Коллекция картин импрессионистов и постимпрессионистов в Эрмитаже

Министерство образования и науки Российской Федерации

Санкт-Петербургский государственный Университет технологии и дизайна

Кафедра химической технологии дизайна текстиля.

Специальность: 070601.65 - промышленный дизайн текстиля

Отчет по практике.

«Коллекция картин импрессионистов и постимпрессионистов в Эрмитаже»

Студентка группы: 2-хд-4

Преподаватель:

кандидат искусств - доцент

Митрофанова Н.Ю.

Санкт-Петербург 2008

Содержание

Введение

История создания коллекции картин Эрмитажа импрессионистов и постимпрессионистов

Импрессионизм

Постимпрессионизм

Ван Гог

Заключение

Список литературы

Введение

Тема отчета - «Коллекция картин импрессионистов и постимпрессионистов в Эрмитаже». Коллекция импрессионистов и постимпрессионистов в Эрмитаже является одной из самых богатейших в мире. Важными источниками пополнения фондов во второй половине столетия становятся дарения и закупки у отечественных коллекционеров Эрмитаж обладает крупнейшей коллекцией живописи французских импрессионистов и постимпрессионистов. была собрана на рубеже XIX и XX столетий двумя меценатами С.И. Щукиным и И.А.Морозовым. Обладая тонким чутьем, они смогли предугадать, какую роль сыграют импрессионисты в истории искусства.

Собрание насчитывает восемь картин Клода Моне ("Дама в саду", парные панно "Уголок сада в Монжероне" и "Пруд в Монжероне" и др.), шесть произведений Пьера Огюста Ренуара ("Портрет артистки Жанны Самари", "Девушка с веером" и др.) одиннадцать полотен Поля Сезана ("Берега Марны", "Натюрморт с драпировкой", "Фрукты" и др.) пастели Эдгара Дега, четыре произведения Винсента Ван Гога. ("Куст", "Хижины" и др.). Искусство Поля Гогена представлено пятнадцатью картинами, ("Таитянские пасторали", "Женщина держащая плод" и др.). Среди тридцати семи работ Анри Матисса такие всемирно известные произведения как: "Красная комната", "Танец", "Музыка". Тридцать семь картин Пабло Пикассо относятся к ранним периодам его творчества: розовому, голубому , кубистическому ("Любительница абсента", "Свидание", "Мальчик с собакой", "Женщина с веером" и др.). Девять работ Огюста Родена крупнейшего скульптора второй половины XIX- начала XX века включают произведения в мраморе, бронзе, гипсе ("Вечная весна", "Грешница", "Бронзовый век" и др.)

Для того чтобы раскрыть тему необходимо решить ряд задач. Во-первых, рассмотреть историю создания, в частности рассмотреть особый вклад в ее создание двух меценатов - Морозова и Щукина. Во-вторых, изучить само движение импрессионистов и постимпрессионистов, зародившееся во Франции, понять особенности их живописи и выделить наиболее выдающихся художников этого направления. В-третьих, описать биографию одного из представителей этих направлений, в данной курсовой работе - Поля Сезанна.

Чтобы решить ряд задач, необходимо обратиться к литературе. В книге «Импрессионисты» Габриэле Крепальди последовательно описывается про выставки импрессионистов и непосредственно их инициаторов. А также описывается реакция критики на выставки и приводятся цитаты публикаций. В «Энциклопедии для детей. Искусство» в одной из статей описывается история создания коллекции в Эрмитаже С.И. Щукиным и И.А. Морозовым. Книга «Государственный Эрмитаж» П.Ф.Губчевского так же описывает эту коллекцию. Книга «Импрессионизм. Иллюстрированная энциклопедия» И. Мосина состоит из кратких биографий художников, коллекционеров и критиков. Также использовалась информация с различных информационных сайтов.

История создания коллекции картин Эрмитажа импрессионистов и постимпрессионистов

В краткой справке трудно охарактеризовать исключительное богатство и многообразие хранящейся в Эрмитаже коллекции произведений французского искусства. Она охватывает огромный, почти пятисотлетний период, от ранних памятников французского Возрождения до картин художников XX в. Превосходные творения выдающихся живописцев и скульпторов ярко характеризуют различные стили и художественные направления, все основные этапы развития изобразительного искусства Франции. Гобелены, ткани, кружева, художественная мебель, фаянс и фарфор, изделия из серебра, золота и бронзы - весь этот необычайно богатый комплекс памятников прикладного искусства дает широкое представление о культуре страны, помогает верно уяснить взаимодействие различных видов искусства. Выставка «Искусство Франции XV - начала XX в.», занимающая 39 залов, является самой большой в мире за пределами самой Франции. При последовательном осмотре нужно иметь в виду, что первая половина экспозиции, посвященная искусству XV - XVIII вв., размещена в залах II этажа, а произведения XIX - начала XX в. находятся в помещениях III этажа.

Произведения художников импрессионистов занимают весьма значительное место на выставке (залы №№ 107, 108). Выдающиеся живописцы этого направления - Моне, Писсарро, Сислей, Ренуар - представлены многими первоклассными картинами. Протестуя против рутины и фальши салонно-академического искусства, импрессионисты обратились к непосредственному изображению окружающего мира. Работая только с натуры, чаще всего на открытом воздухе, в своих сельских и городских пейзажах, сценах повседневной жизни и портретах они стремились запечатлеть непрестанную тягучесть и изменчивость природы, превосходно передавали воздушную среду, солнечный свет и тончайшие изменения цветовых отношений. Колористическая свежесть картин импрессионистов, написанных насыщенными и чистыми тонами, цветные прозрачные тени и множество выработанных вновь живописных приемов, точно и верно передающих оптическое восприятие, явилось ценным вкладом, обогатившим и расширившим возможности живописи. Однако исключительная сосредоточенность только на цветовом восприятии мира, отказ от раскрытия смысловой стороны и идейной значимости различных жизненных явлений скоро привели импрессионистов ко внутреннему объединению создаваемых ими образов. Не случайно методы импрессионизма оказались недостаточными для глубокого психологического раскрытия индивидуальности человека, показа событий величайшего общественного значения. В искусстве импрессионистов почти вовсе нет сюжетной живописи, ставящей значительные социальные, этические или моральные темы, - и это несмотря на исключительную остроту общественных конфликтов их времени.

