Портрет как средство познания внутреннего мира человека в условиях пространственной среды общеобразовательной школы

По окончании урока учитель собирает все работы, чтобы дома проверить их и на каждой поставить оценку. Класс приводится в порядок.

Для лучшей организации проведения занятий надо предварительно составить план-конспект урока. При составлении плана-конспекта следует придерживаться определенной формы и структуры. В нем должно быть отражено: 1) вид занятий; 2) тема урока; 3) цель урока; 4) оборудование: а) для учителя, б) для учащихся; 5) использование классной доски; 6) план и содержание урока: а) организационная часть, б) объяснение нового материала, в) самостоятельная работа учащихся, г) завершение урока и задание на дом; 7) список использованной литературы.

Составляя конспект урока, надо предусмотреть только самое главное и не сосредотачивать внимание на мелких, частных вопросах. Конспект урока должен быть руководством к действию, а не догмой.

Искусство преподавания требует творческого использования теоретических знаний в практике обучения. Если методику свести к узким мелким задачам, выработать из них шаблон, то преподавание станет далеким от творчества и от искусства, не научит ребят любить предмет рисования и, следовательно, не даст им прочных знаний и навыков. Преподавание становится искусством, когда педагог творчески подходит к делу, умеет творчески перестроить учебный процесс, в связи с неожиданно возникшей обстановкой, когда в учебном процессе участвует интуиция педагога, его находчивость. Это и диктует требование к конспекту урока: в нем надо излагать содержание учебного материала, а не форму изложения.

Иногда обстоятельства складываются так, что учителю надо в корне перестраивать урок. Это может озадачить его, привести к полной растерянности. Однако безвыходных положений не бывает, и срывать или менять урок в таких случаях не следует. Если учитель сам не может сразу перестроиться, ему обязательно помогут ученики, - он это почувствует в процессе работы с ними. [6, с. 185-207]



Глава 2. Теория и технология выполнения портрета акварелью в условиях учебного процесса в общеобразовательной школы

2.1 История становления портретного жанра

Изображение головы человека было излюбленной темой у всех народов во все времена. Наиболее древние изображения головы человека дошли до нас в миниатюрах Древнего Египта, Древней Греции и Древнего Рима, а также в книжных иллюстрациях средневековых Европы и Азии.

Акварель - один из древнейших видов русской живописи. Произведения, исполненные техникой акварели, встречаются в древнерусских рукописях Х-ХИ веков, иллюстрированных акварельными миниатюрами.

В XVII веке акварель широко применялась в Голландии и Фландрии. В это время акварельная техника широко использовалась в пейзажной живописи, в портрете, в произведениях бытового жанра.

Но акварельная портретная живопись как искусство получила развитие во второй половине XVIII века в Англии, а к концу XVIII века во Франции. В творчестве английских художников Р.Козенса, Т.Гертина, а также французских О.Фрагонара и Ю.Робера были заложены основы европейского акварельного миниатюрного портрета. [7, с. 210].

Интересны акварели Якоба Иорданса, применявшего смешанную технику: акварель, сангину и гуашь. Акварель использовалась при создании архитектурных проектов, разработке планов городов, парков и т.д. В XIX веке художниками разных стран создано очень много акварельных работ, показывающих широкие возможности акварели, как живописного материала. В Англии были организованы первые в истории искусства выставки акварельной живописи. Представители английской школы акварельной живописи Д.Констебл и Тернер.

Дальнейшее развитие акварельный портрет получил и в России в конце XVIII - начале XIX века. В это время в области миниатюрного портрета работали такие известные русские художники, как Ф.Алексеев, А.Иванов, А.Брюллов, П.Соколов. В работах последнего этот жанр достиг своего расцвета. П.Соколов обладал широким прозрачным акварельным мазком, виртуозной техникой и вместе с тем отточенной ювелирной формой. В его портретах раскрываются красота и богатый духовный мир человека. В 40-е годы XIX века в Италии появилась акварельная живопись методом лессировки, представляющая собой многослойную живопись по сухой бумаге, когда художник стремится к передаче материальной пластической формы, звучным контрастам светотени, насыщенному цвету, к выявлению богатства рефлексов и цветных теней. Акварельная живопись методом лессировки быстро распространилась по всему миру и выдвинула своих ярких представителей. В Италии это были К.Росси и М.Фортуни, в Англии - У.Тёрнер и Д.Констебл, во Франции - О.Домье и Э.Делакруа, в Гегнии - А.Менцель, в США - Д.Уистлер. В России - К.Брюллов, А.Иванов и другие. Своим творчеством мастера внесли большой вклад в развитие техники акварельной живописи. [7, с. 102-103].

