Русский акварельный портрет первой половины ХIХ века

Размещено на http://www.allbest.ru//

Размещено на http://www.allbest.ru//

Содержание

Введение

Глава 1.Зарождение акварельной живописи в России

1.1 Зарождение акварельной живописи. История появления и развития акварели в России

1.2 Первые акварелисты в России

Глава 2.Акварельные портреты знаменитых русских акварелистов первой половины ХIХ века

2.1 Акварельные портреты А.П.Брюллова

2.2 Акварельные портреты П.Ф.Соколова

2.3 Акварельные портреты В.И.Гау

Глава 3.Другие мастера акварельного портрета

3.1 Жизнь и творчество Сурикова В.И.

3.2 Жизнь и творчество Крамского И.Н.

3.3 Жизнь и творчество Серова В.А.

Заключение

Список использованной литературы

Приложения

Введение

акварельный портрет брюллов суриков

Искусство акварельной живописи в творческом опыте мастеров изобразительного искусства состоит в передаче эстетического опыта, навыков, образования, художественного мышления, системы взглядов, является средством просвещения. Познавательная информация, содержащаяся в искусстве, огромна. Изобразительное искусство существенно пополняет сведения об окружающем мире, перенося человека в мир чувств и эмоций, отраженных при помощи творчества. Сопряжение личного жизненного опыта с опытом других людей, служит средством самопознания личности и познания мира через искусство. Искусство пробуждает в студентах художников, учит видеть мир через призму художественных образов.

Мир природы, воспринятый и прочувствованный сквозь художественно обогащенное сознание, возникает как эстетическая ценность. Изучение природы в период прохождения пленэрной практики является наиболее сложным и интересным в обучении студентов акварельной живописи. Исторический анализ эстетики акварельной живописи, рассмотренный в контексте художественных стилей в искусстве, отражающих творчество известных художников предстает перед нами в качестве педагогического материала, способного дать необходимую информацию студентам в понимании искусства, об эстетических методах работы акварелью, в учебных мастерских и на пленэре, в творческой самостоятельной деятельности педагога и художника.

Произведения искусства акварельной живописи, также как и произведения других видов искусства, масляной живописи, графики, скульптуры, архитектуры, декоративно-прикладного искусства, подчиняются общим формообразующим законам, объединены определенными художественными стилями в искусстве, имеющими стилевые символические значения. «Стиль - это художественное выражение восприятия мира, .. .завершенная и устойчивая структура формальных элементов, которые подчиняются единому формообразующему принципу».

Историко-педагогический анализ развития акварельной живописи интересен и многообразен. Мастера русского и зарубежного изобразительного искусства, оставили огромное наследие акварельной живописи, в котором акварельный портрет занимает ведущее место в передаче первого, наиболее яркого впечатления от натуры.

В связи с этим целью нашего исследования является: изучение русского акварельного портрета первый полвины 19 века.

Объект исследования: акварельная живопись 19 века.

Предмет исследования: портреты художников акварелистов 19 века.

Задачи исследования:

Рассмотреть историю появления и развития акварели в России.

Рассмотреть первых акварелистов в России.

Рассмотреть акварельные портреты знаменитых русских акварелистов первой половины ХIХ века.

Изучить жизнь и творчество Сурикова В.И. ,Крамского И.Н., Серова В.А.

Источники. Для исследования был определен круг произведений тех мастеров, в чьих полотнах нашли наиболее полное выражение процессы, протекавшие в пейзаже в указанный период и работы которых вызвали широкий профессиональный и общественный резонанс, повлияли на современное художественное сознание акварельного портрета первый полвины 19 века.

Глава 1.Зарождение акварельной живописи в России

1.1 Зарождение акварельной живописи. История появления и развития акварели в России

Акварель - одна из самых сложных и загадочных художественных техник. Секрет ее, на первый взгляд, достаточно прост: растворенные в воде очень мелко растертые частицы пигмента создают прозрачный красочный слой, проницаемый для световых лучей, которые, отражаясь от белой поверхности бумаги, повышают интенсивность звучания цвета. Но тайна обаяния, неизменной привлекательности акварельной техники, ее вечной молодости и актуальности остается неразгаданной. Свободное перетекание тонов, мягкость переходов и насыщенность колористических созвучий, активная роль бумаги, ее тона и фактуры - все это сообщает акварели ни с чем не сравнимые очарование и изысканность. Почти не допускающая переделок и правок, эта техника требует от художника особой чуткости, верности глаза и руки, виртуозного владения цветом и формой. Настоящему мастеру она дает возможность бесконечного разнообразия эффектов. Беда, Г. В. Живопись / Г.В. Беда. - М.: Искусство, 2011. - 126 с.

Искусство акварели известно с давних времен. В Китае расцвет водяной техники, идентичной акварели, приходится на VIII век, время правление династии Тан. «Китайский стиль» в акварели можно характеризовать тонкой художественной декоративностью, символизмом и образностью. Поиск художественного образа велся средствами художественной стилизации, композиционной целостности и глубокой сосредоточенности на объекте изображения, китайские художники в основу своей живописи, положили стремление к передаче совершенства природы. Главное в китайском искусстве - это образность, мифологизация природы, умение останавливать мгновение, любоваться простыми вещами и видеть большее через малое и наоборот. Так, рассматривая ветку дерева, художник рассуждает и о вселенной, и о природе, и о своих личных чувствах и переживаниях. Китайские акварели символичны, за каждым изображением стоит определенный смысл. Хризантемы говорят нам об осени, цветущая ветка сакуры о приходе весны, бамбук символизирует зиму, а орхидеи лето. Китайская акварель неразрывно связана с живописью тушью и каллиграфией. Изображения животных, птиц, пейзажей, людей, художники дополняют литературными текстами, иероглифическими писаниями, в которых заключалось образное истолкование произведения, стихотворная форма, помогающая восприятию акварели. Жанр пейзажа, как способ познания природы, характерен для мировоззрения этой страны. Китайское искусство созерцательно, только долгое наблюдение может так отточить изображение, отбросив все лишнее. Китайский художник с мастерством передает самую суть изображаемого, его художественный образ. Пейзаж в китайском искусстве называется «шань- шуй» и обозначает «горы-воды», соответственно название отражает наиболее часто распространенный сюжет в пейзаже. Китайские живописцы писали свои произведения на шелке и на мягкой рисовой бумаге, появившейся в Европе значительно позже. Основные эстетические и художественные средства акварелей, выполненных в «китайском стиле» это линия, пятно-заливка и чистота фона рисовой бумаги или щелка. Линия то непрерывная, убегающая, то остановленная художником, разрывающая и объединяющая пространство, используется и в изображении предметов и явлений, и в каллиграфии. Васильев А.А. Живопись натюрморта: акварель: Учеб. Пособие. Изд. 3-е, перераб. и доп. Краснодар: Изд-во Кубанского гос. ун-та, 2014. С.34

