линогравюра печатный графика художественный

История гравюры - с древних времён до начала XX века - это история продольной и торцовой гравюры на дереве, резцовой гравюры на меди, офорта со всеми его разновидностями, а позднее и гравюры в сложной, комбинационной технике. Нельзя не упомянуть здесь о литографии. Без всей этой предыстории не могла бы существовать и линогравюра. Линогравюра существует ещё не более ста лет. Что бы лучше «почувствовать» её, нужно знать и всю историю гравюры.

Первое упоминание о гравюре встречается в VI веке нашей эры в истории изобразительного искусства Китая, где гравюра имела прикладное значение и существовала в виде клейм, печатей в буддийских храмах, в качестве трафаретов для цветных тканей и в основном была посвящена религиозной тематике.

В Японию гравюра на дереве проникла из Китая, где она была известна с глубокой древности. С начала XVII века в японском искусстве возникло новое течение. Художники обращались к природе, к людям, к окружающей их жизни и создавали реалистические произведения. Расцвет искусства был отчасти обусловлен тем, то в стране после длительных междоусобных войн был на долгий срок установлен мир. Культурным центром страны стал город Эдо, то есть Токио, где работало около тысячи художников - граверов. Расцветом всемирно известной японской гравюры принято считать период примерно в двести лет: от середины XVII до середины XIX века.

Если в Европе и в Китае гравюра зародилась как репродукционная, то в Японии она стала самостоятельным видом искусства. Японские гравюры сразу можно узнать по точному рисунку, изящной линии, декоративной условности в цвете, красивым сочетанием цветов. Интересен метод их выполнения: делал рисунок обычно художник, который ставил свою монограмму, а вырезал гравюру мастер - резчик и печатал. Эти мастера обладали, как правило, помимо совершенства в своём мастерстве и художественным вкусом. Печатались японские гравюры водяными красками, размешанными на рисовом, клее, который не давал растекаться красочному слою. Краски наносилось широкой кистью типа флейц, а печатались гравюры вручную, с помощью костяной гладилки, по форме напоминавшей длину флакона. Большого давления не требовалось, так как пористая бумага легко впитывала краску.

Сначала в Японии существовала чёрная гравюра. Родоначальником её принято считать Моронобу, который изображал несложные жанровые сцены и отдельные фигуры. Впервые применил цветную гравюры как самостоятельный вид искусства Хоронобу. Своим расцветом гравюра обязана таким художникам, как Утамаро, Хироге, Хокусай и многие другие. Девизом для их творчества можно взять слова великого художника Хокусаи: «ни что в природе не должно быть оставлено без внимания». Возникновение гравюры связано с ремёслами, где применялись процессы гравировки: ксилография - с резьбой, в том числе на досках для набойки; резцовая гравюра - с ювелирным делом; офорт - с украшением оружия. Бумага - материал для оттисков - появилась в начале н. э. в Китае, в Европе - в средние века. Общественный интерес к гравюре с её тиражностью проявился в Европе в начале эпохи Возрождения - с ростом самосознания личности, с расширившейся потребностью в распространении и индивидуальном восприятии идей. Первые в Европе гравюры (религиозного содержания), выполненные в технике ксилографии, появились в XIV-XV вв. Выпуклыми гравюрами на металле во Франции в средние века часто иллюстрировались часословы.

В этот период в западной Европе помимо живописи и рисунка развивается и гравюра. В Европе уже с XV века существовали игральные карты, отпечатанные с деревянных досок. Первая гравюра на дереве была сделана в Германии в 1423 году. Во Франции, Италии, Фландрии и других странах она возникла несколько позже, а в России - в 1464 году. Толчком к развитию гравюры как самостоятельного вида искусства послужило, как известно, развитие наук, культуры, просвещения, - тогда же возникла необходимость пропаганды этих достижений, что и послужило основанием для изобретения типографского станка и развития книгопечатания. Наряду с книгами и гравюрами религиозного содержания печатались географические карты, буквари, технические рисунки. Параллельно с гравюрой на дереве развивалась гравюра на меди и офорт, причём эти виды существовали также и как прикладное искусство в виде орнамента на оружии и металлической посуде, в виде художественных шрифтов на надгробиях и т.д. Точной даты возникновения гравюры на металле нет, но её относят к середине XV века.

