении, так и в колорите. Поэтому работа над длительным этюдом начинается с поисков композиции сюжета, с наличием переднего, среднего и дальнего планов. В этот момент имеет значение выбор точки зрения и определение формата листа бумаги или холста. Необходимо отчётливо представить себе расположение предметов и объектов на плоскости изображения. Отходя дальше или приближаясь к пейзажному объекту, можно найти такую точку зрения, которая будет лучше всего раскрывать особенности выбранного места. Составление композиции пейзажа с натуры имеет некоторую аналогию с выбором предметов для постановки натюрморта. Определяя формат изобразительной плоскости и масштаб изображения даже в наброске, надо уметь продуманно вписывать в лист объекты пейзажа, представляя на чистом листе бумаги будущее изображение. В выборе пейзажного мотива проявляется вкус, художественное и композиционное чутьё. От удачного выбора точки зрения на выбранный мотив пейзажа во многом зависит выразительность композиции.

2.3 Цвет в живописи пейзажа

Наиболее важная задача в пейзаже это передача состояния освещенности в различную погоду, время дня. На профессиональном языке это называется передать общее тоновое и цветовое состояние. Цветовой строй любого этюда не должен соответствовать только лишь тональным и цветовым отношениям предметных цветов. Цветовые различия этюда обязательно должны быть построены с учётом состояния освещённости натуры [1, с.110].

Общее тоновое и цветовое состояние природы - это результат воздействия силы общего освещения, которое подчиняет себе цвета предметов: они изменяются и по светлоте, и по насыщенности. В серый день цвет травы выглядит более плотным (тёмным) и малонасыщенным, чем в солнечную погоду. В сумерки все предметы темнеют, ослабевают по насыщенности красные, оранжевые и жёлтые цвета, более интенсивными становятся голубые и зелёные. Нельзя писать пейзаж, не учитывая этих состояний. Этюды, написанные в различное время дня или в различную погоду, должны отличаться друг от друга по общему тону и цвету, как отличаются в эти моменты состояния освещённости природы.

"В пейзаже, - говорил Р. Фальк, - основное - цветовое состояние воздушной среды, в которую погружён пейзаж. Пейзаж погружён в небо, как в воздушную ванну. Всё, что происходит в небе, малейшие колебания свето-цвета неба отражаются на погружённом в нём пейзаже" [1, с.110].

Чтобы передать состояние повышенной или пониженной освещённости пейзажного мотива, художнику не всегда приходится пользоваться полным Диапазоном светлых, ярких и тёмных красок. Перед началом работы живописец устанавливает, какой силы света и цвета будут на этюде самые светлые самые интенсивные части натуры. На данной работе передано состояние пасмурного Дня, для которого цветовые отношения построены более плотными и малонасыщенными красками. Таким образом выдерживается тональный и Цветовой масштаб.

В природе всегда существует зависимость между спектральным составом освещения и колористическим состоянием натуры. Цвет общего освещения меняет состав отражённого от предметов излучения. Утреннее солнце придаёт всем предметам и объектам пейзажа заметный жёлто-розовый оттенок, дневное солнце - золотистый, вечернее - оранжевый или красный. Свет луны меняет цвета предметов в сторону сине-зелёных. Электрический свет придаёт предметам светло-жёлтый оттенок, свеча - оранжевую окраску. Так при меняющихся условиях освещения предметный цвет находится под влиянием источника освещения [1, с.111].

Собственный цвет предмета наиболее выражен при рассеянном свете неба, покрытого сплошной пеленой облаков. Мягкий ровный свет серого дня позволяет определить характер и особенности собственного цвета предметов. Если солнечное, лунное или искусственное освещение создаёт определённую гамму родственных цветов, то в светлый облачный день больше проявляются цветовые отношения собственного цвета предмета. При этом он наиболее заметен на освещенных поверхностях, а в теневых частях затемнён и подвержен влиянием рефлексов от соседних предметов или объектов [1, с.112].

В серые дни рассеянное освещение, благодаря наличию множества отражений и бликов, лишает предметы той контрастности светотени, которую они имеют при направленном свете, и создаёт пространственную среду с мягкими очертаниями и слабыми тенями. На данном пейзажном этюде отношения света и тени сближены, насыщенность цвета освещённых поверхностей несколько увеличивается, объём предметов при рассеянном освещении выражен слабо, общий тон значительно темнее. Серый, серебристый тон неба сообщает цвет всей картины.

