Создание серии композиций в технике коллаж

Размещено на http://www.allbest.ru/

СОДЕРЖАНИЕ

ВВЕДЕНИЕ

Глава I. НАТЮРМОРТ В ТЕХНИКЕ КОЛЛАЖ

1.1 Специфика и особенности натюрморта, как жанра изобразительного искусства

1.2 Особенности технологии коллаж

1.3 Композиция в технике коллажа

Глава II. ОПИСАНИЕ РАБОТЫ НАД СЕРИЕЙ НАТЮРМОРТОВ В ТЕХНИКЕ КОЛЛАЖ

2.1 Определение общего замысла серии

2.2 Обоснование приёмов техники коллаж, использование в натюрморте

2.3 Описание работы над натюрмортом в технике коллаж

ЗАКЛЮЧЕНИЕ

ЛИТЕРАТУРА

ПРИЛОЖЕНИЕ 1

ПРИЛОЖЕНИЕ 2

ВВЕДЕНИЕ

Актуальность исследования определяется тем, что коллаж является техникой изобразительного искусства не раскрытой до конца. В Российском искусствоведении не достаточно полно освещается тема техники коллажа и работы в ней. По существу не выявлен объём данного понятия, не дана его дефиниция. Поэтому в основу данного исследования были положены работы, в которых анализируются различные авангардистские тенденции в литературе и искусстве XX века; работы, посвященные творчеству отдельных художников. В конце ХХ - начале XXI века проблема коллажного метода создания произведений особенно актуальна в связи с возникновением компьютерного искусства -- нового направления в современном искусстве, связанного с использованием возможностей компьютера.

Изначально вся только возникшая культура представляла собой единое коллажное целое; в переходные эпохи, в том числе на рубеже XIX -- XX веков, коллаж помогал выстраивать новую модель мира и выражать новое мироощущение. В наше время коллаж становится господствующим способом восприятия и отражения мира, приметой гибридно-цитатного - т.е. коллажного - мышления современного человека. Даже современные детские игрушки реализуют принцип коллажа, например, конструктор "Лего" или игрушки - трансформеры. В Интернете любой желающий может узнать, каким образом можно составить коллаж из сподручных средств. Современная культура, как и культура древности, синтетична, и, следовательно, коллажна, только этот синтез гораздо более сложен. В настоящее время искусства оказывают влияние друг на друга, происходит визуализация вербальных и акустических искусств (литературы и музыки) и вербализация визуальных (живописи, кинематографа), в результате формируются новые средства выразительности.

В современном обществе, когда постоянно меняются технологии, жизненное пространство становится всё больше, люди испытывают необходимость в новых эмоциях и чувствах. Даже, несмотря на столь великое разнообразие современных видов искусств, некоторым людям не удаётся выбрать то направление, которое подходит для сознания, в мировосприятие, в способ "поглощения" информации. Образ создается, складывается не столько путем склеивания, сколько путем наложения, наслоения, сопоставления и соположения впечатлений, сведений, предметов или их фрагментов. Выше сказанное не оставляет сомнений, что техника коллажа актуальна и продолжает динамично развиваться, в следствии чего нами была определена тема выпускной квалификационной работы: "Натюрморт в технике коллаж".

Целью выпускной квалификационной работы является создание серии композиций в технике коллаж.

Для достижения поставленной цели необходимо решить следующие задачи: натюрморт композиционный эскиз коллаж

1. Рассмотреть натюрморт, как жанр изобразительного искусства

2. Изучить особенности композиции и технику коллаж.

3. Разработать композиционную серию в технике коллаж

4. Обосновать композиционный замысел серии

5. Выполнить серию работ в технике коллаж

Объект: графика.

Предмет: техника коллаж.

Методы научного исследования:

Теоретические методы: анализ искусствоведческой и методической литературы, обобщение, систематизация, синтез, сравнение.

Практические методы: сбор теоретического и практического материала по технике коллаж, выполнение поисковых эскизов; копирование с работ художников и перевод изображения в технику коллаж; подбор цветовой палитры; работа над серией натюрмортов в технике коллаж.

Новизна исследования заключается в авторском решении серии композиций натюрмортов в технике коллаж.

Практическая значимость данной выпускной квалификационной работы заключается в возможности использования теоретического материала данной работы для организации обучения детей разных возрастов коллажной технике.

Структура выпускной квалификационной работы: выпускная квалификационная работа включает в себя содержание, введение, основную часть, заключение, список литературы, приложение.

Глава I. НАТЮРМОРТ В ТЕХНИКЕ КОЛЛАЖ

1.1 Специфика и особенности натюрморта, как жанра изобразительного искусства

Принято называть "натюрмортом - (от англ.)- Still life- "тихая жизнь", (от нем.)- Stilleben - "тихая жизнь", (от фр.)- Nature morte - "мертвая натура" жанр изобразительного искусства, посвященный изображению окружающих человека вещей, размещенных, как правило, в реальной бытовой среде и композиционно организованных в единую группу"[6, с. 3]. Натюрморт может иметь как самостоятельно значение, так и быть составной частью композиции жанровой картины или портрета. Воздействие натюрморта на зрителя происходит по линии ассоциативных представлений и мыслей, возникающих при рассмотрении изобразительных предметов. "В натюрморте вещи показаны в неподвижном состоянии, они пребывают в условном вневременном пространстве. Вещи даны как бы крупным планом, они увидены вблизи и рассмотрены в деталях. Композиция укрупняет малую "величину" вещей в натюрморте, вырывает их из обычного функционального контекста. Будучи произвольно, сознательно скомпонованный, натюрморт всегда содержит в себе некое сообщение, тайное письмо. Вещи превращаются в символы. Значения этих символов, содержание сообщений отличается большим разнообразием, но чаще всего носит мировоззренческий и даже философский характер."[8, с. 13]. Таким образом, объединенные доступными средствами композиции вещи слагаются в изображении, в эмоционально насыщенный образ.