Возникновение гравюры связано с ремёслами, где применялись процессы гравировки: ксилография - с резьбой, в том числе на досках для набойки; резцовая гравюра - с ювелирным делом; офорт - с украшением оружия. Бумага - материал для оттисков - появилась в начале н. э. в Китае, в Европе - в средние века. Общественный интерес к гравюре с её тиражностью проявился в Европе в начале эпохи Возрождения - с ростом самосознания личности, с расширившейся потребностью в распространении и индивидуальном восприятии идей. Первые в Европе гравюры (религиозного содержания), выполненные в технике ксилографии, появились в XIV-XV вв. Выпуклыми гравюрами на металле во Франции в средние века часто иллюстрировались часословы. В немецкие мастера много внимания уделяли обрезной и резцовой гравюре. Большое влияние на последующее развитие искусства в Голландии и Фландрии оказал Лука Лейденский (1494-1533). Он, так же как и многие его современники работал в живописи и в гравюре. Переводил свои рисунки в технику резцовой гравюры на меди. Великий голландский художник Рембрендт ван Рейн (1603-1669) был новатором и продолжал дальнейшие пути развития искусства. Он создавал шедевры как в живописи, так и в графике. Из всех техник он выбрал офорт, в котором можно идти от живописности, от пятна и в тоже время от рисунка, от линии. Среди итальянских мастеров выделяется большой знаток архитектуры Дж. Б. Пиранези (1720-1778), создавший несколько альбомов крупных декоративных офортов. Офортная техника более свободная, чем гравюра на меди, позволила ему широко и живописно изображать натуру и архитектурные фантазии, сохраняя строгий линейный рисунок. В Англии один из выдающихся художников - живописцев - Хогарт. У него есть множество гравюр с разными сатирическими сюжетами. Мы ценим этого художника, как создателя критического реализма. В области офорта работал великий испанский художник Гойя. Его офорты выполнены с применением акватинты, очень живописны. Из граверов других стран Необходимо отметить француза Ж. Калло, крупнейшего рисовальщика и гравера XVI-XVII веков. А так же немецкого художника и гравера - Д. Ходовецкого.

Немецкие и французские гравюры XV в. отличались декоративностью, контрастами чёрного и белого, подчёркнутыми контурами, готической ломкостью штриха. К концу XV в. два направления книжной гравюры сложились в Италии: во Флоренции значительную роль играл интерес к орнаменту, а в Венеции и Вероне тяготели к чёткости линий, трёхмерности пространства и пластической монументальности фигур. В XV в. немецкие анонимные мастера и М. Шонгауэр использовали тонкую параллельную штриховку, нежную моделирующую светотень. В Италии А. Поллайоло и А. Мантенья применяли параллельную и перекрёстную штриховку, добиваясь объёмности, скульптурности форм, героической монументальности образов. А. Дюрер завершил искания мастеров поздней готики и Возрождения, сочетая характерную для немецкой гравюры виртуозную тонкость штриха с присущей итальянцам пластической активностью образов, наполненных глубоким философским смыслом. В эпоху Реформации гравюра послужила средством социальной борьбы ("летучие листки") в Германии и Нидерландах.

Интерес людей к гравюре с XVIII начал затихать и большую роль в возрождении гравюры как самостоятельного вида искусства сыграла техника репродуцирования в конце XIX и в начале XX века сначала на западе, затем и в России. Эта техника получила широкое развитие во многих странах. Это было время возникновения ряда новых областей графики, в том числе и линогравюры. В конце XIX и начале XX века гравюра получила дальнейшее развитие, особенно во Франции. Для нас более интересен именно этот период, так как он связан с возникновение гравюры на линолеуме.