Развитие акварельной техники продолжалось в конце XIX и в начала XX века. В это время значительна вклад в становление акварельной портретной живописи внесли русские художники. Они не удовлетворялись чистой акварелью, активно смешивали ее с белилами, гуашью, темперой пастелью, углем, бронзовой краской добивались монументальности, декоративности цвета, новых средств выразительности. Большое значение приобрел портретный жанр, в котором художники стремились выразить тему яркой творческой личности, тему таланта и гражданственности.

Значительный вклад в развитие акварельной живописи внесли художники, объединившиеся вокруг журнала "Мир искусства": А.Бенуа, М.Врубель, А.Остроумова-Лебедева А.Головин, К.Сомов. Плодотворно в технике акварели работали В.Серов, И.Репин, А.Архипов, Ф.Малявин и другие художники. [6, с. 210].

Особое внимание хотелось обратить на акварельные портреты В.Сурикова и М.Врубеля. Эти художники занимали разные творческие позиции, но их объединяло удивительное чувство акварельного пятна, требовательность к своему творчеству. В.Суриков артистически владел акварельной техникой. В.Суриков работал мягким живописным пятном очень убедительно моделируя форму, но сохраняя цельность большого объема. Акварели М.Врубеля представляют волшебный сплав сияющих цветосочетаний, переливающихся одна в другую, имел определенную цветовую идею. Цветовой замысел акварели имел для Врубеля решающее значение. Он умел цветовой образ акварелей сохранить до окончания работы и всегда выдержать единую цветовую гамму.

Многие мастера советского искусства внесли большой вклад в развитие акварельного портрета Герасимов, М.Сарьян, А.Дейнека, П.Кончаловский и др. Их акварели полны правды жизни, в них пульсирует убедительная достоверность, живет любовь к человеку. [6, с. 210].

Ни литературное произведение, ни труды историков, ни даже достоверно написанные мемуары не смогут дать такого яркого представления о характере человека и даже целых эпох и народов, как правдивый портрет.

Потрет стал официальным жанром только в эпоху Возрождения. Первым художником, известным в этом жанре, стал Джотто.

Прежде чем начать самостоятельное существование, портрет медленно и с трудом неуклонно завоевывал себе право гражданства в религиозных сюжетах.

В своей знаменитой росписи капеллы дель Арена в Падуе Джотто смело отказался от иконографической схемы и передал библейскую историю совершенно по-новому. Люди Джотто простоваты и угрюмы, но не безучастны к происходящему как фигуры-символы на византийских иконах, на глазах зрителя они грустят, радуются, удивляются как живые.

Последователями Джотто были такие художники как Мазаччо, Гирландайо, Донателло.

В 1434 году Ян ван Эйк написал семейный портрет четы Арнольфини. Они стоят посреди своей спальни под люстрой с зажженной свечой. Не смотрят друг на друга. Не смотрят и на зрителей. Лицо женщина напоминает лицо мадонны. По - видимому на картине изображено обручение.

Итальянские художники раннего ренессанса восславили и возвеличили человеческую личность, портретный образ человека, портретный образ человека, властного над природой. Ян ван Эйк положил начало исследованию и изображению индивидуальности человека в его отношении с самим собой и с другими людьми.

Художники Италии в эпоху Высокого Возрождения размышляли уже не только о земном, но и о мировом предназначении личности. Они соизмеряли образ человека, и в частности портретный образ, с образами вселенной.

Леонардо да Винчи интересовали в людях их сложные душевные движения, но и все начиная с развития в утробе матери и кончая строением скелета и черепа. В записях Леонардо можно найти руководство к тому как следует изображать детей, стариков, женщин, как запомнить форму лица, как изображать его в профиль с одного раза и с одного взгляда и так далее.

Проблема выражения внутреннего мира, психологии человека складывается у него в целую теорию.

Все характеры Леонардо подметил в жизни и затем перенес на свои фрески. Но все в его работах подчинено логосу. Ни что не возникает спонтанно. Подтверждением этого становятся самые знаменитые произведения «Тайная вечеря» и «Джоконда».

Особое место в искусстве портретного жанра занимает творчество голландского художника В.Ван-Гога.

Вот портрет почтальона из Арля. Как самодовольно расчесаны штрихами его баки, как радостно светятся на фоне обойные цветочки! В одном из писем Ван-Гог пишет о нем, что этот господин очень доволен и горд, так как он только что стал счастливым отцом.

А вот и отнять нечто противоположное: автопортрет самого Ван-Гога, мазки которого подобны обнажившимся" нервам. Здесь уже не внешнее сходство, не маска лица, но сама напряжённая и вскрытая душа.

