Формирование у учащихся эстетических представлений, понятий и вкусов посредством рисования пейзажей акварелью

Ни замков, ни морей, ни гор.

Спасибо, сторона родная,

За твой врачующий простор.

Так писал Некрасов после возвращения из-за границы в стихотворении "Тишина".

Спелая рожь, наполняющая картину золотым отливом, с шумящими, колышущимися от ветра колосьями, бесконечным морем разлилась вокруг. Будто бы из-под ног зрителя убегает вперед, извиваясь и прячась за стеной ржи, полевая тропа. Мотив дороги, как бы символизирующий у художников обличительного направления трудный и скорбный путь народа, приобретает у Шишкина совершенно иное, радостное звучание. Это светлая, "гостеприимная" дорога, зовущая и манящая вдаль. Жизнеутверждающее произведение Шишкина созвучно мироощущению народа, связывающего с могуществом и богатством природы представление о "счастии, довольстве человеческой жизни".

"Рожь" - одна из удачнейших вещей Шишкина вообще", - писал И. Н. Крамской в своем письме к Илье Репину. Благодаря широкой линейной перспективе и цветовому обобщению в передаче поля спелой ржи и почти безжизненной воздушной среды, живописец достигает монументальности повествования. Пейзаж намеренно статичен, словно запечатлен художником для вечности. Это ощущение не перебивают даже ласточки, скользящие над дорогой во ржи. Шишкин восхищается величием и мощью русских просторов и передает свой восторг нам. Верный себе, он даже сосны выбрал для этой картины не случайно. Ему хотелось показать богатырей-долгожителей - вечнозеленые хвойные деревья, а не трепещущие на ветру березы. И композиционное и чисто живописное решение картины под чинены одному - воспеванию силы и богатства родной природы. [25]



Хорошо и беззаботно мне

На траве, среди берез зеленых,

В тихой и безвестной стороне! И.А.Бунин

На движении и на игре освещения построена картина Левитана «Березовая роща» (1889 г.). Игра света, движение теней служат основой и средством выражения «настроения» в этой картине. Пятна света и тени зовут зрителя углубиться в изображение, где теряется ясность очертаний предметов и березовая роща сливается в общих зеленых пятнах. Игра света на стволах берез делает их не только трепетными и живыми, но словно прозрачными. Эту прозрачность и нежность придает им богатая цветность, которой передается игра света и теней на стволах. Здесь наряду с белыми, пастозно положенными пятнами более мелкие розовые, коричневые и дополнительные к ним голубовато-зеленые цвета. Они находят себе поддержку в изображении мелких лиловых цветочков и желтых бликов света в траве и наверху в листве.

Тени трактовались там то, как голубоватые, то, как жемчужные. В пронизанной солнцем, сияющей, словно излучающей изумрудный свет картине «Березовая роща» цветовая передача отношений светлого и темного приобрела замечательную чистоту и непосредственность. От картины словно веет свежестью и запахами летнего солнечного дня в лесу.

Еще нигде Левитан не подходил так близко в своей живописи к импрессионизму, подходил самостоятельно, не зная еще работ французских художников и не видя иных проявлений импрессионизма, кроме этюдов его сверстника и сотоварища К. Коровина. В самом деле, импрессионистична сама композиция с ее срезом стволов берез и их верхушек краем картины, композиция, как бы сразу вводящая нас вглубь изображения, на эту траву под сень берез, погружающая нас в наполненный благоуханием нагретой солнцем зелени, пронизанный светом воздух. Импрессионистична и динамика изображения, проявляющаяся в кажущейся « случайности » выбора точки зрения и расположения стволов и в том легком ритме движения, которым проникнуто все в картине. Это - движение, не имеющее определенной направленности, а словно «порхающее».

Одухотворённость, особую поэтичность, романтизм и глубину чувств приобрели образы природы в живописи исключительно одаренного, но рано погибшего пейзажиста Федора Александровича Васильева. «Возвращение стада» (1868 г.) - она из ранних картин Васильева. От стремительно надвигающейся грозы спешит в деревню стадо, торопятся крестьянка с поклажей и девочка, и зритель живо ощущает охватившую людей, животных и всю природу тревогу. Художник добивается этого тонко рассчитанными средствами композиционного и светоцветового построения. Центральный мотив, организующий картинное пространство, - проселочная дорога. Непосредственно от нижнего края картины она идет слева направо, но тут же резко поворачивает справа налево, чтобы вдали снова повернуть направо и скрыться за группой деревьев, замыкающих собой ближние планы. Такое решение композиционной оси уже при первом взгляде на пейзаж рождает у зрителя ощущение беспокойства и тревоги. Передний план картины написан очень обобщенно и почти эскизно.