Художники, обращаются к натюрмортам как к средству характеристики создаваемого образа и при работе над портретом. В сюжетно-тематических картинах натюрморт имеет хотя и важное, но все же подчиненное значение.

Натюрморт, как жанр живописи. "Наряду с бытовым жанром натюрморт долгое время считался второстепенным видом живописи, в котором невозможно выразить высокие общественные идеи, гражданские добродетели. Действительно, многое из того, что свойственно произведениям исторического, батального и других жанров, натюрморту недоступно. Однако великие мастера доказали, что вещи могут характеризовать и социальное положение, и образ жизни их владельца, порождая таким образам, различные ассоциации и социальные аналогии."[7, с. 10].

Натюрморт как жанр живописи можно назвать творческой лабораторией живописи, поскольку он является и составной частью и пробным камнем станкового искусства. В нем максимально раскрываются пластические и колористические возможности живописца, выявляются особенности его мышления. Этот жанр имеет много функциональных особенностей, иногда его называют камерной музыкой живописи. Его используют как учебную постановку, первичную стадию изучения натуры в период ученичества. Профессиональный художник нередко обращается к натюрморту как к живописному этюду с натуры. Натюрморт, как не один из жанров живописи, представляет характеристику стольких возможностей для занятий формальными живописными исканиями. Он также может стать самостоятельной картиной, по-своему раскрывающей вечную тему искусства- тему бытия человека. Такая емкость функций натюрмортного жанра и делает живопись неодушевленных предметов сферой поиска не только форм и содержания, но и поиска личного взгляда художника на окружающее, его понимание и ощущение жизни, выработку своего стиля.

Радость непосредственного общения с натурой, живой источник изобразительного искусства, в работе над натюрмортом приобретает особый смысл. "Натюрморт - одна из острых бесед живописца с натурой".[4, с. 16] В работе над натюрмортом никто не отвлекает художника, заставляя его сосредоточиться на собственной живописи, ибо от красоты, глубины и выразительности живописной речи зависит в натюрморте красота и глубина выразительного образа, острота тех ассоциаций, которые этот образ рождает у зрителя. "Осмысление простых предметов как частица реальности делает таким этот замечательный жанр живописи."[6, с. 8].

"Мир вещей в натюрморте всегда призван раскрыть их объективное своеобразие, неповторимые качества, красоту. Вместе с тем, это всегда человеческий мир, выражающий строй мыслей и чувств, отношение к жизни людей определенного общества." [6, с. 9].

В чем же состоит отличие этого жанра от других? Что может дать живописцу изображение неодушевленных вещей? В отличие от портретной живописи, имеющей дело только с человеком, или пейзажем, воссоздающего природу и архитектуру, натюрморт может состоять из различных вещей домашнего и личного обихода человека, элементов растительного мира, произведений изобразительного искусства и многого другого.

"Натюрморт больше чем какой-либо другой жанр ускользает от словесных описаний; натюрморт надо внимательно разглядывать, погружаться в него, так как он учит постигать собственно живопись, любоваться его красотой, силой, глубиной - только так постигается истинное содержание любой картины, ее образ" [15, с. 13].

В натюрморте живописец обращается к миру неодушевленных вещей, выделяя их из всего богатства окружающего мира. "Натюрморт отличается особыми принципами построения композиции при всем различии исторических и индивидуальных форм этого жанра на разных этапах его развития. Предметы здесь взяты обычно вблизи, так что взгляд может их как бы ощущать, оценить в первую очередь их собственно материальные качества - их тяжесть, пластику форм, рельеф и фактуру поверхности, детали, а также их взаимодействие со средой - их жизнь в среде. Масштаб композиции в натюрморте ориентирован обычно на размер комнатной малой вещи. При этом сама форма натюрморта глубока и многоярусна, многосложна, содержательна: структура натюрморта, постановка, выбор предметов, точка зрения, состояние, характер трактовки, элементы традиций и др."[8, с. 19] В натюрморте художник не просто изображает предмет, но посредствам их выражает свое представление действительности, решает разнообразные эстетические задачи.

"Сущность "содержания" натюрморта - в отношении человека и предмета в чувстве предметности жизни, естества материи..." Это "в определенном смысле целое мировоззрение, определенное понимание видимости, ощущение реальности" [4, с. 27]. К этим словам можно лишь добавить, что предметы - это язык, на котором говорит художник, и он должен владеть этим языком в совершенстве.

"Как самостоятельный жанр искусства натюрморт сильно воздействует на зрителя, поскольку вызывает ассоциативные представления и мысли во время восприятия неодушевленных предметов, за которыми видятся люди определенных характеров, мировоззрений, различных эпох и т.д. Влияние натюрморта зависит, прежде всего, от верно выбранной и правильно раскрытой темы, а также от особенностей творческой индивидуальности того или иного художника." [19, с. 42]

Натюрморт, как ни какой другой жанр непосредственно связан с соотношением к изображению, к решению определенной изобразительной задачи. При всем разнообразии, огромном количестве формы разновидности натюрморт остается "малым жанром", но именно этим и ценен, потому что обращает живопись, прежде всего к самой себе и ее вечным ценностям и проблемам. Рассматривая жанр натюрморта, можно заметить, что он отличается своеобразными принципами. Натюрморт становится произведением искусства, если художник видит его сюжет, особенности композиции формы, цветовую гамму, как единое пластическое целое явление.