В художественных взглядах мастеров следующего поколения субъективистские тенденции получили дальнейшее развитие и привели к формалистическим исканиям художников XX в. Следует отметить, что эрмитажное собрание работ Сезанна, Гогена, Марке, Боннара, Матисса, Пикассо и других мастеров конца XIX - первой половины XX в. настолько обширно, что по справедливости может быть отнесено к лучшим мировым коллекциям, даже с учетом имеющихся в самой Франции.

Особенные заслуги в собирании произведении мирового искусства имеют московские купцы и предприниматели Сергей, Петр и Дмитрий Щукины, Иван и Михаил Морозовы, которые составили собственные коллекции импрессионистов и их продолжателей. С.И.Щукин на основе своей коллекции в 1909 г. открыл общедоступную, бесплатную для посетителей художественную галерею в Б.Знаменском переулке вблизи Арбата, в бывшем дворце кн.Трубецких, который был куплен его отцом у разорившихся аристократов.

Сергей Иванович Щукин (1854-- 1936) получил высшее образование в коммерческой академии в Германии и в 1890 г. возглавил семейное предприятие -- Торговый дом «Иван Щукин с сыновьями». Этого талантливого и энергичного предпринимателя партнёры прозвали «дикобразом» за упрямство в торговых сделках. После женитьбы Щукин поселился в Большом Знаменском переулке, в особняке, известном в Москве как бывший дворец князей Трубецких. В доме Щукиных желанными гостями всегда были художники, музыканты, актёры. Собрание С.И.Щукина создавалось в 1898-1918 г.г. и прошло через ряд этапов, когда приобретались последовательно коллекции работ импрессионистов, постимпрессионистов, фовистов, группы Наби, кубистов. Однако ряд полотен был куплен, как только они появлялись у парижских маршанов, торговцев живописными полотнами (как правило, больших знатоков искусства).

Начало своей знаменитой коллекции Щукин положил в 90-х гг. XIX в., когда заинтересовался современной западной живописью. Он часто бывал в Париже и в один из приездов приобрёл работу французского импрессиониста Клода Моне «Сирень на солнце». Первая картина Моне, оказавшаяся в России, произвела огромное впечатление на ценителей-профессионалов -- московских живописцев. Однако широкая публика не только в России, но и на родине импрессионизма, во Франции, ещё не понимала, а иногда не желала понимать такую живопись. Щукин, обладая тонким чутьём, смог предугадать, какую роль сыграют импрессионисты в истории искусства.

Вскоре в коллекции русского мецената появились полотна, ныне ставшие классикой: «Портрет Жанны Самари» и «Девушки в чёрном» Огюста Ренуара , «Стог сена» и «Бульвар Капуцинок» Клода Моне , картины Камиля Писсарро , Эдгара Дега . С 1903--1904 гг. Щукин начал собирать работы Поля Сезанна , Поля Гогена , Винсента Ван Гога , Пабло Пикассо , которые привлекли коллекционера своей необычностью. Сам он говорил: «Если, увидев картину, ты испытываешь психологический шок, -- покупай её».

С творчеством Анри Матисса Щукин впервые познакомился в 1905 г. на выставке в Париже и с тех пор оставался неизменным покупателем его полотен. В 1910 г. Матисс выполнил два живописных панно для особняка Щукина -- «Музыка» и «Танец», а в 1911 г. художник приезжал в Москву.

В 1908 г. Щукин составил завещание, по которому вся его богатейшая коллекция переходила в собственность города. Уникальная коллекция Щукина к моменту большевистской революции 1917 года насчитывала 225 работ и давала полное представление о развитии французской живописи, начиная с 1870-х годов и вплоть до кубизма. Щукин непосредственно заказывал декоративные панно для своего дома у таких мастеров, как Боннар, Виллард и Матисс.

У Щукина был прекрасный вкус. Матисс и Пикассо как-то рассказывали Илье Эренбургу, что, приходя в студию художника, Щукин моментально подмечал самые удачные работы. Не кто иной как Щукин, который верил в будущее французских художников-авангардистов начала XX столетия.

« В 1918 г. было решено превратить особняк в Большом Знаменском переулке в музей современного искусства. А бывшему хозяину разрешили поселиться в домике привратника. До отъезда из России в 1919 г. он водил экскурсии по музею.

Иван Абрамович Морозов (1871--1921) закончил Цюрихский политехникум (Швейцария) и, вернувшись в Россию, вступил в управление семейной фирмой -- Товариществом Тверской мануфактуры бумажных изделий. Его старший брат Михаил Абрамович Морозов (1870--1903), преуспевающий промышленник, собрал большую коллекцию картин русских художников. Увлекался он и западноевропейским искусством. После его смерти в 1903 г. Иван Морозов продолжил дело брата. Постепенно собрание начало пополняться произведениями французских импрессионистов. Сильное влияние на Морозова оказал Сергей Щукин. Их интересы в области искусства совпадали, но они были не соперниками, а друзьями. Коллекция одного как бы дополняла коллекцию другого. Иван Морозов был на 17 лет моложе Щукина, но их интересы во многом совпадали. Как и Щукин, Морозов руководствовался не материальными соображениями. Эстет по натуре, он тоже покупал только те работы, которые ему нравились, и не только в парижских галереях, но зачастую непосредственно у художников в мастерских, которые он регулярно посещал. К 1917 году коллекция Морозова насчитывала 135 картин и скульптур.

Морозов очень основательно и вдумчиво подходил к составлению своего собрания. Он любил Пьера Боннара , и в его коллекцию вошло больше тридцати произведений этого живописца. Морису Дени Морозов заказал серию декоративных работ для украшения концертного зала в своём московском особняке на улице Пречистенке. После того как Щукин познакомил Морозова с Матиссом, коллекцию украсили три пейзажа, привезённые художником из путешествия по Африке. Вскоре Морозова заинтересовали яркие полотна Гогена, написанные на Таити («Пейзаж с павлином», «Женщина, держащая плод», «Чудесный источник»). Позднее в доме на Пречистенке появились и картины Ван Гога («Пейзаж в Овере после дождя», «Красные виноградники в Арле», «Прогулка заключённых»).»

