Русская живопись второй половины XVIII - первой половины XIX веков

Смерть настигла художника во время его второй поездки в Италию. Последние годы многое не ладилось у прославленного живописца. Начался творческий спад. Незадолго до смерти его жизнь омрачило трагическое событие: по свидетельству современников, художник был ложно обвинен в убийстве и боялся выходить из дома. Даже женитьба на своей воспитаннице-итальянке не скрасила его последних дней.

Мало кто оплакивал русского живописца, умершего на чужбине. Среди немногих, по-настоящему понимавших, какого мастера потеряла отечественная культура, был художник Александр Иванов, находившийся в ту пору в Италии. В те печальные дни он писал: Кипренский "первый вынес имя русское в известность в Европе" Советский энциклопедический словарь. Составители: А.М.Порохов, М.С.Гиляров, Е.М.Жуков. М., 1980 г..

2.2 В.А. Тропинин

Москве, на углу Волхонки и самой короткой улицы города -- Ленивки, всего в трех минутах ходьбы от Кремля стоит трехэтажный дом, построенный в начале XIX в. Мемориальная доска на его стене гласит, что с 1824 по 1856 г. здесь жил художник Тропинин. Василий Андреевич снимал небольшую квартиру на втором этаже. Просторный зал и примыкающая к нему комната выходили окнами на Кремль...

Василий Андреевич Тропинин родился в 1776 г. в семье крепостного. От графа Миниха, в качестве приданого его дочери, он перешел в собственность графа Моркова, сподвижника Суворова. В то время каждый мало-мальски "просвещенный" в искусствах помещик стремился иметь собственного крепостного живописца. Хороший крепостной художник был таким же предметом гордости, как отличная охотничья гончая или породистый скакун. Правда, очень редко из доморощенных крепостных вырастали большие мастера, такие, например, как Рокотов. Их имена сохранила история: целая семья художественно одаренных крепостных -- Аргуновых -- принадлежала графам Шереметевым, среди них два выдающихся живописца XVIII в. -- Иван и Николай Аргуновы. Современником Тропинина был другой талантливый крепостной художник -- ученик Венецианова Григорий Сорока.

Художественное дарование Тропинина проявилось рано, и его отец просил графа отдать сына в ученики к живописцу. Но храбрый суворовский вояка мало что смыслил в живописи и послал своего крепостного учиться в Петербург... кондитерскому делу.

Однако тяга к рисованию у Тропинина была так велика, а успехи столь заметны, что Морков в конце концов решился отпустить юношу учиться в Академию художеств. Поскольку академический устав не предусматривал приема крепостных, Тропинин в 1799 г. был определен "посторонним учеником", т. е. не за казенный счет. Первая же выставка, в которой участвовал молодой художник, привлекла внимание публики к его работам. Но это лишь навредило Тропинину. Морков испугался, что может потерять своего крепостного, и забрал его из Академии, не дав закончить учебу.

В барском доме художник между занятиями живописью исполнял роль кондитера и лакея. Во время обеда ему полагалось стоять позади своего господина с салфеткой и подносом. Однажды, дело было в 1815 г., к Моркову приехал в гости некий ученый-француз. Хозяин решил похвалиться и показал ему картины своего крепостного. Француз, пораженный мастерством живописца, долго пожимал ему руку и хвалил его работы. Когда же пришло время обеда, и Тропинин появился у стола в качестве лакея, француз по простоте душевной схватил пустой стул и принялся усаживать художника за графский стол, чем очень сконфузил всех присутствующих. После этого случая художник был освобожден от унизительной обязанности прислуживать за столом.

Лишь в 1823 г., в сорок семь лет, будучи уже прославленным живописцем, Василий Андреевич освободился от крепостной неволи. Правда, сыну художника граф вольную так и не дал. В том же году Тропинин получил от Академии звание "назначенного", т. е. кандидата в академики. Основанием для этого послужили три картины, представленные на высокий академический суд. Одна из них -- "Кружевница" -- входит в сокровищницу Третьяковской галереи.

Миловидная девушка изображена Тропининым за работой. Прелестная головка склонилась над рукоделием. Грациозным жестом кружевница держит в тонких пальчиках коклюшки для плетения кружев. Словно на мгновенье отвлекшись от своего занятия, она бросает на зрителя быстрый и чуть кокетливый взгляд. Ее лицо озарено приветливой улыбкой. Художник придал облику девушки столько очарования и женственности! Может быть, глядя именно на этот портрет, Брюллов сказал о Тропинине: "Если бы он был за границею, то был бы первым портретистом".

Одна из лучших работ Тропинина -- портрет сына. Надо сказать, что одним из "открытий" русского искусства XIX в. был детский портрет. В средние века на ребенка смотрели как на маленького взрослого, который еще не вырос. Детей даже одевали в наряды, ничем не отличавшиеся от взрослых: в середине XVIII в. девочки носили тесные корсеты и широкие юбки с фижмами. Только в начале XIX в. в ребенке увидели ребенка. Одними из первых это сделали художники. В портрете Тропинина много простоты и естественности. Мальчик не позирует. Чем-то заинтересованный, он на мгновенье обернулся: рот приоткрыт, глаза блестят. Облик ребенка удивительно обаятелен и поэтичен. Золотистые растрепанные волосы, открытое, по-детски пухлое лицо, живой взгляд умных глаз. Чувствуется, с какой любовью художник писал портрет сына.

В историю русского искусства Тропинин вошел как выдающийся портретист. Он говорил: "Портрет человека пишется для памяти ему близких людей, его любящих". По оценкам современников, Тропинин написал около 3000 портретов. Так ли это, сказать трудно. В одной из книг о художнике приведен список из 212 точно установленных лиц, которых портретировал Тропинин. Есть у него и множество работ под названием "Портрет неизвестного (неизвестной)". Тропинину позировали государственные сановники, вельможи, воины, дельцы, мелкие чиновники, крепостные, интеллигенты, деятели русской культуры. Среди них: историк Карамзин, писатель Загоскин, художественный критик Одоевский, живописцы Брюллов и Айвазовский, скульптор Витали, архитектор Жилярди, композитор Алябьев, актеры Щепкин и Мо-чалов, драматург Сухово-Кобылин.

Получив вольную, Василий Андреевич поселился в Москве в доме на Волхонке. Вскоре на дверях его квартиры появились надписи: "Был К. Брюллов", "Был Витали". Мог здесь оказаться и "автограф" Пушкина.