Интересен тот факт, что в Париже существовало в то время множество обществ художников - граверов, а так же любителей гравюры. Профессиональный уровень гравирования был довольно высок; художники в большинстве своём не ограничивались каким-либо одним видом гравюры, а пробовали свои силы и в смежных областях графики. Что касается возникновения первых линогравюр, то мы не располагаем точными сведениями о том кем и когда они были сделаны. В истории искусства ещё не написано ни одного капитального труда по истории линогравюры, а имеющиеся о ней сведения как на русском, так и на иностранных языках крайне скупы и даются в общих сведениях с эстампами в общих монографиях. Возникшая в это время гравюра на линолеуме не сразу получила распространение. Это был период, когда фотомеханический способ печати стал вытеснять репродукционную гравюру. Ища новые пути в искусстве, художники пришли к необходимости возродить гравюру как самостоятельный вид графики. От сухой манеры, распространённой в те года в репродукционной штриховой гравюре, они перешли к тональным сплошным покрытиям, к светотени. Первые работы в этой области делались в ксилографии.

Самостоятельное значение русская гравюра приобрела в конце XVII и в начале XVIII веков, в эпоху Петра I. Широкое распространение у графиков получила тема архитектуры Петербурга. В России при оружейной палате был целый штаб граверов, работавших в прикладном искусстве, из которых в последствии вышли первые художники - профессионалы.

Широкое распространение в книге XVIII века получает виньетка (франц. vignette) - небольшое, композиционно завершенное графическое изображение орнаментального, предметного или сюжетно-тематического характера (часто с символическим или аллегорическим значением), помещаемое обычно на титульных элементах книги, ее начальных или последних страницах (например, в изданиях Петровского времени чаще всего встречалась в разных вариантах виньетка с видом на Неву, Петропавловскую крепость и церковь Троицы). Однако главным элементом художественного оформления книги XVIII века, определяющим весь стиль издания, является титульный лист, который в зависимости от характера и способа украшения может быть шрифтовым или "виньеточным", наборным или целиком гравированным.

В конце XVIII века широкое распространение получает раскрашивание гравюр от руки акварельными или гуашевыми красками.

В конце XVIII столетия в России появляется двухцветная глубокая печать. Этим способом были выполнены иллюстрации к "Басням и сказкам" И.И. Хемницера (1799). XIX век современники называли "веком иллюстрированной книги". На первое место в оформлении изданий постепенно выдвигается не декоративное убранство, а иллюстрация - реалистическая картинка, тесно связанная с текстом.

Стремление к удешевлению иллюстраций и к выпуску более крупных тиражей выдвигает на первый план литографию, расцвет которой наблюдается во второй половине века. Первоначально в этой технике печатались многочисленные издания военной тематики, выполненные по заказу правительства, нотные издания, географические карты, модные картинки. Начиная с 30-х годов вводится иллюстрирование обложек литографиями. Во второй половине XIX века в России получает распространение техника многоцветной литографии - хромолитография. Первым русским хромолитографическим изображением считается репродукция книжной миниатюры из Изборника Святослава 1073 года (портрет князя Святослава с семьей), изготовленная московским палеографом и художником К.Я. Тромониным.

Во второй половине XVIII века началась новая эпоха в гравировании: появилась торцовая гравюра; одним из первых осваивал эту технику англичанин Томас Бьюик (он, кстати, резал по собственным рисункам). Для торцовой доски бревно пилится поперек на тонкие "блины" (толщиной 2-3 см), на них и режут. Причём самшит (основной материал) - дерево тощее, его диаметр редко превышает дециметр, поэтому доску приходится склеивать из маленьких квадратиков. Занятие трудоёмкое и неинтересное.

Единственное (и решающее) достоинство торца - его равномерность в резьбе. Больше нет проблемы резать то вдоль, то поперек слоя; резчик отныне делает что хочет. Это и создало новую эпоху. В 40-х годах XIX века она получила широкое распространение в русской книге, обладающая богатейшими изобразительными возможностями передачи светотени, фактуры и штриха художественного оригинала независимо от техники его исполнения и дающая возможность одновременно печатать текст и иллюстрации.