После революции коллекции Щукина и Морозова были экспроприированы и позднее оказались в коллекциях Эрмитажа и Пушкинского музея. Эти коллекции хранились в запасниках, поскольку современное французское искусство в СССР, считалось неподходящим для развития вкуса советского человека. И только в средине 50-х годов сокровища Щукина стали вновь обретать заслуженное внимание.

Сергей Иванович Щукин покинул Россию после революции и скончался в Париже в 1936 году в возрасте 81 года, так никогда больше и не увидев своей коллекции.

Иван Морозов одно время работал в новом государственном музее, и ему даже поручили составить каталог своей бывшей коллекции. Он скончался в Чехословакии в 1921 году в возрасте 50 лет.

Сегодня шедевры, собранные С. И. Щукиным и И.А. Морозовым, составляют гордость крупнейших российских музеев -- Эрмитажа и Музея изобразительных искусств имени А. С. Пушкина.

Импрессионизм

От французского impression - впечатление. Художественное направление в европейском искусстве последней трети XIX в., зародившееся во Франции. Первоначально развивалось в живописи, затем распространилось на другие виды искусства. Творческий метод импрессионизма - субъективное отражение внешних, случайных пространственно-временных моментов действительности. Мастера этого направления пытались непредвзято и как можно более естественно и свежо запечатлеть мимолетное впечатление от быстро текущей, постоянно меняющейся жизни, точно так же, как это делают фотографы в своих работах. В этом импрессионизм смыкается одновременно с натурализмом и субъективизмом, в результате импрессионистический метод приводит к отрицанию композиции и разложению художественной формы на составляющие ее элементы.

Термин импрессионизм родился случайно. Поводом послужило название пейзажа К.Моне "Впечатление. Восход солнца", появившегося на выставке импрессионистов 15 апреля 1874 г. в Париже на бульваре Капуцинок. Это первое публичное выступление 30 молодых художников, объединившихся вокруг Э.Мане (в него входили К.Моне, Э.Дега, О.Ренуар, А.Сислей, К.Писсарро и другие), было встречено официальной буржуазной критикой грубыми насмешками и травлей. Картины их были отвергнуты официальным жюри Салона. Центральным произведением этой выставки явилась картина Клода Моне "Впечатление. Восход солнца". Один из репортеров, которых было великое множество на этой скандальной выставке, Луи Леруа, сотрудник "Шаривари", презрительно назвал Моне и его товарищей "импрессионистами". Впоследствии это ироничное имя закрепилось за художниками и очень быстро потеряло свой первоначальный отрицательный смысл. «За четыре недели, пока была открыта выставка, ее посетили три с половиной тысячи человек. В финансовом отношении итоги выставки были более чем скромными: несмотря на приемлемые цены, проданных картин было мало».

Большое влияние на импрессионистов оказало творчество Э.Делакруа, в частности, его нетрадиционный способ использования красок, а также реализм Г.Курбе и пейзажи Дж.Констебла. Но самое большое впечатление на импрессионистов произвели работы Э.Мане, с которым они часто беседовали о новых формах живописи, о возможностях, которые открывало перед художниками рождение фотографии, и особенностях восприятия человеческого глаза.

Уже с конца 1880-х годов формальные приемы их живописи были подхвачены представителями академического и салонного искусства, что дало повод Дега с горечью заметить: "Нас расстреливали, но при этом обшаривали наши карманы".

Стремясь к максимальной непосредственности и точности в передаче зримого мира, они стали писать преимущественно на открытом воздухе и подняли значение этюда с натуры, почти вытеснившего традиционный тип картины, тщательно и неспешно создаваемой в мастерской. "Импрессионизм - это в первую очередь достигшее невиданной утонченности искусство наблюдения реальной действительности" (В. Н. Прокофьев).

Последовательно просветляя свою палитру, импрессионисты освободили живопись от землистых и коричневых лаков и красок. Условная, "музейная" чернота в их полотна уступает место бесконечно многообразной игре рефлексов и цветных теней, причудливая игра солнечных "зайчиков" на самых обычных предметах. Они неизмеримо расширили возможности изобразительного искусства, открыв не только мир солнца, света и воздуха, но также красоту лондонских туманов, беспокойную атмосферу жизни большого города, россыпь его ночных огней и ритм непрестанного движения.

В силу самого метода работы на пленэре пейзаж, в том числе открытый ими городской пейзаж, занял в искусстве импрессионистов очень важное место. В импрессионистических пейзажах, создаваемых на открытом воздухе, простой, будничный мотив часто преображается всепроникающим подвижным светом, вносящим в картину ощущение праздничности. Не следует, однако, полагать, что живописи их было свойственно только "пейзажное" восприятие действительности, в чем их нередко упрекали. Тематический и сюжетный диапазон их творчества был достаточно широк. Интерес к человеку, и в особенности к современной жизни Франции, в широком смысле был присущ ряду представителей этого направления. Его жизнеутверждающий, демократический в своей основе пафос отчетливо противостоял буржуазному миропорядку. В этом нельзя не видеть преемственности импрессионизма по отношению к основной линии развития французского реалистического искусства XIX века. Дега, например, изображал скачки, балерин и прачек, а Ренуар - очаровательных женщин и детей. В отдельных приёмах импрессионистского построения композиции и пространства ощутимо влияние японской гравюры и отчасти фотографии. Импрессионисты впервые создали многогранную картину повседневной жизни современного города, запечатлели своеобразие его пейзажа и облик населяющих его людей, их быта, труда и развлечений.

Художники стали использовать принципиально новую технику письма, при которой краски на мольберте не смешивались, а накладывались на полотно кистью в виде отдельных мазков. Они понимали, что снег не просто белый, трава зеленая, тени черные, а все это состоит из множества цветных точек, и только человеческий глаз, сливая их воедино, создает целостное цветовое полотно. Поэтому, чтобы составить себе представление о картине, работы импрессионистов следует смотреть с небольшого расстояния, а не вблизи. При таком восприятии четкие раздельные мазки плавно переходят друг в друга, и создается ощущение динамики. Получается, что объемные формы постепенно растворяются в окутывающей их световоздушной оболочке. Очертания становятся зыбкими, и возникают постоянно рождающиеся и вечно длящиеся движения. Подобные картины не имеют четкой композиции, каждая из них является отдельной частью, кадром целого изменчивого мира.

