Исторические факты о декоративно-прикладном искусстве

Сущность и отличительные особенности декоративно-прикладного искусства, история и направления его развития, основополагающие цели и задачи. Структура и содержание данного направления в изобразительном искусстве, методики повышения его эффективности.

Рубрика Культура и искусство
Вид дипломная работа
Язык русский
Дата добавления 28.05.2014
Размер файла 1,2 M

Отправить свою хорошую работу в базу знаний просто. Используйте форму, расположенную ниже

Студенты, аспиранты, молодые ученые, использующие базу знаний в своей учебе и работе, будут вам очень благодарны.

Чаще всего покрывались орнаментом днища, оборотные стороны украшений-оберегов, скрытые от глаз человека части предметов. По всей вероятности, на первых порах узоры еще не обладали декоративными качествами.

Казахский народ впитал многовековые традиции своих разноплеменных предшественников, чье орнаментальное творчество, ставшее лидирующей формой изобразительного искусства, в силу подвижного образа жизни, развивалось по пути не конкретного воспроизведения реальных объектов, а путем передачи его содержания в условно-абстрагированной форме. Как правило, изображались образы не целиком, а с помощью какой-нибудь детали, по принципу замены целого наиболее важной его частью. Одной из предпосылок появления орнамента была необходимость отмечать предметы семьи, рода, племени отличительными знаками. Постепенно эти знаки-символы приобрели орнаментальную выразительность узора, который стал рассматриваться с эстетической, этнознаковой, магической, культовой точек зрения.

В орнаментальной композиции главные элементы выделяют размером, ярким цветом и расположением по центру. Второстепенные элементы, дополняя главные и оттеняя их ведущую роль и значение, пластично соединяются в целостный организм. Тщательный подбор цвета в прикладном искусстве казахов проводится с целью создания такого декоративного образа, который смог бы непосредственно вызывать у человека приятные чувства и ассоциации.

Любуясь природой, человек давно заметил в ней бесконечное множество интересных, причудливых форм и цветовых оттенков. Природа для него стала источником создания оригинальных орнаментальных композиций. Казахи добились умелой стилизации природных форм, переработав реальную предметную форму в упрощенную, условную. Подбор каждого мотива орнамента, в том числе и выбор цветового решения, является творческой работой народных мастеров. Цвет орнамента связан с фантазией мастера, с его художественным вкусом. Большое значение казахи придавали выбору фона, значительно усиливая удачным подбором звучание всего узора.

Из группы геометрических мотивов доминирует треугольник. Он издавна слыл мощным оберегом, глобальным символом универсального характера, популярным и в наши дни. Треугольную форму имели амулеты - обереги от сглаза. Амулет одевали на шею животных, в виде талисмана давали носить детям. В числе амулетов-оберегов можно назвать следующие:

Бес танба - крестовина, условное изображение четырех сторон света. Применяется в декоре безворсовых ковров - алаша, тканых лент - баскуров, а также украшает деревянные изделия: сундуки, кровати. Цветовая гамма - красный и черный цвета.

Жiлiншек - кость, применяется для украшения безворсовых ковров - алаша, войлочных сумок - тыс-кап, узорных лент. Окрашивается в красный, черный, бордовый, коричневый, зеленый тона, допускается и контрастирование с фоном - черный узор на белом фоне.

Балта - топор. Мотив напоминает по форме топор, ассоциирует благополучие хозяйства, домашнего очага. Цветовая гамма: красный, коричневый, синий и черный тона.

Балдак - костыль. Это символ опоры, чаще - в композициях, обрамляет, окантовывает центральное поле, преимущественно коричневого, синего, зеленого и красного цветов. Иногда обводится дополнительной линией другого цвета, что придает ему большую четкость и нарядность.

Ирек, су - зигзаг, вода, элемент с сильным охранным свойством. В сознании казахов ассоциируется также с образом змеи, нижним миром, водой. Воспроизводится в различных вариациях: в виде волнообразной линии, свернутой спирали, иногда в виде рыбьей чешуи. Распространен в ковроткачестве, в вышитых изделиях. Основные цвета - голубой, синий и фиолетовый.

Тарак - гребень; мотив, пленяющий красотой ритма. Встречается на узорных тканых лентах - баскурах, безворсовых коврах алаша. Доминируют расцветки желтого, коричневого, красного, синего, черного тонов.

Канка - костяк. Мотив украшает тканые изделия - алаша, баскуры, вышивки. Выполняется преимущественно в желтом, зеленом, красном и черном тонах.

Донгелек - круг, орнаментальное воплощение солнца, поскольку в представлении казахов изображение животворящего солнца распространяло в воображаемых лучах охранную, очищающую и стимулирующую добро силу. Узор украшает текеметы, сырмаки, национальную одежду. Доминируют белый, желтый, красный, бордовый, черный цвета.

В казахском орнаменте наиболее значительное место занимают зооморфные мотивы, передающие животное чаще всего по принципу замены целого частью. Иногда в едином пластическом образе совмещаются части разных животных.

Ведущий художественный мотив - муйiз, рисунок рогов барана. С ним связывались представления о богатстве, приумножении скота, охранные функции. Рог украшает текеметы, сырмаки, алаша, а также архитектурные сооружения. Используемые цвета - кирпично-красный, желтый, синий, зеленый и синий, коричневый и черный.

Сынар муйiз - один рог. Наиболее распространенный вид казахского орнамента, украшавшего обычно войлочные изделия - текеметы, сырмаки. Ритмический строй представленного мотива обрамляет контур композиции. Распространенная гамма - красный и черный цвета. Сынык муйіз - сломанный рог; народные мастера этим мотивом украшали ковры, циновки, баскуры, алаша, сумки. Его основные тона: красный, бордовый, зеленый, коричневый, черный.

Омыртка - позвоночник; встречается в различных комбинациях - в обрамлении и в центре орнаментальных композиций. Эффектно выглядит окрашенный в синий, бордовый, красный, коричневый и черный тона.

Тышкан iз - мышиный след, используется для украшения ковров, коржынов, аяк-капов. Этому мотиву отведена окантовочная, бордюрная роль в композиции, он имеет преимущественно красный, коричный, бордовый, черный тона.

Ботагоз - глаз верблюжонка. В представлении казахов ромб олицетворяет плодородие, охраняет детородные функции. Это магический узор, наделяемый охранным свойством. Согласно поверьям, глаз, как и слово, обладает магической силой, иногда разрушительной. Такой элемент встречается как в центральной части композиции, так и в образовании бордюра, окаймляющего края изделия. Традиционная цветовая гамма: красный, коричневый, черный, синий цвета.