3. Оборудование и материалы для масляной живописи

Масляная живопись в большей степени, чем какая-либо другая техника живописи, позволяет достичь на плоскости зрительной иллюзии объёма и пространства, богатых цветовых эффектов и глубины тона, выразительности и динамики письма. Технические приёмы масляной живописи разнообразны. Мазки могут быть кроющими (непрозрачными) и лессировочными (прозрачными), корпусными (плотными) и фактурными (рельефными), тонкими и гладкими. Масляная живопись до начала 19 века была построена на многослойном (многократном) нанесении красок с примесью лаков и последующей лакировке поверхности картины. С начала 19 века для масляной живописи главным образом характерна манера наложения красок алла прима по чистому грунту или тонко нанесённому цветовому или тональному подмалёвку; лаки применяются реже.

Отдельные письменные сведения о масляной живописи встречаются в античных и средневековых манускриптах. В 1-й трети 15 века получает распространение станковая масляная живопись после усовершенствования её Я. ван Эйком. С 16 века масляная живопись является ведущей техникой в живописи.

Чтобы писать масляными красками на холсте, дереве, картоне или другом каком-либо основании, на него сначала наносят грунт, чтобы воспрепятствовать вытеканию масла из красок, обеспечить лучшее сцепление красочного слоя с поверхностью холста и придать основанию определенную фактуру и цвет.

Наиболее популярными являются акриловые грунты как наиболее простые в применении и легкодоступные. Акриловый грунт наносится в 4-5 тонких слоев на растянутый холст или другую поверхность и полностью высыхает в течение одного дня. Акриловый грунт легко окрашивается в любой цвет с помощью добавления к нему акриловых красок или сухих пигментов. Чтобы воспрепятствовать впитыванию масла в грунт, его покрывают тонким слоем льняного масла или специально предназначенным для этого клеем. От качества грунта напрямую зависят яркость красок и долговечность работы.

Для письма масляными красками наиболее популярны кисточки из свиной щетины, использующиеся для грубой работы, и красный соболь для тонких деталей. Но рисовать можно не только кисточками. Например, можно рисовать мастихином, губкой или тряпкой - всем, кроме пальцев, так как многие пигменты токсичны и легко проникают сквозь кожу. Синтетические кисточки для рисования маслом практически не пригодны, они легко портятся под воздействием лаков и растворителей и удерживают мало краски. Хорошая синтетика, близкая по качеству к натуральному волосу, зачастую намного его дороже. Важно отметить, что для живописи качество кисточек важнее качества красок (субъективное мнение).

Краски смешивают на палитре мастихином (специальный "нож" или "мастерок"). Мастихины делают из нержавеющего металла или пластика. Металлические мастихины более надежны и удобны, но могут изменить цвет некоторых пигментов или послужить катализатором для реакции некоторых пигментов в краске. В случае подобного риска обычно используют пластиковый мастихин. Чтобы избежать химических реакций пигментов и сохранить яркость красок, не следует смешивать более трех пигментов сразу к оттенку надо идти кратчайшим путем.

Палитрой может служить деревянная дощечка, вощеная бумага, керамическая плитка или кусок стекла. Лучше использовать стекло, так как оно не впитывает масло, не реагирует с пигментами, легко очищается скребком и, под него можно подложить бумагу такого же цвета что и грунт, что существенно облегчает подбор и смешивание цветов.

Чтобы разбавить краску или сполоснуть кисточку, используют терпентин (пинен) или любой другой растворитель - достаточно чистый, чтобы полностью испариться, не оставляя жирных пятен или других загрязнителей, способных испортить краску. Сильно разбавлять краску нельзя, так как она может не прилипнуть к предыдущему слою, если в ней не содержится достаточно масла. Минеральные растворители могут способствовать выцветанию краски. В верхних слоях картины для разжижения краски лучше использовать небольшое количество льняного масла.

Растворитель для мытья кисточки не выливают, а держат в специальной баночке с двойным дном - второе дно с отверстиями. Пигменты постепенно оседают на дно сквозь отверстия, и растворитель можно использовать снова, не боясь побеспокоить осевшую на дно грязь. Кисточку перед мытьем тщательно вытирают тряпкой. После мытья растворителем кисточки моют теплой водой с шампунем и тщательно вытирают, перед тем как убрать. Хранить кисточки следует ставя вертикально в стакане, головой вверх, чтобы они быстрее высыхали и не теряли форму.

Для придания масляным краскам блеска к ним подмешивают специальные лаки и смолы, например даммарную смолу, растворенную во французском терпентине с добавлением сгущенного на солнце льняного масла. Краски могут потрескаться от избытка лака, поэтому лаков и смол не рекомендуется добавлять более десяти процентов от объема краски.

В современные краски так же часто добавляют вещества ускоряющие высыхание, так называемые сиккативы. Быстро сохнущие краски очень удобны, но могут потрескаться через несколько лет, когда краска полностью высохнет.

Картины масляными красками чаще всего пишут, устанавливая холст на мольберте. Мольберты бывают стационарные и переносные. И те, и другие делаются из дерева, металла или пластика. Наиболее популярны деревянные мольберты, так как они устойчивее алюминиевых и пластиковых мольбертов и в то же время существенно легче стальных.