Принципы натюрморта. "По сравнению с тематической картиной или пейзажем, в творческом натюрморте художник свободнее распоряжается компоновкой предметов, которые можно в случае необходимости поменять местами, передвинуть, изъять, наконец, изменить уровень зрения на постановку. Вся композиционная работа сосредотачивается на вопросах размещения натюрморта в пределах картинной плоскости. В зависимости от характера натюрмортной группы - ее высоты и ширины, глубины пространства, степени контрастности предметов по величине и цвету определяется формат и размер плоскости, положение композиционного центра, находятся тональное и цветовое решение, ведутся поиски наиболее выгодной композиции, в которой найдут свое решение вопросы равновесия, пропорциональных отношений." [33, с. 83]

В организации композиции используют различные виды ритмов -линейные, тоновые, цветовые. "Особую роль играют контрасты. Выделяя те или иные участки изображения, они делают их то более заметными, то затухающими. Произведение, построенное на еле заметных колебаниях света и тона, без определенных акцентирующих внимание зрителя "вспышек", кажется однообразным, монотонным, лишенным живописной выразительности. Резко звучащие контрасты (масштабные, тоновые) создают напряжение, динамику. В противоположность симметрии, динамическое изображение строится на резких сдвигах центра композиции с оси картинной плоскости. В этих случаях ритмы направлены на достижение зрительного равновесия масс. Ритм организует изображение. Заложенный в структурную основу натюрморта, он создает зрительный каркас, который руководит нашим зрительным восприятием. Зрительно сопоставляя одни элементы соображения с другими, мы выделяем главные из них и сосредотачиваем на них внимание."[37, с. 18]. Однако не любая повторяемость может создать нужный в композиции натюрморта ритм. "Излишне назойливое нагромождение ритмов усложнит композицию, сделает ее сухой и маловыразительной. В связи с этим следует избегать нарочитой расстановки предметов. Зритель не сможет спокойно воспринимать группу, если светлые предметы (или пятна) через один будут чередоваться темными. Такое чередование вносит пестроту и дисгармонию в общую тоновую гамму.

Это относится и к цветовым построениям. Надо создавать гармонично организованный ритм, делать мягкие переходы от одного элемента к другому. К тонкостям поиска формата относится выяснение величины свободных мест слева и справа, сверху и снизу от группы предметов. Наиболее выгодно помещать основную группу на втором плане, при этом несколько сокращается величина изображения, однако сохраняется воздушная перспектива, действующая от переднего плана в глубину картинной плоскости. При наличии значительного количества свободного места с той или иной стороны формата, смысловой, зрительной и композиционный центры оказываются сильно смещёнными в противоположную сторону. В подобных случаях натюрморт выглядит перегруженным в той части, где располагается основная масса, и тем самым нарушается композиционное равновесие."[22, с. 18].

"Предметы - это язык, на котором говорит художник, и он должен владеть этим языком. В пучке зелени живописец выражает полноту жизни, в морской раковине - изощренное мастерство природы, в кухонной посуде- радость будничного труда, в скромном цветке - целую вселенную."[40, с. 32] "Натюрморт - "не только художественная задача", но и целое мировоззрение. Мир вещей - это человеческий мир, созданный, сформированный и обжитый человеком. Это и делает натюрморт при всей внешней скромности его мотивов, жанром глубоко содержательным." [40, с. 34]

Предмет быта, согретый теплотой повседневного общения с людьми, позволяет прикоснуться к их жизни более осязательно и интимно, чем это возможно в развернутой сюжетной картине. Вещи в живописи, не всегда, конечно, выступают в "жестком" специально им посвященном жанре натюрморта, они оживляют и заполняют комнаты в живописных изображениях интерьеров, играют иногда не меньшую роль, чем люди в жанровых или исторических сценах, наконец, они сопровождают нередко человека и в портрете. Показать вещи вплотную, на близком расстоянии, заставить вглядеться в них - в этом пафос натюрморта.

Предметы в натюрморте. "Натюрморт - это прежде всего предметы, которые организованы тематически, связаны смысловым содержанием и несут в себе определенную идею. Их можно разделить на две больших группы: природные предметы (цветы, плоды, снедь, рыба, дичь и т.д.) и вещи, сделанные руками человека. Особенности природных объектов натюрморта- их недолговечность. Как правило, они относятся к природному миру. Вырванные из естественной среды, они обречены на скорую гибель, цветы вянут, плоды загнивают, дичь портится." [40, с. 34]. Поэтому одна из функций этого жанра - придать неизменность изменчивому, закрепить не стойкую красоту, одержать ход времени, сделать тленное вечным. Это придает натюрморту философичность и глубину, всегда привлекательные для зрителя. Предметы, изготовленные человеком, как правило, сделаны из долговечных материалов: металла, дерева, керамики, стекла, они относительно стабильны, их формы устойчивы.

Отличие изготовленных вещей от природных объектов заключается в той содержательной стороне, которую они играют в натюрморте. Они в значительно большей степени служат характеристикой человека и его деятельности, вносят в натюрморт социальное содержание, дает в нем место теме труда и творчества. "При всем различии природных и искусственных предметов они имеют общие черты, позволяющие органично объединить эти предметы в натюрморте. И те, и другие являются частью интерьера, относительно не велики по размерам, гармонично сочетаются друг с другом (вазы и цветы, блюда и фрукты). Главное же, что объединяет их - воздействие на человека." [25, с. 10]

Огромное разнообразие мира вещей бесконечно расширяет содержательные возможности натюрморта. Вводя в него изображения картин, гравюр, рисунков можно привносить элементы других жанров: портрета, пейзажа интерьера - создающие новые своеобразные пространственные, смысловые и декоративные отношения. "Натюрморт также часто обогащается изображением росписей (на подносах, чашках), мелкой скульптуры (бюстов, статуэток; барельефов, резьбы на вазах) и прочее. Богатые живописные, пространственные и содержательные эффекты дают изображение зеркал." [25, с. 10]

Кроме бытовой сущности, у вещей есть так называемая знаковая сущность. Эта особенность очень важна, так как без учета ее невозможно понять натюрморт и его возможности. "При раскрытии темы необходимо учитывать символическое значение предметов, растений, что, несомненно, влияет на характер натюрморта, который может быть лирическим, интимным, торжественным и т.д., а также создает некоторую особенность, индивидуальность той или иной работе." [26, с. 28]

Таким образом, натюрморт является тем жанром изобразительного искусства, который через материальную сущность конкретных предметов, может в образной форме отразить существенные стороны жизни, вкусы, нравы, социальное положение людей, важные исторические события, а иногда и целую эпоху. Через целенаправленный отбор объектов изображения в натюрморте и их трактовку, выражает отношение художника к действительности, раскрывает его мысли и чувства.