Основными структурными элементами становятся фрагментарность, рискованный ракурс, срезанные, как бы случайно попавшие в кадр фигуры. Все части картины возникают в одно время, поэтому они равнозначны. Асимметрия, случайность или неуравновешенность таковой только кажется. В жанровом отношении у импрессионистов нет четких границ: быт перемешан с портретом.

В начале 1876 года была проведена вторая выставка импрессионистов в залах галереи на улице Пелетье. Снова художники не могли выбрать название для своей группы, и на афише был дан нейтральный текст «Выставка, сделанная группой художников». Она проходила с 30 марта по 30 апреля 1876 года. Из 30 участников первой выставки остались только 12.

И вновь критики как один без устали упражнялись в иронии и сарказме, направляя свои стрелы на импрессионистов и их живопись. Вопреки всякой логике, их искусство клеймили даже за служение политическим идеалам. Альберт Вольф в газете «Фигаро» писал: «Эти самоучки присвоили себе титул импрессионистов; они берут холст, краски и кисть, бросают на полотно несколько случайных тонов и ставят подпись. Это ужасающее зрелище человеческого тщеславия, доходящего до грани сумасшествия». Но в сентябре того же года в лондонском журнале «Арт мансли ревью» вышла большая подробная статья Стефана Малларме, названная им «Импрессионисты и Эдуард Мане». В спокойном и объективном тоне он проанализировал «доктрину» импрессионистов: их решение работать на открытом воздухе и черпать вдохновение в событиях современной жизни, а не в древней истории и далеких мифах.

Затем прошли третья (1877), четвертая (1878-1879) и пятая выставки (1880). Благожелательных отзывов в прессе по-прежнему было мало. Большинство критиков и публики выражали открытую неприязнь. Но как бы то ни было, «импрессионисты» без колебаний продолжали изо дня в день заниматься творчеством.

В начале 1881 года импрессионисты снова собрались вместе, чтобы организовать свою очередную, уже шестую выставку, но расхождения во взглядах на задачи группы становятся все острее и заметнее. Не удалось убедить Ренуара и Моне вернуться в состав участников. Из девятнадцати фигурантов выставки 1880 года осталось только тринадцать. Но, как и в прошлые годы, покупателей на экспонируемые произведения по-прежнему было мало, и выручка от продаж была настолько мала, что в группе импрессионистов оставалось все меньше художников, усматривавших пользу в совместных экспозициях: большинство предпочитали ориентироваться на самостоятельные выставки или на участие в Салоне. Несмотря на это 1 марта 1882 года была открыта седьмая выставка импрессионистов на улице Сент-Оноре и продолжалась целый месяц. Девять участников представили 204 произведения. Несмотря на разочарование, обусловленное явной неудачей, летом 1882 года был организован показ в Лондоне. Фредерик Уэдмор в газете «Стандарт» писал: «…импрессионистов пока что мало знают в Англии. Если сказать о них коротко: им нравится изображать то, что видит человеческий глаз, а не то, что реконструирует ум; а еще они прямо и критично смотрят на проблемы современной жизни и общества, в котором мы живем». И в 1881 и в 1882 году выставки были важны для импрессионистов хотя бы потому, что они засвидетельствовали достижение ими полной творческой зрелости - вершин мастерства, особенно в том, что касается использования цвета.

Воодушевленные положительной редакцией многих критиков в британской прессе импрессионисты организовали еще одну выставку в Лондоне в 1882 году. Были сняты более просторные помещения в галереях на Нью Бонд стрит. Этот показ получил самые благоприятные отзывы в прессе но, несмотря на это не удалось продать ни одного произведения.

Между 1883 и 1886 годами импрессионисты уже не выступали единой группой, фактически группы уже не существовало. Они остались друзьями, однако хорошо понимали, что их групповые выставки не дают результатов. Кроме того, 30 апреля 1883 года умер Мане. На протяжении двадцати лет он служил маяком для всех импрессионистов, его творчество давало им вдохновение и веру в собственные силы, он был поистине старшим братом для большинства, и эта потеря словно лишила их той опоры, которая заставляла их чувствовать себя единомышленниками в борьбе за новое искусство. С 6 по 28 января 1884 года большинство его шедевров были выставлены для публичного обозрения.

В 1886 году, когда шли приготовления к восьмой и последней выставке импрессионистов, состоялась еще одна выставка, которой было суждено заложить основу гораздо более прочного успеха. В Нью-Йорке с 10 апреля по 25 мая, в помещениях государственной Американской художественной ассоциации, был организован первый в Америке показ работ французской группы. Американской публике были представлены 300 работ девяти авторов, среди них: Дега, Мане, Моне, Писсарро, Ренуара, Сислея. Отзывы критиков были благоприятные, так что выставку даже перевезли в более просторное помещение рядом с Национальной академией рисунка, а срок ее действия продлили на несколько недель. Было продано около 20 процентов показанных работ.

А 6 мая 1889 года в Париже открылась Всемирная выставка. К ней был приурочен и ряд специальных экспозиций, включая ретроспективную выставку французского искусства за сто лет, с 1789 по 1889 год от Давида до импрессионистов. Последнюю группу представляли работы Мане, Моне, Писсарро и Сезанна. Картины импрессионистов стали восхвалять по поводу и без повода, как раньше клеймили и ругали.

Импрессионизм утверждал красоту повседневной действительности во всем богатстве ее красок и постоянной изменчивости, разработал законченную систему пленэра, добившись впечатления сверкающего солнечного света, вибрации световоздушной среды. Живописная система импрессионизма отличается разложением сложных тонов на чистые цвета, как бы смешивающиеся в глазу зрителя, богатством рефлексов и цветными тенями. Под влиянием импрессионизма развивалось творчество многих живописцев других стран. Импрессионисты обновили колорит, они отказались от темных, земляных красок и наносили на холст чистые, спектральные цвета, почти не смешивая их предварительно на палитре. Они вышли из темных мастерских на пленэр. Характерна также и краткость творческого метода импрессионистов. Ведь только короткий этюд позволяет точно фиксировать отдельные состояния природы.

Импрессионисты подготовили почву для последующего развития неформального искусства. Их влияние на развитие живописи трудно переоценить. Перейдя от фотографической точности к перенесению на холст собственных чувств и эмоций, впечатлений, это искусство перешло на следующую ступень своего развития - постимпрессионизм.