Разный нажим на кисть, ширина и тонкость мазка, красота пятна, гармония воды и цвета, дающая тонкую нюансировку формы, быстрота движений и мгновенность передачи изображения в акварели, написанной на бережно сохраненной чистоте фона. Китайская живопись оказала формирование на японскую живопись, монохромную и цветную. Японские художники учились у китайских мастеров. В картинах «суйбокуга» японской живописи тушью и водой, отражаются и элементы китайской живописи похожей на акварель, и национальные традиции характерные «японскому стилю» в искусстве. Появлению бумаги, кистей, как и выработке основных эстетических подходов в работе акварелью, изменяющихся в творческом наследии мастеров под воздействием разнообразных художественных стилей и течений, художники обязаны китайскому искусству, заложившему основы искусства акварельной живописи.

Появление акварели в России произошло в конце XVIII века. Акварель в течение XIX века обретала и развивалась в своей собственной специфике, ставясь одной из самых красивых и любимых для многих художников техникой живописи.

Конец XVIII века был временем, когда в акварельном искусстве складывались его основные жанры: пейзаж, портрет, историческая композиция. В композиционном решении листа чувствуется огромное влияние живописи, заключающееся в стремлении максимально приблизить графическое произведение к живописной картине, это прослеживается во всех трактовках жанров искусства. Так С.Ф. Щедрин, по подобию работы над произведением масляной живописи с характерными планами, выстраивает свой декоративный пейзаж и в акварели. Он активно вводит в акварель гуашь и белила, добиваясь, таким образом, ощущения плотности корпусной живописи. Напротив создатель лирического настроения в городском пейзаже Ф.Я. Алексеев, иначе понимает эстетические свойства акварели. Прозрачность в его акварельных работах происходит от архитектурных рисунков, широко распространенных в то время. Тонкая подсветка архитектуры акварелью делает живопись эстетически привлекательной. Цвет играл в ней роль тоновой подсветки, поверх которой художник наносил изящный рисунок пером. Семенова, М.А. Акварель. Эстетико-педагогический аспект: монография / М.А. Семенова. - М.: Ювента, 2013. - 176 с. Ученик Ф.Я. Алексеева М.Н. Воробьев создал школу «видописцев». В своих акварелях он добивался реалистической достоверности в передаче пространства пейзажа. Во второй половине XVIII века яркой фигурой в акварельном искусстве был И.А. Ерменев, создавший серию акварельных произведений с изображениями простых людей, нищих и крестьян. Его работы отличаются образной выразительностью персонажей, острой наблюдательностью, простотой и отражают демократическое начало в русской живописи. Стародуб, К.И. Рисунок и живопись. От реалистического изображения к условно-стилизованному: Учебное пособие / К.И. Стародуб, Н.А. Евдокимова. - 2-е изд. - Ростов н /Д: Феникс, 2011. - 190 с.

В России взлет акварельной живописи связан с именем К.П. Брюллова. Художник применял разнообразную технику, писал лессировками и в один слой, клал краску в два-три слоя по сухой поверхности бумаги, тонкой кистью многократно прописывал детали. К.П. Брюллова называют классическим художником русской акварели. Его акварели отличаются художественной образностью и тончайшим живописным мастерством. В них гармонично сочетается умение прекрасного рисовальщика и тонкость чувств и цветовых нюансов живописца. Написанные с натуры на открытом пространстве пленэра пейзажи К.П. Брюллова, за время творческих путешествий по Италии, говорят о высоком уровне владения акварелью. Художник придавал большое значение подготовительному рисунку под акварель, определяя в нем весь ход выполнения акварели. Еще в рисунке он старался передать глубину решаемого пространства, часто прокрывал штрихом тени, потом прокладывал красочный слой прозрачный цветом. Для усиления цвета и достижения передачи материальности формы или воздушности пространства художник иногда использовал белила.

Анализируя эстетические приемы акварели в первой половине XIX века, мы также наблюдаем расцвет искусства акварельного портрета. В живописи портрета акварелью К.П. Брюллов достиг определенной художественной высоты. Он писал большие парадные акварельные портреты и маленькие камерные портреты. В портретах художник пользовался приемом многослойной прозрачной живописи лессировками. Вел работу поверх основного моделирующего живописного тона, создавая единый колорит в акварельном произведении. Акварель К.П. Брюллова отличается тонкостью исполнения, жизненностью и гармонией колористического построения живописного произведения. Расцвет русской портретной акварельной живописи в основном связан с именами К.П. Брюллова и П.Ф. Соколова. Художника П.Ф. Соколова, посвятившего акварельному портрету, все свое творчество можно называть одним из основателей жанра. В акварелях маленького размера, почти в миниатюре П.Ф. Соколова варьируются разные приемы акварельной живописи, включающие тщательную проработку лица и рук мелкими штрихами-точками кисти и более широкое свободное письмо акварельными цветовыми заливками фона на дальнем плане. Самые лучшие его портреты были написаны в 20-30-е гг., художник писал чистой акварелью без добавления примеси гуашевых белил, создавая в акварельных портретах ощущение чистоты, прозрачности и интенсивности цвета.