В конце XIX века был изобретен линолеум: прочная тканевая основа, покрытая смесью льняного масла, смол и молотой пробки. Придуман он, конечно, вовсе не для художников - а для покрытия полов.

Линолеум режется легко, с нежным потрескиванием от микро-зерен толченой пробки. Приятно работать. Впрочем, он чрезмерно мягок, и тонкие штрихи на нем невозможны. Остроумова-Лебедева отзывалась о линолеуме пренебрежительно: "Как калошу режешь". Каждому свое...

И, наконец, уже в середине ХХ века появился еще один материал - пластик ПХВ. Он тверже линолеума и потому универсален: на нем режут и в свободной манере линогравюры, но также можно применять и тончайшую штриховку, почти не уступающую торцовой ксилографии. С. Косенков очень много работал и на линолеуме, и на пластике.

В России линогравюра возникла несколькими годами позднее, чем в других странах Европы. Начало XX века - это период, когда у нас гравюра почти целиком стала репродукционной или выполняла задачи книжного и журнального оформления. Из крупнейших мастеров, работавших в ксилографии и в офорте, следует в первую очередь назвать В. В. Матэ, который воспитал целое поколение замечательных графиков. Первым из русских художников применил линогравюру Н. А. Шевердяев, который во время пребывания в Париже в 1906 году выставил свои работы в этой технике и имел успех. В 1907 году к линогравюре обратился, ставший впоследствии русским художником - гравером, И. Н.Павлов, который уже до этого имел громадный опыт в работе над репродукционной гравюрой. И. Н. Павлов заинтересовался гравюрой на линолеуме. По свидетельствам Шевердяева: «в Париже линолеум уже вытеснил обрезную гравюру. И только застарелые эстеты призирали этот новый гибкий материал». Павлов самостоятельно разработал технику гравирования на линолеуме и приёмы печати. В историю графики художник вошел, прежде всего, своими знаменитыми сериями цветных линогравюр. Эстампы в линогравюре печатали Е. Кругликова, Б. Кустодиев, И. Соколов, В. Фалилеев, В. Замирайло, А. Кравченко, Д. Митрохин, В. Фаворский.

Линогравюрой занимались знаменитые русский художники Б. М. Пустодиев, М.В. Маторин, Суриков, В. А. Фаворский и многие другие. Увлекались линогравюрой и многие русские художники - живописцы. Блестящим офористом был и Нивинский, создавший целую школу московских граверов. Среди других художников, внесших большой вклад в развитие советской графики был А.И. Кравченко, так же работавший в области иллюстрации и гравюры на дереве, а так же другие выдающиеся советские художники.

Заслуга применения линогравюры в книгоиздательском деле принадлежит И.Н. Павлову, который впервые использовал ее для оформления обложки и иллюстраций детской книги вместо цинкографии и литографии. Большой вклад в создание художественной формы русской книги тех лет внесли художники объединения "Мир искусства" А.Н. Бенуа, Л.С. Бакст, Е.Е. Лансере, И.Я. Билибин, М.В. Добужинский и др., превратившие иллюстрацию и декоративное оформление книги в одну из ведущих областей русского изобразительного искусства.

Традиции художников старшего поколения продолжают молодые графики. Большинство из них прошло основательную профессиональную подготовку в художественных вузах. До сегодняшнего дня линогравюра остается одной из самых популярных и востребованных техник печатной графики.

1.2 Особенности создание композиции в технике графики

Специфику искусства графики составляет рисунок. Рисунок (как художественно-выразительное средство) хоть и используется во всех видах изобразительного искусства, но в графике он является ведущим, определяющим началом и применяется в более чистом виде. Поэтому можно считать рисунок главным средством графики (как пластику - в скульптуре, цвет - в живописи).

Само слово “графика” ведет свое начало от греческого grapho - пишу, рисую. Рисунок демонстрирует характер, темперамент, настроение художника. Язык графики основан, главным образом, на выразительных возможностях линии, штриха, пятна (иногда цветового), фона основы (обычно листа бумаги - белой или тонированной) с которым изображение образует контрастное или нюансное соотношение. Не смотря на то, что цвет в графике имеет большое значение, но используется все же более ограниченно, чем в живописи. Графика тяготеет к монохромности, чаще всего извлекая художественную выразительность из сочетания двух цветов: белого (либо другого оттенка основы) и черного (или какого-либо другого цвета красящего пигмента).