Известному библиофилу Сергею Александровичу Соболевскому, другу Пушкина, как-то пришла в голову идея заказать Тропинину портрет поэта "домашнего, обыкновенного, каким он был всегда, непричесанного и неприглаженного". Но Пушкин сам решил сделать Соболевскому такой подарок и зимой 1827 г. стал позировать художнику. Сеансы проходили в мастерской Тропинина в доме на Волхонке. Пушкин, как того хотел Соболевский, и впрямь выглядит на портрете совершенно "домашним": в просторном халате, ворот рубашки расстегнут, небрежно повязан шейный платок, на пальце -- заветный перстень. Писатель Полевой, хорошо знавший поэта, признавался: "Сходство портрета с подлинником поразительное".

Интересна судьба этого портрета. Долгое время он висел, обрамленный великолепной золотой рамой, в доме Соболевского. После его отъезда за границу кто-то подменил портрет копией. Судьба подлинника долгое время оставалась неизвестной. Только в 50-е годы, еще при жизни художника, пропавший портрет случайно обнаружили в лавке менялы. Сам Тропинин удостоверил его подлинность. Ныне знаменитый портрет занимает достойное место в одном из залов Третьяковской галереи.

Автопортреты Тропинин писал дважды. На более позднем, датированном 1846 годом, художнику 70 лет. Он изобразил себя с палитрой и кистями в руках, опирающимся на муштабель -- специальную палочку, которой пользуются живописцы. За его спиной -- величественная панорама Кремля. В молодые годы Тропинин обладал богатырской силой и бодростью духа. Судя по автопортрету, он сохранил крепость тела и в преклонном возрасте. Округлое лицо в очках излучает добродушие. Художника не стало спустя 10 лет, но в памяти потомков остался его образ -- большой, добрый человек, обогативший русское искусство своим талантом.

2.3 А.Г. Венецианов

Апрельским утром 1819 г. громоздкий дилижанс выехал из Петербурга. Спустя несколько дней преодолев весеннюю распутицу, он добрался до усадьбы Сафонково Тверской губернии. В экипаже находились муж, жена и двое малолетних детей. С этого момента для главы семейства -- коллежского секретаря в отставке, академика живописи Венецианова -- начался новый этап творчества -- "деревенский".

Семейное предание гласило, что род Венециановых происходил из Греции. Алексей Гаврилович родился в 1880 г. в семье небогатого московского купца. Рисовать начал рано. Среди товаров, которые продавал его отец, упоминаются "очень хорошие разные картины, сделанные сухими красками (пастелью), в золотых рамах за стеклами, за весьма умеренную плату". По всей видимости, это были работы пятнадцатилетнего Алексея. Однако профессионально художник начал работать значительно позже.

Окончив один из пансионов в Москве, Алексей поступил на службу чертежником-землемером. В самом начале XIX в. будущий живописец переехал в Петербург, видимо, желая быть поближе к Академии художеств и первоклассному музею живописи -- Эрмитажу. В Академию, правда, двадцатилетнему юноше поступать было поздно, зато ничто не мешало копировать картины в Эрмитаже. В "Санкт-Петербургских ведомостях" за 1802 г. появилось объявление: "Недавно приехавший Венецианов, списывающий предметы с натуры пастелем в три часа, живет у Каменного моста". В Петербурге Венецианов брал уроки у прославленного портретиста Боровиковского.

В одном из залов Русского музея висит портрет: мужчина средних лет, в очках, с палитрой и кистью в руках. Это автопортрет Венецианова, написанный им в 1811 г. В этом же году в официальных документах Академии художеств появилась запись: "...служащий при лесном департаменте землемером Алексей Гаврилович Венецианов по представленному им живописному портрету определяется в назначенные; программой же ему на звание академика задается написать портрет с г. инспектора Кирилла Ивановича Головачевского". Венецианов успешно справился с этой задачей и в том же году получил звание академика живописи. В 1815-м он женился и купил небольшое имение Сафонково, бывал там наездами, а спустя несколько лет оставил службу и уехал в деревню на постоянное жительство.

Многие писатели, художники, музыканты боготворили деревенское житье. Немало чудных поэтических строк посвятил деревне Пушкин. Например, эти: Везде передо мной подвижные картины: Советский энциклопедический словарь. Составители: А.М.Порохов, М.С.Гиляров, Е.М.Жуков. М., 1980 г.

Здесь вижу двух озер лазурные равнины,

Где парус рыбаря белеет иногда,

За ними ряд холмов и нивы полосаты,

Вдали рассыпанные хаты,

На влажных берегах бродящие стада,

Овины дымные и мельницы крылаты...

Однако мало кто из деятелей русской культуры решался навсегда поселиться в деревне, сделать ее постоянным источником творческого вдохновения. Будучи от рождения городским жителем, Венецианов первым среди художников открыл для себя и для зрителя богатый и самобытный мир русской деревни. Он долго присматривался к нему, изучал, стараясь понять. У него сложились добрые отношения с крестьянами. В течение многих лет они позировали барину, став неизменными персонажами его картин.

Первое "деревенское" полотно художника -- "Гумно" -- появилось в начале 20-х годов. Интересен следующий факт: желая лучше осветить помещение, Венецианов распорядился выпилить переднюю часть стены гумна, где крестьяне недавно закончили обмолот хлеба. Живописец блестяще справился с трудной задачей перспективного построения интерьера. Не случайно Венецианов считался одним из лучших мастеров перспективной живописи своего времени. Его ученикам позже поручили написать интерьеры Зимнего дворца, что требовало отличного знания перспективы.

Несколько своих работ, включая "Гумно", Венецианов решил показать на академической выставке в 1824 г. Можно себе представить, как скромно и необычно выглядели эти небольшие крестьянские полотна рядом с огромными историческими картинами других художников. И тем не менее, их заметили, оценили, похвалили. Сам царь Александр I купил за три тысячи рублей "Гумно". Другую картину -- "Утро помещицы" -- он принял от живописца в дар. Именно она стала первой в галерее произведений русских художников, учрежденной при Эрмитаже. Пройдет время, и Бриллиантовую комнату Зимнего дворца украсит венециановское полотно "Очищение свеклы"... Наверное, трудно придумать более нелепое соседство: картина, изображающая крестьян, занятых обработкой овощей, и императорские коронационные регалии.