Постимпрессионизм

Этот термин впервые употребил английский критик Роджер Фрай по отношению к различным направлениям в искусстве, возникшим во Франции в период с 1880 по 1905 г. как реакция на импрессионизм с его интересом к случайному и мимолетному. Именно в это время состоялась последняя выставка импрессионистов и был опубликован «Манифест символизма» Ж. Мореаса. Художники постимпрессионизма искали новые и, по их мнению, более созвучные эпохе выразительные средства. Восприняв от импрессионизма чистоту и звучность цвета, постимпрессионизм противопоставил ему поиски постоянных начал бытия, устойчивых материальных и духовных сущностей, обобщающих, синтетических живописных методов, повысил интерес к философским и символическим аспектам, к декоративно-стилизующим и формальным приемам. Широкий спектр постимпрессионизма содержит зарождение взглядов на объективные закономерности живописи, цветовых сочетаний и форм, изображение воображаемых процессов, сюрреализм, построение на яркой цветовой гамме, выразительном рисунке и свободных композиционных решениях.

К постимпрессионизму относится творчество А. Тулуз-Лотрека, который изображал на своих полотнах жизнь актеров, циркачей, певиц, танцовщиц, завсегдатаев кафе и баров. Картины Ж. Сера, П. Синьяка, некоторые полотна К. Писсарро, написанные раздельными мазками (пуантилизм) также причисляют к постимпрессионизму. Художники, которых в истории искусства именуют постимпрессионистами -- Сезанн, Ван Гог и Гоген, -- не были объединены ни общей программой, ни общим методом. Они начали работать параллельно с импрессионистами и испытали их влияние. В действительности же каждый из них представляет собой яркую творческую индивидуальность, каждый оставил свой собственный след в искусстве.

Сезанн, самый старший из четырёх художников, долгое время работал параллельно с импрессионистами. Знакомство с Камилем Писсарро и совместная работа на пленэре изменили живописный язык Сезанна. Он участвовал в первой и третьей выставках импрессионистов. Гоген в свою очередь познакомился с Писсарро в 1876 г. и по его рекомендации примкнул к импрессионистам. Его работы были представлены на четырёх последних выставках движения. Голландец Ван Гог соприкоснулся с импрессионизмом в 1886 г. после своего приезда в Париж. Палитра художника стала яркой и чистой под влиянием импрессионизма.

Постимпрессионисты были близки импрессионистам и своим отношением к буржуазному обществу. Но если последние только противопоставляли своё искусство салонному, то первые отрицали буржуазный образ жизни. Сезанн, сын банкира, всю жизнь изображал деклассированного художника. Гоген, удачливый биржевой делец, отец пятерых детей, бросил карьеру ради живописи. Он жил в нищете на островах Таити и Хива-Оа, изучая обычаи туземцев и считая их выше достижений европейской цивилизации. Ван Гог, выходец из семьи голландского пастора, изучал теологию в Амстердаме, потом был проповедником на угольных шахтах в Бельгии. Обратившись к живописи, он уехал в Париж, а потом в Арль , где, измученный одиночеством, сошёл с ума и покончил жизнь самоубийством. Сезанн, Ван Гог и Гоген, не найдя гармонии в современном обществе, обратились к природе, ища в ней успокоения. Однако в отличие от импрессионистов они стремились запечатлеть не мгновения, а вечность. Постимпрессионисты как будто видели не только явные, но и скрытые силы, тайные законы мироздания.

Основные черты творчества Сезанна проявились в произведениях 80--90-х гг. Художник искал способы передать материальную структуру вещей -- форму, плотность, фактуру, цвет. Тщательно подбирая цветовые соотношения, он нередко подчёркивал контуры предметов резкой линией, сознательно деформировал изображаемое. В его натюрмортах фрукты и посуда приближались к простым геометрическим фигурам, а в пейзажах скаты крыш и стены домов, склоны гор и гладь воды образовывали ровные плоскости. Опираясь на непосредственное впечатление от натуры, мастер строил продуманную и устойчивую композицию, где каждая деталь составляла часть единого целого.

Изображая человека, живописец нередко рассматривал его как любой другой предмет, интересуясь лишь передачей форм, словно это был не портрет, а натюрморт или пейзаж. При этом внутренний мир человека, его характер, настроение отступали на второй план.

Творчество Сезанна отражает родство всех проявлений материального мира, в котором земля, человек, деревья, плоды, стулья, чашки равнозначны.

На полотнах Ван Гога обыденные предметы, люди, пейзаж становятся носителями сокровенных мыслей и чувств художника, передают его эмоциональное состояние. Природа предстаёт здесь в одухотворённом виде.

Лимонно-оранжевым диском висит солнце над полыхающими красным огнём виноградниками, излучая жар. Синева теней и бликов на воде усиливает яркость солнечного света («Красные виноградники», 1888 г.). Солнце похоже на нимб над головой сеятеля, его лучи согревают землю, принимающую семена («Сеятель», 1888 г.). Колышутся хлеба в полях, кипарисы, подобно языкам пламени, устремляются к небу, где над извивающейся линией гор клубятся облака. («Хлеба и кипарисы», 1889 г.).

Поль Гоген, друживший с Ван Гогом, совмещал в своих работах действительность и миф, создавая иную реальность -- непосредственную и чистую. Если Ван Гог бежал в яркий южный Арль, то Гоген покинул Париж сначала ради патриархальной Бретани, затем ради экзотических Таити и Хива-Оа . Здесь он искал естественную жизнь, не тронутую цивилизацией, стремясь слиться с ней, вернуться к древним корням человечества.

На Таити, куда Гоген отправился в 1891 г., стиль художника приобрёл законченную форму. На его полотнах в бесконечном пространстве, наполненном лиловыми, голубыми и изумрудными пятнами, сохраняются чёткие контуры, гармоничные строение и форма предметов. Изображения приобретают монументальность, делая туземцев идеалом человеческой красоты. Прекрасные люди, связанные с природой телом и духом, становятся главными героями картин («Таитянки», 1892 г.; «Женщина, держащая плод», 1893 г.).

Проведя три года на Таити, Гоген приехал в Париж. Но не найдя ни у кого понимания, он вернулся на Таити и в течение пяти лет создал свои самые известные произведения, в том числе лучшие изображения обнажённого тела -- «Женщина под деревом манго», «Жена короля» (обе работы 1896 г.).