Не найдя здесь ничего, что требовало бы внимательного рассмотрения, зритель, следую взглядом за светлой лентой дороги, переносит свое внимание на второй план, где наталкивается на стремительное встречное движение стада и двух человеческих фигурок. Ощущение тревоги усиливается, возникает чувство смятения, поддерживаемое к тому же распределение светотеневых пятен. Фигуры крестьянки и девочки, животные на переднем плане ярко освещены прорвавшимся сквозь тучи лучом, но дальше все погружено в глубокую тень. Резкий контраст света и тени еще более усиливает состояние, рождаемое приближением грозы, порывом ветра, гнущим ветви деревьев. Наполнив динамикой ближние планы, Васильев оставил спокойными и относительно светлыми дали. Такое решение имеет глубокий смысл для пейзажного образа в целом как первая попытка художника выразить характер русской природы: широту ее просторов, спокойную плавность линий горизонта.[26]

Унылая пора! Очей очарованье!

Приятна мне твоя, прощальная краса -

Люблю я пышное природы увяданье,

В багрец и золото одетые леса...(А.С. Пушкин)

Самые мягкие и трогательные стихи, книги и картины написаны русскими поэтами, писателями и художниками об осени. Левитан, так же как Пушкин и Тютчев и многие другие, ждал осени, как самого дорогого и мимолетного времени года. Осень снимала с лесов, с полей, со всей природы густые цвета, смывала дождями зелень. Рощи делались сквозными. Темные краски лета сменялись робким золотом, пурпуром и серебром. Изменялся не только цвет земли, но и самый воздух. Он был чище, холоднее, и дали были гораздо глубже, чем летом. «Никто из художников до Левитана не передавал с такой печальной силой неизмеримые дали русского ненастья». [13]

Ненастный, но тихий и задумчивый осенний день изображен в картине «Осенний день. Сокольники» (1879 г.). Высоко подняли в небо вершины большие сосны, и рядом с ними по бокам аллеи стоят маленькие, недавно посаженные клены в золотом осеннем уборе. Далеко вглубь уходит, слегка загибаясь, аллея, как бы вовлекая туда наш взгляд. А прямо на нас, в обратном направлении, медленно движется задумчивая женская фигура в темном платье.

Левитан стремится передать влажность воздуха ненастного осеннего дня: даль тает в дымке, воздух ощущается и в небе, и в голубоватых тонах внизу, под большими деревьями, и в смазанности очертаний стволов и крон деревьев. Общая приглушенная цветовая гамма картины строится на сочетании мягкой темной зелени сосен с серым небом, голубизной тонов внизу под ними и в контрасте с теплым желтым цветом кленов и их опавших листьев на дорожке. Воздушность, то есть изображение атмосферы, играет важнейшую роль в передаче состояния и эмоциональной выразительности пейзажа, его осенней сырости и тишины. Левитан заменяет предметную выписанность и детализацию своих предыдущих пейзажей более широкой манерой письма. Он, скорее, обозначает деревья, их стволы, кроны, листву кленов. Картина написана жидко разведенной краской, формы предметов даются непосредственно мазком кисти, а не линейными средствами. Эта манера письма была естественным стремлением передать именно общее состояние, так сказать, «погоду» пейзажа, передать влажность воздуха, который как бы окутывает предметы и стирает их очертания.

Противопоставление громадности пространства неба и высоты сосен сравнительно маленькой фигурке делает ее такой одинокой в этой пустынности парка. Изображение проникнуто динамикой: дорожка убегает вдаль, по небу несутся облака, фигурка движется на нас, желтые листья, только что сметенные к краям дорожки, кажутся шуршащими, а растрепанные верхушки сосен - качающимися в небе.

Яркостью и повышенной декоративностью отличается картина Левитана «Золотая осень». Ощущение жизненной полноты, свежести чувств в солнечный осенний день создаётся во многом благодаря «бурлению» краски в изображении червонного золота листвы и смелому, энергичному письму синего неба, тёмной сини реки, на фоне которой вспыхивают покрасневшие листья боярышника. Солнечные лучи ярко освещают природу, вечно живую и вечно прекрасную. Отдельных листьев не видно: художник наносит краски обобщенно, свободными мазками кисти. Две передних осинки почти совсем сбросили листья, между верхушек проглядывают зеленые ветви сосны. Ниже пригорка видны луг и опушка молодого, также желтеющего, березового леса. Он закрывает собой дальний план, сливаясь с голубизной неба. Солнце почти над головой: тени от деревьев короткие, темно-коричневые. Луг на правом берегу реки тоже покрыт желтеющей травой. У поворота реки, по берегу, горизонтальной линией выстроились ивы и березы. На пригорке видно озимое поле с молодой зеленью, вносящей новый цвет в преобладающие желтые тона картины. За крестьянскими постройками тянутся леса, сливающиеся на горизонте с небом. Оно светлее с легкой дымкой. Розоватые легкие облака плывут по нежно-голубому небу, усиливая впечатление воздушности пейзажа.

