История музыки

С 1908 Прокофьев начинает регулярную и обширную концертную деятельность как пианист и дирижёр - исполнитель собственных произведений. Весной 1918 Прокофьев направляется через Японию в США. Пребывание за рубежом вместо предполагаемых нескольких месяцев продолжалось 15 лет. Первые 4 года композитор проводит в поездках по Америке и Европе (главным образом Франции) в связи с постановкой своих сценических сочинений и сильно расширившейся концертной деятельностью. В 1922 он живёт в Германии, а с 1923 - в Париже. Зарубежный период творчества Прокофьева отмечен активным интересом к театральным жанрам. Он создаёт оперы: комическую «Любовь к трём апельсинам» по К. Гоцци (1919), замысел которой возник ещё до отъезда за границу, и экспрессивную драму «Огненный ангел» по В. Я. Брюсову (1919-27). Творческое содружество с С. П. Дягилевым, поставившим в 1921 «Сказку про шута...», стимулировало создание новых балетов для его труппы: «Стальной скок» (1925) и «Блудный сын» (1928). В 1930 для театра «Гранд-Опера» был написан балет «На Днепре». В области инструментальной музыки наиболее значительными работами этого периода были: 5-я соната для фортепиано, 3-я и 4-я симфонии (1924, 1928, 1930-47), 3-й, 4-й и 5-й концерты для фортепиано с оркестром (1917-21, 1931, 1932).

В последние годы пребывания за рубежом творческая активность Прокофьев стала снижаться - давал себя знать длительный отрыв от Родины.

В 1927, 1929 композитор приезжает на гастроли в СССР и в 1932 принимает решение окончательно возвратиться на Родину. Он становится в ряды активных строителей советской музыкальной культуры. В течение нескольких лет (с 1933) ведёт занятия по композиции в Школе высшего мастерства при Московской консерватории. В творчестве Прокофьева наступил период расцвета. Оно обогащается новыми значительными темами и идеями высокого гуманистического звучания. Выдающимся достижением советского и мирового искусства стал балет «Ромео и Джульетта» (1935-36), в котором композитор создал образы подлинно шекспировской глубины и реалистической силы. Опера «Семен Котко» по повести «Я сын трудового народа» В. П. Катаева (1930) смело и во многом успешно разрешала трудную задачу освоения современной темы в оперном театре. Значительное место в предвоенные годы занимала работа Прокофьева для драматического театра и кино в содружестве с крупнейшими советскими режиссёрами - В. Э. Мейерхольдом, А. Я. Таировым, С. М. Эйзенштейном. Одним из этапных произведений Прокофьев стала музыка к кинофильму «Александр Невский» Эйзенштейна, послужившая основой для одноименной кантаты. Обращение к народной историко-патриотической теме выявило и укрепило национальную основу творчества Прокофьев, ярко раскрывшуюся в последующих сочинениях - кантате «Здравица» (1939) на народные тексты, в музыке к фильму «Иван Грозный» (1942-45; в редакции М. И. Чулаки создан балет, пост. 1975, Большой театр) и др. В 30-е гг. Прокофьев пишет произведения для детей: сборник фортепьянных пьес «Детская музыка» (1935), симфоническую сказку «Петя и волк» для чтеца и оркестра (1936), знакомящую детей в остроумной, живой образной форме с тембрами различных инструментов, детские песни. Конец 30 - начало 40-х гг. отмечены новым взлётом творческой активности композитора. Он начинает работу почти одновременно над целым рядом сочинений: сонатой для скрипки и фортепиано, тремя сонатами для фортепиано (6-я, 7-я, 8-я), лирико-комической оперой «Обручение в монастыре» по пьесе Р. Б. Шеридана «Дуэнья», балетом «Золушка» (Государственная премия СССР, 1946). Завершение большинства из них было отодвинуто начавшейся Великой Отечественной войной 1941-45. Важнейшей работой военных лет стала опера «Война и мир» по роману Л. Н. Толстого (1941-52)- Одно из центральных произведений в творчестве Прокофьева и крупнейшее достижение советского оперного искусства.