Открытия, сделанные постимпрессионистами в живописи, оказали воздействие на развитие некоторых течений в западноевропейском искусстве XX в. -- фовизма, кубизма, экспрессионизма и др. Принципы художественных тенденций и изобразительных элементов постимпрессионизма стали основой направлений в современной живописи.

Ван Гог

Винсенту Виллему Ван Гогу, умершему в возрасте тридцати семи лет в 1890 году, принадлежит одна из самых коротких творческих карьер в истории искусства. Она продолжалась только десять лет, и из них первые четыре были почти исключительно посвящены рисунку. Но объем его наследия удивителен. Сохранилось около 1700 его работ: почти 900 рисунков и более 800 живописных полотен. За свою жизнь он продал одну картину (за цену эквивалентную 80 долларам), речь идет о полотне "Красные виноградники в Арле", которое сейчас находится в Музее им. А. С. Пушкина в Москве, и среди последних написанных им слов был вопрос: "А какая в этом польза?" Польза стала очевидной через 25 лет после его смерти. Вместе с Полем Сезанном, Жоржем Сёра и Полем Гогеном Ван Гог считается сейчас одним из основоположников современного искусства.

Творчество Ван Гога глубоко интимно. За исключением его соотечественника Рембрандта, ни один из великих художников не создал такого количества автопортретов (более сорока). Его пейзажи, фигуры, интерьеры и натюрморты также в определенном смысле автопортреты. Это был его метод - молниеносно переплавлять то, что он видел и ощущал, в свои личные откровения. Его цвет и его тепло столь мощны, что разглядывание его картин подобно созерцанию синих, желтых и оранжевых языков пламени за внезапно открывшейся дверцей печи.

История Ван Гога началась в Гроот Зюндерте - провинциальном местечке сельскохозяйственного района Брабанта в Южной Голландии на границе с Бельгией. Отец, протестантский священник, переехал туда в 1849 году и два года спустя женился на дочери придворного переплетчика, которая родила, кроме Винсента, еще пятерых детей.

Следуя традиции, поколения Ван Гогов избирали для себя две сферы деятельности: церковную (Теодорус сам был сыном пастора) и торговлю произведениями искусства (как трое братьев отца). Винсент пойдет как по первому, так и по второму пути, но в обоих случаях потерпит неудачу. Однако и тот и другой накопленный опыт будет оказывать большое влияние на его дальнейший выбор.

Первая попытка найти свое место в жизни восходит к 1869 году, когда в возрасте шестнадцати лет Винсент поступает на работу - с помощью дяди, своего тезки (его ласкательно называют дядя Сент) - в филиал парижской художественной фирмы "Гупиль", открывшийся в Гааге. Здесь будущий художник впервые соприкасается с живописью и рисунком и обогащает опыт, который он получает на работе, познавательными посещениями городских музеев и обильным чтением. Все идет вполне удачно вплоть до 1873 года. В первую очередь это год его перехода в лондонский филиал "Гупиля", что отрицательно скажется на его будущем творчестве. Ван Гог пробыл там два года и пережил болезненное одиночество, которое сквозит в его письмах к брату, все более и более печальных. Но худшее наступает тогда, когда Винсент, сменив ставшую слишком дорогой квартиру на пансион, который содержит вдова Луайе, влюбляется в ее дочь Урсулу и оказывается отвергнутым. В тот период глубокого отчаяния в нем начинает созревать мистическое понимание действительности, перерастая в прямо-таки религиозное исступление. Его порыв крепнет, вытесняя при этом интерес к работе в "Гупиле". И уже не поможет перевод в мае 1875 года в центральное отделение в Париже, поддержанный дядей Сентом в надежде, что такая перемена пойдет ему на пользу. Первого апреля 1876 года Винсента окончательно увольняют из парижской художественной фирмы, перешедшей к тому времени к компаньонам Буссо и Валадону.

Все больше утверждаясь в мысли о своем религиозном призвании, весной 1877 года Ван Гог переезжает в Амстердам к дяде Иоганнесу - директору городской верфи - для того, чтобы готовиться к вступительным экзаменам на теологический факультет. Для него, с восторгом читавшего "О подражании Христу", стать слугой Господа означало прежде всего посвятить себя конкретному служению ближнему, в полном соответствии с евангельскими постулатами. И велика была его радость, когда в 1879 году ему удалось получить должность светского проповедника в Ваме, шахтерском центре в Боринаже на юге Бельгии. По мнению миссионерского общества, Винсент понимал Библию чересчур буквально. Он вскоре начал воспринимать предписания Нового Завета как руководство к действию. "Сними с себя то, что имеешь, и отдай это бедным" - звучало для него как прямое указание. Соответственно, Винсент переехал из своей удобной комнаты в доме булочника и поселился в жалкой лачуге, где спал на полу. Он отдал всю одежду, которой снабдила его семья, заменив ее поношенным военным мундиром и самодельной рубашкой из мешковины. Он не смывал с лица угольную пыль, чтобы не выделяться среди перемазанных шахтеров. Когда ему понадобились бинты для раненого, он разорвал свое белье. Начальство упрекало его в "чрезмерном рвении", но он не обращал внимания. В конце концов миссионерское общество уволило его.

Но Винсент упрямо продолжает свою миссию христианского проповедника в расположенном неподалеку селении Кем. Теперь у него нет даже такой отдушины, как переписка с братом Тео, которая прерывается с октября 1879-го по июль 1880 года.

Затем постепенно в нем что-то меняется, и внимание Винсента обращается к живописи. Эта новая стезя не столь неожиданна, как может показаться. Во-первых, занятие искусством для Винсента было не менее привычным, чем чтение. Работа в галерее "Гупиль" не могла не повлиять на оттачивание его вкуса, а во время пребывания в различных городах (в Гааге, Лондоне, Париже, Амстердаме) он никогда не упускал возможности походить по музеям. Но в первую очередь именно его глубокая религиозность, его сочувствие к отверженным, его любовь к людям и к Господу находят свое воплощение через художественное творчество. "Надо понять определяющее слово, содержащееся в шедеврах великих мастеров, - пишет он Тео в июле 1880 года, - и там окажется Бог".

В 1880 году Винсент поступает в Брюсселе в Академию художеств. Однако из-за непримиримого характера он весьма скоро ее бросает и продолжает художественное образование самоучкой, используя репродукции и регулярно занимаясь рисунком.