Материалы и техники графики разнообразны, но, как правило, основой является бумажный лист. Цвет и фактура бумаги играют большую роль. Красочные материалы и техники определяются видом графики.

Многовековая практика станковой графики и орнаментального творчества выработала ряд принципов, применение которых помогает достичь эстетической упорядоченности. Одни могут считаться общими, другие относятся к специальным.

К основным принципам построения графической композиции относятся: цельность, симметрия, асимметрия, ритм, пластика.

С цельностью связывают ясность и простоту восприятия форм. Чем сложнее композиция, тем ценнее простота ее восприятия. Это отмечалось во все времена.

Обычно в искусствознании симметрия связывается со спокойным равновесием. П.П. Чистяков, известный русский художник-педагог конца XIX в., считал, что для восприятия картины как цельного художественного произведения в ней должно быть равновесие.

Не следует забывать, что идеальной симметрии в природе не существует, и, говоря о симметрии, мы прежде всего имеем в виду понятие относительного равенства, приблизительного соответствия. Строгое следование симметрии часто лишает произведение жизненности, понижает выразительность.

Асимметрия, в обыденном ее понимании, -- это отклонение от симметрии или ее отсутствие.

Симметрия и асимметрия в искусстве -- два взаимно проникающих, взаимно сцепляющихся метода, которые дают множество произведений с гармоничным сосуществованием и статики, и динамики. Они как бы выражают две стороны жизни человека, его характер.

Одно из важнейших проявлений ритма -- повторность элементов, мерность их чередования. На основе этой мерности и складывается все многообразие ритмических соотношений.

Ритм в элементах графики проявляется в характере их начертания. Так, линия может включать в себя прямую, кривую и зигзаг, очертания пятна могут иметь разные по конфигурации участки и т. д. Цвет может идти от простых оттенков к более сложным, от родственных отношений -- к контрастным и т. п.

Пластическое «перетекание» одной формы в другую или лепка из элементов одной большой формы соответствует, в принципе, и первоначальным представлениям о пластике. «Перетекание» может проходить плавно, с замедлением, с ускорением, импульсами и т. п., но процесс «перетекания» непрерывен. Если в ритме важна повторность элементов, мерность их чередования, то пластика занимается характером расположения, движением, протяженностью данных элементов в плоскости и пространстве. Графически пластика выражается в непрерывной протяженности элементов графики в части или во всей композиции. Наиболее разнообразные пластические движения форм проявляются в графике растений.

В любом изображении есть и ритмическая основа, и пластические связи.

Работа над графическим листом начинается с определения его композиции. Для этого делаются эскизы, в которых находят наиболее удачное образное решение, пробуют различные варианты композиции. Само слово «композиция» означает сочинение, составление. В процессе работы изображения фигуры человека и предметов постановки размещают на плоскости, находят тоновое решение, распределяют (если это необходимо) свет и тень.

Основным требованием к композиции является единство частей художественного произведения. Необходимо так расположить и связать (пластически, тонально) отдельные части графического листа, чтобы они давали единое, целостное представление, наиболее полно раскрывающее задуманный образ.

Основным элементом композиции является фигуры людей, а предметы и драпировки -- его дополнением. Поэтому центральное место в композиции должно быть отведено изображению фигур людей.

Многофигурные композиции -- графические листы с изображениями трех и более фигур. В большинстве случаев нужно старается придерживаться сюжетной основы многофигурного изображения и закона единства действия. В большинстве случаев фигуры включены в единое действие. Оно, как правило, ограничивается одной сценой и не трактуется как сквозное в разных сценах. Композиции, имеющие несколько независимых сюжетов, связанных общей идеей, исполняются в исключительных случаях. Рекомендуется для сохранения цельности композиции создавать один композиционный центр, приближенный к зрительному центру.