В послевоенные годы творчество Прокофьев приобрело черты особой ясности, классической стройности, мудрой простоты. Всё большее место начинают занимать в нём светлые лирические или фантастические образы (9-я соната для фортепиано, 1947; соната для виолончели и фортепиано, 1949). По-прежнему привлекает композитора мир детства, юности: вокально-симфоническая сюита «Зимний костёр» (1949) и оратория «На страже мира» на тексты С. Я. Маршака (1950) - за оба произведения Государственная премия СССР, 1951; балет «Сказ о каменном цветке» по Прокофьев Прокофьев Бажову (1948-50); 7-я симфония (1951-52), за которую Прокофьев первым из советских композиторов был удостоен Ленинской премии (1957). Государственная премия СССР в 1946 за 5-ю симфонию, 8-ю сонату для фортепиано и музыку к 1-й серии фильма «Иван Грозный» и в 1947 за 1-ю сонату для скрипки и фортепиано. Прокофьев вошёл в историю советской и мировой музыкальной культуры как композитор-новатор, создавший глубоко самобытный стиль, свою систему выразительных средств. Творчеству Прокофьева в высшей степени присущи действенность и активность. В его произведениях преобладает эпическое начало. Яркой индивидуальностью отмечена лирика Прокофьева - вдохновенная, глубокая и вместе с тем внутренне сдержанная, кристально чистая. В процессе развития творчества Прокофьева всё яснее выявлялись его тесные связи с традициями русской музыки (М. П. Мусоргского, А. П. Бородина, Н. А. Римского-Корсакова). Присущая композитору острая наблюдательность сделала его одним из выдающихся мастеров музыкального портрета, сочетающего внешнюю характерность с психологической правдивостью. Прокофьев значительно усилил в балете роль пантомимы.

Творчество Прокофьева составило эпоху в мировой музыкальной культуре 20 в. Самобытность музыкального мышления, свежесть и своеобразие мелодики, гармонии, ритмики, инструментовки композитора открыли новые пути в музыке и оказали мощное воздействие на творчество многих советских и зарубежных композиторов.

3. Опера Пуленка «Человеческий голос»

Одноактная опера для одного исполнителя, музыка Франсиса Пуленка на либретто Жана Кокто, основанная на его пьесе 1932 года. Первая постановка состоялась в Париже в Опера-Комик 6 февраля 1959 года. Пуленк писал оперы для Дениз Дюваль, французской сопрано, дирижировал премьерой Жорж Претр.

Молодая женщина разговаривает по телефону со своим бывшим любовником. Он бросает ее и женится на другой женщине на следующий день. В последний раз они будут говорить друг с другом. В ходе беседы мы узнаем, что женщина пытается покончить собой. Телефонная служба Парижа работала в то время очень плохо, в результате чего они были прерваны несколько раз во время их мучительного разговора.

Билет 11

1. Стилевые течения в русской музыке на рубеже XIX-XX веков

Конец XIX и начало XX века (до 1917 года) - период не менее богатый, но гораздо более сложный. Он не отделён от предыдущего каким-либо переломом: лучшие, вершинные сочинения Чайковского и Римского-Корсакова относятся именно к 90 -м годам XIX и к первому деcятилетию XX века. Но уже ушли из жизни Мусоргский и Бородин, а в 1893 году и Чайковский. На смену им приходят ученики, наследники и продолжатели их традиций: С. Танеев, А. Глазунов, С. Рахманинов. Но как ни близки они своим учителям, в их творчестве ясно чувствуются новые вкусы. Опера, в течение более чем столетия занимавшая главное место в русской музыке, явно отходит на второй план. А роль балета, наоборот вырастает. Широко развиваются симфонические, камерные жанры в творчестве Глазунова и Танеева. Огромной популярностью пользуется фортепьянное творчество Рахманинова, который и сам был великим пианистом. Фортепьянные концерты Рахманинова (как и концерты Чайковского, и скрипичный концерт Глазунова) относятся к вершинам мирового искусства. В последней четверти XIX столетия творчество русских композиторов было признано во всём цивилизованном мире. Среди молодого поколения музыкантов, вступивших в творческую жизнь в конце прошлого - начале нынешнего века, были композиторы и иного типа. Уже первые их сочинения написаны очень по своему: остро, иногда даже дерзко. Таков Скрябин. Одних слушателей его музыка покоряла вдохновенной силой, других возмущала необычностью. Несколько позднее выступил Стравинский. Его балеты, Поставленные во время “Русских сезонов” в Париже, привлекли внимание всей Европы. И наконец, уже в годы первой мировой войны на русском восходит ещё одна звезда - Прокофьев. Большую роль в музыкальной жизни России этого времени сыграл Беляевский кружок, названный так по имени его основателя Митрофана Петровича Беляева - известного лесопромышленника, владельца огромного состояния и страстного любителя музыки, особенно русской. Кружок, возникший в 80-х годах, объединил почти всех лучших музыкантов того времени ; Н. А. Римский - Корсаков стал идейным центром этого музыкального содружества. Всеми доступными средствами Беляев стремился помочь тем, кто служил русской музыке. Основанное Беляевым новое издательство за несколько десятилетий своего существования издало огромное количество произведений русских композиторов. Беляев способствовал воскрешению полузабытых партитур великого Глинки, чьи крупные сочинения тогда нигде не звучали - ни на одной оперной сцене, ни на симфонической эстраде.