Приобретение венециановских полотен было для царя скорее данью входящей в моду крестьянской теме, нежели признанием больших живописных заслуг художника. Следуя этой моде, даже консервативная Академия в том же году предложила своим выпускникам программу: "Изобразить крестьянское семейство и шашечную игру". Но как далека истинная народность Венецианова от той фальшивой народности, которую пытались насаждать в Академии, или официальной, сформулированной министром просвещения Уваровым -- "православие, самодержавие, народность".

Венецианов не только открыл в русской живописи крестьянскую тему. Он первым среди русских художников показал на своих полотнах красоту родной природы. В Академии художеств пейзажный жанр не жаловали. Он занимал предпоследнее по значению место, оставив позади еще более презренный -- бытовой. Лишь немногие мастера писали природу, предпочитая итальянские или воображаемые пейзажи.

Во многих работах Венецианова природа и человек неразделимы. Они связаны так же тесно, как крестьянин с землей, ее дарами. Свои самые знаменитые работы -- "Сенокос", "На пашне. Весна", "На жатве. Лето" -- художник создает в 20-е годы. Это был пик его творчества. Никто в русском искусстве не сумел показать крестьянскую жизнь и труд крестьян с такой любовью и так поэтично, как Венецианов. В картине "На пашне. Весна" женщина боронит поле. Этот тяжелый, изнурительный труд выглядит на полотне Венецианова возвышенным: крестьянка -- в нарядном сарафане и кокошнике. Прекрасным лицом и гибким станом она напоминает античную богиню. Ведя под уздцы двух покорных лошадей, впряженных в борону, она не идет, а словно парит над полем. Жизнь вокруг течет спокойно, размеренно, умиротворенно. Зеленеют редкие деревца, плывут по небу белые облака, бескрайним кажется поле, на кромке которого сидит младенец, ожидающий мать.

Картина "На жатве. Лето" как бы продолжает предыдущую. Урожай созрел, поля колосятся золотистым жнивьем -- пришло время жатвы. На переднем плане, отложив в сторону серп, крестьянка кормит ребенка грудью. Небо, поле, люди, работающие на нем, для художника неразделимы. Но все же главный предмет его внимания всегда -- человек.

Венецианов создал целую галерею портретов крестьян. Это было ново для русской живописи. В XVIII в. люди из народа, а тем более крепостные крестьяне, мало интересовали художников. По мнению искусствоведов, Венецианов первым в истории русской живописи "метко схватил и воссоздал русский народный тип". "Жнецы", "Девушка с васильками" "Девушка с теленком", "Спящий пастушок" -- прекрасные образы крестьян, увековеченные Венециановым. Особое место в творчестве художника заняли портреты крестьянских детей. До чего же хорош "Захарка" -- глазастый, курносый, большегубый мальчишка с топором на плече! Захарка словно олицетворяет энергичную крестьянскую натуру, с детских лет приученную к труду.

Алексей Гаврилович оставил о себе добрую память не только как художник, но и как выдающийся педагог. Во время одного из приездов в Петербурге он взял в ученики начинающего художника, затем другого, третьего... Так возникла целая художественная школа, вошедшая в историю искусств под названием венециановской. За четверть века через нее прошли около 70 талантливых юношей. Крепостных художников Венецианов старался выкупить из неволи и очень переживал, если это не удавалось. Самый талантливый из его учеников -- Григорий Сорока -- так и не получил вольной от своего помещика. Он дожил до отмены крепостного права, но, доведенный до отчаяния всевластием бывшего хозяина, покончил с собой.

Многие ученики Венецианова жили в его доме на полном содержании. Они постигали секреты венециановской живописи: твердое следование законам перспективы, пристальное внимание к натуре. Среди его воспитанников было немало талантливых мастеров, оставивших заметный след в русском искусстве: Григорий Сорока, Алексей Тыранов, Александр Алексеев, Никифор Крылов. "Венециановцы" -- любовно называли его питомцев.

Последние годы художника были безрадостны: умерла любимая жена, замучила нужда. Имение пришлось заложить, дочь вынуждена была пойти на службу, школа распалась. Попытка выдающегося живописца и педагога получить работу преподавателя в Академии художеств не увенчалась успехом. Жестока и нелепа была неожиданная смерть художника.

Зимой 1847 г., несмотря на все невзгоды, Венецианов с увлечением работал над большим заказом: писал образа святых для одного из тверских храмов. Закончив эскизы, художник пожелал сам отвезти их в Тверь. Рано утром 4 декабря тройка лошадей, запряженная в сани, стояла у крыльца. Ехали легко, быстро. Алексей Гаврилович с удовольствием раскурил сигару. Вдруг при спуске с горы лошади понесли. Кучер бросил вожжи и вывалился в снег. Венецианов попытался перехватить их, но резким толчком его выбросило из саней... Зацепившееся за сани тело еще долго волокло, било и швыряло. Когда лошади, наконец, добрались до жилья и стали, художник уже не дышал.

В первую треть XIX века произошел стремительный взлет в культурном развитии России и это время называют золотым веком русской живописи.

Русские художники достигли того уровня мастерства, который поставил их произведения в один ряд с лучшими образцами европейского искусства.

Прославление подвига народа, идея его духовного пробуждения, обличение язв крепостнической России -- таковы главные темы изобразительного искусства 19 века.

В портретной живописи черты романтизма - независимость человеческой личности, ее индивидуальность, свобода проявления чувств - особенно отчетливы.

Создано немало портретов деятелей русской культуры, детский портрет. Входит в моду крестьянская тема, пейзаж, показавший красоту родной природы.

3. Мастера середины XIX столетия

3.1 К.П. Брюллов

Зима 1848 г. была для него мучительной -- он долго болел. Только весной болезнь стала постепенно отступать. Апрельским днем, почувствовав себя лучше, он встал с постели, подошел к зеркалу. На него смотрели уставшие, потухшие глаза, лицо обострилось после тяжелого недуга. Художник взял мольберт, картон, кисти, сел в глубокое кресло и за два часа написал автопортрет -- одну из лучших своих работ.

В семье преподавателя Академии художеств, резчика по дереву Павла Брюлло, в 1799 г. родился сын Карл. Его предки, гугеноты, во время религиозных гонений бежали из католической Франции и со временем осели в России. С детства Карл отличался слабым здоровьем, до семи лет почти не вставал с постели. Может быть, именно болезнь, лишив Карла подвижных детских игр, обострила в нем наблюдательность, способность запоминать увиденное. Отец Карла, человек крутого нрава, однажды из-за пустяка влепил сыну такую пощечину, что мальчик на всю жизнь оглох на левое ухо. Но суровый отец привил Карлу и любовь к рисованию. По его распоряжению сыну не давали завтракать до тех пор, пока он не нарисует определенное количество человечков и лошадок или не скопирует оставленной отцом гравюры.