Ит куйрык - собачий хвост, наряду с охранным свойством, олицетворял дружбу, символизировал различные благопожелания. В связи с охранной функцией он украшал резьбу двери юрты, лицевые части кровати, иногда - войлочные изделия. Цветовая гамма: коричневые, бордовые, синие тона.

Туйе табан - верблюжий след, олицетворение богатства, приумножения скота, стимулятор продуцирующей силы и различных благ. Он украшал различные изделия народных ремесел, его использовали в резьбе по дереву, инкрустации, вышивке, в войлочных изделиях. Основные тона: коричневый, бордовый, черный.

Кайнар - родничок, символ водопоя, как источника жизни, символ зеленых пастбищ, скотоводческого хозяйства. Цветовая гамма: голубой, синий, фиолетовый.

В казахском прикладном искусстве популярен и растительный орнамент: изображение цветов, листвы, деревьев, плодов и семян. Многие из этих мотивов восходят к глубокой древности. С образом дерева связаны идеи роста, плодородия, жизненной силы. От образа Мирового древа в традиционном сознании формируется Древо жизни, а затем Древо родовое и, наконец, генеалогическое, в чем отражен процесс перехода глобальных символов в частные. Распространено также изображение куста, растительного побега с вьющейся листвой, трилистника, многолепесткового цветка.

Гул - цветок; мотив имел различные варианты, в том числе: бутон, тюльпан, лотос, пальметта, астра. С цветком связывались идеи плодородия, олицетворение вечного обновления и возрождения жизни, изобилия. Чаще всего такие мотивы украшают предметы домашнего обихода: настенные ковры, полотенца. Колорит - предпочтительно красные, желтые, оранжевые и бордовые тона.

В богатейшем багаже казахских орнаментальных мотивов имеются также космогонические.

Ай - месяц в изображении в паре со звездой. Астральные объекты у казахов наделены очищающей мощью, светлой энергетикой, это обереги, проводники различных благ.

Жулдыз - звезда; в традиционном сознании данный мотив у казахов идентифицируется с человеческой душой. Небесные светила всегда наделялись очищающей мощью. Мотив украшает центральные части ковров. Основные цвета: красный, синий, бордовый.

Феномен кочевничества - это образ жизни рядом с животными, которые обеспечивали человека буквально всем. Все, что окружало древнего кочевника - и растения, и животные, и явления природы, небесные тела, дождь и снег - все это он подвергал своеобразной идеализации.

Каждая из представленных групп орнаментов: растительная, животная, геометрическая и космогоническая, содержит в себе определенный смысл. Любой элемент орнамента имеет определенное назначение. Изящные ласточки, изумительные лепестки растительного орнамента украшают верхнюю одежду, а также платья девочек. Зооморфные мотивы, орнаменты в виде наконечника стрелы, орла, украшали одежду мальчиков. Определенные элементы использовались в декоре головных уборов, верхней одежды, брюк. К примеру, узоры верблюжий след, мышиный след, «собачий хвост» никогда не применялись для украшения головных уборов.

«Прочтение» орнаментов - своеобразный универсальный ключ, открывающий богатства народной культуры.

Не менее интересна символика цвета в казахском орнаменте. Белый цвет на фоне изделия и в основном рисунке - символ белого пути, истины, счастья. Красный - огонь, палящая энергетика солнца, любовь; черный - сила, величие, могущество, а также цель, благополучие.

В казахском орнаменте сочетание красных и синих цветов - напоминание о природных богатствах солнечного края, выражение мечты народа о счастье (недаром в орнаменте встречаются изображения бога счастья и достатка Тао-тье и круто изогнутые рога животных - признак успехов в скотоводстве) [3].

Бледные цвета признак грустной поры, тоски, тревоги. Зеленый символизирует обновление земли, весну, молодость, синий цвет - символ неба, божества Тенгри, желтый - разума.

Примечательны слова М. Семеновой: «Орнамент, приближающийся по своей конфигурации к сложному разветвлению бараньих рогов, по мере охвата большого пространства, композиции обретает также черты монументальности, к личному элементу все больше примешивается элемент эпический, движение воспринимается как бесконечное, вечное, непрерывное, а также неподвижное в своей бесконечности. Здесь дана мощная концепция мира в максимальных общих категориях - пространства, времени, вечности, обретающих монументальность» [4]. В этой связи хотелось бы добавить, что перечисленные категории возможны лишь в контексте с цветовой гаммой орнамента.

Рисунок 8. Цветовой каркас орнаметов

Исходя из перечисленных цветовых предпочтений казахского орнамента, можно заметить, что на первом месте всегда стоял красный цвет, на втором - черный (темно-коричневый), на третьем - белый, затем уже выстраиваются другие цвета - бордовый, желтый, зеленый, синий, оранжевый, голубой (рисунок 8). Цветовой каркас, состоящий из триады красный - черный - белый, был заложен издревле, подтверждение чему - цветовое решение петроглифов и керамика эпохи неолита и бронзы Казахстана.

5. Дизайн ювелирных изделий

5.1 Составление композиции

Композимция (лат. compositio - составление, связывание, сложение, соединение).

Рассмотрим композицию еще в одном значении, еще в одной функции - как учебный предмет.

Анализируя развитие композиции как специальной учебной дисциплины в историческом аспекте, можно увидеть, что на этот предмет всегда оказывали влияние композиционные достижения великих мастеров. Естественно, это находило отражение и в практике преподавания изобразительного искусства.

Композиция как учебный предмет появилась значительно позже, чем такие дисциплины, как рисунок и живопись. Вначале изучение композиции сводилось лишь к сочинению картины на библейские, мифологические, позже на сказочные и свободные темы. Отставание композиции как учебного предмета связано с тем, что сочинение произведений искусства признавалось долгое время делом сугубо индивидуальным и весьма сложным, доступным ограниченному кругу учеников. Художники-педагоги считали, что их главная задача - научить рисовать и писать красками, и как итог обучения предлагали ученикам сочинить эскиз, а на основе его и картину. Конечно, исходя из своего личного творческого опыта, педагоги давали выпускникам школы какие-то общие указания, но все же создание картины не выделялось четко в специальный предмет. Более позднее формирование композиции как самостоятельной учебной дисциплины обусловлено так же и тем, что процесс сочинения, создания произведения действительно очень сложен, он представляет собой своего рода творческий феномен; явление во многом интуитивное, трудно поддающееся изучению.