Необходимо упомянуть и организованные Беляевым в течении многих сезонов “Русские симфонические концерты”, а также “Русские камерные вечера”. Целью их было - знакомить русскую публику с произведениями национальной музыки. Руководили концертами и вечерами Н.А. Римский-Корсаков и его талантливые ученики А.К. Глазунов и А. К. Лядов. Они разрабатывали план каждого предстоящего сезона, составляли программы, приглашали исполнителей... Исполнялись исключительно произведения русской музыки: многие из них, забытые, отвергнутые ранее русским музыкальным обществом нашли здесь первых своих исполнителей. Например, симфоническая фантазия М.П. Мусоргского “Ночь на лысой горе” впервые прозвучала именно в “Русских симфонических концертах” почти через двадцать лет после создания, а затем была многократна повторена ( “по востребованию публики”, как отмечалось в программах ).

В то время единственным местом в России, где звучала вся отвергнутая официальными кругами музыка русских композиторов, были “Русские симфонические концерты”. Беляевский кружок в 80-90-е годы оказался единственным музыкальным центром, где объединялись наиболее активные музыканты, ищущие новые пути развития искусства.

На рубеже XIX-XX века возрождается интерес к старинной музыке. Появляются исполнители, знакомящие слушателей с органной музыкой прежних эпох и столетий : А. К. Глазунов, Старокадомский. Это время является важным этапом в истории скрипки. Появляется группа виртуозов - композиторов и исполнителей, которые раскрывают неведомые прежде возможности скрипки как сольного инструмента. Возникают новые замечательные произведения советских композиторов. В настоящее время всему миру известны концерты, сонаты, пьесы Прокофьева, Хренникова.

В конце XIX и в начале XX века, а особенно в предоктябрьском десятилетии, через всё русское искусство, и в частности музыку, проходит тема ожидания великих перемен, которые должны смести старое, несправедливое общественное устройство. Далеко не все композиторы осознавали неизбежность, необходимость революции и сочувствовали ей, но предгрозовую напряжённость ощущали все или почти все. Большинство музыкантов непосредственного участия в революционных событиях не принимали, и потому связи между ними были довольно слабыми.

2. Творчество Леонарда Бернстайна

Леонард Бернстайн 25 августа 1918 - американский композитор, пианист и дирижёр. Обладатель Премии Сименса (1987). Автор книг «Радость музыки» и «Бесконечное разнообразие музыки»

«Концерты для молодежи», «Вопрос без ответа», «Открытия» .

В 1971 году он был введён в национальный Зал славы композиторов. Оперы: «Волнения на Таити»; «Тихое место» Оперетты: «Кандид» (1956, Нью-Йорк); Мюзиклы: «Увольнение в город» ,«Питер Пэн»; «Чудесный город»; «Вестсайдская история» Симфонии: «Иеремия» «Век тревог; «Каддиш;

Другое: Музыка к балету «Невлюбляющийся»

«Чичестерские псалмы» для хора и оркестра

Месса (1971).

3. «Литургическая» симфония Артура Онеггера

Написана по горячим следам Второй мировой войны. Первую часть, где говорится о жестоком нашествии, он поначалу назвал «День гнева»; вторую, где говорится о страданиях и боли, он назвал «Из глубины взываю», и, наконец, финал, где забрезжил луч спасения, он озаглавил «Даруй нам мир».