Законченную полностью высохшую картину часто покрывают лаком, чтобы выровнять тон и защитить картину от разрушения. Один из наиболее популярных лаков - Масляная живопись.

Разновидность живописной техники, основанная на применении растительного масла (отбеленного льняного, орехового, подсолнечного) в качестве основного связующего вещества, а также на определенных приемах работы с красками. Для масляной живописи используются множество разновидностей основы (холст, картон, дерево, металл), многочисленные виды грунта, разнообразные сорта кистей. Красочный слой может быть тонким и густым, пастозным, прозрачным и плотным, блестящим и матовым, светлым и очень темным, глубоким по тону.

Наряду с многослойной живописью (с подмалевком и лессировками) возможна живопись по сырому. В отличие от клеевой живописи, в особенности от гуаши, цвет масляной краски остается после высыхания неизменным. Масляная живопись может использоваться не только для станковых картин, но и для исполнения панно, а также росписей на известковой штукатурке (хотя их стойкость ниже, чем у фрески).

Масляной живописи свойственны особые возможности непосредственного выражения авторского замысла, настроения, внутренних импульсов; она позволяет создавать самые богатые и тонкие варианты колорита, иллюзию пространства и объема на плоскости. Масляной живописи присущи гибкость, податливость материала и сравнительная прочность красочного слоя, вместе с тем склонность со временем к почернению, пожелтению и растрескиванию (кракелюр). При длительной работе масляная живопись предъявляет сложные технологические требования.

Известная в античном и средневековом искусстве масляная живопись широкое распространение получила только с кон. XIV - нач. XV в. особенно после усовершенствования ее Яном ван Эйком.

Масляная живопись - техника, в которой работает подавляющее большинство художников с XVI в. (в России - с XVIII в.). До XIX в. было принято многослойное письмо с систематическим употреблением разжижающих краску лаков и заключительной лакировкой картин. С XIX в. распространяется однослойная живопись - письмо алла прима по грунту или по легкому подмалевку.

Возможность изображать явления жизни с исключительной полнотой и выражать наиболее непосредственно духовные побуждения автора обусловила широчайшее распространение масляной живописи в современном искусстве.

3.1 Картины маслом или немного о самом популярном виде живописи

Масляная живопись - это один из самых распространенных видов живописи на сегодня. Широкую популярность она получила в средние века благодаря нидерландскому художнику Яну ван Эйку. Некоторые исследователи его творчества считают, что именно он и был основоположником такого понятия, как техника масляной живописи. Вообще нидерландская живопись - это, прежде всего, картины маслом - цветы, портреты, пейзажи. Большинство картин на выставках - это масляная живопись или копии картин маслом. Во многих музеях проводится реставрация масляной живописи известных авторов, а "картины маслом продажа" - это словосочетание очень часто вводят в строку поисковых систем в Интернете. Заказ картины маслом можно произвести в любой художественной мастерской, а стоимость картин маслом - весьма доступна.

Как понятно из названия, живопись маслом - это рисование масляными красками, которые состоят из высыхающего масла (чаще всего льняного, масла мака или грецкого ореха) и сухого пигмента. Пигменты в масляных красках бывают лессирующие (прозрачные) - они создают ощущение глубины на рисунке, и укрывистые (покрывные, непрозрачные). Лучшие краски составляются по условной формуле "1 краска = 1 пигмент в максимальной концентрации", но часто мастера для получения нужного оттенка смешивают краску из нескольких пигментов на палитре. Особенно часто такой прием используется, если выполняются картины цветов маслом либо пейзажи.

Что касается собственно самого масла - то чаще всего пользуются льняным маслом холодного отжима, оно золотистого цвета и не имеет запаха. Для белого пигмента часто используют абсолютно прозрачное маковое масло. После нанесения на картину масляная краска за несколько дней подсыхает и превращается в прозрачную водостойкую пленку, очень, однако, хрупкую, трескающуюся при малейшем изгибе. Процесс окончательного засыхания масляной краски длится около 2-3 лет, причем наблюдается одна интересная деталь - картина в это время существенно прибавляет в весе, а затем снова становится легче.

Льняное масло желтеет при отсутствии света, поэтому после долгого хранения картины в шкафу или в запасниках музея для возвращения ей первоначального вида её нужно выставить на яркий солнечный свет на несколько дней.

Чаще всего масляными красками рисуют на холсте - льняном или хлопковом или на деревянной дощечке, а живопись маслом для начинающих это рисование на картоне. В любом случае, если говорят "картина-холст-масло", то подразумевают, что сначала на основание (холст или другой материал) наносят грунт - он препятствует растеканию масляной краски по картине. Но все же основной материал тут - холст, и купить картину маслом на холсте - это более престижно, чем просто купить картину маслом.