Все композиции с несколькими фигурами можно условно разделить на замкнутые и в целом статичные и разомкнутые, с движением, уходящим иногда за пределы изобразительного поля. К замкнутым следует отнести построения, где действие разворачивается по принципам: кольца, триптиха, когда группы фигур располагаются слева и справа от главной фигуры. К разомкнутым относятся композиции, где изображаются шествия, бег, столкновения группы людей, не ограничивающиеся размерами листа.

Разновидностей отмеченных типов композиций может быть бесконечное множество, и в каждый исторический период они получают свою смысловую окраску. Так, кольцевые композиции могут быть вытянуты в виде эллипса по горизонтали, вертикали или диагонали прямоугольного изобразительного поля. Кольцевые построения -- одни из наиболее каноничных и довольно свободно компонуются во все основные простые геометрические формы (квадрат, прямоугольники различных форматов, круг, овал и др.).

Вначале в виде композиционных набросков отрабатываются общие схемы построения графики и определяется количество задействованных фигур. Затем ключевые группы фигур (двухфигурные и трехфигурные) изучаются в виде длительного и подробного рисунка в карандаше, а второстепенные -- фиксируются в зарисовках. Далее собранный материал организуется в детально отрисованную карандашом композицию размером до одного чертежного листа. Процесс отрисовки часто проходит довольно сложно, так как компоновка фигур на плоскости идет не всегда гладко и требует бесконечных переделок и уточнений. Собранные в первом варианте композиции изображения фигур, как правило, плохо взаимодействуют друг с другом, имеются неточности в размере фигур. Эти недочеты требуют исполнения второго и третьего вариантов. Эскизный графический поиск общего тонового состояния и примерной цветовой раскладки проводится на композиционных набросках, где группы людей изображаются в виде черных или белых масс с выделением 2--3 фигур.

Многофигурные завершенные листы художников прикладного искусства исполняются по большей части кистью в виде линейной, пятновой или линейно - пятновой графики.

Практическое исполнение на плоскости художественного отражения действительности (образа) в графике может идти различно. Каждый крупный художник в процессе творческой жизни обогащает теорию искусства своей индивидуальной практикой, внося неповторимую прелесть личного почерка мастера. История искусства показывает нам широкий диапазон вариантов творческого осмысления темы художником. Разнообразие решений определяется накопленными практикой многочисленными методами работы с различным количеством стадий исполнения и уровней творческого обобщения.

Под методом мы понимаем фиксированный образ действия, позволяющий достигнуть запланированного результата. Знать путь к цели -- это больше, чем половина дела. Методы работы над графическим образом складывались в достаточно большой временной период, берущий свое начало в каноничном творчестве. Каждая учебная графическая работа является творческой, и учебные задания направлены на развитие творческих способностей личности.

Изучение графики может включать: 1) рисунки по памяти, представлению и воображению; 2) изучение наследия мастеров графики в музеях и на периодических выставках; 3) самостоятельную графическую работу в соответствии со своей творческой индивидуальностью. Все эти разновидности работы взаимодействуют и обогащают друг друга формируя профессионально и творчески мыслящего художника.

Практические навыки овладения графическим мастерством усваиваются постепенно, и только постадийное усложнение заданий дает устойчивый результат -- практическую основу творчества.

Поиск наилучших вариантов графических решений учебной постановки называется эскизной работой. Именно в эскизной работе рождается графика, максимально проявляющая творческие способности. Условность графики как вида изобразительного искусства открывает широкие возможности для свободного композиционного поиска.

Эскизы (масштаб примерно 1/8--1/16 стандартного листа) выполняются как без натурной постановки на основе рисунка и зарисовок, так и прямо с натуры. Основное внимание уделяется композиционной работе, определению лучших выразительных средств для данной композиции, техническим приемам исполнения.

После выбора точки зрения определяется возможный формат графической композиции. Формат обусловлен характером постановки, которая построена по схемам горизонтальной, вертикальной или квадратной композиции.