1.2 Особенности технологии коллаж

Существует более десяти определений коллажа. Коллаж (французское collage, буквально - наклеивание), технический приём в изобразительном искусстве, наклеивание на какую-либо основу материалов, отличающихся от неё по цвету и фактуре. Коллажем, также называется произведение, целиком выполненное этим приёмом. Коллаж применяется главным образом в графике ради большей эмоциональной остроты фактуры произведения, неожиданности сочетания разнородных материалов.

Художник Луи Аргон определяет коллаж, как искусство, которое бросает вызов живописи. Когда зародилось искусство коллажа - точно не известно. Вначале коллаж использовался в качестве технического трюка при изготовлении домашних альбомов, а также в рекламной и печатной продукции. "В 1912 году Волдемарс Матвейс сформулировал два основных принципа нового искусства: принцип случайного и принцип свободного творчества. Игра с формой, построение произведения по принципу свободной или случайной организации художественных элементов создали условия для расцвета коллажа." [3, с. 8]. Как формальный эксперимент коллаж был введен кубистами. "Считается, что коллаж изобрел Жорж Брак. Он разрабатывал технику бумажного коллажа- papier colle. Используя обрезки газет и журналов, он располагал их на холсте, затем покрывал сверху краской, добиваясь эффекта живописи. Впервые он использовал эту технику в 1912 году в работе "Блюдо с фруктами и стакан" (Fruitdish and Glass), хотя примерно в то же время свои первые коллажи создал и Пикассо. С 1912 оба художника систематически работают в этой технике, коллаж становится характерной особенностью живописи синтетического кубизма. Период кубизма в творчестве обоих художников характеризуется поисками радикально новых способов создания картины, поэтому они стали включать в свои живописные и графические работы фрагменты газет, этикетки от бутылок и тому подобные печатные материалы." [12, с. 38]. Добавление к художественному произведению таких элементов поражало зрителей тем, что "реальный мир", с его собственными пространственными и тактильными качествами, был соединен на полотне с иллюзионизмом живописи. Эта смесь реальности и иллюзии в дальнейшем часто усложнялась использованием живописных "обманок", имитировавших поверхность дерева, мрамора и тому подобного материала.

В европейском и русском искусстве 1912 год принято считать годом рождения коллажа. "Именно тогда появился "Натюрморт с плетеным стулом" Пабло Пикассо, где овальная картина вместо багетной рамы оплетена вокруг золотым кантом, а поверхность мебели "изображена" куском вклеенной клеенки. Тем не менее в практике кубистов коллаж был, как правило, дополнительным элементом живописных или графических произведений и не обретал самостоятельного значения." [11, с. 15]

Художники практически всех актуальных в начале ХХ века течений пробовали себя в технике коллажа. "Среди первых, кто заимствовал у кубистов технику коллажа, были футуристы, работавшие в Италии до Первой мировой войны Карло Кара и Джино Северини. Их коллажи наполнены жизненной силой и энергией. Часто сюжетом становился противоречивый мир современной техники: шум, скрежет колес поезда и лозунги протеста передавались с помощью включенных в композицию столкновений слов и фрагментов предложений." [23, с. 72]

Как новую, нетрадиционную технику коллаж использовали дадаисты, разочарованные бессмысленностью современного общества и несоответствием традиционного искусства их воззрениям, например, Ханс Арп. Коллажи дадаистов наилучшим образом выражали отрицание искусства, как приятного для глаза изображения жизни. Будучи составленными из предметов ежедневного окружения человека, они сами принадлежали к сфере "жизни". В отличие от тщательно продуманных соотношений форм в искусстве, в коллаже подчеркивались элементы случайного, импровизированного, которые, как считали дадаисты, более присущи жизни, чем искусству. Например, Ханс Арп разбрасывал, как придется элементы будущего коллажа по предназначенной для него поверхности и затем приклеивал их.

Последователями дадаистов были сюрреалисты. Их привлекало отсутствие связи между отдельными элементами коллажа, что составляло прекрасную параллель миру сна, свободных ассоциаций и других проявлений подсознательного, которые они стремились раскрыть. "В отличие от кубистов сюрреалисты подчиняли форму и цвет образному содержанию произведения. Например, Макс Эрнст вырезал гравюры из старых научных каталогов и соединял их так, чтобы получалось нечто, напоминающее кошмарный сон по своему ощущению сновидение. Более чем какое-либо другое направление в живописи сюрреализм расширил сферу применения и технические возможности коллажа: художники активно использовали случайные эффекты, например изобрели "деколлаж", отрывая куски от уже готового коллажа; совмещали коллаж с "фроттажем" -- рисунком, полученным путем протирания углем листа бумаги, положенного на какую-нибудь грубую фактурную поверхность, например необструганное дерево, проливали краски на холст и тому подобное." [31, с. 40]

Первым художником, работавшим исключительно в технике коллажа, был Курт Швиттерс, продолжавший традиции сюрреалистов и дадаистов Он расширил сферу используемых для коллажей материалов и предметов. Его небольшие, но очень изысканные по композиции произведения, называвшиеся выдуманным словом "merzbild", состояли из кусочков бумаги, автобусных билетов, этикеток, купонов, обрывков газет и фрагментов фотографий, кусочков ткани и дерева, другими словами из всего, что можно найти в повседневной жизни, художник начал создавать коллажи и ассамбляжи. Швиттерс в противовес современному ему дадаизму, явлению нигилистическому и категорию эстетического в свою систему в принципе не включающему, сочетал свои "неблагородные" находки исходя из их формы, фактуры и цвета, то есть компоновал свои, на взгляд современника, более чем странные произведения по принципам настоящего "высокого" искусства.