Но еще большим фактом выразительности у Ван-Гога, нежели его Техника, является колорит. Он выявляет характерное в человеке не только утрировкой рисунка, но и символикой красок. Я хочу сделать портрет моего друга, художника, которому грезятся чудные сны,-- пишет он в письме к брату. Я хотел бы вложить в этот портрет всю мою любовь к нему и совершенно произвольно выбираю краски. Я утрирую светлый тон его волос до степени оранжевого цвета. Затем, в виде фона, вместо того чтобы изобразить банальную стену убогой квартиры, я напишу бесконечность, самый интенсивный синий тон, какой только имеется на моей палитре. Благодаря этой комбинации золотистая голова на синем фоне будет казаться звездой в глубокой синеве неба.

Точно так же поступаю и в портрете крестьянина, представляя себе этого человека при полуденном солнце, в разгар жатвы. Отсюда эти оранжевые отблески, сверкающие как раскаленное железо; отсюда этот тон старого золота, горящего в потемках.

Таким образом, в противоположность большинству портретистов, которые думают, что сходство исчерпывается лицом, краски фона были для Ван-Гога не случайным украшением, до таким же фактором выразительности, как и рисунок. Его рыбацкая нянька». написана звучными лубочно-цветистыми колерами. Одна из его арлезианок - злостная провинциальная сплетница, выдержана в черно-синем, как воронье крыло, и поэтому еще более похожа на каркающую птицу. Так каждый цвет имел в глазах Ван-Гога свой определенно-лаконичный смысл, был для него символом душевного переживания, вызывал у него аналогии. Он не только любил многокрасочность мира, но и читал в ней слова целого тайного языка искусства. Но из всех красок-слов его больше всего чаровали две: желтая и синяя.
Желтая мажорная гамма, от нежно-лимонной и до звонко-оранжевой, была для него символом солнца, ржаного колоса, благовестом христианской любви.

Синяя гамма, от голубой и. до черно-вороньей, казалась ему цветом бесстрастной вечности, холодной необходимости, ночного неба. [7, с. 189-192].

2.2 Методика рисования портрета в условиях пространственной среды общеобразовательной школы

Портрет -- один из сложнейших жанров изобразительного искусства. Игорь Грабарь, известный советский художник и искусствовед, писал: «Как никогда прежде, я понял, что высшее искусство есть искусство портрета, что задача пейзажного этюда, как бы она ни была пленительна,-- пустячная задача по сравнению со сложным комплексом человеческого облика, с его мыслями, чувствами и переживаниями, отражающимися в глазах, улыбке, наморщенном челе, движении головы, жесте руки. Насколько все это увлекательнее и бесконечно труднее!»

Ни литературные произведения, ни труды историков, ни даже достоверно написанные мемуары не могут дать такого яркого представления о характере человека и даже целых эпох и народов, как правдивый портрет.

Как писать голову человека акварелью? Специфика этой техники требует иной, чем для масляной живописи, последовательности и приемов.

Прежде всего подберите модель с хорошо обозначенными скулами, лобными буграми, краями нижней челюсти, глазными впадинами, конструктивно ясным устройством надпереносья. Нежелательны лица с замельченными или расплывчатыми чертами, слишком морщинистые.

Затем определите общую цветовую гамму и характер освещения. Для фона подбирайте спокойные, сдержанные по цвету, не очень темные драпировки, с тем, чтобы легко читались цветовые и тоновые соотношения лица и фона.

Не рекомендуются ткани слишком резких расцветок: ярко-синих, зеленых, фиолетовых. Отдайте предпочтение фонам, которые по цвету и в тональном отношении звучат мягко и благородно.

Для начала можно сделать постановки «на сближенных» тонах, чтобы колорит их был четко выражен. Допустим, блондинку с загорелым лицом поместить на золотистом или сиреневом фоне, модель с лицом более смуглым -- на коричневато-сером или коричневом, натурщицу с бледным лицом и темными волосами -- на серо-голубом или сером. Следует продумать характер одежды портретируемого. Она ни в коей мере не должна акцентировать на себе внимание чрезмерной яркостью и пестротою. Лучше всего, когда костюм натурщика по цвету близок к фону, но светлее или темнее его. Тогда все внимание будет уделено лицу. Не следует забывать, что можно очень выгодно использовать некоторые детали одежды для передачи формы. Например, правильно написанный воротничок платья помогает понять и подчеркнуть объем шеи в пространстве.

Когда цветовой образ постановки сложился, переходим к следующему, также весьма ответственному этапу -- поиску наиболее характерного положения и освещения головы. [4, с. 255].

Выбор освещения зависит от самой модели. По этому поводу признанный рисовальщик Энгр писал: «Одни требуют много света, другие производят больше впечатления, когда есть тени, особенно худые лица, которым нужно положить тени в углубления глаз, что придает голове более эффекта и выразительности. Для этого надо дать освещение сверху и в небольшом количестве».

Прежде всего позаботьтесь о том, чтобы ясно читалась «большая форма», а свет помогал выявить характер лба, носа, объем глазных яблок. В общем надо делать так, чтобы лицо не казалось «слепым» и плоским. Избегайте чрезмерно резких падающих теней от носа.