В настоящее время композиция как учебный предмет находится в стадии становления и развития. Это связано с тем, что нет научного обоснования учебного предмета «композиция», в том числе его теоретической части. А это, в свою очередь, зависит в целом от степени разработанности теории композиции как науки.

Недооценка, а порой и отрицание необходимости композиции как учебного предмета, особенно в период формирования советской художественной школы (20-30-е годы), тормозили творческое развитие молодых художников. Нередко и сейчас встречаются педагоги, считающие главным в творчестве интуитивное начало, «озарение». Однако практика доказала необходимость обучения композиционным навыкам как начинающих художников, так и преподавателей изобразительного искусства.

Без знания истории искусств невозможно по-настоящему понять значение и роль композиции, рисунка, живописи. В то же время, владея рисунком, живописью, композицией, студенты приобретают необходимые знания и умения для глубокого анализа произведений мастеров, познают специфику рисунка, картины, скульптур и т.д. При изучении истории искусства они проникают в тайны мастерства, в творческую лабораторию великих художников. Освоив основные законы композиции, выведенные из практики работы мастеров прошлого и современных художников, они будут увереннее подходить к решению собственных творческих задач.

Композиция как учебный предмет ставит своей целью: обучение, воспитание студентов в области композиции в изобразительном искусстве, развитие их творческих способностей, повышение познавательной активности.

Ювелирный дизайн сегодня предлагает необыкновенное разнообразие стилей и направлений, сплав традиций, технологий, обычаев и материалов.

Как любой дизайн, ювелирный ориентируется, прежде всего, на массовое производство. Массовое производство имеет смысл тогда, когда есть продаваемость, узнаваемость товара на мировом рынке, раскрученный бренд. Вот тут и выходит на первый план дизайн, работа дизайнера.

Тенденции в производстве ювелирных украшений меняются в наши дни значительно чаще, чем раньше. Круговорот сменяющихся стилей, направлений является закономерным следствием технокритизации современной жизни, стремлением преодолеть противоречия между унификацией предметно-пространственной среды и движением к ее индивидуализации. Режим современной жизни с ее нервными перегрузками, издержками машин-ной цивилизации заставляет искать ответы на духовные запросы конкретных людей, не удовлетворяющихся более приоритетом рационального над эмоциональным, что составляло суть господствовавшего во второй половине ХХ века функционализма как стилевой системы. Одностороннее рационалистическое искусство оказалось неспособным ответить на многообразный комплекс новых идейно-художественных и нравственных запросов человечества. Образовавшийся духовный вакуум стал заполняться различными художественными течениями и направлениями.

Одним из наиболее ярких направлений в ювелирном дизайне стало фольклорное направление.

В каждой стране дизайнеры обратились к поискам народно-этнографических и национальных истоков. И это не случайно. Если общность моды, архитектуры, развитие техники нивелируют общество, то народное искусство утверждает самобытность каждого народа.

Ювелирный дизайн очень тонко реагирует на зарождающиеся тенденции в обществе, рождая вещи интернациональные по духу.

Собственно этнодизайн, в понимании принадлежности к какой-либо национальной культуре, существовал всегда наряду с существованием самой нации, народа, племени. Творческая деятельность народа не может быть свободной от национальных черт и искусство ростовских эмальеров, также как и искусство кубачинских мастеров, например, несет на себе печать народного духа и национального самосознания.

В этом заключается способность народного искусства отвечать эмоциональным запросам самых различных людей. В таком этнодизайне не прерывается народная традиция. Искусство развивается через познание народного духа, в действии этого духа там, «где только совместно живут и действуют многие как некоторое единство», - по выражению известного этнолога Лацаруса-Штейнталя [15].

Такой этнодизайн - это феномен мироощущенческого порядка, это материализация мироощущенческих особенностей народа, его восприятие действительности и реакция на эту самую действительность; это живая традиция в ее развитии. Здесь можно говорить как о народном искусстве, так и о профессиональном, опирающемся на народную традицию.

Как правило, такое традиционалистское течение имеет вполне определенную при-вязку к региону, социально-экономическим, природно-климатическим, местным локальным условиям.

С другой стороны интерес к прошлому, к народным корням культуры породил этнодизайн как, скорее, явление стилизации, чем стиля. Фольклорная стилизация (этнодизайн) - это не отказ от современности, не реставрация, не подделка. Это уважение к истории, восхищение народной традицией, национальной культурой и не только своей. Это потребность людей в надежной духовной опоре, базирующейся на исторических национальных традициях; это ощущение преемственной связи поколений как смены национальных культур в контексте мировой истории.

В современном ювелирном этнодизайне прослеживается ряд ретро-тенденций.

В одном случае это иллюстративно-традиционалистское направление, цитирующее внешние признаки исторических национальных прототипов. Оно использует систему внешне воспринимаемых и легко узнаваемых признаков или фрагменты этой системы, позволяющих отнести предмет к той или иной национальной культуре в аспекте прошлого.

К произведениям этого рода можно отнести замечательное произведение ювелира Вердуры, созданное для жены американского посла в Великобритании, - это тиара из желтого золота с бриллиантами, по виду напоминающая головное украшение индейского вождя. Цитируемая форма, выполненная из другого материала (золота), великолепно сработанная по вкусу и технически совершенная, позволила создать яркое запоминающееся произведение.

Данные современной психологии позволяют выделить более сложную предметно-опосредствованную эмоциональную связь создателя со зрителем через произведения искусства. При этом зритель может получать эстетическое наслаждение при восприятии арт-объекта в результате постижения им общности между собой и объектом восприятия, в результате переживания настроения, вызванного объектом искусства, и, наконец, самопознания. Сопереживание художнику в испытываемых им чувствах придает особый эстетический смысл его произведениям.

С этой точки зрения можно рассмотреть другое произведение того же Вердуры - «византийские» броши из желтого золота с полудрагоценными камнями. Весь образно-эмоциональный строй этих произведений приподнято-торжественный, декларативно-декоративный. И хотя здесь нет орнаментальных изобразительных мотивов, присущих византийскому декору, с византийской культурой их роднит наличие изобилия камней - крупных полированных и ограненных, выглядящих очень внушительно, объемно; - яркое желтое золото, плотность, насыщенность «упаковки» цветных полудрагоценных камней;

- композиционный принцип простого пересечения горизонтальных, вертикальных и диагональных элементов брошей и, как результат, в целом - впечатление спокойного величия, уверенности, статичности и утонченной роскоши.