Еще в январе 1874 года в своем письме Винсент перечислял Тео пятьдесят шесть любимых художников, среди которых выделялись имена Жана Франсуа Милле, Теодора Руссо, Жюля Бретона, Констана Труайона и Антона Мауве. А сейчас, в самом начале своей художественной карьеры, его симпатии к реалистической французской и голландской школе девятнадцатого века ни в коей мере не ослабли. К тому же социальное искусство Милле или Бретона, с их народнической тематикой, не могло не найти в нем безоговорочного последователя. Что касается голландца Антона Мауве, тут была еще одна причина: Мауве, наряду с Иоганнесом Босбоомом, братьями Марисами и Йозефом Израэльсом, был одним из крупнейших представителей Гаагской школы, наиболее значительного художественного явления в Голландии во второй половине XIX века, которая объединила французский реализм Барбизонской школы, сформировавшейся вокруг Руссо, с великой реалистической традицией голландского искусства XVII века. Мауве был еще к тому же дальним родственником матери Винсента. И именно под руководством этого признанного мастера в 1881 году, по возвращении в Голландию (в Эттен, куда переехали родители), Ван Гог создает свои две первые живописные работы: "Натюрморт с капустой и деревянными башмаками" (ныне в Амстердаме, в Музее Винсента Ван Гога) и "Натюрморт с пивным стаканом и фруктами" (Вупперталь, Музей Фон дер Хайдт).

Для Винсента все как будто складывается к лучшему, да и семья вроде бы довольна его новым призванием. Но в скором времени отношения с родителями резко ухудшаются, а затем и вовсе прерываются. Причиной тому опять-таки его бунтарский характер и нежелание приспосабливаться, а также новая, неуместная и вновь неразделенная любовь к кузине Кее, которая недавно потеряла мужа и осталась одна с ребенком.

Сбежав в Гаагу, в январе 1882 года Винсент встречает Христину Марию Хоорник по прозвищу Син, проститутку старше его возрастом, алкоголичку, с ребенком, да еще беременную. Находясь в апогее своего презрения к существующим приличиям, он живет вместе с ней и даже хочет жениться. Несмотря на финансовые трудности, он продолжает быть верным своему призванию и завершает несколько произведений.

В большинстве своем картины этого самого раннего периода - пейзажи, в основном морские и городские: тематика вполне в традиции Гаагской школы. Однако ее влияние ограничивается выбором сюжетов, поскольку для Ван Гога не были свойственны та изысканная фактура, та проработка деталей, те в конечном счете идеализированные образы, которые отличали художников этого направления. С самого начала Винсент тяготел к изображению скорее правдивому, чем прекрасному, стараясь в первую очередь выразить искреннее чувство, а не просто добиться добротного исполнения.

К концу 1883 года бремя семейной жизни сделалось невыносимым. Тео - единственный, кто от него не отвернулся, - убеждает брата уйти от Син и полностью посвятить себя искусству. Начинается период горечи и одиночества, который он проводит на севере Голландии в Дренте. В декабре того же года Винсент перебирается в Нюэнен, в Северный Брабант, где теперь живут его родители. Здесь за два года он создает сотни полотен и рисунков, даже занимается с учениками живописью, сам же берет уроки музыки, много читает. В значительном количестве работ он изображает крестьян и ткачей - тот самый трудовой народ, который мог всегда рассчитывать на его поддержку и которого воспевали те, кто был для него авторитетами в живописи и литературе (любимые Золя и Диккенс). Начиная с картины "Уборка картофеля" (ныне в частной коллекции в Нью-Йорке), написанной в 1883 году, когда он еще живет в Гааге, тема простых забитых людей и их труда проходит через весь его голландский период: упор делается на экспрессивность сцен и фигур, палитра темная, с преобладанием глухих и мрачных тонов. Шедевром этого периода является полотно "Едоки картофеля" (Амстердам, Музей Винсента Ван Гога), созданное в апреле-мае 1885 года, на котором художник изображает обычную сцену из жизни крестьянской семьи. "Я немало потрудился для того, чтобы навести людей на мысль, что крестьяне эти, поглощающие картофель при свете лампочки, теми же руками, которые они погружают в котелок, сами копались в земле, и таким образом картина сама говорит о ручном труде, о том, что они праведно заработали свою пищу.

Мне хотелось бы, чтоб она напоминала о совсем другом образе жизни, чем тот, который ведут образованные люди. Мне совсем не хочется, чтобы каждый просто так, без дальнейших слов, заявлял, что она хороша или скверна... Я со своей стороны убежден, что можно достигнуть лучших результатов только тогда, когда пишешь натуру во всей ее грубости, а не тогда, когда в нее вводится условная приятность".

К тому моменту это было для него самым серьезным произведением: против обыкновения, он сделал подготовительные рисунки крестьянских голов, интерьеров, отдельных деталей, композиционные наброски, и написал его Винсент в студии, а не с натуры, как он привык.

В высказываниях Винсента по поводу "Едоков картофеля" нет ссылок на религию, и тем не менее, это религиозная живопись исключительной силы. Это и изображение таинства общения людей тяжелого труда, и обвинение; оно предназначено вызвать чувство вины и гнева у нас, "образованных людей", которые терпят человеческую деградацию или получают от нее выгоду. Хотя Винсент никогда не высказывал своих политических убеждений, он принадлежал к левым, его глубоко трогали романы Эмиля Золя и Виктора Гюго и впечатления от шахтерских трущоб и крестьянских лачуг. Он всю жизнь мечтал о создании коммуны художников, где они могли бы вместе жить, деля все, что у них есть, - коммуны, скорее, раннехристианской, чем марксистской. Он также составил план распространения произведений искусства среди бедняков - через литографии, не дороже нескольких центов за отпечаток - и рассматривал это не как коммерческое предприятие, а как долг. Искусство выполняло для него в первую очередь социальную функцию, с другой стороны - это был единственный язык, оставлявший ему возможность молить о любви, в которой ему было отказано.