1.2 Первые акварелисты в России

Акварельный пейзаж получил широкое распространение, как в кругу профессиональных художников, так и среди любителей. Экспозиция впервые представляет малоизученный еще пласт альбомной акварельной культуры -- графику К.И.Кольмана, Н.К.Гампельна, Н.Куртейля, Н.И.Тихобразова. Любительское рисование в целом и акварель в частности -- существенная составляющая искусства начала XIX века. Из среды художников-любителей выходят такие крупные мастера, как П.А.Федотов и Ф.П.Толстой. Особое обаяние ранним акварелям Федотова (парные портреты супругов Колесниковых, 1837; «Прогулка», 1837; «Переход егерей вброд на маневрах», 1844) сообщают непосредственность, искренность, которые выдают путь «самообразования» их создателя. В его знаменитых сепиях безупречность исполнения выводит бытовую зарисовку из области любительского досуга в один из важных жанров изобразительного искусства.

Работы Толстого -- неожиданный поворот в развитии акварели. Они достаточно условно могут быть причислены к этой технике: художник сам растирал и готовил краски, которые представляли собой нечто среднее между гуашью и акварелью. Авторские краски позволяли использовать преимущества обеих техник -- работать и корпусными мазками, и тончайшими лессировками.

Интенсивность и плодотворность развития акварели зависела от степени ее востребованности, от того, насколько ее язык соответствовал эстетическим категориям эпохи. В эпоху романтизма акварель впервые по-настоящему обретает самостоятельность. В ранг ведущего жанра того времени был выведен портрет. Порой кажется, что художественные образы, созданные мастерами первой половины XIX века не только воплотили, но и сформировали представления об идеале эпохи -- душевный строй модели, сам ее облик, манеру поведения. Дмитриева Н.А. Краткая история искусств. Кн. 1-2. М., 2011.

Акварельный портрет первой половины XIX столетия составляет самостоятельный раздел экспозиции, в котором это явление рассматривается в динамике. Ранние работы родоначальника жанра П.Ф.Соколова раскрывают свое происхождение от портретной миниатюры -- в характерном малом формате, овальной композиции, особой трактовке пространства листа. Со временем эта связь утрачивается, изображение осторожно осваивает всю плоскость бумажного листа, мазок становится широким, свободным и разнообразным, краски -- прозрачными, легкими. Выполненные за один сеанс, работы Соколова 1820-х -- начала 1830-х годов полны тонкого обаяния дружеского диалога между художником и моделью. Достижения мастера вдохновляют большой круг последователей, достаточно широко представленный на выставке работами В.И.Гау, А.Д.Надеждина, М.Н.Алексеева, И.Алексеева, А.М.Воробьева, КС.Осокина. Осваивая и варьируя Соколовские приемы, художники создали галерею образов, настолько стилистически родственных, что в совокупности они воспринимаются как портрет прекрасной классической эпохи, в культуре которой искусство акварельного портрета возникло, расцвело и ушло безвозвратно вместе с поколением, чей образ оно так бережно сохранило. Васильев А.А. Живопись натюрморта: акварель: Учеб. Пособие. Изд. 3-е, перераб. и доп. Краснодар: Изд-во Кубанского гос. ун-та, 2014.с.34

Другая самостоятельная линия акварельного портрета представлена творчеством братьев Александра и Карла Брюлловых. Скромному обаянию моделей Соколова противостоят поза, артистический жест постановочных картинных брюлловских портретов, всегда, даже при камерных задачах, сохраняющих репрезентативность. Характеристика модели у Брюллова поддержана многоголосием аксессуаров: узором переливчатых складок тканей, ажурным рисунком кружева, игрой фактур. Гордость собрания

После почти одновременного ухода с художественной сцены выдающихся мастеров-акварелистов П.Ф.Соколова, К.П.Брюллова и А.А.Иванова акварель переживает очень сложный период, отмеченный серьезными изменениями в понимании задач и предназначения искусства, наметившимися в обществе. Утонченная эстетика и изысканная культура акварели с условностью и артистизмом ее языка в 1860-е годы не вполне соответствовали тем социальным задачам, которые выдвигались новой художественной эпохой. Позиции акварели оставались непоколебимыми лишь в таких традиционных для нее областях применения, как видовой ландшафт, «итальянский жанр», костюмированный портрет. Здесь заботливо сохранялись традиции, профессионализм исполнения. Тщательно разработанные, «картинные» листы К.Ф.Гуна, Ф.АБронникова, Л.О.Пре- мацци, И.П.Раулова, А.А.Риццони, Л.Ф.Лагорио трактуют акварель как техническую разновидность живописи. Произведения воспринявших эту традицию художников демонстрируют очень естественную и неконфликтную смену поколений акварелистов-«консерваторов». Семенова, М.А. Акварель. Эстетико-педагогический аспект: монография / М.А. Семенова. - М.: Ювента, 2013. - 176 с.

Русская акварельная школа может гордиться и именем художника А.А. Иванова. Он был воспитан на преклонении перед значительностью сюжетной исторической картины, поэтому А.А. Иванов в своем творчестве избегал жанровых сюжетов. Но те немногие акварели, сохранившиеся в музеях и частных коллекциях, он создал в Италии, они показывают зрителю ценные грани таланта мастера. В его жанровом акварельном этюде «Жених, выбирающий серьги для невесты», создается ощущение благородства простого человека, отраженное при помощи акварели. В композиционном решении акварельного листа мы ощущаем руку большого мастера картины. А по звучности цвета и чистоте его произведения являются настоящими шедеврами русской акварели. Стародуб, К.И. Рисунок и живопись. От реалистического изображения к условно-стилизованному: Учебное пособие / К.И. Стародуб, Н.А. Евдокимова. - 2-е изд. - Ростов н /Д: Феникс, 2011. - 190 с.

В области эстетических приемов акварельной живописи А.А. Иванов превзошел своих современников, он ушел далеко вперед от них в постановке живописных задач. Это чувствуется особенно в его пейзажах, когда художник старается передать все цветовое и световое многообразие пленэрной живописи акварелью. Например, этюд «Итальянский пейзаж», акварель написана совершенно свободно, а 1а prima, быстро, в один живописный прием. Художник пишет сразу акварелью открытым чистым цветом, работает без предварительного рисунка карандашом. Он передает необыкновенную красоту световоздушной среды природы, создает пейзаж-настроение, в котором исчезающие мягкие границы цветовых пятен, акварельные разводы мягко переходящие один в другой. В своих акварелях, решая задачи пленэрной живописи, художник обгонял свою эпоху. «Даже импрессионисты, появившиеся через три десятка лет после Иванова, далеко не всегда решали задачи пленэра так же блестяще, как в своих этюдах это делает Иванов. Этюды Иванова по своему реализму в передаче пространства, воздуха, цвета и света, как в акварельной, так и в масляной живописи своей техникой далеко опережают подобные работы всех западноевропейских и русских современников».