Этническая принадлежность, узнаваемость создается здесь не за счет прямого копирования образцов, а в результате переживания самого духа великолепия и пышности, характерных для византийского искусства.

Многие ювелирные фирмы, применяющие в дизайне этнические мотивы, обращают свои взгляды на Восток. Сплав традиций, технологий, обычаев, материалов привел к созданию нового барокко, в котором восточная роскошь и драгоценность материалов сочетается с современной изысканностью и рациональностью структуры. Таковы изделия фирм «John Hardy», «Boucheron», «Gianmaria Donini», «Henry Dunay», «La Nouvelle Bague». Для изделий фирм, эксплуатирующих восточную экзотику, характерна избыточность цвета, использование асимметрии, новых материалов, а также преобладание крупных форм, квадратных и круглых поверхностей, покрытых бриллиантами. В формообразовании чувствуется влияние 1960-х годов и неувядаемый стиль «art deko».

По-прежнему модны серьги-шандельеры, но на первый план выходят серьги-кольца, браслеты-цепи, браслеты с подвесками. Традиции Китая, Японии, Индии, Индонезии переплетаются и искусно объединяются в этих изделиях с самыми изысканными требованиями современности. Использование новых технологий и материалов, сочетание драгоценных материалов с натуральными (коралл, дерево, жемчуг) и с природными формами дает по-новому неожиданное прочтение образов.

В объемно-пластической выразительности ювелирных изделий большое значение имеют обильно применяемые цепи и цветные вставки. Выпуклые цветные вставки в высоких кастах усиливают ощущение скульптурной выразительности изделий, их своеобразной монументальности. Ощущение пластичности во многих вещах подчеркивается динамическими подвесками, монтируемыми к основному каркасу украшения с помощью колец, цепей и переходных звеньев различной конструкции.

В этом плане интересна работа знаменитой ювелирной фирмы «Mauboussin», давно разрабатывающей восточную тематику.

Колье из желтого золота с кораллами в своих формах и образах апеллирует к куль-туре Юго-Восточной Азии. Необычно сочетание крупных ярких объемных форм кораллов с плоскими небольшими блестящими золотыми подвесками в виде морских обитателей: рыб, морских коньков, крабов.

Все это ярко и динамично и по ощущению и в прямом смысле - и отвечает духу нашего мобильного времени. Еще одна характерная черта современного ювелирного этнодизайна - это возвращение на рынок моды украшений с эмалью.

Ювелирная индийская фирма «Royal Gems and Arts» создает изделия как в традиционном старинном стиле, использующем старинные формы и орнаментику, так и в современном стиле, развивая формообразующие принципы национального искусства. В решении своих изделий дизайнеры этой фирмы часто прибегают к использованию эмали.

Необычные сочетания цветов, необычные смелые сочетания материалов, драгоценные с природными, обработанных с необработанными, обращение к различным стилям и манерам - все это современный этнодизайн.

Использование фактуры в создании ювелирных украшений - это новое свежее направление в работах современных дизайнеров. Здесь много интересных находок, открытий. Так, например, грубая фактура необработанного желтого золота в сочетании с гладкой фактурой другого материала и того же золота часто дает необычный эффект. На этом построены, в частности, работы итальянского ювелира О. Оrlandini. Многие итальянские дизайнеры используют фактуру в своих украшениях в поисках новой точки отсчета, емкого образа, художественной выразительности. В своих поисках новых форм, нового материала для своих фантазий современные ювелиры обращаются к глубинам народного национального искусства времен Античности, Средних веков, отсюда усиление метафоричности и символики в современных украшениях.

Обширность тематики, глубина временных пластов дают необозримое поле деятельности для ювелиров, богатейшую пищу для фантазии. Работы ювелиров итальянских фирм «Оrlandо Оrlandini», «Le Sibille», «Donini» убедительно доказывают, что обращение к прошлому, к традиции в сочетании с новейшими технологиями, прекрасным вкусом и чувством своего времени дает прекрасный результат.

Невесомые кольчуги из золотых колец, дисков, золотой проволоки, черненого и белого золота с бриллиантами различной структуры способны поразить любое воображение. Принципы ювелирного дома «Оrlandо Оrlandini» - Новая классика, образность, свет, ручная работа, особый способ обработки золота, придающий мягкость. Дизайнеры фирмы «Bulgarie» в своей коллекции «Киклады» из желтого и белого золота также обращаются к античным временам. В подвесках и кольцах они обыгрывают мотив коринфских монет III-IV в. до н.э. Подвижность частей, гибкость, яркость красок, округлость форм, использование цепей - во всем этом видна реакция на современную моду. К новшествам относится множественность элементов, часто подвижных, создающих впечатление горстки монет или золотых дисков на кольце.

Итальянская фирма «Le Sibille» в своих творческих устремлениях обращающаяся к разным эпохам и стилям в своих коллекциях мозаике отводит не последнюю роль. За основу формообразующего принципа дизайнеры фирмы взяли развитие древней формы в миниатюре. Разнообразные украшения: кольца, подвески, колье созданы при помощи микро мозаик из крохотных кусочков смальты. Изготовление подобных мозаик являлось ранее тайной Ватикана. Обращение к римской мозаике 8-го века - это обращение к славному прошлому своего народа. Это желание возродить старинные технологии и вдохнуть новую жизнь в народные традиции. Орнаменты, сюжеты, сочетания красок взяты с помпейских фресок, мозаичных полов римских и флорентийских соборов.

Удивительно свежо и стильно воспринимаются украшения, соединившие в себе драгоценность мозаики с полудрагоценными камнями и бриллиантами и желтым золотом.

Прославленный ювелирный Дом Loui Cartier, начинавший свою деятельность в стиле Art Deco, всегда являлся приверженцем использования в украшениях самых роскошных камней на основе четкой рациональности структуры, дизайнерских находок и новейших технологий.

Именно фирме «Cartier» принадлежит честь изобретения украшений в стилистике «тутти-фрутти» и красочные украшения, выполненные в «египетском стиле», в стиле «гирлянда».