Через восемь месяцев после смерти отца Винсент покинул Голландию, чтобы никогда больше не вернуться. Сначала он поехал в Антверпен, где снова поступил на художественные курсы. Его соученики вспоминали о нем как о деревенщине, который носил грубую крестьянскую одежду и использовал фанеру от упаковочной коробки в качестве палитры. Когда учителя спрашивали, как его зовут, он просто отвечал: "Я - Винсент, голландец". Он мало что почерпнул из этих курсов, помимо того, что еще сильнее укоренился в убеждении, что все академии - это сплошная мерзость. Основная польза от трехмесячного пребывания в Антверпене заключалась в обострении его внимания к цвету, или, точнее, в обострении мысли о цвете.

Ван Гог, который скоро станет самым сильным колористом своего времени, ни в коей мере не забыл о возможностях цвета в свой голландский период. Он был знаком с теорией цвета великого французского художника Делакруа и, кажется, в этот период уже начал развивать свои почти мистические идеи о цвете, которые нашли отражение в его позднем искусстве. Он чувствовал, что цвет имеет значение, которое выходит за пределы чисто визуальных впечатлений. Желтый, красный, синий - практически любой цвет - может подразумевать нечто, что находится за пределами рационального. Чем именно может быть это дополнительное значение - сложный вопрос, который ученые и историки культуры еще не разгадали, но общеизвестно, что цвета и эмоции взаимосвязаны; не думая, мы говорим: покраснел от гнева, позеленел от злости, черная тоска. Сам Винсент еще до отъезда из Голландии пробовал связать цвет и музыку, для чего даже взял несколько уроков игры на пианино. "Берлинская лазурь!" или "Желтый хром!" - восклицал он, ударяя по клавише, несомненно, ошарашивая учителя, хотя он всего лишь экспериментировал с явлением, о котором художники и музыканты знали всегда.

В Антверпене Винсент изучал яркие краски Рубенса в музеях и городских церквях и был под сильным впечатлением от них. На его собственных картинах появились более светлые тона, и к его палитре добавились алый, кадмиевый желтый и изумрудно-зеленый. Через несколько месяцев он, по-видимому, почувствовал, что его искусство - на пороге больших перемен и что он наконец готов поехать в Париж. Он высказал эту идею Тео, который отнесся к ней с опаской и пытался отговорить его. Это было бесполезно. В один прекрасный день, в феврале 1886 года, Тео вручили записку, небрежно написанную темным пастельным мелком: Винсент ждал его в великолепном Квадратном зале Лувра, где все чудеса света - Леонардо, Рембрандт и все лучшее, что есть в живописи - собраны вместе. Не согласится ли Тео встретиться с ним там?

Когда Ван Гог прибыл в Париж свежим февральским утром 1886 года, он жаждал учиться и был готов к постижению нового.

В 1886 году художественная жизнь столицы Франции богата захватывающими событиями. Среди наиболее значительных - последняя выставка группы импрессионистов на улице Лафит. Там впервые выставляются Сёра со своей картиной "Воскресная прогулка на острове Гранд-Жатт" и Синьяк, впоследствии возглавившие движение постимпрессионизма (известное также как дивизионизм, или пуантилизм), которое ознаменовало конечный этап импрессионизма, доведя до крайности его технические основы.

В том же 1886 году поэт Жан Мореас публикует в "Фигаро" "Манифест символизма", обозначив этим термином существующую, по его определению, тенденцию созидательного духа в искусстве. Зародившись в литературной среде, новое течение оказывает свое влияние в различных творческих кругах, претендуя на то, чтобы стать доминирующим направлением конца века.

Символизм укореняется в качестве реакции на эстетику реализма и натурализма, заполонившую литературу и изобразительное искусство середины XIX века и высшими достижениями которой стали романы Флобера и Золя и живопись Курбе и Милле. В отличие от натуралистов, для символистов действительность - это нечто большее, чем объективная данность, это некое видимое проявление чего-то загадочного, неизведанного, трансцедентного.

Ван Гог начинает действовать в городе возможностей и побуждений при помощи брата Тео, который дал ему пристанище у себя в доме на улице Лаваль. Позднее будет найдена квартира побольше на улице Лепик.

Сначала Винсент в течение некоторого времени посещает мастерскую Фернана Кормона, весьма известного художника-традиционалиста, где заводит дружбу с Тулуз-Лотреком, Луи Анкетеном и Эмилем Бернаром. Однако решающим событием стала для голландца встреча с импрессионистской и постимпрессионистской живописью. Благодаря брату, он знакомится с некоторыми ее самыми знаменитыми представителями: Клодом Моне, Камилем Писсарро (вместе со своим сыном Люсьеном он станет другом Винсента), Альфредом Сислеем, Пьером-Огюстом Ренуаром, начинающими Полем Синьяком (с ним он будет вместе писать на пленэре) и Жоржем Сёра.

Время, проведенное в Париже с февраля 1886-го по февраль 1888 года, оказалось для Винсента периодом технических исканий и сопоставлений с наиболее новаторскими тенденциями в современной живописи. За эти два года он создает двести тридцать полотен - больше, чем за какой-либо другой этап своей творческой биографии.

Переход от реализма, характерного для голландского периода и сохранившегося в первых парижских работах, к манере, свидетельствующей о подчинении Ван Гога (правда, никогда - безоговорочном или буквальном) диктату импрессионизма и постимпрессионизма, явственно проявился в серии натюрмортов с цветами (среди которых - первые подсолнухи) и пейзажи, написанные в 1887 году. Среди этих пейзажей - "Мосты в Аньере" (ныне в частной коллекции в Цюрихе), где изображено одно из излюбленных мест в импрессионистской живописи.

В этот период изучение цвета приковывает все его внимание: теперь Ван Гог схватывает его в отдельности и уже не отводит ему чисто описательную роль, как во времена более узкого реализма. По примеру импрессионистов палитра значительно светлеет, готовя почву для того желто-синего взрыва, для тех буйных красок, которые стали характерными для последних лет его творчества.

В Париже Ван Гог больше всего общается с людьми: он встречается с другими художниками, беседует с ними, захаживает в те же места, что облюбовали его собратья. Одно из них - "Тамбурин", кабаре на бульваре Клиши, на Монмартре, хозяйкой которого была итальянка Агостина Сегатори, в прошлом модель Дега. С ней у Винсента возникает короткий роман: художник делает с нее красивый портрет, изображая ее сидящей за одним из столиков собственного кафе (Амстердам, Музей Винсента Ван Гога). Она же позирует для его единственных написанных маслом ню, а может быть, и для "Итальянки" (Париж, Музей д'Орсэ).