Однако, в конце концов композитор ограничился кратким названием «Литургическая симфония». Финальная третья часть - это краткий конспект, по которому можно судить обо всем, что случилось в первых двух частях, и подвести итоги. Начинается эта часть настороженным и приглушенным маршем, который, наконец разрастается, и тогда становится ясно, что это марш побежденных с бессильно сползающими фразами духовых. В дальнейшем перед слушателем проходит панорама войны, как будто записанная случайным свидетелем: слышатся рыдания струнных, шум и скрежет, хаотические фрагменты марша и стонущих фраз, обрывающиеся катастрофическими ударами. И лишь после них звучит «музыка мира» - протяжная мелодия, похожая на молитвенное песнопение. Все происходящее сумбурно и отрывочно как в кошмарном сне, события совершаются стремительно и бессвязно, и так же как во сне, все представляется почти реальным.

Сам Онеггер так пояснял название своей третьей «Литургической» симфонии (1946). «Я назвал свою симфонию «Литургической», хотя в ней нет никакой темы из грегорианских песнопений. Я заимствовал из литургии только тексты, которые могли служить пояснением моих замыслов. Первая часть называется День гнева. Это взрыв сил ненависти, которые все уничтожают и не оставляют ничего кроме развалин и разрушений. Вторая - Из глубины взываю - это мольба, обращенная к высшей силе, которой воздеваешь руки, которой хочешь отдать все, что только сохранилось чистого и благородного в глубине души. Третья часть, «Даруй нам мир», описывает неумолимое нарастание порабощенности человека, полную утрату им свободы, что и заставляет его кричать от отчаяния. Моя симфония завершается утопическим представлением того, чем могли бы быть жизнь в братстве и любви».

Билет 12

1. Творческая эволюция И. Стравинского

Стравинский Игорь Федорович (1882-1971), русский композитор. Пробовал сочинять музыку, не имея специального образования, и лишь в двадцатилетнем возрасте начал брать уроки композиции у Римского-Корсакова. В 1905 опубликовал симфонию, написанную в академическом стиле. Под влиянием Римского-Корсакова обратился к русскому музыкальному фольклору. Его первое крупное произведение, пронизанное национальными мотивами, появилось после встречи с Сергеем Дягилевым - прославленным балетным импресарио, готовившим ряд спектаклей русского балета в Париже. По его заказу Стравинский написал одну из самых блестящих своих партитур - балет по русской сказке Жар-птица (1910). В следующем году был завершен еще один балет - Петрушка, где в живых и достоверных образах воссозданы картины русской масленицы. Музыкальный язык Жар-птицы и Петрушки еще сохраняет связь с прежней традицией, но уже в третьем балете - Весна священная (1913), действие которого происходит в древней языческой Руси, Стравинский порывает с музыкальной традицией, свободно используя неразрешенные диссонансы и постоянно меняющиеся ритмы невероятной сложности. С тех пор имя Стравинского стало символом ультрасовременных тенденций в музыке. Перед началом Первой мировой войны композитор покинул Россию. До 1939 жил во Франции, затем поселился в США. Добровольное изгнание стало причиной постепенного исчезновения из музыки Стравинского элементов русского фольклора. (Свадебка)

В более поздних сочинениях уже прослеживается поворот к классицизму и религиозной тематике (балет Аполлон Мусагет 1927).

В этот же период композитор создает балеты Пульчинелла 1920, на темы Перголези) и Поцелуй феи (1928), на темы Чайковского. Наиболее полно художественный аскетизм Стравинского проявился в Царе Эдипе 1927, опере-оратории на латинский текст; скупыми техническими средствами композитор достигает необычайного драматизма.

В 1951 Стравинский написал оперу Похождения повесы, по серии нравоучительных гравюр Уильяма Хогарта - сочинение, которое знаменует еще одну стилистическую линию его творчества: элементы комедии, моралите и мелодрамы сливаются в шутливо-назидательное целое. Возможно, наиболее примечательным этапом творческой эволюции Стравинского (уже перешагнувшего 70-летний рубеж) стало освоение им 12-тоновой (додекафонной) системы композиции, которую использовали Арнольд Шёнберг и Антон Веберн. В этом стиле созданы балет Агон для 12 танцовщиков.