Всю свою жизнь А.А. Иванов думал об искусстве, облагораживающем человека, о высоких и философских его аспектах. Его художественные поиски закончились созданием знаменитого «библейского цикла». Акварельные листы, по замыслу автора, были задуманы как варианты подготовительных эскизов для монументальной росписи общественного здания. Перед глазами зрителей должна была проходить вся история человечества. Росписи не были осуществлены, но для поколений осталась великолепная серия акварелей «библейского цикла». Этюды написаны акварелью с применением гуаши и белил. А.А. Иванов часто рисует на цветной (серой или коричневатой) бумаге. Отказываясь от прокладочного тона в живописи, использует тонированную бумагу, причем тонирует ее самостоятельно. В цветовом отношении эскизы росписей различны, они решены то на интенсивных и ярких цветах, то на приглушенных полутонах, в эстетической необходимости от их эмоционального и художественно-образного решения. Подвижная линия контура, живая линия свободного перьевого рисунка, нанесенного поверх акварели, отражают силу мысли и чувств, малейшую душевную трепетность движений художника. Цвет и линия, главные художественные средства, становятся у А.А. Иванова носителями огромной энергии, живописной экспрессии. Он прекрасно работал над этюдами на пленэре, учился живописи у самой природы - это было определенным художественным новаторством, так как, следуя академическим традициям, художники писали свои произведения и подготовительные этюды к ним исключительно в студиях. П.П. Чистяков считал, что: «Иванов поставил человека на солнце и начал изучать все разнообразие природного освещения. Иванов отошел от условного освещения, что было обязательным для художников Возрождения. Они избегали солнечного света».

Следующим художественным течением, повлиявшим на развитие искусства акварельной живописи, был реализм, бросивший вызов идеалам традиционных вкусов, расширивший диапазон искусства сценами современности, повседневной жизни, бедности и труда. Яркие представители, отражающие стиль реализм и критический реализм в России художники П.А. Федотов и П.М. Шмельков, во Франции художник О. Домье.

П.А. Федотов является крупнейшим представителем критического реализма 40-х годов XIX века. В основном он работает в технике масляной живописи, но и акварель занимает большое место в его творчестве. Художник пишет сцены из жизни людей, внося в живописную работу личную критику и тонкую иронию сюжета. Его акварели органично соединяются два начала: живописное и графическое. Отношение к акварельному этюду у художника, как и к картине написанной маслом, ничуть не меньше и поэтому акварели в его исполнении приобретают облик и ценность маленького камерного произведения. Знакомство с произведениями П.А. Федотова повлияло на художественное становление П.М. Шмелькова - одного из талантливейших художников-сатириков, незаслуженно сейчас забытого. Стародуб, К.И. Рисунок и живопись. От реалистического изображения к условно-стилизованному: Учебное пособие / К.И. Стародуб, Н.А. Евдокимова. - 2-е изд. - Ростов н /Д: Феникс, 2011. - 190 с.Писал П.М. Шмельков в основном в технике акварельной живописи. Его художественные образы носили гротескно-сатирический характер. Художник писал акварелью по качественно исполненному подготовительному рисунку. Часто П.М. Шмельков уже по выполненной акварели уточнял и моделировал форму, где необходимо, прорабатывал нужные места при помощи итальянского карандаша, использовал смешанную технику. Графические листы О. Домье, серии акварелей «знатоки искусства», «театр», «железные дороги» в них тональность акварельной размывки сливается с острым, точным и часто комичным до карикатурности рисунком, отражающим острые стороны сюжета. Художник также много занимался литографией, как и акварелью. Жанровая карикатура реализма в акварели уступает место пейзажу-состоянию, предтечи импрессионизма в творчестве К. Коро. Мастер пейзажной живописи любил акварель и создавал небольшие работы, в которых изображал дымку тумана, мерцающее золото вечернего солнца, состояния, окутывающие небольшие стаффажные фигуры в пейзаже, написанном на пленэре.

В России в решении больших социальных проблем, следующее поколение художников забывает про акварель, считая ее не значительной в решении художественных задач. Художники посвящают свое творчество масляной живописи, которая обретает ведущее направление во второй половине XIX века. Акварель совсем исчезает и не используется художниками, и лишь в творчестве В.И. Сурикова происходит новый взлет этой красивейшей и труднейшей техники живописи. В акварелях В.И. Сурикова мы встречаемся с портретом, жанром, но чаще всего с пейзажем, выполненным с натуры. Русские художники совершенствовали свое искусство в Италии. Акварели итальянского периода его творчества, построены на тонких переходах и переливах серых, голубоватых, зеленоватых, сиреневых тонов. Художник, мастерски передавая окутанную влажным воздухом архитектуру и природу Италии, опирается в работе на взаимодействие цвета и света. В его поздних акварелях начала 1900-х годов присутствует несмешанный, чистый цвет акварели, который интенсивно звучит в полную свою силу на акварельных этюдах. Используя метод а 1а рпта, В.И. Суриков добивается великолепной свежести акварели, тонкости красочного слоя, наполненности цвета настроением. Он передает чувственную эмоциональность в акварельной живописи, тех эстетических качеств живописи, которые получат широкое развитие в акварельной живописи уже в ХХ веке. Васильев А.А. Живопись натюрморта: акварель: Учеб. Пособие. Изд. 3-е, перераб. и доп. Краснодар: Изд-во Кубанского гос. ун-та, 2014. -- 98 с.

Художники, музыканты, писатели, ассоциирующиеся с этим направлением, впоследствии оказали влияние на искусство XX века. Из эстетизма впоследствии образовалось художественное течение символизм.