В русском искусстве первыми коллажами принято считать работы Аристарх Лентулова: панно "Москва" созданное в 1913, в котором художник использовал наклейки из бумаги, и "Василий Блаженный" того же года, с наклейками из фольги. "Многие русские художники увлеклись коллажом, применяя в своих работах различные материалы - клеенку, фольгу, цветную бумагу, обои, папиросную бумагу и так далее. Однако еще раньше, в рисунках 1901 и 1904 годов Михаил Врубель использовал наклейки для создания более объемного образа, а в "Автопортрете" 1905-1906 годов вклеил бумажную папиросу. В те же годы Иван Ефимов использовал золотую фольгу и цветную бумагу в своих графических произведениях."[29, с. 30]

Коллажная техника стала точкой отсчета для рождения целого ряда новых видов художественного творчества: фотомонтаж, ассамбляж, искусство объекта. Например, фотомонтаж конца 1910-х - начала 1920-х годов можно рассматривать как одну из разновидностей коллажа, несмотря на существующие между ними определенные различия. На протяжении века коллаж обрел самостоятельный художественный язык, который, как всякий живой язык, обладал способностью саморазвития.

С техникой коллажа оказались связаны основные пластические проблемы - фактуры и формы, плоскости и пространства, решение которых обеспечило поистине революционные преобразования в изобразительном искусстве прошлого столетия. Но самое важное состоит в том, что коллажное мышление, спровоцированное ритмами жизни мегаполисов ХХ века, наиболее адекватно соответствует "разорванному" сознанию современного человека.

Николас Луманн говорил: "Коллаж отрицает понятие целого. Он является фрагментом и состоит из фрагментов. Поэтому он не может получить никакого определения наподобие тех, которые дают энциклопедии и словари, ведь энциклопедии и словари оценивают явление как изолированное, самостоятельное и остающееся таковым вне зависимости от контекста. Фрагменты могут получать только оперативные определения, через свой контекст взаимодействия. Коллаж может сам рассматриваться как произвольно взятый фрагмент произвольно выбранного текста. В нем не действует объективное различение, здесь может только действовать оперативное различение."

В коллаже, как и во всем современном искусстве, главное внимание уделяется рисунку и фактуре материала. "Сопоставление не связанных друг с другом материалов, образов и форм особенно хорошо подходит для передачи разнообразия, напряженности и алогичности современной жизни, иногда доходящей до абсурда. Начиная с периода Второй мировой войны в технике коллажа работали многие выдающиеся мастера, такие, как Роберт Мазеруэлл, Жан Дюбюффе, Альберто Бурри, Ларри Риверс, Конрад Маркарелли, Энн Райан, Маноло Милларес и Роберт Раушенберг. В дальнейшем сфера коллажа расширяется, сливаясь с такими формами как энвайронмент, ассамбляж, аккумуляция. К коллажу близка техника конструкции, представляющая собой комбинации различных материалов в пространстве. Коллаж также использовали в кино режиссеры Норман Макларен, Ред Грумс и Стен Вандербек." [5, с. 23]

Таким образом, коллаж был придуман Жоржем Браком, как технический приём, но впоследствии стал отдельной частью современного искусства. Сейчас коллаж может стать важным творческим выходом, потому что он позволяет художникам изучать и экспериментировать, получая действительно новые, интересные и часто неожиданные результаты. Коллаж -- это эстетика фрагмента реальности, включенного в контекст произведения искусства и наделенного в нем новым изобразительным или символическим смыслом.

1.3 Композиция и цвет в коллаже

Создание художественного произведения в любой области искусства невозможно без композиционного построения, без приведения к цельности и гармонии всех его частей, всех его компонентов. Композиция - важнейшее средство построения целого. Под композицией мы понимаем целенаправленное построение целого, где расположение и взаимосвязь частей обуславливаются смыслом, содержанием, назначением и гармонией целого.

Слово "композиция" происходит от латинского "сompositio" что означает - сочинение, составление, связь, сопоставление. Все эти значения определенным образом присутствуют в современном понимании композиции, поскольку, если речь идет о композиции, то всегда имеется. в виду некая целостность, наличие сложного строения, содержащего противоречия, приведенные к гармоническому единству благодаря системе связей между элементами. Композиция отсутствует в хаотическом нагромождении предметов. Отсутствует и там, где содержание однородно, однозначно, элементарно. И наоборот, композиция необходима любой целостной структуре, достаточно сложной, будь то произведение искусства, научный труд, информационное сообщение или организм, созданный природой. Композиция необходима при создании форм предметного мира бытовых предметов, машин, зданий и других объектов дизайна и архитектуры; это также средство организации информации и средство построения художественной формы. "Композиция обеспечивает логичное и красивое расположение частей, из которых состоит целое, придавая ясность и стройность форме и делая доходчивым содержание.

Логика построения и красота, гармония в соотношениях частей целого присуща, как уже было замечено выше, не только творениям человека. Признаки композиции мы обнаруживаем и в природных формах, в строении растений, животных организмов, в строении вселенной. Поэтому слово "композиция" равно применимо к описанию цветка, к построению книги или ораторской речи.

По определению Н. Гончаровой "композиция является выразителем структурно-гармонической целостности объектов художественной формы, предметов и явлений окружающего мира и одновременно средством организации, построения этой целостности."[2, с. 20]

Основными законами композиции следует назвать такие: закон целостности, закон контрастов, закон новизны, закон подчиненности всех средств композиции идейному замыслу.

Кроме основных, всеобщих, законов композиции в изобразительном искусстве, в отдельных видах и жанрах действуют частные законы композиции, отражающие существенные признаки и специфику построения произведений определенных видов и жанров. Среди частных законов можно назвать закон жизненности, закон воздействия "рамы" на композицию изображения на плоскости.

Закон целостности Целостность как явление, объединяющее элементы, части в единое целое, проявляется везде в природе и обществе выступает как диалектический закон. Целостность произведения искусства и целостность живого организма не тождественны, так как целостность произведения искусства есть духовно-предметная, специфичная.