Десяти лет от роду Карл был отдан в воспитательное училище Академии художеств. Спустя шесть лет, закончив училище, он начал учебу в самой Академии. Среди учителей Брюллова был профессор Андрей Иванович Иванов, отец знаменитого художника Александра Иванова. Карл демонстрировал редкое художественное дарование. Его ученические рисунки неизменно признавали образцом для подражания. Не только природный дар был тому причиной, но и огромное трудолюбие. Однажды Карл сделал сорок детальных рисунков известной античной скульптуры "Лаокоон", выбирая всякий раз новую точку наблюдения. Одну за другой Карл завоевывает всевозможные академические медали. Наконец, в выпускном 1821 г. он получает Большую золотую медаль и аттестат 1-й степени "со шпагою" за картину "Явление Аврааму трех ангелов у дуба Мамврийского".

Карл был начитан, остроумен, свободно говорил по-немецки, знал французский, слыл интересным собеседником. Он пользовался всеобщей симпатией среди воспитанников Академии, становился душой любой компании. Но при этом всегда был горд и независим. Когда руководство Академии предложило ему остаться в ее стенах для совершенствования мастерства, он отказался по той причине, что условия, поставленные им, вчерашним выпускником, не были приняты.

Трудно сказать, как сложилась бы судьба молодого живописца, не имевшего ни связей, ни средств к существованию, если бы в год, когда Карл окончил Академию, в Петербурге не возникло Общество поощрения художников. Группа энтузиастов и любителей искусства создала независимое от Академии общественное учреждение для оказания помощи нуждающимся художникам. Именно это общество и взяло на себя расходы на пенсионерскую поездку Карла и его брата Александра в Италию сроком на четыре года. Страна была выбрана не случайно. Еще в XVIII в. родина Ренессанса, как и Франция, была облюбована Академией художеств для стажировок лучших своих воспитанников. В начале XIX в. Италия стала местом паломничества многих деятелей русской культуры -- писателей Батюшкова, Баратынского, Гоголя, Тютчева.

До сих пор в стенах Академии художеств хранится бесценное свидетельство пребывания Брюллова в Италии -- копия знаменитой ватиканской фрески Рафаэля "Афинская школа". Четыре года Карл работал над ней, постигая мастерство великого живописца. И не напрасно: копия поразила всех своим совершенством. О ней с восхищением отозвался даже французский писатель Стендаль в своей книге "Прогулки по Риму". Русское правительство купило копию за огромную по тем временам цену -- 10 тыс. руб Аленова О.А. Карл Брюллов. М, 2000г.. Позже Брюллов признавался, что только после работы над "Афинской школой" осмелился писать "Последний день Помпеи". Но прежде были другие картины.

Три года Брюллов трудился над "Вирсавией". Эта библейская красавица на протяжении многих столетий привлекала внимание европейских художников. Нелегко давалось Карлу изображение женского тела. Ведь в петербургской Академии художеств не писали обнаженную женскую натуру. Художнику пришлось усердно восполнять этот пробел в Италии. И все же картина его не удовлетворила. Однажды, поставив полотно на мольберт и придирчиво осмотрев, Карл с размаху швырнул в него сапог, порвав холст.

Более удачной оказалась судьба картины "Итальянский полдень". Художник осмелился нарушить академические каноны красоты и выбрал в качестве модели пышущую здоровьем и радостью молодую женщину-итальянку, срывающую освещенную солнцем виноградную гроздь.

За годы пребывания в Италии Брюллов написал около 120 портретов. Среди его персонажей художники Щедрин и Бруни, архитектор Тон, писатели Жуковский и Зинаида Волконская, князь Гагарин, богач Анатоль Демидов и многие другие. Но самой любимой моделью художника была графиня Юлия Павловна Самойлова. Эта красивая, молодая, богатая аристократка на многие годы стала близким другом и покровителем Брюллова, единственной женщиной, которую в своей жизни Брюллов любил по-настоящему. Художнику не суждено было испытать семейного счастья. Позже неудачная женитьба и быстрый развод с юной, но порочной Эмилией Тимм оставили в его сердце незаживающую рану.

По заказу Самойловой Брюллов создал знаменитую "Всадницу", на которой изображены воспитанницы бездетной графини -- сестры Джованна и Амацилия Пачини. Виртуозно написанная картина имела немалый успех у итальянской публики.

Приехав в 1827 г. в Неаполь, Брюллов посетил развалины Помпеи. Зрелище города, погибшего почти две тысячи лет назад от извержения вулкана и недавно раскопанного археологами, потрясло художника. Карл решает написать трагическую сцену гибели Помпеи и её жителей. Он изучает литературные источники, читает римских историков. Плиний Младший, свидетель трагедии, так описал ее: "...день стоял сумрачный, словно обессилевший. Здания вокруг тряслись... Огромное количество людей теснило нас и толкало вперед... В черной страшной грозовой туче вспыхивали и перебегали огненные зигзаги... Мужчины, женщины и дети оглашали воздух воплями безнадежности и жалобами, причем кто звал отца, кто сына, кто отыскивал затерявшуюся жену; тот оплакивал собственное несчастье, другой трепетал за друзей и родных; нашлись люди, призывающие на помощь смерть из опасения умереть!". Словно в благодарность за это описание Брюллов изобразит на полотне самого Плиния и его мать.

Некоторые фигуры на картине переданы им в тех же позах, что и застывшие в лаве скелеты, найденные археологами: мать с дочерьми, упавшая с колесницы женщина, юные супруги. Почти все предметы быта, изображенные на полотне, написаны с вещей, хранящихся в музее Неаполя. Не раз обойдя Помпеи художник выбрал точное место действия для будущей картины: улицу Гробниц.

Три года Брюллов собирал материалы, делал эскиз за эскизом, перестраивал композицию полотна, варьировал позы людей, их движения, жесты. Заказчик картины Анатоль Демидов, недовольный, что работа не закончена в срок, торопил художника, грозил расторгнуть контракт. После тщательной подготовки Брюллов, наконец, переходит к большому холсту и практически не отступает от него в течение трех долгих лет.