Сама поза, наклон головы должны быть естественны для данной модели.

Замечательный русский портретист В. Тропинин говорил: «Нужно стараться сохранить в посадке, в движении головы, рук натуральную грацию: всякое натянутое, изысканное положение фигуры действует неприятно для глаз; оно в натуре не так замечается, потому что бывает большею частью минутное, временное, а на полотне оно остается навсегда».

Итак, модель выбрана, фон, освещение продуманы. Приступаем к следующим этапам учебной работы над акварельным портретом.

Первая стадия -- определение формата работы и композиционное решение. Предельно ограничьте ее размер, максимум до 18 см по большой стороне. Затем определите формат. Какой он будет -- квадратный, вертикальный, горизонтальный,-- это решает автор, исходя из характера постановки, конструкции модели, своего отношения к поставленной учебной задаче.

Надо продумать, сколько места в формате листа займет голова, сколько плечевой пояс, сколько фон, как это распределить по массам, пятнам и силуэтам. Здесь желательно сделать композиционные поиски (кроки) в тоне черной акварелью, размером вдвое меньше будущего оригинала (9 см по большой стороне).

В выборе композиции не останавливайтесь на самом примитивном варианте, когда голова берется крупно в центре или почти в центре, не оставляйте много фона сверху, снизу, сбоку под тем предлогом, что хочется найти композицию «поострее».

Выразительность композиции зависит от точно выверенных, логически оправданных пластических масс, уравновешенных между собой и передающих определенное состояние.

Нужно постараться почувствовать характерные особенности модели, понять ее, настроиться на серьезный творческий процесс, на поиск. Что перед нами за человек: молодой или пожилой, высокий и стройный или плотный и приземистый, веселый или грустный, бодрый или усталый, какова его осанка?

Когда найдено композиционное решение портрета, приступайте ко второй стадии -- выполнению рисунка в заданном размере и формате (рисование картона). [5, с. 75].

Удобнее рисовать твердым и острым карандашом. Особенно важно точно взять все пропорции, наклоны, характер головы, передать ее конструкцию.

Третья стадия -- подготовка бумаги для работы.

Акварель требует специальной бумаги. Это могут быть различные сорта торшона либо немецкий картон, который сейчас продается в виде папок «Акварель».

Лист смочите водой, применяя для этого ватный тампон или чистую тряпочку. Увлажняйте бумагу в течение пяти-семи минут, следя за тем, чтобы она впитывала воду равномерно.

Четвертая стадия -- подготовка предварительного рисунка для работы над оригиналом. Сначала картон нужно с обратной стороны натереть грифелем твердого карандаша и растереть кусочком тонкой бумаги для равномерного распределения его слоя. Положите картон на просохший лист «оригинала» и передавите изображение твердого карандаша. Следует помнить, что делать перевод на влажную бумагу нельзя, так как на ней образуются углубления, в которые при дальнейшей работе затекает краска. Нельзя слишком сильно нажимать, иначе перевод будет «жирным». Нужно передавливать, как бы рисуя. Ни в коем случае не пользуйтесь копировальной бумагой -- она загрязняет живопись.

После того как мы подготовили по всем правилам натянутый лист бумаги с хорошо скомпонованным, точно и легко нарисованным изображением, надо острым твердым карандашом, обратившись к натуре, осторожно «пройтись» еще раз по рисунку, чтобы его контур стал живым, не механическим. Когда рисунок будет уточнен, промойте его слегка мыльной губкой, а потом чистой водой -- уберите жир и лишний слой графита.

Следующая, пятая стадия -- работа над предварительным эскизом цветового решения. Здесь уместно сказать несколько слов о материалах, используемых для живописи акварелью. Чистая акварель -- это живопись прозрачными красками. Белила в классической акварели не применяются. Их заменяет белизна бумаги. Слои краски, наносимые на бумагу, должны быть тонки и прозрачны для лучей света. Плотно положенный красочный слой при высыхании будет матовым и грязным, потеряет цветовую насыщенность.

Для работы акварелью запаситесь палитрой, набором кистей, губкой, скоблилкой, промокательной бумагой и мягкой тканью. Палитру лучше иметь пластмассовую с углублениями для разведения красок. Можно пользоваться и стеклом, подложив под него белый лист бумаги. Ни в коем случае не заменяйте палитру бумагой, так как клей из такой размокшей «палитры» попадает в краску и загрязняет ее.

Кисти предпочтительно иметь колонковые -- большую и маленькую, примерно № 10 и № 2. Вытирайте их мягкой тряпочкой. Избыток краски убирайте промокашкой. Высветлять какие-то места можно губкой и скоблилкой.