Умер Стравинский в Нью-Йорке 6 апреля 1971. Его влияние на музыку 20 в. огромно. Такие шедевры, как Весна священная, вошли в основной репертуар оркестров многих стран мира.

2. Симфоническое творчество А. Онеггера

Композитор подпадает под растущее влияние Игоря Стравинского, музыку которого он в дальнейшем глубоко изучал и в 1939 году написал о ней большое эссе. В этот период Онеггер сочиняет музыку для театра и кинематографа, а также многочисленные камерные и оркестровые сочинения. Известность пришла к Онеггеру с музыкой к пьесе швейцарского драматурга Рене Моракса «Царь Давид», написанной в 1921 году и три года спустя переработанной в ораторию. В 1923 году Онеггер создаёт наиболее известное своё оркестровое сочинение: «Симфонический движение» «Пасифик 231», посвящённый одноимённому паровозу; позднее будут написаны ещё два сочинения в том же жанре: «Регби» и «Симфоническое движение № 3». Композитор ведёт активную концертную деятельность, не переставая сочинять музыку. Во время оккупации Франции фашистской Германией Онеггер отказался покинуть Париж и продолжал сочинять. В своих произведениях этого времени композитор отразил своё отношение к сложившейся ситуации. Знаковым сочинением этого периода является созданная в 1941 году Вторая симфония для струнного оркестра с трубой, три части которой символизируют смерть, скорбь и освобождение. Ряд сочинений Онеггера открывают его глубокую религиозность (композитор был протестантом) - оратории «Царь Давид» и «Жанна д'Арк на костре»

3. Театральные опусы Д. Д. Шостаковича

Появление кино- и театральной музыки ("Новый Вавилон" 1929), "Златые горы" 1931, спектакли "Клоп" 1929 и "Гамлет" 1932) связано с формированием новых образов, особенно социальной карикатуры. Продолжение этого было найдено в опере "Нос" (по Н.В. Гоголю 1928) и в опере "Леди Макбет Мценского уезда" ("Катерина Измайлова") по Н.С. Лескову (1932).

Билет 13

1. Творчество композиторов группы «Шести»

Шестёрка - название дружеского объединения французских композиторов, объединившихся под эгидой Эрика Сати и Жана Кокто. Название и состав группы был отобран Жаном Кокто, предложен в 1920 г. музыкальным критиком Анри Колле, вызвал резонанс и закрепился в истории музыки. Все члены «группы Шести» неоднократно в своей жизни заявляли о условности этого объединения, сделанного в чисто рекламных, газетных целях. Так, по чистой случайности в группу не был «посчитан» Жак Ибер и Ролан-Манюэль. Композиторы Шестёрки, как и русские композиторы полувеком раньше, заявляли о своём намерении отстаивать национальную специфику музыкального языка против иностранных влияний - в данном случае, против позднего вагнерианства и шёнберговской атональности. Разных по творческим установкам композиторов объединяли стремление к новизне и одновременно к простоте, а также воинствующее неприятие музыкального импрессионизма. Совместные акции «Шестёрки» были немногочисленны. В 1921 г. они опубликовали «Альбом Шестёрки» - сборник пьес для фортепиано соло, включавший произведения всех шести композиторов. В том же году пять композиторов из шести (кроме уехавшего в тот момент из Парижа Дюрея) участвовали в работе над музыкой к балету «Новобрачные на Эйфелевой башне» по либретто Кокто. В дальнейшем авторы Шестёрки работали индивидуально и встретились все вместе только спустя тридцать лет.

2. Поздний период творчества Стравинского

Додекафония (12-тизвучие), в эти последние годы творческой деятельности усиливаются траурные и религиозные настроения, композитор отдаёт предпочтения камерным и вокально-инструментальным жанрам. Резко сокращается число крупных произведений

3. Симфонические произведения Белы Бартока

Два концерта для скрипки с оркестром, симфоническая поэма «Кошут». Среди сочинений 30-х годов, рядом с блестящим Скрипичным концертом, центральное место занимает "Музыка для струнных, ударных и челесты" - одно из самых выдающихся симфонических произведений ХХ века.