Одним из первых в русской исторической живописи Брюллов изображает не конкретную личность, а народ. Не судьба отдельного героя привлекла его, а народная драма. Желая передать оттенки чувств различных людей, Брюллов не стремится к точным психологическим характеристикам. Их заменил привычный в академическом искусстве язык жестов. Среди смятенной толпы есть одна спокойная фигура -- художник с ящиком живописных принадлежностей на голове. Это автопортрет самого Брюллова.

В Италии картина вызвала бурю восторга. Фраза: "Вы видели картину «Последний день Помпеи»?» -- вытеснила у римлян обычное при встрече приветствие. Болонская, Миланская, Флорентийская академии избирают Брюллова своим членом. Но не только итальянцы восхищались его картиной. Рассказывают, что писатель Вальтер Скотт, которого, как известно, привлекали исторические сюжеты, оказавшись в Риме, просидел перед "Помпеей" целое утро.

Владелец картины Демидов, заплативший за нее баснословную сумму -- 40 тыс. франков, отправил полотно в Париж. Аленова О.А. Карл Брюллов. М, 2000г. "Помпея" была выставлена в Лувре, но французская публика встретила ее прохладно. В чем причина? Оказалось, в отсутствии чистоты стиля. "Помпея" вобрала в себя черты двух противоборствующих течений -- классицизма и романтизма. Идея картины романтична -- трагическое противостояние человека и слепых, жестоких сил природы. Вместе с тем, в ней много и от уходящего в прошлое классицизма -- обращение к античной истории, абсолютное преклонение перед чистой красотой, которое исповедовали древние греки и римляне. Трагизм и ужас происходящего на полотне Брюллова не в силах затмить красоту человеческого тела, благородство поз и жестов. В картине нет ни одного изуродованного, запачканного тела. Даже у женщины, упавшей с колесницы и разбившейся насмерть, лицо, грудь, руки девственно чисты.

Смесь классицизма с романтизмом в полотне Брюллова не удовлетворила строгих французских судей. К моменту появления "Помпеи" в Париже они уже отдали предпочтение романтизму, с которым во французской живописи были тесно связаны имена великих живописцев Жерико и Делакруа. И все-таки французская Академия художеств удостоила своей высшей наградой -- золотой медалью -- именно "Помпею". Представленные на этой же выставке картины известных французских мастеров Делакруа, Энгра, Делароша столь высоко оценены не были.

Из Франции картина отправилась в Россию. Демидов преподнес ее в дар царю. Полотно было выставлено в Академии художеств для всеобщего обозрения. Такого скопления народа Академия еще не видела. Многие приходили не один раз. Гоголь, уже видевший "Помпею" в Италии, побывал на петербургской выставке несколько раз и написал о картине большую хвалебную статью. "Помпею" увидели и высоко оценили Пушкин, Жуковский, Лермонтов, Белинский, Глинка, Герцен. Поэт Баратынский посвятил ей экспромт: Аленова О.А. Карл Брюллов. М, 2000г.

Художеств мирные трофеи

Ты внес в отеческую сень,

И стал "Последний день Помпеи"

Для русской кисти первый день!

Шло время, но картина продолжала будоражить умы современников Брюллова. За два года до его смерти из Киева в Петербург приехал юный Николай Ге поступать на математический факультет университета. "Помпея" буквально перевернула его душу. Неизвестно, что в тот момент потеряла математика, но живопись обрела еще одного талантливого художника.

Сам Брюллов, первым прославивший в Европе русское искусство, на родине был встречен с триумфом. В Москве поклонники пронесли его на руках через зал, где была выставлена "Помпея". В Петербурге, в родной Академии, в его честь выступил хор и полковой оркестр. Был устроен праздничный обед, на котором прославленный живописец сидел среди своих учителей, увенчанный лавровым венком. Это был звездный час мастера. Редко кому такое выпадает при жизни.

Слава, почет, "медные трубы", однако, не ослепили художника. Он не утерял способности помогать тем, чей талант нуждался в поддержке. Кто-то из учеников рассказал Брюллову об очень талантливом крепостном художнике Тарасе Шевченко. "Великий Карл", как его теперь нередко называли, решил помочь юноше освободиться от крепостной неволи. Вместе с живописцем Венециановым он поехал к помещику Энгельгарту, хозяину Шевченко. Тот и слышать не хотел о том, чтобы бескорыстно дать вольную своему крепостному, но готов был продать его за хорошие деньги -- две с половиной тысячи рублей. Таких денег у Брюллова не было, но был талант и благородное желание помочь одаренному человеку. Он взялся написать портрет поэта Жуковского, который тоже не остался в стороне, узнав о судьбе Шевченко. Показательно, что накануне, под благовидным предлогом Брюллов отказался писать императора Николая I. Портрет Жуковского получился необыкновенно хорош. Его продали и на вырученные деньги выкупили Тараса Шевченко. Вскоре он поступил в Академию художеств и стал одним из лучших учеников своего благодетеля.

Не считая исторической картины "Последний день Помпеи", Брюллов прославился в истории русской живописи как блестящий портретист. Среди сотен портретов его работы немало подлинных шедевров. Превосходны портреты баснописца Крылова, поэта Струговщикова, итальянского археолога Микеланджело Ланчи. В каждом из них художник сумел подчеркнуть яркую индивидуальность личности, нашел черты, присущие лишь этим людям.

Вспомните портрет Крылова: грузный, вальяжно расположившийся на диване, знаменитый баснописец мог бы - служить образцом сибарита и чревоугодника. Но умный, пытливый взгляд великого насмешника человеческих пороков, так точно переданный художником, многое говорит и о другой стороне его натуры. Иначе выглядит поэт Струговщиков, изображенный с книгой в руках. Он утончен, мечтательно задумчив. В его лице проглядывают усталость и разочарование. Тонкие нервные руки безвольно лежат на подлокотниках кресла. Не похож на другие интеллектуально-аристократический образ Ланчи. Благородное, одухотворенное старческое лицо. Вопрошающе-пристально смотрят на зрителя умные живые глаза. Великолепна и цветовая гамма портрета: халат ярко-красного цвета контрастирует с серебристой меховой опушкой.

Карл Брюллов был великим тружеником. За годы, проведенные в России, он написал десятки портретов, работал над большим историческим полотном "Осада Пскова", которое, правда, так и осталось незаконченным, участвовал в росписях только что построенного Исаакиевского собора, преподавал в Академии художеств. Вернувшись в 1849 г. в Италию, он продолжал активно трудиться. Однако слабое от рождения здоровье все более ухудшалось. Художник еще находил силы шутить на этот счет: "Вместо сорока, я прожил пятьдесят, следовательно, украл у вечности десять лет и не имею права жаловаться на судьбу". 23 июня 1852 г. после обеда Брюллова охватил такой приступ судорожного кашля, какого не бывало раньше. Кровь хлынула горлом. Этот день стал для великого Карла последним. Его похоронили в Риме на кладбище Монте Тестаччо.