"Специфичность закона композиционной целостности заключается в том, что он действует только в области композиции произведения искусства. Он вытекает из сущности композиции, ее родового признака "целостности". И поскольку этот признак главный, то его действие перерастает в действие глобальное для композиции, на уровне закона." [21, с. 15]

Благодаря соблюдению первого закона композиции -- закона целостности -- произведение искусства воспринимается как единое и неделимое целое. Сущность закона можно раскрыть, проанализировав основные его черты или свойства. "Главная черта закона целостности -- неделимость композиции означает невозможность воспринимать ее как сумму нескольких, хотя бы в малой степени самостоятельных частей. Неделимость закладывается в композиции через нахождение художником так называемой конструктивной идеи, которая способна объединить в одно целое все компоненты будущего произведения." [21, с. 16]

При нахождении конструктивной идеи вначале следует сочетать основные массы, в силуэты которых войдут детали. Значит, разработка деталей допустима лишь после определения положения основных частей композиции. В связи с этой последовательностью создания композиции можно привести убедительные примеры, позволяющие яснее понять суть конструктивной идеи: "Сохранились самые первые наброски композиции знаменитой „Тачанки" Грекова. Они представляют собой пластическую абстракцию будущей композиции. Компонуя, Греков рисовал перспективно сокращенный прямоугольник (пятно будущей тачанки), расположение которого в границах эскиза создавало чувство стремительного движения. Только найдя наиболее выразительную связь этого пятна с пространством -- его окончательное место в композиции, найдя конструктивную идею ее, можно рисовать коней, тачанку, пулеметчиков и т. д. Раньше это делать было бессмысленно. Первоначальных набросков композиции "Степана Разина" Сурикова не сохранилось. Но совершенно очевидно, что ее конструктивной идеей является темный треугольник ладьи, рассекающей светлую массу воды и неба. Только задумав подобным образом картину, можно было приступить к поискам персонажей, заполняющих этот треугольник. Именно потому, что картина в основе своей задумана с такой простотой и цельностью, мы видим ее всю сразу и запоминаем ее как целое. Целостно воспринимаются произведения, возникшие только подобным образом. Когда же картина как бы склеена из кусочков и не имеет в основе своей широко задуманной конструктивной идеи, мы можем запомнить лишь отдельные, выразительные фигуры из нее. Целого нет." [21, с. 17] Композиция картины А. А. Дейнеки "Оборона Петрограда" построена в два яруса. В этой конструктивной идее заложено глубокое содержание: на смену раненым солдатам -- защитникам Петрограда -- идут новые отряды рабочих бойцов, движение принимает круговой ход, объединяющий все части композиции в единое целое. Другой чертой, или свойством, закона целостности является необходимость связи и взаимной согласованности всех элементов композиции. Исходя из конструктивной идеи, выделяется центр внимания, подчиняющий второстепенные детали. Этого требует закон целостности, вытекающий из закономерностей зрительного восприятия действительности.

В природе форма и цвет существуют как части целого, в единстве со средой, в которой они находятся, во взаимосвязи между собой и пространством, имеющим глубину. В силу этого предметы видятся в сокращениях, ближние -- более крупно, чем дальние, теряющие при этом интенсивность своей окраски и значительное число деталей. В совершенной композиции все настолько уместно, что нельзя убрать ни одну деталь без ущерба для целого. Все части находятся во взаимной связи и соподчинении.

Закон целостности требует неповторимости элементов композиции, включая сюда формы, размеры, интервалы, характеры, типы, жесты и т. д. Все похожее должно либо объединиться в силуэт, либо резко отличаться, индивидуализироваться. "Наглядны примеры многофигурных композиций, где многообразие деталей приводится к простому и выразительному единству. Такова "Сдача Бреды" Веласкеса. На картине изображено драматическое событие, значительный исторический момент -- сдача крепости. Композиция предельно проста и симметрична. В центре две главные фигуры полководцев, справа и слева два войска, равноценные по массе. Но силуэты обоих войск резко различны. Лес вертикальных длинных копий строит силуэт войск победителей с конем на первом плане, несколько наклонных алебард и коротких копий совсем по-иному рисуют силуэт побежденных войск. Ни одна из фигур ничем не похожа на другую. Картина производит впечатление мощи, величественности, простоты целого и богатства деталей. "Крестный ход в Курской губернии" Репина смотрится единым пятном -- картину сразу видишь всю целиком. Массы в композиции расположены по диагонали, связывающим четыре угла картины. Изображена необычайно многолюдная толпа, но каждая фигура в ней не только характер, но и социальный тип. Здесь -- все классы и сословия. Движется русское общество 80-х годов со всеми своими связями и противоречиями. В глубине слева -- центр композиции -- барыня, несущая икону под охраной сотских. Целое просто и нерасторжимо, детали бесконечно разнообразны. Прекрасно скомпоновано "Утро на Куликовом поле" Бубнова. Огромная рать единым пятном растянулась по диагонали справа налево. Обратную диагональ строят фигура воина впереди войска и черное знамя с золотым Спасом, поддержанное копьями в правом верхнем углу картины. Это то, что дает единство, цельность огромному историческому полотну. В этом единстве заключено великое многообразие типов и характеров, каждый из которых прибавляет нечто существенное к образу русского народа -- главной теме картины." [21, с. 19]

Изображаемые предметы целесообразно размещать так, чтобы они легко и ясно воспринимались зрителем, даже в том случае, если они частично закрыты другими предметами. Нельзя допускать, чтобы соприкасающиеся в композиции предметы совпадали своими силуэтами или сливались, так как одни из них будут восприниматься как продолжение других. Отсюда возникнет путаница и станет неясным, каким из соприкасающихся фигур принадлежит рука, нога и т. д. "В рисунках Леонардо да Винчи к "Битве при Ангиари", представляющей собой сложную многофигурную композицию, в которой изображаются люди и лошади в сильных динамических движениях и ракурсах, фигуры загораживают друг друга и переплетаются между собой. Несмотря на это, зритель ясно представляет каждую фигуру. То же самое можно сказать и о картинах П. Рубенса "Охота на львов" и "Охота на гиппопотама". Во фресках Микеланджело в Сикстинской капелле среди множества фигур в различных движениях зритель ясно воспринимает каждую фигуру." [4, с. 32]