Символизм, как течение в искусстве, возник в результате реакции на развитие прогресса, науки и техники, выражавшихся в различных формах и концепциях материализма. Символизм отражал то, что оставалось за этими концепциями, жизнь души художника полную переживаний, таинственных настроений и воспоминаний, ощущений. В акварельной живописи к символистскому движению относят таких художников как О. Редона, П. Гогена, Г. Моро, литовского художника М.К. Чюрлениса, в истории русской живописи художников стиля модерн М.А. Врубеля и В.Э. Борисова-Мусатова, имеющих также свой неповторимый стиль в искусстве.

М.К. Чюрленис выражал свои творческие идеи в музыке и живописи, две взаимодополняющие стихии были равны для художника. В живописи мастер работал в акварели, пастели, темпере. Подобно звукам оркестра цвета и разные величины, большие и малые проработки форм и элементов в акварелях, звучат в его живописи. Выражение большого через малое и наоборот, символическое значение каждого живописного элемента, было характерно для искусства М.К. Чюрлениса. Его камерные живописные произведения соотносятся с музыкальными по настроениям, чувствам и восприятию. Они посвящены волнующим и наполняющим душу художника темам: «Сонате солнца», «Сонате весны», «Стихии», «Знакам зодиака», «Сотворению мира», «Любви» и т.д.

Мастер пастели и акварели В.Э. Борисов-Мусатов работал над большими художественно-образными композициями, наполненными музыкальными ритмами. Его акварельные работы, написанные в блеклых тонах в стиле старинных гобеленов, погружают зрителя в мир хрупких женских образов, окутанных серой дымкой, печаль.

Акварель широко использовалась в создании эскизов, макетов, проектов, иллюстраций. Как самостоятельный вид искусства отмечаем акварель в творчестве следующих художников. Это А.П. Остроумова-Лебедева, А.Н. Бенуа, З.Е. Серебрякова, Л.С. Бакст, М.В. Добужинский, Е.Е. Лансере, К.А. Сомов, В.Э. Борисов-Мусатов, Б.М. Кустодиев. Огромный вклад в историю развития русской акварельной живописи внесли художники творческого объединения «Мир искусства». Художники группы «Мир искусства» с разными творческими судьбами, с самыми противоположными устремлениями в искусстве, составляли это творческое объединение, связанное временем воедино. В их произведениях мы видим, с одной стороны - художники обращаются к искусству прошлых лет, отказываются от социальной тематики в живописи и графике, а с другой - в произведениях присутствует активное желание работать во всех областях, наполнить быт искусством. Очень разные творческие индивидуальности художников объединяли высокий профессиональный уровень в искусстве, мастерство, глубина знаний и художественная эрудиция, основанные на общем стремлении к поискам современного художественного языка.

Для творчества художников группы «Мир искусства» характерно соединение графики и живописи. Таким образом, в их произведениях возникает уникальная графическая живопись на бумаге или в картине, созданной в смешанной технике. Причем смешение техник (угля или пастели с акварелью, туши с акварелью, акварели с гуашью или темперой) усложняет задачу искусствоведов по четкому разграничению графики и живописи этого времени.

Для акварельной живописи ХХ века характерной становится большая свобода технических и эстетических приемов выполнения произведения искусства. Художники пишут чистым цветом, смело выполняя рисунок кистью по бумаге, без предварительной карандашной подготовки или наоборот обращаются к строгой классической школе или смешивают воедино и придумывают свои, новые эстетические приемы работы в акварельной живописи. Один из ярчайших художников, работающих в акварельной живописи А.Н. Бенуа. Семенова, М.А. Акварель. Эстетико-педагогический аспект: монография / М.А. Семенова. - М.: Ювента, 2013. - 176 с.

В своем первозданном виде акварель остается в основе творчества двух художников А.П. Остроумовой-Лебедевой и К.А. Сомова. А.П. Остроумова- Лебедева - признанный художник городского пейзажа. Ее акварели благородны по цвету и сдержанны по колориту. В классической строгости форм и четкости композиционного строя решения пейзажей, мы ощущаем руку мастера акварели. Художница много путешествовала и всегда с нею была любимая акварель. Основной темой ее творчества был городской пейзаж, парки, аллеи, каналы. В своих акварелях ей хорошо удавалось передавать многообразие каждого города, его атмосферу и колорит. Акварельные этюды К.А. Сомова относятся к произведениям маленького размера, с тонким и лирическим ощущением состояний природы, театральными персонажами и общей театрализацией жизни, игрой в образы. Встречаем в его творчестве акварельные портреты, пейзажи, наполненные духом театра и игры сюжеты итальянской комедии дель-арте. Тему городского пейзажа совсем по-иному раскрывает М.В. Добужинский. Художника привлекает современный напряженный город, в несколько трагическом аспекте. Город М.В. Добужинского безрадостного серого цвета предстает перед зрителем скоплением тесных доходных домов, каменных колодцев, которые наступают, окружают и подавляют маленького человека, героя его произведений. Художники все больше начинают отражать свое эмоциональное состояние и отношение к жизни в акварели, передавая волнующие их социальные процессы в жизни и искусстве.

Напротив радость и полнота жизни отражена в творчестве К.А. Коровина, основателя и самого яркого представителя русского импрессионизма. Художник много работал в основном в технике масляной живописи и оставил прекрасные полотна, наполненные парижскими впечатлениями, солнцем, морем, ароматом роз. Как и в масляной живописи, в акварели художник передает ощущение счастья, сквозящие в воздушной атмосфере акварельных пятен и мазков. Акварель присутствует в его творчестве в театральный период в многочисленных этюдах костюмов и декораций, также художник много работал в технике гуаши и темперы, во французский период его жизни, когда быстрые этюды акварелью помогали художнику найти верное сиюминутное состояние в передаче ощущения воздушной среды в живописи. Прекрасный «альбом эскизов» из собрания Государственной Третьяковской галереи, был выставлен на юбилейной выставке мастера, содержащий акварели, написанные в период его путешествия по Северу. Например, лист «Пристань «Ярмарка» в городе Архангельске», «Скалы из гранита на Мурмане с тучами птиц» и др. В письмах художник описывает свои ощущения от живописи: «Пейзаж не писать без цели, если он только красив, в нем должна быть история души. Он должен быть звуком, отвечающим сердечным чувствам - это трудно выразить словом, это так похоже на музыку». Эти этюды послужили основой для создания монументально-декоративных панно для павильона Крайнего Севера на Всероссийской промышленной и художественной выставке 1896 г. в Нижнем Новгороде. Импрессионизм, как течение в акварельной живописи в России имел собственное стилевое отличие, он был связан с модерном, с синтезом искусств, он проходил значительно позже европейского и параллельно с другими течениями, развивающимися в искусстве.