Годом больших потерь стал для русской культуры 1852-й. В феврале в Москве умер Гоголь. Весной не стало Жуковского, скончавшегося в Германии, в Баден-Бадене. В один день с Брюлловым умер исторический писатель Загоскин, а осенью в больнице, в палате для умалишенных, закончил свои дни художник Павел Федотов.

3.2 П.А. Федотов

В Москве, в старинном районе Лефортово, расположена Академия бронетанковых войск. Она занимает красивое здание с многочисленными колоннами по фасаду -- бывший Головинский дворец, построенный в конце XVIII в. при участии великого Кваренги. На фасаде Академии -- мемориальные доски с именами ее прославленных выпускников, видных советских военачальников. Среди них выделяется одна необычная -- на ней выбито имя русского художника Павла Федотова.

Павел Андреевич Федотов родился в Москве в 1815 г. Его отец -- боевой офицер, выслужившийся из солдат, вынужден был оставить военную службу и перейти на гражданскую из-за ранений. Семья Федотовых была небогата, и юноше не оставалось ничего другого, как пойти по стопам отца и стать военным. Как раз в это время в Москве, в бывшем Головинском дворце, открылся кадетский корпус. Так Павел стал кадетом.

Федотов обладал замечательными способностями и превосходной зрительной памятью. За отличную учебу и примерное поведение он вскоре был произведен в унтер-офицеры, а затем в фельдфебели. В свободное от учебы время юный кадет служил музам. У него был неплохой голос, и он солировал в корпусном хоре. Павел выучился играть на гитаре, затем на флейте, сочинял романсы. Кроме того, Федотов писал стихи и много рисовал -- портреты своих учителей и товарищей, карикатуры. Любопытно, что в кадетском корпусе его учителем рисования был некто Каракалпаков, бывший соученик Карла Брюллова по Академии художеств.

Спустя семь лет, в 1833 г., состоялся первый выпуск кадетов. Федотов в числе четырех лучших учеников был определен офицером в гвардейский Финляндский полк, который был расквартирован в Петербурге на Васильевском острове, недалеко от Академии художеств. Служил он честно и добросовестно, получая по 10-20 благодарностей в год. Не обижен был и чинами: за 10 лет прошел путь от прапорщика до штабс-капитана. Такая карьера устроила бы многих, но божественный дар живописца не давал Федотову покоя.

Все свободное от службы время Павел Андреевич рисовал. Он заполнил рисунками семейные альбомы друзей и знакомых. Финляндскому полку повезло: многие из его офицеров, сослуживцев Федотова, оказались увековечены в его рисунках, в сценках из офицерской жизни. Но как ни велик был его природный талант, Федотов понимал, что живописи надо учиться. Спустя полгода после переезда в Петербург он получил билет № 241 на право посещения рисовальных классов Императорской Академии художеств Советский энциклопедический словарь. Составители: А.М.Порохов, М.С.Гиляров, Е.М.Жуков. М., 1980 г..

Молва о художественно одаренном офицере дошла до командующего гвардией великого князя Михаила Павловича, брата царя. Он вызвал Федотова и поинтересовался, что ему нужно для занятий живописью. "Учителя", -- ответил художник. "Кого?" -- "Брюллова". Великому князю, по-видимому, хотелось иметь в гвардии своего живописца, и он обещал помочь. Правда, Брюллов не разделил оптимизма его императорского высочества. Он прямо сказал Федотову, что в 25 лет о карьере художника нечего и думать: мастерство надо осваивать с детства. Однако это не остановило Федотова. В 1843 г. он предпринял смелый шаг: вышел в отставку, чтобы целиком посвятить себя живописи.

Начал бывший офицер с серьезного обучения в Академии художеств, правда, не у Брюллова, а у профессора Зауервейда в баталлическом классе. Довольно скоро выяснилось, что не батальная живопись привлекает художника, а бытовая. Кумиром Федотова в ту пору стал замечательный английский живописец XVIII в. Уильям Хогарт. Он создавал целые серии картин на различные темы из жизни современного ему английского общества. Причем в своих работах Хогарт обличал его пороки.

Под влиянием Хогарта появились графические работы Федотова: "Магазин", "Офицерская передняя", "Кончина Фидельки", "Следствие кончины Фидельки". Сюжеты художник выбирал самые что ни на есть простые, например смерть любимой барской собачки Фидельки, но развертывал их в целое повествование и придавал оттенок легкой насмешки. Собачка мертва, барыня от переживаний слегла, вся дворня поднята на ноги, вереница сочувствующих выстраивается перед барской постелью, а приглашенный художник, внешне очень напоминающий самого Федотова, уже набрасывает проект памятника околевшей псине. Ироническая нотка, появившаяся в этих графических работах, сохранится и в некоторых картинах живописца.

Пройдя хорошую школу графики, Федотов решил попробовать писать маслом. Сюжет подсказала сама жизнь: чиновник и первая его награда. Тема чиновничества к этому времени, благодаря Гоголю, заняла прочное место в русской литературе. В живописи она была еще нова. Правда, Федотов уже обращался к ней в графической работе "Утро чиновника, получившего накануне первый крестик". Теперь этот сюжет предстояло положить в основу картины. Девять месяцев работал художник над небольшим полотном размером всего 48 х 42 см. Если учесть, что это была его первая проба сил в такой сложной технике, как масло, картину можно признать удачной.

В небольшой комнате царит невообразимый беспорядок -- последствие состоявшейся накануне товарищеской пирушки. В центре -- босиком, в полосатом халате, с папильотками на голове и в позе античного героя -- самодовольный молодой человек. Он демонстрирует служанке свою первую награду -- крестик, приколотый к халату. Девушка, на которую предмет гордости ее хозяина не производит, видимо, никакого впечатления, с насмешливой улыбкой подает ему сапоги. Увидев "Свежего кавалера", Брюллов сказал Федотову: "Поздравляю Вас, Вы меня обогнали".