"В картине "Последний день Помпеи" К. П. Брюллова идейный замысел диктовал художнику композицию сложного характера. В момент внезапной катастрофы горожане, спасаясь от неминуемой гибели, обратились в бегство. Панический страх, отчаяние, безумие -- все это сказалось на поведении людей, в их действиях, позах, жестах, мимике. Скопление взрослых, стариков, детей на улицах гибнущего города вносило путаницу и неразбериху во всю ситуацию. Тем не менее художник нашел такую конструктивную идею композиции, которая позволила сохранить целостность и равновесие картины, где вряд ли можно найти совпадающие силуэты, приблизительность в обрисовке форм, смысловую неувязку между группами фигур." [4, с. 33]

Из всего выше сказанного следует, что художник, знающий, что целостность не просто свойство композиции, а, больше того, закон композиции, будет учитывать это в своем творчестве и заранее избегать грубейших ошибок, не тратить на их исправление свое творческое время.

Закон контрастов Закон контрастов -- один из основных законов композиции. Термин "контраст" обозначает резкую разницу, противоположность сторон. Трудно всеобъемлюще представить масштабы действия контраста, его роль и значение, так как, исходя из законов диалектики, действие его распространяется не только на материальный мир Земли, но и всей Вселенной.

"Контрасты как резкая противоположность сторон проявляется как в природе, так и в обществе. Например, в природе существуют электрические частицы, заряженные положительно и отрицательно; магнитное поле имеет противоположные полюса." [21, с. 21]

В человеческом обществе, мы видим действие закона единства и борьбы противоположностей. Этот закон указывает на то, что в обществе, как и в природе, существуют противоположности, т. е. явления, резко отличающиеся по своим свойствам и качествам. Но наряду с такой важнейшей сущностью контрастов, как наличие резко противоположных сторон, контрастам присуща другая важнейшая сущность -- единство противоположных сторон, т. е. контрасты -- это одновременно борьба противоположностей и их диалектическое единство.

"Если не будет противоположностей, не будет контрастов, то не будет их борьбы и единства. Таким образом, без контрастов в природе и обществе не может быть борьбы, а стало быть, и движения, изменения, развития. Значит, контрасты в глобальном значении этого понятия -- это одно из главных, неотъемлемых условий зарождения, существования, развития материи, а значит, самой жизни." [21, с. 22]

Без контрастов света и тени, а отсюда и контрастов форм, величин и т. д., без контрастов цветов, при условии, что различные цвета будут одинаковыми по светлотным тонам и сильно разбелены, человек не увидит ни формы, ни объема. "В абсолютной темноте человек ничего не видит. При слабом свете или в относительной темноте человек слабо воспринимает объем и цвет. В других случаях, если, например, объемный гипсовый шар, помещенный на темном фоне, осветить с разных сторон так, что не будет ни тени, ни полутени, то человек воспримет форму (светлый плоский шар на темном фоне), но не объем. В случае, если взять плоский круг зеленого цвета и поместить его на зеленом фоне, человек этого круга не увидит (если светлотный и цветовой тон зеленых фона и круга совпадает). В первых двух случаях отсутствует контраст света и тени (тоновой), а в третьем -- цветовой." [21, с. 22] Эти примеры показывают, что в жизни контрасты тона и цвета играют роль объективных законов, связанных с условиями жизни на Земле, со значением света и отсюда с устройством организма человека, его зрительной системы.

Поскольку действие контрастов проявляется в законах и природы, и общества, то, безусловно, и во всех областях общественного сознания. В искусстве (в том числе и изобразительном), как одной из форм общественного сознания, также находит свое отражение действие контрастов.

Примеры с шаром и кругом в жизни имеют прямое отношение к изобразительному искусству, как искусству "зрительному", наглядному, т. е. если художник не покажет тоновых или цветовых контрастов, то его изображения на плоскости и объемы в пространстве не будут восприниматься. "Даже линейные рисунки, когда показываются только контуры объемной формы и когда тон или цвет линий не совпадает с тоном или цветом фона, будут иметь тоновые или цветовые контрасты. При наличии контрастов тона или цвета линий и фона в линейных рисунках, даже при низком уровне мастерства рисующего, наверняка передается форма (пусть неправильная) изображаемых предметов. Для передачи в линейных (безтональных) рисунках ощущения объема формы необходимо обладать высоким уровнем художественного мастерства." [11, с. 30]

Основными контрастами в изобразительном искусстве являются тоновой (светлотный) и цветовой природные контрасты. На их основе возникают и действуют другие виды контрастов -- контрасты линий, форм, размеров, характеров, состояний, а также контрасты, связанные с идеями (контрасты идей, положений), контрасты в построении сюжета (контрасты в нахождении конструктивной идеи) и т. д. "На основе вышесказанного о контрастах, определяя роль и значение контрастов в изобразительном да и в других видах искусства, следует сказать:

1) контрасты являются законом композиции, представляющим собой специфическое проявление всеобщего закона диалектики -- закона единства и борьбы противоположностей;

2) без контрастов нельзя создать не только произведения искусства, но даже простое изображение, в том числе линейный рисунок. Контрасты -- это необходимое условие для того, чтобы зритель увидел изображение, так как без них изображение сольется с фоном по тону или цвету;

3) контрасты создают выразительность произведения искусства и поэтому выступают воздействующей силой композиции;

4) контрасты в композиции выступают как композиционная сила не только с точки зрения "механики" построения, т. е. построения композиции как какой-то структуры, но и с точки зрения творческого процесса создания художественных образов: большая часть творческого процесса создания художником произведения -- от появления замысла и первых черновых эскизов композиции до завершения -- это все композиционная работа, которая пронизана мыслью об основной идее, об основных образах и облике произведения. А это всегда, даже в первоначальном замысле, когда образ произведения находится в зрительной памяти художника, предполагает наличие тех или иных контрастов. Поэтому основная работа над произведением связана с проблемой определения характера контрастов в связи с созданием художественного образа." [11, с. 35]

Значение контрастов в композиции художники отмечали издавна. Леонардо да Винчи в "Трактате о живописи" говорит о контрастах величин (высокого с низким, толстого с тонким), контраста характеров, фактур, материалов и др.