Считая эскизный поиск важной частью полномасштабной композиционной работы, необходимо для создания четкой композиционной структуры графики применить все имеющиеся знания принципов композиции (цельность, симметрия, асимметрия, ритм, пластика). Композиционный центр эскиза должен ясно читаться в работе, помогая раскрытию основной идеи графического произведения. В эскизе определяется и система пространства, в которой будет строиться изображение. Изображения могут быть построены очень иллюзорно, а могут иметь плоскостное решение.

В работе над эскизами важно сразу же определить общее светлотное состояние композиции. Такую графику в зависимости от соотношения количества черного и белого делят на «темную» и «светлую». В «темной» графике, исполняемой, как правило, пятном, черные заливки занимают большую часть композиции, оставляя белой бумаге роль рисующих акцентов. «Светлая» графика исполняется, как правило, черной линией по белому полю бумаги. Штрих или точка часто воспринимаются в черно-белой графике как серый цвет, вводя в разделение работ на «темные» и «светлые» промежуточные «серые» композиции. Умелая работа штрихом светлотно и фактурно обогащает природную контрастность черно-белых отношений.

Имея в своем цветовом арсенале только черное, белое и оптически получаемое штрихом или точкой серое, важно проследить, как эти три темы развиваются в композиции, как взаимодействуют друг с другом. Необходимо определить нужное количество каждого цвета для достижения композиционной гармонии. На восприятие зрителем черного и белого влияет форма пятен-фигур в композиции. Именно с помощью формы пятен можно добиваться разных качеств от черного и белого. Так черным и белым можно выразить множество ощущений-состояний, рождающих в конечном итоге образ художественного произведения.

Исходя из изложенного деления графики по общей светлоте композиции и понимая роль выявления пространства в изображении, в учебной работе всегда важно определить, что мы считаем пространством: черное или белое? Что является для нас воздухом, а что предметом? Тип взаимоотношений между черным и белым (пространством и предметом) дает композиционный каркас графической работе. В «темных» работах пространством является черный цвет, в «светлых» - белый.

Исполнив 20-30 эскизов, начинаем понимать методику работы в черно-белой графике. Работа над эскизами развивает «режиссерское» мышление -- умение акцентировать главное, существенное в постановке и подчинить ему второстепенное. По сути дела, эскиз -- это план законченной графической работы.

В ряде случаев, особенно если исполнение законченной графики планируется в виде гравюры, необходимо иметь проработанный эскиз, который делается на основе эскиза, выбранного из выполненной ранее серии в размер законченной графики.

Наилучшие варианты эскизов графических композиций выполняются начисто в законченные графические листы -- чистовые листы. Законченным (чистовым) графическим листом в данном случае мы считаем черно-белую графическую композицию, выражающую замысел автора во всей полноте и детальной разработке. Исполнение законченной работы точнее можно назвать созданием графического произведения на основе эскиза. Перевод эскиза в законченные чистовые листы не просто технический процесс, а творческая работа. Бездушное увеличение эскизов до размеров окончательной композиции ведет к схематизации и выхолощенности произведения. В процессе работы открываются новые возможности, появляются новые мысли, которые несколько изменяют задуманное в эскизе.

Формат законченных работ варьируется в пределах одного чертежного листа и в редких случаях бывает больше. Данный размер вертикальных, горизонтальных или квадратных композиций связан с тем, что он, с одной стороны, позволяет выполнить работу с максимальной проработкой деталей, с другой стороны, позволяет развить чувство «плакатности» образа. Иногда завершение «чистовых» листов проводится с натурной постановки. Это применяется для оживления переведенной с проработанного эскиза композиции новыми натурными впечатлениями. Такое завершение работы проводится предельно осторожно. Часто необходимо сделать всего несколько штрихов или мазков, чтобы работа приобрела нужную убедительность.

Как правило, законченный графический лист -- исполненная вручную на бумаге композиция. Если по задуманному образному решению необходимо исполнение в виде гравюры (по линолеуму, металлу, пластику, картону и т. п.) или монотипии, то можно выбрать любую технику графики.

1.3 Особенности обучение детей создании композиции в техники графика