Писать картины маслом нужно на мольбертах - стационарных или небольших переносных, деревянных, пластиковых или металлических. Наибольшей популярностью пользуются, конечно, деревянные мольберты - они более устойчивы и легче мольбертов из других материалов. Что касается кисточек для масляной живописи - то для грубых мазков используют кисточки их свиной щетины, а для тонкой работы - кисточки из красного соболя, впрочем, рисовать можно и чем угодно - специальной лопаткой мастихином, губкой, лоскутом ткани, особенно, если это живопись маслом - цветы, так очень удобно вырисовывать лепестки и листья. Используется всё, кроме пальцев - ведь большинство применяемых в масляных красках пигментов токсичны.

Масляные краски перед нанесением на полотно смешивают мастихином на палитре - деревянной дощечке, вощеной бумаге, керамической плитке или стекле. В последнее время современная живопись масляными красками предусматривает использование палитры из пластика или оргстекла. Картины маслом всегда блестят. Это предусматривает техника живописи маслом, ведь в процессе работы к краскам подмешивают специальные смолы и лаки. Один из самых старых рецептов - в терпентине растворяют даммарную смолу и немного льняного масла, сгущенного на солнечном свету. Вот только от избытка лака слои краски могут потрескаться, поэтому смолы или лака нужно добавлять не более одной десятой части от общего объема краски. После окончания работы картины, написанные маслом, покрывают лаком, например, кетоновым, для того, чтобы выровнять тон и защитить картину от различного рода повреждения её поверхности.

Современные картины, нарисованные маслом, выполняются с добавлением сиккативов - веществ, ускоряющих высыхание краски. Быстрое высыхание картины, безусловно, удобно, однако существует большая опасность растрескивания слоев краски через несколько лет.

кубанский пейзаж живопись масляная

4. Ход работы

Приступая к работе над дипломом, первым шагом было определиться с тематикой.

Для этого я провела обширную подготовительную работу - выезды за город, сбор материала, работа не пленэре. Я решила остановиться на теме речного пейзажа, так рядом протекает река Кубань с ее живописными берегами. Под влиянием этой красоты начался поиск сюжета. Выбор живописного материала не вызвал трудностей. Сразу было решено писать маслом, можно в полной мере попрактиковаться в технике; оставляет простор для творческой реализации в живописной манере.


Подобные документы

  • История развития техники масляной живописи за рубежом и в России с XVIII в. Этапы развития пейзажа как жанра изобразительного искусства. Современное состояние масляной живописи в Башкортостане. Технология выполнения пейзажей приемами масляной живописи.

    дипломная работа [492,1 K], добавлен 05.09.2015

  • Пейзаж как самостоятельный жанр изобразительного искусства. История русской пейзажной живописи. Этюдная живопись на пленэре. Целенаправленный выбор пленэрного мотива. Пластическое решение замысла, сбор материала. Выполнение картона, подготовка холста.

    дипломная работа [3,3 M], добавлен 13.05.2015

  • История китайской живописи. Особенности одного из периодов расцвета китайской живописи – Сун. Появление пейзажа в китайском искусстве. Особенности традиционной китайской живописи. Достижения "Большой четверки", обогатившей живопись времен Южной Сун.

    контрольная работа [61,7 K], добавлен 14.01.2012

  • История возникновения масляной пейзажной живописи. Пейзаж Белоруссии конца XIX, XX веков. Концепция и композиционно-колористическое решение пейзажа "Осень". Работа кружка "Юный художник" для детей-школьников в системе детских внешкольных учреждений.

    дипломная работа [28,1 K], добавлен 07.03.2008

  • История развития натюрморта, знаменитые живописцы. Модель выполнения, изображаемые объекты, композиционные особенности жанра. Цвет, средства, приемы и технология масляной живописи. Основные правила работы красками. Выбор темы, работа с холстом и картоном.

    дипломная работа [4,8 M], добавлен 21.01.2016

  • Понятие и специфика реалистической пейзажной живописи пятидесятых годов, ее отличительные особенности от прежней живописи перспективной и романтического пейзажа. Тематика и основные идеи пейзажей А.К. Саврасова в первой половине и середине 1850-х годов.

    контрольная работа [20,2 K], добавлен 11.09.2015

  • Общая характеристика, классификация и виды пейзажа как одного из актуальных жанров видов искусства. Выявление особенностей, взаимосвязей пейзажного жанра в живописи, фотографии, кино и телевидении. История появления фотоискусства на рубеже ХIХ-ХХ веков.

    реферат [44,4 K], добавлен 26.01.2014

Работы в архивах красиво оформлены согласно требованиям ВУЗов и содержат рисунки, диаграммы, формулы и т.д.
PPT, PPTX и PDF-файлы представлены только в архивах.
Рекомендуем скачать работу.