Строгие, компактные, геометризованные формы украшений Cartier оживляют контрастные сочетания белой платины или белого и желтого золота с бриллиантами и черным ониксом. От прямого изображения пантеры (в кольце из желтого золота с ониксом, бриллиантами, изумрудом) ювелиры фирмы пришли к условности мотива, когда только черный крап из оникса напоминает образ хищника. К последним новинкам фирмы относится обручальное кольцо «Тринити» - из трех колец, белого, желтого и розового золота. Удивительный вкус, ясность композиционного решения, гармоничное сочетание форм и декора, четкость силуэта делают изделия Cartier всегда узнаваемыми и желанными на мировом рынке.

Ярким представителем итальянского необарокко среди других ювелирных фирм выступает фирма «Gianmaria Donini». Произведения этой фирмы существуют в древнеримском стиле, этрусском др., но более всего по духу они отвечают стилю позднего итальянского барокко с его пышностью и прихотливостью форм, разнообразием приемов, материалов, богатством и тщательностью проработки деталей. По сути, украшения Donini

- это своеобразные скульптурные миниатюры с использованием драгоценных камней, натуральных материалов редких по красоте. Все его украшения ручной работы - что, кстати, также относится к модной тенденции в ювелирном дизайне. Как сказал другой известный итальянский ювелир О. Оrlandini; «Ювелирные украшения должны делаться руками, иначе в них не будет души». Душа в ювелирных украшениях Donini с избытком, недаром его работы вошли в словарь итальянского ювелирного искусства XIX-XX вв.

Работы ювелира Неnrу Dunау стоят несколько особняком в ювелирном мире. Он также вдохновляется миром древних культур, Востоком. Его работам также можно дать название скульптурных миниатюр, но в гораздо более прямом значении этого слова. От ювелирных украшений, выполненных в азиатском стиле с богатым использованием резь-бы (таковы, например, подвески из золота с резным жадитом, рубинами и бриллиантами), он обращается к украшениям, в которых искусно сочетает фактуру бриллиантов, золота с камеей по агату, воспроизводя античный мотив - брошь «Цезарь», и переходит к прямой ювелирной пластике.

Эти произведения носят соответствующие названия: композиция «Северный полюс», композиция «Сфинкс» - дань Древнему Египту. В композиции «Сфинкс» изобретательно сочетается фактурное матовое золото тела сфинкса, решенного предельно обобщенно, с берилловой мордой и грудью и с крупнофактурным основанием из корнелиана на золоте.

Эта тенденция возрождения ювелирной пластики в той или иной манере, стиле, думается, будет еще набирать силу.

В ювелирном этнодизайне в последнее время сформировалось направление, в котором обращение к национальным культурам осуществляется через использование художественных форм и приемов, стилевых черт, присущих другим видам прикладных искусств, в частности искусству костюма.

Плодотворно работают в этом направлении ювелирные фирмы «Van Cleef and Arpels», «Stefan Hafner» и др.

В коллекции «Decolette» ювелирам фирмы «Van Cleef and Arpels» удалось воссоздать и лаконичными средствами передать атмосферу Эдвардианской эпохи, добиться об-разности при всей условности языка ювелирного искусства. Коллекцию, состоящую из колье и кольца-банта из белого золота с бриллиантами, отличает в высшей степени элегантность и своеобразная эффектность.

Дизайн фирмы «Van Cleef and Arpels» давно зарекомендовал себя в мировом ювелирном искусстве как новаторский, сочетающий в своих украшениях смелые дизайнерские находки с технологическими достижениями. Коллекция «Broderie» той же фирмы (колье, серьги, браслет и кольца из белого золота с сапфирами и цаворитами) - представляет ретро-стилизацию под вышивку, но в отличие от сдержанной элегантности коллекции «Органди» эта коллекция пронизана совсем другим мироощущением, по-язычески жизнерадостна, динамична. Асимметричное построение композиции, сочетание белого золота с яркими цветными камнями создает ощущение праздничности, веселья.

Ювелирный Дом «Stefan Hafner» так же создающий свои украшения на основе стилизаций под аксессуары одежды прошлых веков, привносит в направление воздух, пустое пространство, «air - conditionedjewelry». Его коллекции буквально пронизаны воздухом, который участвует в формообразовании украшений наравне с другими элементами ювелирных композиций.

Очень эффектно выглядит колье из белого золота с белыми и черными бриллиантами «Макраме». Прихотливо рассыпанные по колье белые бриллианты, то кучкующиеся, то разбегающиеся, образуют свободные пространства между собой, какбы создавая зоны тяготения, не дающие слипнуться в одно целое этот организованный «хаос» бриллиантов. Сдерживающим и организующим началом в этой ювелирной композиции является пересекающиеся линии Раvе с черными бриллиантами, выполняющими роль основы.

Ювелир Stefan Hafner исповедует принцип: - «то, что ты делаешь, должно нравиться, выглядеть дорого, а стоить недорого, т.е. сделать максимум за минимальные деньги» - «big splash - little cash». В его коллекциях по-прежнему модны Раvе, а сочетание белого золота с белыми и черными бриллиантами создает ощущение изысканной роскоши, которой хочется обладать.

В небольшой статье невозможно охватить все многообразие стилевых направлений, школ, манер, участвующих в формировании современного ювелирного этнодизайна. Национальная принадлежность в ювелирном дизайне фигурирует в десятках вариантов - в передаче национального характера, народного духа, образов родной природы и привычного сочетания цветов, использования региональных технологий, предпочтения тех или иных материалов, техник и т.д.

Главное, что перед современным ювелирным искусством стоит художественная задача создания емкого символа художественно отображающего современную жизнь, и для решения этой задачи с успехом могут применяться как отдельные художественные средства национального искусства, так и национальные народные искусства в целом. Национальное наследие каждого народа входит в систему интернациональной культуры человечества, и собирание мировой интернациональной сокровищницы высочайших достижений творческого духа человека происходит через национальное.

5.2 Ювелирные техники

С приходом к власти Михаила Романова, работа кремлевских мастеров быстро наладилась, а во второй половине 18 века наступил рассвет ювелирного искусства России. Кремлевские мастерские представляли собой своеобразную русскую академию художеств, в которой работали талантливые мастера разных специальностей, приехавшие в столицу из многих городов Русского государства.

Кремлевские ювелиры и ремесленники были людьми привилегированными и богатыми, однако условия труда мастеров золотого и серебряного дела были очень тяжелыми. Им приходилось много работать, а жалованье их было от 8 до 20 рублей в год, лишь некоторые получали до 40 рублей. Такой заработок считался очень низким, его не хватало даже на самое необходимое. Но даже в таких тяжелых условиях русские ювелиры создавали вещи, которые и сейчас поражают своим уровнем исполнения и красотой.