Процессы, происходящие в искусстве во второй половине XIX века, рождение импрессионизма, символизма, поиски нового языка в живописи постимпрессионизма, меняли эстетическое восприятие действительности и панораму изобразительного искусства рубежа веков. П. Сезанн, В. Ван Гог, П. Гоген своим искусством предвосхитили развитие основных авангардных течений модернизма. Стародуб, К.И. Рисунок и живопись. От реалистического изображения к условно-стилизованному: Учебное пособие / К.И. Стародуб, Н.А. Евдокимова. - 2-е изд. - Ростов н /Д: Феникс, 2011. - 190 с.

Модернизм представляет широкое направление и охватывает авангардные течения первой половины ХХ века. Модернистские течения отвергали эстетические принципы натурализма в искусстве, имея в своей основе экспериментальное искусство. Отвержение натуралистических принципов изображения действительности изменило и отношение к эстетике акварельной живописи. Возникновение абстрактной живописи отложило свой отпечаток на эстетику акварели. На первый план выходят следующие эстетические принципы изображения в акварели, взаимопроникновение живописи и графики, линия, пятно цвета, плоскость, точка, способные отразить рассуждения художников о пространстве и времени. Художники считали, что искусству необходимы новые эстетические подходы для отражения реальности, основанные на познании истины. Сама природа творчества претерпела значительные изменения в ХХ веке. Линия и цвет приобрели огромные возможности и полную автономию друг от друга. Эпоха экспериментов принесла новые приемы в искусстве, широко применяемые в работах художников модернистских течений. Это коллаж, проекция, печать, декупаж и вырезание форм, сломы бумаги и трансформация ее плоскости. Акварельная живопись продолжает существовать в искусстве со своими первозданными эстетическими принципами чистой акварели, как материала и как изображения действительности и реальных вещей, так и претерпевает изменения, как техника в области экспериментальной живописи, чаще всего она применяется в смешанных техниках. Также на процесс изменения эстетики акварельной живописи современности повлияло и изобретение, и широкое распространение новых водорастворимых материалов, таких как гуашь, акварельные карандаши, акрил. Чаще всего акварель используется в сочетании с коллажем и другими сочетаемыми материалами, например в работах П. Пикассо, М. Эрнста, А. Массона.

Конструктивизм как течение появился в России в 1921 г. Конструктивизм объединяет взгляды художников, которые писали и создавали абстрактные геометрические произведения, конструировали скульптуры из различных современных материалов, металла, пластика. Художники конструктивисты В.Е. Татлин, А.М. Родченко испытывали влияние кубизма, в творчестве придерживались конструирования различных объемов, форм больших и малых. Это отражено и в скульптуре, и в движущихся модулях, и в акварельной живописи. Подобно конструктивизму искусство П. Мондриана представляет течение неопластицизм, связанное со стремлением передачи в аскетичных формах красоты и истины. Заполненные края и пустая середина изобразительной плоскости имеют равное значение. Сочетание прямых линий горизонтальных и вертикальных и основных цветов, образующих геометрическое сочетание простых форм, отделяют пространство картины. Акварели, как и картины, написанные маслом, схожи по композиции и не имеют композиционного центра. П. Мондриан был убежден в том, что искусство должно отражать покой и статичность, силы, отражающие универсальный порядок вещей в искусстве. Васильев А.А. Живопись натюрморта: акварель: Учеб. Пособие. Изд. 3-е, перераб. и доп. Краснодар: Изд-во Кубанского гос. ун-та, 2014. -- 98 с.

Абстракционизм швейцарского художника П. Клее предстает в пространственно-знаковой и утонченно музыкальной и образной эстетике акварели. П. Клее был другом и коллегой В. Кандинского по преподаванию в Баухаузе и разделял его взгляды в рождении абстрактного искусства. Художник создает ряд акварелей, вдохновленный поездкой в Тунис. Пространство своих акварельных работ он делит на маленькие прямоугольные и квадратные формы, которые окрашены каждый своим неповторимым цветом и подобно звукам в музыке они создают свою мелодию в живописи. Музыкальное образование художника помогало ему в понимании сути акварельной живописи, которая занимала ведущее место в его творчестве. В своих работах он стремился к концентрации в ограниченном формате листа всей поэзии цвета в акварели.

Манифест сюрреализма, опубликованный в 1924 г. изложил основные концептуальные положения направления. Изображение бессознательного, снов, видений занимало основное место в эстетике сюрреализма. С. Дали, М. Эрнст, Ж. Миро, А. Массон и др. представители этого течения. Каждый их художников отличался «ювелирной техникой» живописи и придавал выбранным мотивам чрезвычайную точность изображения. Например, акварель А. Массона «Насекомые мотодоры» представляет встречу подсознания с реальным миром. Семенова, М.А. Акварель. Эстетико-педагогический аспект: монография / М.А. Семенова. - М.: Ювента, 2013. - 176 с.

Влияние кино, телевидения, создание рекламы, использование медиасредств в искусстве, широко отразились в таких течениях как поп-арт, медиа-арт, лэнд-арт, арте повера и др. Художники современности научились создавать искусство без живописи и графики, объектами стали разнообразные вещи, медиа средства и др. композиции из которых наделяются определенными концептуальными идеями и отражают взгляды творцов.

Искусство акварельной живописи развивается в эстетике авангардных течений и в лучших образцах представляет не фигуративную живопись М. Тоби «Заколдованные сады» или серию акварельных композиций Ж.-П. Риопеля, решающих проблемы изображения пространства, построенные на экспрессии диагоналей, вертикалей и мазков акварели.