Микеланджело большое значение придавал контрастам объема и плоскости. В своих произведениях он сочетал плоскости с объемными фигурами, добиваясь мощной объемности фигур.

Значение контрастов как сочетания противоположного в зрительном восприятии исключительно велико. Человек воспринимает окружающие его предметы прежде всего по контрасту их силуэтов и окружающей среды. Знакомые фигуры, предметы мы узнаем с большого расстояния по силуэтам, которые имеют большое значение в искусстве. Форму предмета человек воспринимает только благодаря контрасту света и тени. Полное отсутствие светотени создает плоскость.

В портретном искусстве и в сюжетных картинах различной тематики с давних времен художники пользовались тональными контрастами, показывая светлую фигуру на темном фоне (например, "Портрет герцогини де Бофор" Т. Гейнсборо, "Возвращение блудного сына" Рембрандта). "В XIX веке мастера стали применять светлый фон в портрете. В картине В. А. Серова "Девочка с персиками", например, смуглое лицо девочки изображено легким силуэтом на фоне светлого окна. Живопись строится на контрасте теплых и холодных цветов. Сила цвета увеличивается от сочетания его с контрастным (дополнительным) цветом, например: красного с зеленым, синего с оранжевым, желтого с фиолетовым и т. д." [21, с. 25]

Существенную роль в композиции играют контрасты величин (больших и малых) и контрасты в построении сюжета (контрасты положений, психологические контрасты).

Приведем примеры. "В картине В. И. Сурикова "Степан Разин" темный треугольник ладьи, рассекающий светлые воды Волги, выражает конструктивную идею композиции. Выразительность конструктивной идеи подчеркивается тональным контрастом -- контрастом силуэта темной ладьи и светлой воды и неба. Монументальные произведения также строятся на контрастах. Здесь ведущую роль играют контрасты величин. Например, скульпторы-монументалисты показывают малые формы у подножия крупных монументов. Это сопоставление вполне оправданно, так как произведения монументального искусства должны восприниматься со значительного расстояния.

В монументальной живописи используется низкий горизонт для резкого сопоставления крупной первоплановой фигуры с крохотными фигурками заднего плана. Вспомним картины "Тракторист" А. А. Дейнеки, "Портрет Ф. И. Шаляпина" Б. М. Кустодиева, иллюстрации к поэме "Медный всадник" А. Е. Бенуа." [21, с. 25]

Убедительные примеры применения контрастов положений, психологических контрастов в построении сюжета и выражении идеи композиции приводит Е. А. Кибрик. "Также существенна роль противопоставления положений в построении сюжета композиции. Что может быть контрастней крестьян, заключенных в арестантском вагоне, и вольных голубей на перроне? Это контраст положений, на которых построена картина Ярошенко "Всюду жизнь". Не менее контрастны грязный, скрюченный на земляном полу цеха рабочий рядом с фабрикантом, богато и пышно одетым, сверху вниз оглянувшимся на рабочего, на картине Иогансона "На старом уральском заводе". И второй, важнейший психологический контраст в этой картине: умный, полный сознательной ненависти взгляд рабочего противоречит его жалкому положению и поэтому особенна выразителен." [21, с. 27]

Таким образом, роль контрастов в композиции универсальна -- они имеют отношение ко всем элементам композиции, начиная с характера конструктивной идеи и кончая построением сюжета.

Закон новизны Новизна выступает как всеобщий закон искусства, проявляющий свое действие в том, что художественный образ -- это всегда новое в искусстве и по форме, и по содержанию. И поскольку художественный образ всегда решается а новой композиции, то новизна в композиции, как в главной художественной форме произведения искусства, действует как закон и, таким образом, принимает форму закона композиции.

Новизна в искусстве, поскольку искусство является формой эстетического познания мира, проявляется, прежде всего, в эстетическом "открытии мира". "Предметы и явления действительности, которые обычный человек воспринимает примелькавшимися, неинтересными, художник видит необыкновенными, красивыми по форме, цвету; он стремится проникнуть в их состояние, настроение и передать в образах искусства. Новизна имеет отношение и к темам, и к художественным средствам, и к композиционным решениям. И действительно, выдающееся в искусстве отличается неожиданностью решения, ощущением впервые созданного и увиденного, сильным эстетическим зарядом. Несмотря на то что мы много раз видели произведения великих мастеров разных эпох, они каждый раз заново волнуют нас своей нестареющей красотой и гармонией. Вспомним, например, пейзажи русских художников: "Грачи прилетели" А. К. Саврасова, "Золотая осень" И. И. Левитана, "Березовая роща" А. И. Куинджи, "Московский дворик" В. Д. Поленова, "В голубом просторе" А. А. Рылова и др." [21, 30] Но встречаются иногда такие произведения, посмотрев на которые чувствуешь, будто где-то их уже видел. Их нельзя отнести к настоящим произведениям искусства. В основе таких произведений всегда лежит шаблон, схема или компиляция.

"А. Кондиви -- биограф Микеланджело -- говорит: "Микеланджело обладал удивительной памятью; написав столько тысяч фигур, он никогда не делал одну похожею на другую или повторяющей позу другой. Я даже слышал от него, что он не проводит ни одной линии прежде, чем не припомнит и не убедится в том, что никогда им не было сделано подобной, и уничтожает ту, в которой не находит новизны." [21, с. 31]