При длительном этюде модель постоянно претерпевает изменения в зависимости от степени освещенности, влияния окружающих предметов, погоды и так далее. Простое «списывание» цветов с натуры не приведет к хорошим результатам. Для того чтобы успешно работать над портретом, подготовьте, как мы уже сказали, эскиз четкого цветового решения с определенной мерой художественной условности.

Этот эскиз делайте небольшого размера, примерно '/4 оригинала. Внимательно изучите и ясно представьте себе цветовой образ постановки, в какую среду помещена модель, как она звучит именно в этой среде. Избегайте так называемых «телесных» красок для лица, постарайтесь понять его локальный цвет именно в конкретном окружении. Здесь вступает в силу закон дополнительных цветов.

Дополнительные цвета -- цвета противоположные, при смешении уничтожают друг друга, дают серый цвет. Если поместить, говоря условно, в сине-голубую среду оранжевый предмет, то он «посереет», станет несколько сложнее по цвету благодаря влиянию среды. Поэтому так важно для художника научиться тщательно анализировать и стараться точно передавать большие отношения красок, вырабатывать в себе снайперское чувство цвета. Очень полезно пронаблюдать звучание одного и того же тона лица в разной среде. Кроме собственного цветового решения, в предварительном эскизе сразу продумайте некоторые моменты технического исполнения: что наиболее целесообразно залить сразу в полную силу, передав мягкость, расплывчатость, бархатистость и прозрачность предметов; какие поверхности залить, вкрапливая краски по-сырому, какие моменты оставить для длительной многослойной проработки. После того как в предварительном эскизе найдено цветовое решение и вы «влезли в душу» данной постановки, то есть почувствовали ее, можно считать, что полностью собран подготовительный материал к портрету и пора приступать к шестой, заключительной, стадии -- работе над оригиналом.

Перед вами стоит задача создания акварельного этюда головы не поверхностно-декоративного, а «классического», с яркой характеристикой изображаемого лица, со стремлением передать внутреннее состояние портретируемого.

Прежде чем писать, всегда внимательно изучайте объект изображения, стремитесь увидеть в нем характерное, присущее только ему. Старайтесь понять и передать природу изображаемого. Не оставляйте без внимания второстепенные детали. Правильно расставляя акценты, не забывайте о том, чтобы форма была цельная, значительная, избегайте дробности и пестроты. У всех больших мастеров прошлого в портретах выдержаны основные цветовые отношения: лица к фону, волосам, костюму. Далее, не разрушая большого цветового и тонового пятна лица, тончайше прорабатывайте все детали, согласуя их между собой и подчиняя все главной форме. Особое внимание уделите глазам, которые могут многое сказать о человеке, его характере, внутреннем состоянии.

Закончим словами замечательного русского художника П. Федотова: «...портрет должен быть исторической картиной, в которой изображаемое лицо было бы действователем; тогда только в нем будет смысл, жизнь, виден характер того, с кого пишут».

2.3 Техника акварельной живописи

Мы знаем, что акварель обладает широкими возможностями, позволяет брать глубокие, насыщенные тона, а также и тончайшие, едва уловимые оттенки. Акварелью пишут в технике «алла прима» и лессировками, «по-сухому».

«Алла прима» -- значит, писать сразу, стараться взять цвета в полную силу, без дальнейших поправок. В технике «по-сухому», наоборот, тон и цвет набираются постепенно, слои краски наносятся последовательно. При этом важно, чтобы нижний слой был просохшим и не размывался. В этом приеме максимально используется эффект оптического смешения цветов.

Конечно, техника акварели -- одна из сложнейших, поэтому хороших результатов можно добиться, только приобретя достаточный опыт. Однако напомним, что в процессе работы методом лессировок краски наносятся с учетом того, что либо они уже ложатся на какой-нибудь цвет, либо на них еще будет ложиться определенный красочный слой, благодаря чему цвет станет сложнее. Об этом не забывайте. [5, с. 135].

Можно сочетать обе техники: «алла - прима» и «по - сухому», это дает большие возможности. Сначала постарайтесь максимально использовать первый способ, то есть сразу сочно, в полную силу взять цвета, начиная с наиболее плотных. От того, какой силы взяты самые темные оттенки в вашем этюде, зависит плотность и цветовая насыщенность будущего акварельного портрета.

После того как возможности «алла - прима» исчерпаны полностью, дайте этюду хорошо просохнуть и, не торопясь, маленькой кистью продуманно приступайте к самым ответственным частям -- лепке лица, тщательной прописи отдельных деталей.



Заключение

Портрет стал официальным жанром только в эпоху Возрождения. Ни литературное произведение, ни труды историков, ни даже достоверно написанные мемуары не смогут дать такого яркого представления о характере человека и даже целых эпох и народов, как правдивый портрет. Проблема портретного искусства постоянно привлекала внимание художников, философов-эстетиков, историков искусства от Аристотеля до наших дней. Портретный жанр в теоретических исследованиях по философии, истории, искусствоведению рассматривается в различных аспектах.