Барток ограничил себя струнным составом оркестра, посадив слева и справа от дирижера поделенную надвое струнную группу, а в центре фортепиано, арфу, литавры, другие ударные и челесту.

I часть - строго традиционная фуга, медленная музыка задумчивого характера. С нею контрастирует по темпу и характеру II часть, Аллегро, написанное в сонатной форме. В следующей части Барток как бы переносит в условия современной музыки листовские приемы рапсодического "сказывания", импровизирование. Здесь много колористических неожиданностей: glissando литавр. В финальной части "Музыка" с наибольшей определенностью звучит по-венгерски; она пришла на родную почву. "Музыка для струнных, ударных и челесты" написана по заказу Базельского камерного оркестра в ознаменование его 10-летия. С тех пор (1936) она прочно закрепилась в репертуаре ведущих симфонических оркестров мира, в том числе и советских оркестров. В 1943 году возникает одно из величайших творений Бартока - Концерт для оркестра, сочиненный по заказу Бостонского оркестра и впервые исполненный в декабре 1944 года. По существу, это пятичастная симфония для большого оркестра

Билет 14

1. Творчество Франсиса Пуленка

Оперы «Груди Терезия» (1947), «Диалоги кармелиток» (1957), «Человеческий голос» (1959). Балеты «Лани» (1924, точнее было бы переводить «Козочки» или «Милашки», поскольку речь идёт о легкомысленных девушках), «Примерные звери» (1942). Кантаты «Stabat mater» (1950), «Засуха», «Лик человеческий» (1943), «Бал-маскарад», Негритянская рапсодия для фортепиано, флейты, кларнета, струнного квартета и голоса (1917). Два марша и интермедия для камерного оркестра (1938). Два интермеццо для фортепиано (1934) № 1 (C-dur) № 2 (Des-dur). Концерты: «Утренняя серенада», концерт-балет для фортепиано и 18 инструментов (1929), Сельский концерт для чембало (клавесина) и оркестра (1938), Концерт для 2 фортепиано с оркестром (1932), Концерт для органа, струнного оркестра и литавр (1938). Вокальные циклы «Бестиарий» на стихи Аполлинера и «Кокарды» на стихи Кокто (1919), Пять романсов на стихи Ронсара, Озорные песни и др.

2. «Рапсодия в стиле Блюз» - Гершвин

Одно из самых известных произведений Джорджа Гершвина. Рапсодия была впервые исполнена автором 12 февраля 1924 в Нью-Йорке в сопровождении оркестра Пола Уайтмана. Пьеса была заказана Уайтманом начинающему тогда композитору и музыканту Гершвину 5 января 1923, как эксперимент по созданию нового музыкального стиля, сочетающего джаз и классическую музыку. Произведение должно было называться «Американская рапсодия», известное нам название было подсказано братом композитора Айрой Гершвином. «Рапсодия в блюзовых тонах» стала визитной карточкой Гершвина. Ныне она с равным успехом исполняется музыкантами и академического и джазового направлений.

3. Фортепианные произведения Равеля.

Часть фортепианной сонаты (1888), утрачена; Вариации на тему Грига («Смерть Озе») для фортепиано (1888); Вариации на тему Шумана Серенада-гротеск для фортепиано (1892-1893); Старинный менуэт для фортепиано (1895); Хабанера для двух фортепиано (1895); Парад для фортепиано (1896); Среди колоколов для двух фортепиано (1897); Вальс ре мажор для фортепиано (1898); Павана на смерть инфанты для фортепиан, (Ночные бабочки, Печальные птицы, Лодка в океане, Альборада, или Утренняя серенада шута, Долина звонов);

Билет 15

1. Фольклорные течения в музыке первой половины XX века и творчество Белы Бартока