Рисунок 9. Шапка, укаршенная драгоценными камнями

В эпоху, когда Киев был столицей Древнерусского государства, восточные славянки любили украшать себя множеством драгоценностей (рисунок 9). Наиболее предпочитаемыми украшениями были литые серебряные перстни с орнаментом, витые браслеты из серебряной проволоки, стеклянные браслеты, а также бусы. Они были самые разнообразные: из цветного стекла, горного хрусталя, сердоликов и рубинов, крупных полых бусин из литого золота. К ним привешивались круглые или лунообразные бронзовые подвески (лунницы), украшенные тонким орнаментом: мифическими зверями в скандинавском стиле, сложными плетёными конструкциями, очень напоминающими изображения на арабских дирхемах - монетах, которые в те времена имели хождение как на Руси, так и в Европе.

Но самыми популярными украшениями были височные кольца. Литые серебряные височные кольца вплетались в женскую причёску у висков или подвешивались к головным уборам, их носили по одной или по нескольку пар сразу. У каждого восточнославянского племени, вошедшего в состав Киевской Руси, был свой особый тип височных колец, непохожий на такие же украшения соседей. Женщины племени северян носили изящную разновидность колец, напоминающую завиток или сплющенную спираль. Радимичам больше нравились височные кольца, у которых от дужки расходилось семь лучей, заканчивавшихся каплевидными утолщениями. На височных кольцах вятичей, которые были одними из самых декоративных, вместо лучей было по семь плоских лопастей. Горожанки XI-XIII веков больше всего любили колты - парные полые золотые и серебряные подвески, которые крепились цепочками или лентами к головному убору.

Многие дошедшие до наших дней колты отличаются удивительным совершенством формы. В 1876 году близ деревни Терехово Орловской губернии в богатом кладе было обнаружено несколько пар колтов XII - начала XIII веков. Они представляют собой массивные пятилучевые звёзды, густо покрытые тысячами напаянных мельчайших шариков металла. Подобная ювелирная техника именуется зернью; она пришла из Скан-динавии и была широко распространена в Древней Руси. Наряду с зернью использовалась и скань - тончайшая серебряная или золотая проволочка, скрученная жгутами, напаивалась на пластины или свивалась в ажурные узоры. В 1887 году на территории древнего Михайловского Златоверхого монастыря был найден другой клад ювелирных украшений XI-XII веков, в том числе пара золотых колтов. Колты были украшены речным жемчугом и изображениями фантастических птиц с женскими головами. Цвета изображений не потеряли яркости, а их сочетание на редкость изысканно: белый, бирюзовый, тёмно-синий и ярко-красный. Между тем создавший это великолепие мастер умер около восьми столетий назад. Михайловские колты выполнены в виртуозной ювелирной технике перегородчатой эмали, которая была перенята у византийцев. Это забытое искусство требовало терпения и поразительной точности в работе. На поверхность золотого украшения ювелир напаивал на ребро тончайшие золотые ленточки-перегородки, составлявшие контур будущего рисунка. Затем ячейки между ними заполняли порошками эмали разных цветов и нагревали до высокой температуры. При этом получалась яркая и очень прочная стекловидная масса. Изделия, выполненные в технике перегородчатой эмали, были очень дорогие, поэтому не случайно большинство сохранившихся до наших дней произведений являются деталями богатого княжеского убора.

Другой излюбленной техникой древнерусских ювелиров было чернение, которое, по мнению некоторых учёных, являлось хазарским наследием. «Чернь» представляла собой сложный сплав олова, меди, серебра, серы и других составных частей. Нанесённая на серебряную поверхность, «чернь» создавала фон для выпуклого изображения. Особенно часто чернение использовали при украшении створчатых браслетов-наручей. Несколько десятков таких браслетов XII века хранится в Государственном Историческом музее в Москве. На них нетрудно различить фигуры музыкантов, танцовщиц, воинов, орлов и мифических чудовищ. Сюжет рисунков далёк от христианских представлений и ближе к язычеству. Ювелиры применяли эмаль или «чернь» для изображения как Христа, Богородицы, святых, так и грифонов, собакоголовых чудищ, кентавров и языческих празднеств.

Были как чисто христианские, так и чисто языческие украшения, которые являлись предметами религиозных культов. Сохранилось множество нагрудных крестов-энколпионов, состоящих из двух створок, между которыми помещались частички мощей святых. На створках обычно бывало литое, резное или чернёное изображение Богоматери с Младенцем. Не менее часто археологи находят языческие амулеты - предметы, оберегавшие от болезней, бед и колдовства. Многие из них представляют собой литые фигурки конских голов, к которым цепочками крепятся «бубенчики», выполненные в форме зверей, птиц, ложек, ножей и ухватов. Своим звоном бубенчики должны были отгонять нечистую силу.

Некоторые памятники древнерусского ювелирного искусства, появившиеся до татаро-монгольского нашествия, получили огромную известность. Более всего знаменита «Черниговская гривна», или «гривна Владимира Мономаха» (рисунок 10).

Рисунок 10. Золотой медальон «Черниговская гривна»

Это чеканный золотой медальон XI века, так называемый «змеевик», на одной стороне которого изображена женская голова в клубке из восьми змей, символизирующая дьявола, языческое божество или злое начало вообще. Против болезни направлена молитва на греческом языке. На другой стороне - архангел Михаил, призванный оборонять владельца гривны от дьявольских козней. Надпись, сделанная славянскими буквами, гласит: «Господи, помоги рабу своему Василию». Это был настоящий христианский амулет против нечистой силы. Сюжет и сама техника исполнения гривен-змеевиков заимствованы из Византии; до нашествия татаро-монгол, украшения подобного рода не были редкостью. «Черниговская гривна» выполнена необычайно искусно и должна была принадлежать богатой, знатной персоне скорее всего княжеского происхождения. Стоимость этой драгоценности равняется величине княжеской дани со среднего города. Медальон нашли в 1821 году недалеко от города Чернигова, который в древности был столицей княжества.

Надпись, указывающая на личность владельца - Василий, - подсказала историкам, что гривна принадлежала Владимиру Мономаху (1053-1125), которому при крещении было дано имя Василий. Этот известнейший древнерусский полководец и политический деятель некоторое время княжил в Чернигове. Он оставил «Поучение» детям, написанное в форме воспоминаний. В этом сочинении князь писал, что одним из любимых его занятий была охота. Выходя на неё, Владимир Мономах не боялся кабаньих клыков и копыт лося. Охотясь невдалеке от Чернигова, он обронил драгоценную гривну, донёсшую до потомков работу искусных киевских мастеров.