Во все времена, начиная с Древнего Египта, в школах изобразительного искусства методике обучения рисунку уделялось самое пристальное внимание, благодаря чему художники оставили миру бесценные сокровища произведений изобразительного искусства.

Портрет обязывает, прежде всего, к серьезному изучению рисунка, нельзя сделать портрет не умея хорошо рисовать. В условиях пространственной среды общеобразовательной школы мы можем познакомить школьников с элементарными законами рисунка, перспективы, технологии акварельной живописи при рисовании портрета с натуры.

Искусство оказывает огромное влияние на формирование личности школьника, помогает видеть и слышать окружающий мир, посредством образного отражения предметов и явлений действительности. Рисование, живопись помогают школьникам познать окружающий мир, видеть в нем красоту, формировать свои эстетические потребности, развивать художественные способности.

Развивающий потенциал портретной живописи позволяет решать задачи развития у школьников системного взгляда на художественную культуру, является идеальным для продуктивной, поисковой и творческой деятельности подростка.

Список сносок

1.Кузин В.С. психология. - М, 1982.

2.Павлов И.П. Полное собрание сочинений. -М, 1951.

3.Ростовцев Н.Н. Методика преподавания изобразительного искусства в школе. - М, 2000

4.Алтпатов М.В. Ростовцев Н.Н. Живопись. Рисунок. - М, 1988.

5. Бесчастнов Н.П. Живопись. -М, 1993.

6. Федоров-Давыдов А.А. Русское и советское искусство.- М, 1975.

7.Мастера искусства об искусстве. -М, 1970.



Список использованной литературы

1.Кузин В.С. психология. - М, 1982.

2.Павлов И.П. Полное собрание сочинений. -М, 1951.

3.Ростовцев Н.Н. Методика преподавания изобразительного искусства в школе. - М, 2000

4.Алтпатов М.В. Ростовцев Н.Н. Живопись. Рисунок. - М, 1988.

5. Бесчастнов Н.П. Живопись. - М, 1993.

6. Федоров-Давыдов А.А. Русское и советское искусство.- М, 1975.

7.Мастера искусства об искусстве. -М, 1970.

8. Дмитриева Н.А. Краткая история искусств. -М, 1989.

9. Зайцев А.С. Советы мастеров. -Художник, 1979.

10. Раздольская В.И. История искусства зарубежных стран 17-18 века.

-М, 1988.

11. Сластенин В.А. Педагогика. - М, 2002.

12. Шедевры живописи государственного Эрмитажа. -М, 1989.

13.Http//izmerenie3.narod.ru/archive/stati/sjkol.htm

14.http//risuem.net/akwarel-portret-zhenschinyi-urok



Приложение

Методическая разработка классного часа для 5 класса на тему:

«Портрет - зеркало души».

Форма проведения: тематический вечер.

Цели:

Образовательные:

? Подвести учащихся к пониманию того, что жанр портрета - это не только передача индивидуального сходства, но и создание духовного образа человека, отражение его мыслей и чувств в контексте эпохи.

? дать представления о видах портрета;

? закрепить знания учащихся о истории возникновения жанра;

Развивающие:

? развивать целостное восприятие произведения искусства и умение «слышать» разговор художника со зрителем.

? · развитие речи учащихся на основе восприятия живописных полотен и выражения своего понимания картин в коммуникативно-целесообразных высказываниях различных типов речи (описание, повествование, рассуждение);

Воспитательные:

? Воспитывать эмоциональное восприятие произведений искусства.

? обогащение словаря и грамматического строя речи учащихся путем овладения искусствоведческими понятиями, отбора языковых средств для выражения авторского замысла в своих устных высказываниях или сочинениях;

Оборудование для учителя: интерактивная доска, ПК, медиапроектор, фотоаппарат (при отсутствии необходимой аппаратуры можно использовать репродукции картин), раздаточный материал: игра «В мире прекрасного» (репродукции по жанрам живописи).

Оборудование для учащихся: тетрадь, карандаш.

План подготовки мероприятия: подбор материала, подбор иллюстраций, карточек, распределение обязанностей между учащимися.

План проведения:

1.Организационное начало

2. Основная часть

3.Заключительная часть

Содержание мероприятия.

Организационное начало:

Эпиграф классного часа:

«В хорошем портрете, написанном

талантливым художником,

можно увидеть лик эпохи».

В. Иванова

Вступительное слово учителя.

- Портрет ныне является прекрасным источником знаний о человеке, живущем в разное время, так же, как письма, дневники или записки историков. Но только ли исторические сведения нам важны и интересны, только ли портретное сходство с изображенным человеком нас привлекает? Каждый портрет хранит свою тайну о внутреннем мире человека.