В западноевропейском искусстве и в Америке 1920-1980 гг. развитие эстетики акварели направлено в основном в сторону авангардных течений. В России ситуация складывается наоборот русские акварелисты тяготеют к фигуративной живописи. Среди лучших мастеров советской школы акварельной живописи, которые были представителями стиля реализма в искусстве живописи, можно назвать такие имена: из старшего поколения Н.Н. Купреянова, С.В. Герасимова, А.В. Фонвизина, Л.А. Бруни, а из художников советского времени Ю.П. Пименова и А.А. Дейнеку. Для современных эстетических приемов акварели характерно свободное широкое письмо заливками, живописными переходами от больших цветовых пятен к мазкам. Хотя у каждого профессионального художника-акварелиста вырабатываются свои собственные эстетические приемы и методы работы в этой сложной и красивой технике живописи.

Акварели Л.А. Бруни, написаны без карандашной подготовки, широко, размашистым мазком, закрывая картинную плоскость. Художник любуется простыми вещами и сюжетами. Благодаря свежести цвета и его чистоте они сохранили непосредственность впечатления в натурных этюдах. Акварели А.А. Дейнеки продуманы по цветовому решению и композиции. По силе и эмоционально-образного решения, композиционного построения не уступают живописным картинам художника. Создавая в акварели подобие картинности, А.А. Дейнека сохраняет и использует специфические эстетически характерные возможности акварели с ее силой и чистой свежестью тона. В его акварелях звучат любимые им контрастные сочетания интенсивного цвета, который он активно использует в живописи. Большую серию акварелей А.А. Дейнека привез из поездки во Францию и Италию в 1937 году. Особенно дорог ему мотив городского пейзажа, в нем художник любуется жизнью современного человека.

Жанровые сценки из жизни - это акварели Ю.П. Пименова, в которых происходит соединение бытовых сценок с пейзажем или с натюрмортом. Ю.П. Пименов также много и плодотворно работал на пленэре акварелью. Его композиции написаны кистью легко и свободно. В них присутствует звучание умеренного и спокойного цвета, отсутствуют яркость в контрастах, основная роль отводится белому фону бумаги, часто незаполненной, звучащей белизной.

Непревзойденным мастером акварельной живописи заслуженно считается А.В. Фонвизин. Его работы отличаются тонкой и нежной цветовой гаммой. Кистью А.В. Фонвизин владел с артистичностью. Акварели складывались из маленьких и трепетных пятен цвета, акварельных заливок, быстрых линий, которые наполняли жизнью пространство его работ. На поверхности бумаги сочно, смело, легко расцветали необыкновенные цветочные натюрморты, цирковые композиции, портреты-образы. А.В. Фонвизин, начал работать акварелью в 47 лет, он создал очень красивые с эстетической точки зрения, поэтичные серии живописных акварелей: «Цветочные натюрморты», «Женские портреты», «Цирк», «Портреты детей», серии пейзажей. Его акварели очень музыкальные, живые, одухотворенные и непосредственные по красоте, художественной индивидуальности и мастерству.

Глава 2.Акварельные портреты знаменитых русских акварелистов первой половины ХIХ века

2.1 Акварельные портреты А.П.Брюллова

Александр Павлович Брюллов (1798-1877) вошел в историю русской культуры как чрезвычайно одаренный многогранный специалист, сумевший органично сочетать в своем творчестве технический склад ума и логическое мышление архитектора с виртуозным мастерством рисовальщика. На сегодняшний день в его наследии насчитывается более шестисот графических работ, не имеющих отношения к проектному рисунку. С одной стороны, столь значительное количество высокохудожественных произведений, не связанных с основным направлением его деятельности, свидетельствует о таланте и потрясающей работоспособности мастера, но с другой - вызывает ряд вопросов. Главный из них - насколько профессия зодчего повлияла на изобразительное творчество А. П. Брюллова и в какой мере сказалась на художественном уровне его работ. Решая проблему этого взаимодействия, мы обратились к столь отличному от архитектурной графики жанру портрета, в котором много и плодотворно работал художник, войдя в плеяду лучших портретистов пушкинской эпохи.

Акварельный портрет стал для практикующего зодчего той областью изобразительного искусства, в которой он нашел выход своим художественным способностям и получил возможность поддерживать дружеские контакты и профессиональные связи с общественностью. На наш взгляд, именно параллели в манере исполнения художественного и профессионального архитектурного рисунка выделяют произведения Брюллова на фоне творений современных ему графиков и позволяют практически безошибочно узнавать руку мастера даже неподготовленному зрителю. И хотя принципиальной разницы между изобразительным творчеством зодчего и художника нет (это связано с образовательной программой), все же можно заметить некоторые отличительные черты в их подходе к оформлению графических работ. В основном эти различия являются следствием тех задач, которые ставит перед собой мастер того или иного профессионального направления. Семенова, М.А. Акварель. Эстетико-педагогический аспект: монография / М.А. Семенова. - М.: Ювента, 2013. - 176 с.

Так, если учесть, что основные достижения Александра Павловича в области портрета приходятся на самый ранний период его творчества, то основная задача, которую ставил перед собой, обращаясь к этому жанру, начинающий специалист, по-видимому, состояла в том, чтобы испытать себя в создании станкового художественного произведения, одновременно постичь законы антропометрии и научиться воспринимать архитектуру и ее пропорции относительно фигуры человека. Васильев А.А. Живопись натюрморта: акварель: Учеб. Пособие. Изд. 3-е, перераб. и доп. Краснодар: Изд-во Кубанского гос. ун-та, 2014. -- 98 с.

Мироощущение художника несколько отличается от восприятия архитектора, привыкшего видеть и учитывать размерные или масштабные соотношения на подсознательном уровне. Графический портрет Брюллова, в частности, характеризуется четкой уравновешенной композицией, гармонией цветовых и тоновых сочетаний, но главное - линеарностью, которую привыкший работать с чертежными инструментами проектировщик почти интуитивно привносит в изображение. Брюллов словно подкрашивает рисунок контурного типа, который отчетливо выявляется в еле заметном тонком грифельном абрисе. В отношении техники исполнения, как и в проектной графике, Брюллов предпочитал работать чистой акварелью, когда сквозь наложенные друг на друга полупрозрачные слои краски просвечивала бумага и контурный рисунок, облегчавший визуальное восприятие изображения.