5.3 Гравировка

Гравиромвка (гравирование) (нем. gravieren, фр. graver - вырезать на чём-либо) - нанесение рисунка, надписи, орнамента, ручным или механическим способом на поверхности металла, камня, дерева, стекла. Один из древнейших способов обработки материала резанием. При этом рисунок может быть выпуклым (рельефным) или углублённым.

В качестве резца используют: штихель, бор (фреза), пуансон (инструмент, напоминающий по форме гвоздь, используется при гравировании пунктирной линией из точек различной величины и глубины).

В некоторых случаях используется лазер. Лазерная гравировка позволяет добиться чёткого нанесения на материал букв или рисунка, делать острые углы, наносить рисунки различной плотности.

На металле и стекле применяется травление кислотами.

Наиболее характерным примером гравировки являются нанесение надписи на предметах, таких как карманные часы, оружие, браслеты, зажигалки. Применяется в ювелирном деле.

Следует строго разделять использование гравирования как промежуточного технологического процесса - в печатной графике, и собственно - гравировку (где также именуется сам процесс, в отличие от вышеназванного, гравировкой работа на печатной форме профессионалами никогда не называется - обычно говорится: «нарезать гравюру»), которая сама по себе считается законченным произведением или элементом, деталью такового, с завершением работы гравёра, резчика.

Тем не менее, следует признать, что элементы техники, как и значительная часть инструментов, пришли в гравюру именно из ювелирного искусства, из методики обработки металла, резьбы по дереву - из гравировки, издревле применявшейся при изготовлении накладных украшений оружия, или непосредственно - на самих мечах, алебардах, доспехах и т.д., - в украшениях ювелирных самих по себе. Коренное различие кроется в понимании задач: в гравюре, как в станковом виде изобразительного искусства - обусловленных потребностью получения качественного, выразительного оттиска, - по замышляемым художником пластическим характеристикам, а в прикладном искусстве - характеристиками этими должно обладать само изделие.

История гравировки по металлу насчитывает не одно тысячелетие. Широко известны бронзовые изделия с искусной гравировкой, выполненной кавказскими художниками-граверами еще в начале первого тысячелетия до новой эры. В основном это оружие - боевые топоры и кинжалы, украшенные гравированными орнаментами и изображениями животных.

Мастера древнего Новгорода, Киева, Пскова, Москвы и других городов оставили нам прекрасные образцы гравировки на различных металлах. Неповторимым своеобразием отличались медные павловские замки для ларцов и шкатулок. Замки изготовляли в виде забавных фигурок львов, русалок, журавлей, всадников и скоморохов, украшенных резцовой гравировкой.

Существуют две основные техники резцовой гравировки - штриховая гравировка и обронная резьба. - В штриховой гравировке на поверхность металла наносят порезки в виде контурных линий и штрихов. Обронная резьба представляет собой рельеф с выбранным углубленным фоном и объемной обработкой изобразительных элементов.

Резцовую гравировку выполняют вручную металлографическими резцами, так называемыми штихелями. Их можно приобрести в художественных салонах. Если вам не удасться лупить-готовые штихели, загляните в этой же книжке в главу «Резьба по кости» - там рассказано, как сделать три основных штихеля. В дополнение к ним можно сделать еще два - мессерштихель и репштихель. Они показаны на рисунке. Мессерштихель дает возможность делать тончайшие порезки, а репштихелем можно проводить одновременно несколько параллельных линий.

Очень важно для успешной работы правильно затачивать резцы. Вначале их затачивают на мелкозернистом бруске, смоченном водой или - маслом. Окончательную доводку делают на оселке или на куске кожаного ремня, покрытого слоем окиси хрома (пасты ГОИ).

Каждый штихель затачивают под определенным углом, который прежде всего зависит от твердости гравируемого металла. Для гравировки алюминия и латуни резец затачивают под углом 30-45°, а для стали и твердых металлов - под углом 60°.

Для гравировки мелких изделий нужно изготовить гравировальную подушку. Из толстого брезента или кожи вырежьте два круга диаметром около 200 мм. Затем, отступив от края на 5 мм, сшейте круги, но не до конца. Вывернув наизнанку полученный мешок, снова прошейте вдоль края, оставив небольшое отверстие для засыпки песка. Речной песок промойте и просушите. Засыпать его в подушку можно с помощью воронки или бумажного конуса. Туго набейте подушки и тщательно зашейте отверстие.

Заготовки из кожи перед сшиванием размачивают в теплой воде. При засыпке песка увлажненная кожа растянется, а после высыхания сожмется. Таким образом подушка станет тугой, но вместе с тем сохранит необходимую упругость и эластичность.

Гравируемое изделие укладывают на подушку и, придерживая левой рукой, поворачивают в процессе гравирования под нужным углом. Если же изделие мелкое, то его предварительно укрепляют на деревянной колодке. Колодка изготовляется в зависимости от формы гравируемой детали или изделия. На ее по-иерхность наплавляют слой вара или сургуча толщиной около 5 мм. Затем подогревают металлическую деталь до 100 - 120° и вдавливают в слой мастики. После затвердевания мастики деталь прочно закрепляется на колодке. Такие изделия, как браслеты, кольца и перстни, перед гравированием насаживают без мастики на цилиндрические колодки, имеющие небольшую конусность, и которые удобно держать в руках.

Прежде чем приступить к гравировке, научитесь правильно держать резец в руке. Металлическую часть резца называют клинком. Указательный палец должен находиться сверху у кончика клинка, как показано на рисунке. Большой палец поддерживает клинок сбоку. Мизинец, средний и безымянный пальцы прижимают ручку резца к ладони. При насадке клинка надо проследить, чтобы кончик его выступал из-под указательного пальца не больше чем на 5-7 мм. Левой рукой изделие прижимают к подушке, а большой палец правой руки упирается в изделие, корректируя подачу резца. Указательным пальцем корректируют глубину порезки. Резец во всех случаях во время гравирования должен быть направлен только от себя. Гравируя всевозможные кривые линии, изделие поворачивают навстречу резцу, не меняя направление резца в руке.