Основная часть:

-Сегодня мы с вами попытаемся ответить на вопрос: почему искусство портрета привлекает и художника, и зрителя?

- Какое изображение мы называем портретом? (Ответы учащихся)

Портрет - это изображение в живописи человека или группы людей (слайд с определением).

- Искусство портрета уходят корнями в глубокую древность. Пожалуй, первые портреты были созданы древними египтянами (демонстрация слайда с изображением Нефертити, Тутанхамона). Веря в загробную жизнь, они соблюдали в скульптурных портретах сходство, чтобы душа могла отыскать своего хозяина. Первые живописные портреты были написаны египтянами на деревянных досках восковыми красками, затем появились росписи на стенах гробниц и жилищ

Древние греки тоже писали портреты, но изображенные на них люди напоминали богов и героев из мифов (слайд с изображением древнегреческой живописи).

- Но настоящий расцвет портретное искусство пережило в эпоху Возрождения (15-16 вв.), когда главной ценностью в мире стал человек (слайд Леонардо да Винчи «Мадонна Литта», А. Дюрер «Автопортрет», запись в тетрадь). Прекрасные портреты в то время создавали Леонардо да Винчи, Рафаэль, Рембрандт. Тогда же впервые появляется автопортрет.

- Первые портреты («парсуны» от слова «персона») в России появились во времена Петра I, они украшали дома самых известных людей эпохи (слайд А. Матвеев. «Портрет Петра I», «Портрет княгини Голицыной»). Глядя на эти полотна, мы видим императоров и императриц, полководцев и светских красавиц, но пока это лишь изображение важных персон. В это время появляются парадные и камерные портреты (слайд-схема, запись в тетрадь) На парадном портрете человек изображается в полный рост на архитектурном или пейзажном фоне, камерный портрет - это поясное, погрудное изображение человека на обычном фоне (слайды А. Антропов. «Портрет Петра III», Д. Левицкий «Портрет Марии Дьяковой»).

- Постепенно пышность изображения сменяется ощущением добра, благородства, душевности. И в 18 веке появляется совсем другие портреты - это портреты-образы, на которых люди смеются, грустят, мечтают, раздумывают (слайд (Д. Левицкий «Портрет воспитанниц Хованской и Хрущовой», К. Маковский «Семейный портрет»). И вот здесь мы с вами впервые начинаем понимать, что на портрете человек со своими мыслями, чувствами, характером.

- Мы, зрители, пытаемся увидеть человека глазами художника, почувствовать его настроение, найти в нем те черты, которые привлекли автора, и тогда между художником и зрителем происходит самый настоящий разговор через века. Это ли не настоящая тайна? Давайте попробуем совершить такое путешествие во времени вместе с художником Ф. Рокотовым (слайд «Портрет Струйской»).

Перед вами картина Федора Рокотова «Портрет Струйской». Внимательно рассмотрите ее, какой представляется вам эта женщина?

Учащиеся рассматривают картину, фоном звучит мелодия Е. Доги из к\ф «Мой ласковый и нежный зверь»).

- Давайте поговорим. (Учащиеся высказывают свое мнение, учитель обобщает ответы)

- У каждого из вас произошел свой разговор с художником, а вот как выразил свои чувства поэт Н. Заболоцкий:

Ты помнишь, как из тьмы былого,

Едва закутана в атлас,

С портрета Рокотова снова

Глядела Струйская на нас?

Ее глаза - как два тумана,

Полуулыбка, полуплач,

Ее глаза, как два обмана,

Прикрытых мглою неудач.

- Есть в русской живописи еще один женский портрет, который окутан дымкой таинственности и красоты (слайд Д. Боровиковский «Портрет М. Лопухиной»).

Поэт Я. Полонский был очарован образом молодой женщины и воспел ее в своих стихах:



Она давно прошла, и нет уже тех глаз

И той улыбки нет, что молча выражали

Страданье - тень любви. И мысли - тень печали…

Но красоту ее Боровиковский спас.

А какие чувства вызывает у вас этот образ? Запишите эти несколько слов в тетрадь (удивление, восхищение, тишина, изящество, мечтательность, задумчивость и т.д.)

Учащиеся рассматривают картину на фоне отрывка из пьесы «Июнь» цикла «Времена года» П.И. Чайковского, записывают свои мысли, учитель спрашивает мнения нескольких ребят.