К работе над портретом А. П. Брюллов обращался на протяжении всего творческого пути. Однако наиболее значимыми для развития этого жанра в его профессиональной деятельности стали периоды пенсионерства (1822-1826) и зрелого творчества (1830-1840). При этом, рассматривая в совокупности работы разных лет, можно заметить, что искусство камерного по своей сути графического портрета приобрело в работах Брюллова оригинальную стилистику и типологию.

Портрет подразумевает написание человека, который сам по себе находится в природной или жилой среде. Поэтому изображение антуража являлось непременным условием при создании портретов для многих художников-графиков XIX века, в числе которых были П. Ф. Соколов и В. И. Гау . В основном они работали над поясным или поколенным портретом моделей, находящихся в атмосфере привычного для них бытия. Окружающие человека предметы раскрывали характер персонажа, носили символическую нагрузку, указывали на род деятельности или увлечения изображенного. В отличие от своих современников, архитектор Брюллов создал новый для своего времени тип графического портрета в полный рост, совмещенного с архитектурным или природным видом, который позволил ему придать графическому листу законченный картинный облик и реализовать собственные предпочтения в отображении антуража.

В частности, в портретах кисти Александра Брюллова прослеживается очевидный интерес художника к воспроизведению архитектурной среды, тяга к детализации при изображении современных ему сооружений и древних памятников, а также скрупулезность в передаче предметов интерьера, которые наравне с моделью являются основными элементами композиции. При этом зачастую увлечение фонами у Брюллова превалирует над интересом художника к передаче облика и психологической характеристики моделей.

В портретах Брюллов не стремился к документальности и к глубокому раскрытию образа. Как яркий представитель романтического направления он тяготел к более эффектной демонстрации модели, которую помещал в изысканную, иногда додуманную по воображению окружающую среду. Репрезентативность и нарочитая декоративность ставят его портреты в разряд демонстрационных, в большей степени показательных, чем просто памятных. И архитектурная среда играет в этом не последнюю роль. Архитектура значительно обогащала изобразительное поле брюлловских портретов. И наиболее ярко эта особенность его работ проявляется в акварелях итальянского, а точнее неаполитанского, периода его творчества (1824-1825).

Ранний этап его деятельности как портретиста следует связать с разработкой так называемого акварельного портрета-картины, где модель представлена в полный рост на фоне поэтизированного романтического итальянского пейзажа с руинами древних строений или в отчетливо намеченной городской архитектурной среде. Несмотря на то, что выбираемое автором вертикальное направление листа свидетельствует о главенстве человеческой фигуры над антуражем, фон портрета художник всегда передает с заметным воодушевлением. Дмитриева Н.А. Краткая история искусств. Кн. 1-2. М., 2011.

По аналогии с живописным произведением классической школы, брюлловский акварельный портреткартину характеризуют строгая уравновешенная композиция, сложная система работы с краской: многослойное наложение мазков, применение лессировочного письма, совмещение в одном произведении нескольких жанров: портрет, пейзаж, сюжетная сцена и, наконец, способ презентации модели, которая, как правило, предстает в постановочной позе. Главной особенностью ранних акварельных картин-портретов Брюллова является центральная линейная перспектива и гармоничный тональный колорит, выбираемый с учетом естественного освещения.

Фон в виде экзотического итальянского пейзажа с развалинами неопределенного античного сооружения придает его портретам модный у романтиков налет историзма и дает общее представление о месте пребывания модели. В качестве примера можно привести «Автопортрет» и «Портрет В. А. Перовского». Однако в большинстве случаев Брюллов органично соединял приближенное к зрителю, обрамленное архитектурными элементами пространство с фигурой и панорамный вид вдаль. Излюбленным мотивом в ранний период его творчества стал вид на природу и городскую среду через интерьер, когда взгляд мастера направлен из ограниченного затененного в открытое световоздушное пространство. При этом зона интерьера и раскрывающийся в глубину перспективный вид органично сочетаются. Основным элементом в качестве их соединения Брюллов избирал веранду, реже окно. Этот тип портретов итальянской знати и представителей русской колонии в Италии, запечатленных в зелени тенистых пергол, в залах и на балконах вилл, в которых они проживали, стал удачной творческой находкой, позволявшей объединить человеческую фигуру с окружающей пейзажной и жилой средой. В таких портретах отразился любознательный взгляд художника на архитектуру и атмосферу города.

К этому типу портрета можно отнести «Портрет П. А. Голицыной», «Портрет графов Андрея и Петра Шуваловых в детстве», «Портрет графини Е. А. Воронцовой и княжны Е. М. Голицыной» и «Портрет Д. Ф. Фикельмон и Е. Ф. Тизенгаузен», дочерей графини Е. М. Хитрово. На всех акварелях модели изображены в полный рост стоящими или сидящими у берегового парапета или на высоком балконе, с которого открывается живописный вид на Неаполитанский залив, средневековый замок дель Ово и дымящийся Везувий.

К аналогичным ранним портретам, представляющим модель в полный рост, относится и «Портрет В. П. Шуваловой». На нем изображена молодая женщина, стоящая на полу некого помещения, оформленного в готическом стиле. Готика отражала увлечение Брюллова средневековьем, но не имела мистического налета, который был присущ ее образам в литературе и поэзии эпохи романтизма. Средневековый интерьер придает образному строю акварели элемент тайны. При этом основной деталью композиции, притягивающей взгляд зрителя, является большое стрельчатое готическое окно, из которого открывается все тот же излюбленный художником вид на курящийся вулкан. Мотив окна в графике эпохи романтизма был характерным изобразительным элементом, обозначающим переход в другой мир, иную реальность, позволяющим смешать представления о времени и пространстве. В пролете этого большого декоративного проема и вырисовывается хрупкий силуэт девушки, стоящей возле древнего каменного саркофага.