Чтобы проверить технические возможности изготойленного нами резца, полезно проделать несколько упражнений на отдельных пластинках из стали, меди или латуни. Во время тренировки нетрудно будет установить, что резцы с квадратными сечениями удобнее для гравировки плавных закругленных линий. Резцы с круглым или овальным сечением подходят для проведения более широких прямых линий.

Следует обратить особое внимание на положение кончика резца на поверхности металла. Если острие резца слишком опущено и имеет очень острый угол заточки, резец во время работы будет постоянно зарываться в металл и может сломаться. При слишком поднятом острие, плохой заточке и слишком тупом угле, превышающем 45°, резец будет соскакивать с изделия.

Возникающие при этом глубокие царапины, так называемые «зайцы», могут непоправимо испортить гравируемую поверхность. Чтобы устранить все эти недостатки, нужно для каждого резца определить путем проб оптимальный угол заточки - он во многом зависит от сечения резца и качества стали, из которой резец изготовлен.

Снимая стружку, перемещайте резец без особого напряжения. При гравировке вязкого металла на поверхности его неизбежно появляются заусенцы, которые снимают шабером. Шабер легко изготовить из трехгранного или четырехгранного напильника или надфиля, сточив с их граней насечку.

Наносить гравировку можно на изделия из меди, бронзы и мягкой стали. Предназначенную для гравировки поверхность металла зачищают мелкозернистой наждачной бумагой и полируют полировочной пастой. Полировочную пасту можно заменить масляной краской - окисью хрома, энергично растирая ее на металле кожаным тампоном или куском толстой кожи.

Рисунок наносят карандашом, стеклографом или тушью и закрепляют его с помощью быстросохнущего лака. Иногда вспомогательный рисунок процарапывают стальной иглой, а чтобы он был более четким, втирают в процарапанные линии масляную краску.

Есть еще способ нанесения рисунка: металл покрывают слоем кислотоупорного лака, затем на лаке процарапывают рисунок и все изделие слегка протравливают слабым раствором кислоты.

Во время гравирования стружку с изделия нужно сметать широкой кистью в коробочку, чтобы не засорять рабочее место.

При желании гравированные изделия можно полностью или частично окрашивать в различные цвета. О том, как окрашивают металлы, можно прочитать на с. 162-163. Участки металла, не предназначенные для окраски, покрывают плотным слоем лака. Например, если решено фон орнамента сделать темным, то покрывают лаком все элементы орнамента, за исключением фона. После окраски в специальном составе фон потемнеет, а орнамент останется светлым. А можно, наоборот, покрыть лаком фон, тогда темным будет орнамент или какое-либо другое изображение. После окраски изделия лак удаляют растворителем (рисунок 11).

Рисунок 11. Оружейная гравировка

Интересный декоративный эффект, можно достигнуть гравированием по темному фону. В этих случаях пластину или металлическое изделие окрашивают (патинируют), а затем гравируют.

6. Экономическая часть

Уровень себестоимости продукции определяется затратами. Классификация затрат имеет следующий вид:

1) К основным затратам относится себестоимость всех затраченных материалов, входящих в состав создаваемой продукции.

2) Вспомогательные материалы включают стоимость материалов вспомогательного назначения, используемых в процессе обработки изделий (стоимость запчастей для ремонта, оборудование, сумма возмещения взноса, инструментов и средств малых механизации, стоимость материала на хозяйственные нужды).

3) Топливо и энергия рассчитываются на все виды энергии, используемой при изготовлении изделий.

4. Затраты по заработной плате работникам отражают затраты живого труда на производстве продукции.

Для создания ювелирных украшений при подготовке к дипломному проекту были необходимы следующие материалы (таблица 1):

Таблица 1 - Основные материалы

Наименование затрат

Кол-во, шт

Цена 1 единицы, тг.

Стоимость, тг.

1

Болончики аэрозоль

4

500

2000

2

Цепи

10

1000

10000

3

Камни

12

150

1800

4

Металл

1

1500

1500

5

Клей «Момент»

2

150

300

6

Манекен, шея

1

2000

2000

7

Машина для гравировки

1

17000

17000

8

Напильники по металлу

10

5000

5000

9

Клей 101

5

30

150

Итого

39750

Заключение


Подобные документы

  • История возникновения и развития язычества. Символика славян в декоративно-прикладном искусстве. Ремесла древних славян, русская вышивка и мифология, художественная резьба по дереву. Древние славянские образы в современном декоративном искусстве.

    дипломная работа [78,0 K], добавлен 22.06.2014

  • Основные направления в развитии современного декоративно-прикладного творчества и композиции в декоративном искусстве. "Художественный образ" в произведениях декоративно-прикладного искусства. Основные направления искусства оригами в современном мире.

    курсовая работа [7,2 M], добавлен 10.11.2011

  • Развитие декоративно-прикладного искусства в России. История появления сувенирных изделий. Особенности быта сибиряков. Анализ воспитательно-педагогической деятельности Канского педагогического колледжа. Разработка требований к керамическим сувенирам.

    дипломная работа [115,5 K], добавлен 22.10.2012

  • История возникновения и развития язычества. Анализ и сравнение верховных богов стран Древней Греции и Рима, Индии и Руси. Символика славян в декоративно-прикладном искусстве в разные периоды развития цивилизации. Крашение и ручная роспись по ткани.

    дипломная работа [77,7 K], добавлен 28.08.2014

  • Гобелен как один из видов декоративно-прикладного искусства, вытканный вручную ковер-картина. Искусство изготовления шпалер, их типы и отличительные особенности. История и этапы развития данного направления в искусстве, тенденции и перспективы развития.

    реферат [178,7 K], добавлен 07.12.2011

  • Изучение истории декоративно-прикладного искусства в мире и России. Процесс движения искусств и ремесел. Проблема машинного производства изделий декоративно-прикладного искусства. Место и значение декоративно-прикладного искусства в общественном быту.

    курсовая работа [3,4 M], добавлен 16.06.2014

  • Роль и значение, особенности проявления образа и символики растения в декоративно-прикладном искусстве русских народных промыслов Хохломы, Жостово, Пермогорья, Урало-Сибирской и Обвинской росписи. Обрядово-мифологическое значение растения в данной сфере.

    курсовая работа [64,1 K], добавлен 05.09.2014

Работы в архивах красиво оформлены согласно требованиям ВУЗов и содержат рисунки, диаграммы, формулы и т.д.
PPT, PPTX и PDF-файлы представлены только в архивах.
Рекомендуем скачать работу.