Федотов поразительно быстро освоил технику живописи маслом. Он так совершенно овладел ею, что новая картина -- "Сватовство майора" принесла ему огромную славу именно как живописцу. Сюжет -- бытовой, без откровенной насмешки и карикатурности, как в "Свежем кавалере", но со своим "подтекстом". Майор, а значит, согласно "Табели о рангах", дворянин, сватается к богатой купеческой дочке. Знатность женится на богатстве -- тема злободневная для тех времен Советский энциклопедический словарь. Составители: А.М.Порохов, М.С.Гиляров, Е.М.Жуков. М., 1980 г..

Снова действие происходит в интерьере. Справа, в проеме двери, остановился пришедший свататься майор. Он в мундире, при сабле, молодцевато подбоченясь, подкручивает ус. На переднем плане -- молодая и красивая купеческая дочь. Видимо, захваченная врасплох, она пытается скрыться в соседней комнате, но мать старается удержать ее за подол нарядного платья. Справа, в глубине комнаты, в тени стоит отец. К нему обращается сваха. Прислуга торопливо накрывает на стол.

Но главное не в сюжете, а в живописном мастерстве художника. Небольшое полотно (58x75 см) демонстрирует высочайший художественный дар Федотова. Умело составленная композиция позволяет легко разобраться в происходящем, понять роль каждого участника. Картина написана с удивительной тщательностью и артистической легкостью: воздушное кружевное платье невесты и тяжелое, переливчатое, атласное -- ее матери, сверкающая бронзовая люстра под потолком и кошка, сидящая на полу и "зазывающая" гостей.

Только сам автор знал, какая кропотливая работа скрывалась за этим мастерством. Отец, глава семейства -- на картине его не сразу и заметишь -- долгое время не удавался художнику. Федотов мучительно искал нужный образ. Целыми днями бродил по Гостиному двору, Невскому проспекту, всматриваясь в лица купцов. Наконец, у Аничкова моста увидел подходящий "экземпляр". Проводил незаметно до самого дома, выведал имя у дворника, а потом долго упрашивал попозировать. Интерьер купеческого дома художник "подсмотрел" в одном из трактиров близ Гостиного двора. Там же нашел люстру, которую на время выпросил у хозяина. Все писал с натуры, вплоть до пирога на столе, купленного в трактире и по окончании сеанса съеденного без остатка.

Наконец, картина была закончена и выставлена в Академии художеств. 30 сентября 1848 г. Совет Академии признал Федотова достойным звания академика. Спустя несколько месяцев на годичной выставке Академии "Сватовство майора" имело необычайный успех. Старожилы сравнивали его с триумфом тридцатилетней давности, которым был увенчан "Последний день Помпеи".

Федотов оригинально демонстрировал свое полотно: он сопровождал показ чтением поэмы собственного сочинения "Поправка обстоятельств", служившей как бы комментарием к живописному сюжету. Начиналась поэма в духе народного, балаганного зазыва Советский энциклопедический словарь. Составители: А.М.Порохов, М.С.Гиляров, Е.М.Жуков. М., 1980 г.:

Честные господа,

Пожалуйте сюда!

Милости просим,

Денег не просим:

Даром смотри,

Только хорошенько очки протри.

Начинается, начинается

О том, как люди на свете живут,

Как иные на чужой счет жуют.

Сами работать ленятся,

Так на богатых женятся...

Сюжет картины оказался и впрямь жизненным. Вскоре после закрытия выставки к художнику неожиданно явился незнакомец с корзиной шампанского и всевозможной закуски. Оказывается, несколько лет назад, выйдя майором в отставку и желая поправить свое пошатнувшееся финансовое положение, он женился на богатой купчихе, с которой и по сей день жил счастливо. Узнав о картине, майор был несказанно поражен совпадением ее сюжета с историей своей женитьбы и решил выразить художнику свое восхищение.

После "Сватовства майора" последовал "Завтрак аристократа". По сюжету эта миниатюрная картина менее значительна, но живописными качествами не уступает предыдущей. Ее можно долго разглядывать, любуясь, с каким мастерством написаны детали: красивого дерева стол, плетеная корзина под ним, стул, шелковый костюм "аристократа". За этой легкостью и артистизмом по-прежнему стоял титанический труд. Однажды, на чье-то замечание о том, как все просто на его картинах, Федотов ответил: "...да, будет просто, коль напишешь раз со сто!..."

Увы! Талант в России редко вознаграждается при жизни. Пушкин как-то в сердцах бросил фразу: "Черт догадал меня родиться в России с душою и талантом!" Она могла бы стать эпиграфом к биографиям многих деятелей русской художественной культуры XVIII-XIX вв. Федотов не был среди них исключением. Всю жизнь художник не мог выбиться из тисков нужды. Ради искусства он пожертвовал личным счастьем, отказавшись соединить свою беспокойную творческую судьбу с любящим человеком. "Меня не станет на две жизни, на две задачи, на две любви", -- объяснял он. В прах рассыпались многие надежды и мечты. Все мрачнее смотрит художник на мир, и это отражается в его творчестве.

За год до смерти Федотов начинает картину "Анкор, еще анкор!". В самом ее названии есть какая-то несуразность: "анкор" по-французски означает "еще". Да и вся картина странная, не похожая на другие федотовские. Сюжета как такового нет. Тесная, темная деревенская изба, на лавке лежит человек -- офицер, лицо которого невозможно разглядеть. Скуки ради он заставляет пуделя прыгать через палку. Исчез не только характерный для Федотова повествовательный сюжет, но и его традиционный интерес к окружающим предметам. Не стало и богатства федотовских красок. Господствуют мрачные красно-коричневые тона, придающие бессмыслице происходящего какой-то зловещий оттенок. В русской живописи найдется немного картин, которые были бы проникнуты таким духом трагизма и безысходности, как "Анкор, еще анкор!" Федотова.

Странное впечатление, которое производит эта картина, не случайно. Она выдает признаки тяжелого душевного заболевания, начавшегося у художника. Летом 1852 г. Федотова поместили в частную лечебницу, расположенную недалеко от Таврического дворца. Но помочь ему никто не смог. За ним лишь присматривали: когда становился буйным -- связывали ремнями, иногда били... Сохранился карандашный портрет Федотова, нарисованный в это время одним из его друзей: вместо лица -- маска, лишенная человеческого выражения. В ноябре того же года мастера не стало.

3.3 А.А. Иванов

В последние годы художник сделался замкнут, нелюдим. В нем стала развиваться болезненная подозрительность. Невысокий, сутулый, он постоянно ходил в старом, поношенном сюртуке, носил бороду, непривычную тогда для русских интеллигентов. Часто его видели жующим черствый хлеб, который он по кусочку доставал из кармана. Молодые художники считали его чудаком и изображали на карикатурах. Этим человеком был Александр Андреевич Иванов -- один из величайших русских живописцев.