Нестеров создал целую галерею женских образов. (звучит русская народная песня в инструментальном переложении. Гибкая, напевная, берущая за душу мелодия) - это фон для проникновенных стихов великого русского поэта Н. Некрасова:

«Есть женщины в русских селеньях

С спокойною важностью лиц,

С красивою силой в движеньях,

С походкой, со взором цариц…»

(Демонстрация репродукций картин Нестерова, изображающих судьбу русских женщин. Демонстрация цикла поэтических картин, написанных М. Нестеровым - «Роман в картинках» («На горах», «В лесах», «За Волгой»). Такая последовательность картин с похожестью сюжета заинтересует учащихся, и они с увлечением посмотрят и на другие картины М. Нестерова, с изображением русских женщин, женские портреты этого художника («Великий постриг» - четвертую часть «Романа в картинках», «Христова невеста», «У креста», «Равноапостольная княгиня Ольга», «Царевна», портреты жены и дочерей «Девушка у пруда», «Амазонка»).

-до картины «Христова невеста» М. Нестеров не писал пейзажей. Но девушку на этой картине, он окружил родной природой. Художник отныне вступил в самый избранный тесный круг верных певцов и вдохновенных поэтов русской природы. На этих произведениях оживает старина, сохранившаяся еще в русском старообрядчестве.

-С помощью таких картин с нежными тихими женскими образами, созданных кистью М. Нестерова, мы прочувствовали всю чистоту, красоту, женственность и мягкость души русской женщины, так как художник очень ярко выразил свои мысли на картинах.

-Портреты М. Нестерова - это прекрасная встреча с портретным искусством, встреча с человеком, его мыслями, чувствами, переживаниями, отношениями к жизни, миру, к своей эпохе, многообразная галерея индивидуальностей и характеров. Это самая сложная и в то же время прекрасная работа - вглядываться в человека.

- Ребята, прочитайте, пожалуйста, еще раз эпиграф нашего классного часа.

- По каким же признакам мы можем сказать, что картина относится к той или иной эпохе?

Работа с раздаточным материалом: разложить репродукции портретов по соответствию с эпохой.

На экране слайд с изображением двух картин: И. Вишнякова «Портрет Сарры Фермор» и Г. Ряжского «Письмо», проводится сравнительный анализ.

Признаки эпохи: обстановка, интерьер, одежда, прическа, род занятий, техника исполнения, цвет и т.д.

- Теперь, когда вы знаете один из главных секретов художников-портретистов - передача образа человека и времени, в котором он живет, - мы можем с вами поговорить о том, как же достигается художником этот эффект.

Что должен учитывать художник, создающий портрет? (слайд-схема)

Техника исполнения:

· выбор характерной позы; - четкость рук и жестов

· выражение лица и особенно глаз (глаза - зеркало души);

· выбор фона и композиции;

· выбор цвета.

- Цвет в живописном портрете играет основную роль. Он придает картине настроение - жизнерадостное или лирическое, грустное или романтическое.

Давайте попробуем почувствовать настроение портрета.

Демонстрируется видеоряд репродукций: К. Лемох «Варька», В. Тропинин «Портрет сына» и О. Ренуар «Жанна Самари», учащиеся высказывают свое мнение, сравнивают портреты, находят отличия в изображении характерных образов, анализируют технику исполнения, используя представленную ранее схему)

- А сейчас я предлагаю вам попытаться самим создать образ и настроение и поиграть в игру «Художник и его портрет». Я - художник, хочу нарисовать портрет и выбираю себе натуру. Тот, кого я выберу, должен создать образ и настроение, а чтобы картина получилась моментальной, вместо кисти я использую фотоаппарат.

Итак, начинаем.

Проводится игра, в ней участвуют 2-3 человека, по ходу игры учитель еще раз проговаривает технику создания портретного изображения. Пока решаются технические вопросы с оборудованием, ребятам предлагается записать с доски фамилии русских художников-портретистов (О. Кипренский, К. Брюллов, Н. Ярошенко, Д. Доу, И. Репин, А. Никитин).

- Давайте посмотрим, что у нас получилось, удалось ли нам справиться с поставленной задачей?

На экран проецируются «портреты» - фотографии, ребята делятся впечатлениями.

Заключительная часть:

Сегодня мы совершили с вами путешествие в удивительный мир человеческих образов (слайд-видеоряд всех репродукций, использованных на уроке). Было интересно? Так почему же искусство портрета привлекает и художника, и зрителя? (Ответы учащихся.)

В портрете художником передается не только сходство с человеком, но и его богатый духовный мир и признаки эпохи, а внимательному зрителю удается разгадать эту загадку (слайд, запись в тетрадь).



Используемая литература

Игра « «В мире прекрасного». 80 вопросов и 80 ответов по искусству. ПМГП «Арт» г.С-Петербург

Используемая методическая литература:

Вачьянц А.М. Вариации прекрасного. Введение в мировую художественную культуру. - М.: Айрис-Пресс, 2008.

История и культурология. /Под ред. Шишовой Н.В. - М.: Логос, 2000.

Рапацкая Л.А. Русская художественная культура. - М.: Владос, 1998.

Размещено на Allbest.ru