Многие композиторы в поисках вдохновения снова и снова обращаются к народной музыке. Бела Барток - венгерский композитор, изучал крестьянский фольклор (венгерский, румынский, словацкий, турецкий и др.) и соединил фольклорный мелос с приёмами музыкального авангарда, став одним из наиболее глубоких и влиятельных новаторов в музыке XX века. Их американские коллеги, начали привлекать свою собственную родную музыку - джаз. Ведущими американскими композиторами в этом направлении были Джордж Гершвин и Дюк Эллингтон. Глинка буквально вывел русскую музыку из тени, обозначив её главные пути - опору на русский фольклор и глубокую реалистичность высказывания. В творчестве Бородина отчётливо проходит тема величия русского народа, любви к родине, свободолюбия. Музыка его отличается эпической широтой, мужественностью, в то же время глубоким лиризмом. Как и все композиторы-«кучкисты», Бородин опирался на богатый и разносторонний русский фольклор, заимствуя из него интонационные и ритмические обороты для создания собственных уникальных тем в народном духе. Римский-Корсаков был самым молодым членом «Могучей кучки» - содружества пяти русских композиторов - Балакирева, Мусоргского, Бородина, Кюи и самого Римского-Корсакова - чьими задачами были создание самобытной русской музыки, возрождение русского песенного фольклора, борьба за демократизацию искусства.

Произведения Белы Бартока - Соната для 2-х фортепиано и ударных, произведение, в своем роде уникальное, ибо такого типа камерный ансамбль появляется впервые. В конце 30-х годов Барток закончил огромный труд одиннадцати лет, названный им "Микрокосмосом" и состоящий из 153-х пьес для фортепиано разной степени трудности и сложности. «Микрокосмос» являет собой уникальную в фортепианной литературе антологию творчества композитора в одном жанре. Концерт для фортепиано № 3 (1945). Одноактная опера «Замок герцога Синяя Борода» (1918). Вслед за первой оперой появляется и первый балет - «Деревянный принц». В 1918-19 годах Барток пишет свой второй балет - «Зачарованный Мандарин».

2. Альфред Шнитке(1934-1998)

Представитель отечественного авангарда (послевоенного), типичный «шестидесятник». Открыватель новых звуков, миров, продолжатель великих традиций предшественников.

Мышление историческими стилями.

Отличительная черта: философская основа, концептуальность и интеллектуализм. Высокая духовность, стремление к значительным нравственно-эстетическим проблемам делают композитора продолжателем лучших традиций русской культуры. Воплощая в своей музыке трагизм и дисгармоничность современности, композитор обращается к осмыслению вечных вопросов бытия.

Выдвинул концепцию «полистилистики» - художественное соединение разных стилевых моделей в одном произведении.

Советский и российский композитор, теоретик музыки и педагог (автор статей о русских и советских композиторах), один из наиболее значительных музыкальных деятелей второй половины XX века. Заслуженный деятель искусств РСФСР (1987). Музыкальное образование для А. Г. Шнитке началось в 1946 году в Вене. С 1961 по 1972 год Шнитке преподавал в МГК имени П. И. Чайковского. В последующие несколько лет зарабатывал себе на жизнь в основном сочинением музыки к фильмам. В 1990 году композитор вместе с семьёй переехал в Германию. Начал преподавать в Гамбургской консерватории.

Творчество А. Г. Шнитке характеризуется концептуальностью замыслов, масштабностью, экспрессией, типичны сложно дифференцированная оркестровая и ансамблевая фактура, полистилистика, системы цитат. Заметно преобладание инструментальных жанров.

Оперы: 1962 - Одиннадцатая заповедь. Не оркестрована; 1991 - Жизнь с идиотом. Балеты: 1971 - Лабиринты. Балет в 5 эпизодах. Либретто В. Васильева; 1985 - Эскизы. Хореографическая фантазия по мотивам Гоголя.

Симфонии: 1957 - Симфония «нулевая» в 4 частях; 1972 - Симфония № 1 в 4 частях;

3. «Воццек» опера Берга

Экспрессионистская опера австрийского композитора Альбана Берга в трёх действиях (15 картинах), признающаяся одной из вершин оперного искусства XX века. Премьера оперы состоялась 14 декабря 1925 года в Берлинской государственной опере. Первая опера Альбана Берга, работа над которой началась в 1914 году и продолжалась до апреля 1922 года (первый акт был закончен лишь летом 1919), частично основана на личных впечатлениях композитора от военной службы во время Первой мировой войны. Опера является характерным экспрессионистским сочинением. Музыка ее атональна, в ней использованы особо острые выразительные средства темброво-ритмического порядка, напряжённые сценические ситуации и поэтические тексты. Премьера оперы состоялась 14 декабря 1925 года в Берлинской государственной опере. До конца 1936 года «Воццек» был поставлен в 29 городах 166 раз на немецком, чешском, русском и французском языках. Впервые в СССР «Воццек» был поставлен в 1927 году. Главную партию исполнял бас-баритон Михаил Бочаров.