Иванов родился в 1806 г. в семье профессора живописи Академии художеств. Первое художественное образование он получил под руководством отца -- Андрея Ивановича Иванова, а позже обучался в Академии на правах вольноприходящего ученика. Успехи гениального юноши были поразительны. Однажды один из профессоров даже заподозрил Александра в том, что он работает не сам, а с помощью отца. Профессора этого можно понять, если взглянуть на одну из первых серьезных работ Александра Иванова "Приам, испрашивающий у Ахиллеса тело Гектора", которая ныне находится в Третьяковской галерее. Картина написана на сюжет 24-й песни "Илиады" Гомера: "Старец, никем не примеченный, входит в покой к Пелиду, / В ноги упав, обымает колена и руки целует..." Аленова О.А. Карл Брюллов. М, 2000г. Тщательно продуманная композиция, безупречный рисунок, гармонично подобранные краски. Античный миф словно оживает на полотне. А ведь юному художнику в ту пору едва исполнилось 18 лет. За эту работу Иванов был удостоен Малой золотой медали.

Спустя три года он получает Большую золотую медаль -- за картину "Иосиф, толкующий сны заключенным с ним в темнице виночерпию и хлебодару". Картина написана на невинный библейский сюжет, но она едва не стоила свободы начинающему мастеру. Дело в том, что на стене темницы художник изобразил сцену казни -- египетский рельеф с четырьмя повешенными. Это соответствовало сюжету -- Иосиф предсказал смерть хлебодару, однако современники истолковали рисунок как намек на недавнюю жестокую расправу царя над декабристами. Художнику грозила ссылка. К счастью, опасность миновала. В 1830 г. при содействии Общества поощрения художников, которое десятилетием раньше помогло Брюллову, Иванов уехал в Рим.

Италия стала второй его родиной, там художник провел большую часть своей жизни. В Риме имелись целые колонии русских, французских, немецких, английских художников. Туда их влекла возможность познакомиться с искусством античности и Возрождения. Многих пленяла яркая природа Апеннин, своеобразный южный тип живущего здесь народа. Но главное заключалось в том, что Италия, ее города и селения, представляли собой настоящий музей под открытым небом. За долгие годы, проведенные в этой стране, Иванов изъездил Италию вдоль и поперек и везде рисовал, рисовал, рисовал... Крупнейший знаток творчества Иванова советский искусствовед Михаил Владимирович Алпатов остроумно заметил, что "можно было бы составить целый очерк истории итальянской живописи эпохи Возрождения на основании одних копий Иванова" .

Под впечатлением знакомства с античным искусством Италии художник создает картину "Аполлон, Гиацинт и Кипарис". Прекрасное божество и два его земных друга наслаждаются игрой на флейте и пением. Они словно воплощают три возраста человека: Гиацинт -- детство, Кипарис -- юность, Аполлон -- зрелость. Их образы навеяны античной скульптурой. Для Аполлона моделью послужила знаменитая статуя Аполлона Бельведерского, которую художник видел и рисовал в Ватикане. Образ Кипариса Иванов подглядел на античном барельефе, изображавшем мифологического пастуха Эндимиона, возлюбленного богини луны Селены. Сохранился рисунок, сделанный Ивановым с подлинника в музее Неаполя. Русская живопись, пожалуй, не знает другой картины, которая бы так полно воплотила в себе идеалы античной красоты.

В 1836 г. Иванов отправил из Рима в Россию только что законченную им картину "Явление Христа Марии Магдалине". Работая над ней, художник поставил перед собой частную, но важную задачу: "показать свое понятие о наготе и драпировках". Действительно, обе фигуры задрапированы по всем правилам античного искусства. Но главное состоит в том, что Иванов сумел создать живые, полнокровные образы персонажей, далекие от мертвенных классицистических. Стремясь выразить на лице Марии Магдалины смешанные чувства -- и улыбку, и слезы радости, художник во время сеанса заставлял натурщицу разламывать лук и рассказывать обо всех горестях ее жизни. Одновременно Иванов смешил ее своими шутками, вызывая улыбку на заплаканном лице. Картина "Явление Христа Марии Магдалине" произвела огромное впечатление на выставке в Петербурге. Иванову было присвоено звание академика. Это был его первый и одновременно последний прижизненный успех.

Вскоре по прибытии в Италию Иванов пишет в одном из писем на родину: "Я нашел сюжет, составляющий сущность всего Евангелия для образовательного искусства, т. е. когда Иоанн Креститель, увидев Иисуса Христа, идущего к нему, говорит: «Се агнец божий, вземляй грехи мира»". Аленова О.А. Карл Брюллов. М, 2000г

Художник задумал грандиозное полотно, впоследствии названное "Явление Христа народу". Осуществление этого замысла превратилось в великий творческий подвиг, не имевший, пожалуй, аналогов во всей истории русского искусства. Вся жизнь Иванова отныне оказалась подчинена одной цели -- созданию великой картины.

Прежде всего Иванов стремился к максимальной достоверности изображаемого. Он хотел побывать в Палестине, чтобы увидеть те места, где происходили описанные в Евангелии события. Но Общество поощрения художников, на чей счет он был послан за границу, отказалось выделить средства на поездку. Тогда в поисках типажей Иванов стал посещать еврейский квартал Рима. В его альбомах появляется множество зарисовок разнообразных типов людей: седобородые старики с длинными крючковатыми носами, кудрявые черноглазые мальчишки, юноши, молодые женщины.

Количество этюдов с каждым годом росло. Их общее число превысило 600! Поистине титанический труд проделал художник. Он писал человеческие фигуры, лица, одежды, деревья, воду, горы и даже камни. Но большинство этюдов посвящено людям. Необходимо было не только найти соответствующий типаж, но и придать человеку нужную позу, правильный поворот тела, точный жест. Со временем художник создал обширную галерею этюдов людей, разных по характеру, социальному положению, возрасту, полу. Эта колоссальная работа в конечном счете полностью оправдала себя. На законченной картине каждый персонаж олицетворяет определенный человеческий тип, характер. До Иванова ни один русский живописец не проник так глубоко в тайники человеческой души. Даже великий Брюллов, работая над знаменитой картиной "Последний день Помпеи", не ставил перед собой такой задачи.