Билет 16

1. Творчество С. С. Прокофьева. (см. билет № 10 вопрос 2)

2. Балетные партитуры Равеля

Равелю подвластна стихия танцевальных ритмов разных времён, что нашло отражение в «танцевальных» сочинениях - балет (хореографическая симфония) «Дафнис и Хлоя» (на либретто М. М. Фокина, 1912), «Моя матушка-гусыня» (1912), «Болеро», «Благородные и сентиментальные вальсы» (для фортепиано, 1911) и др.

3. Оперы И. Стравинского

«Соловей», опера в трёх действиях (1908Ї1914), по сказке Андерсона, ставил Дягилев; «Мавра», комическая опера в одном действии (1921Ї1922), по иронической поэме Пушкина «Домик в Коломне», Стравинский посвящает ее Пушкину, Глинке, Чайковскому; «Царь Эдип», опера-оратория для чтеца, голосов, мужского хора и оркестра (1926Ї1927), по трагедии Софокла, либретто на латыни; «Похождения повесы», опера в трёх действиях с эпилогом (1947Ї1951), по гравюрам Уильяма Хогарта, 19 века; «Потоп (опера)», библейская опера для солистов, актёров, чтеца и оркестра (1961Ї1962).

Билет 17

1. Творчество Оливье Мессиана

Творчество Мессиана представляет самостоятельную, независимую от каких-либо школ и направлений область современной музыки (начиная с 30-х гг.).

В сочинениях Мессиана нашли отражения теологические идеи и искания (фортепианные циклы «20 взглядов на младенца Иисуса», оркестровое сочинение «3 маленьких литургии божественного присутствия», оба - 1944)

Первый опыт тотального сериализма в музыке -- пьеса Мессиана «Лад длительностей и интенсивностей 1949, из цикла «Четыре ритмических этюда».

Вся музыка представляет собой последовательность серий из определенных нот, длительностей этих нот и их же громкости, и ни один из элементов серии не может повториться, пока не проиграются все остальные.

Идея была подхвачена композиторами Дармштадтской школы.

В определённом смысле эта пьеса осталась в творчестве Мессиана особняком -- как радикальный творческий эксперимент.

Автор монументальной оперы «Святой Франциск Ассизский» (1983). Концертировал как органист и пианист (исполнитель собственных сочинений); блестящий импровизатор.

2. Симфонии Прокофьева

7 симфоний; Алла и Лолий , Петя и волк, вокально-симфонические произведения «Зимний костер»

3. «Море» Дебюсси

Три симфонических эскиза ( 1903- 1905), посвященные поздней любви, жене Дебюсси

Замысел «Моря» относится к августу 1903 года.

1."Прекрасное море у островов Сангинер"

2. "Игры волн";

3. "Ветер заставляет море плясать"».

Еще в самом начале работы, в 1903 году, он решил, что дирижировать «Морем» будет Камилл Шевийяр, первый исполнитель «Ноктюрнов». Однако «Море» не удалось дирижеру. Премьера 15 октября 1905 года в Париже, в Концертах Ламурё, успеха не имела и вызвала длительную дискуссию о новом сочинении. Подлинное рождение «Моря» состоялось лишь 19 января 1908 года под управлением самого Дебюсси в Концертах Колонна. Это был дирижерский дебют композитора.

«Море» -- самое крупное из оркестровых сочинений Дебюсси, хотя и обозначенное автором как «три симфонических эскиза». Последний термин указывает не на фрагментарность, а на связь музыки с живописью, как это свойственно и другим произведениям композитора. В отличие от трех «Ноктюрнов», совершенно самостоятельных, «три эскиза» представляют собой части единого целого и не могут исполняться по отдельности. Не случайно некоторые исследователи считают «Море» симфонией, состоящей из медленной части, скерцо и финала.

Размещено на Allbest.ru