Картина пронизана осенним бодрящим воздухом, на редкость прозрачным. Очертания поля, построек, дальнего леса очень четки и ясны. Художник дает возможность зрительно почувствовать красоту жизни, прелесть осени в золотом сиянии тихого солнечного дня. Левитановские пейзажи, проникнутые любовью к родине, к ее лесам, полям и лугам, не могут не вызывать ответной любви к тому, что он изображает.

Осень стала ассоциироваться с картинами Левитана, так родилось понятие «левитановская осень».

Вдоль по деревьям арабеском

Змеятся нити хрусталя;

Серебряным, прозрачным блеском

Сияют воздух и земля…(П.А. Вяземский)

Зима наиболее ярко представлена в картинах Игоря Эммануиловича Грабаря. В 1904 году он написал картину «Белая зима. Грачиные гнезда». Красота высоких плакучих берез, усеянных шапками гнезд подчеркнута утонувшей в снегу избушкой.

Гармония тональных отношений в картине порождена светом зимнего серебристого, бессолнечного дня. «Хотелось передать эффект белого снега на белом небе, с белой березой. Эта белизна без белильности, кажется, удалась», - писал Грабарь.

Трудность задачи и удачное ее разрешение оценил Валентин Серов, который отметил, что «зима - действительно белая, а белил не чувствуешь». В этом сработал способ смешивания красок на холсте, а не на палитре.

Солнечные дни февраля - «праздник лазоревого неба, жемчужных берез, коралловых веток и сапфировых теней на сиреневом снегу» - дали удивительный живописный материал, воплотившийся в картине «Февральская лазурь» (1904). «Я стоял около дивного экземпляра березы, редкостного по ритмическому строению ветвей. Заглядевшись на нее, я уронил палку и нагнулся, чтобы ее поднять. Когда я взглянул на верхушку березы снизу, с поверхности снега, я обомлел от открывшегося передо мной зрелища фантастической красоты: какие-то перезвоны и перекликания всех цветов радуги, объединенных голубой эмалью неба». Надо отметить, что Грабарь обладал важнейшим качеством истинного живописца - он умел по-настоящему видеть, то есть воспринимать в окружающем мире гораздо больше того, что открывается обычному взгляду. Работа над этой картиной, которую он потом считал важнейшей в своем творчестве, проходила очень своеобразно: этюд был написан из траншеи, которую Грабарь прорыл в глубоком снегу. В этой траншее художник поместился с мольбертом и большим холстом в поисках более сильного впечатления низкого горизонта и высокого неба (впоследствии такой «траншейный» метод использовался им и в других натурных работах).

С этой точки художник смог раскрыть все многообразие голубых тонов в градации от светло-зеленого до ультрамаринового. Вертикальный формат картины, как и в «Белой зиме», акцентирует пластику березы, расправившей подобно крыльям свои веерные ветви, и подчеркивает бесконечность лазурного пространства. Ежедневно светило солнце, но ночные морозы держали снег, не давая ему таять. Более благоприятной погоды и не могло быть, и Грабарь работал практически без перерыва более двух недель, пока не закончил картину целиком на натуре. «Я чувствовал, что удалось создать самое значительное произведение из всех до сих пор мной написанных, наиболее свое, не заимствованное, новое по концепции и по выполнению». Грабарь создал не этюд с натуры, а картину, рожденную синтезом натурных впечатлений и потому обладавшую истинной законченностью и цельностью. Это была одна из высших точек творческой жизни Грабаря-художника, определившая дальнейший его путь.

Еще одна из картин этого великолепного периода - «Снежные сугробы» - тоже была написана в один сеанс. Зрелище снежных сугробов на высоком берегу Пахры, освещенных последними косыми лучами солнца, линия старых низких изб деревни Комкино, подчеркивающая высоту горизонта. Сложная пластика берега, подтаявший снег на реке. Художник, рискуя жизнью, въехал на весенний лед в санях, чтобы уловить гамму тончайших нюансов, - голубые тени, изумрудные полыньи, слепящие лучи солнца на закате. Художник старается взять снег и небо широкой плоскостью, чтобы развернуть во всю возможную силу живописные эффекты, пастозную фактуру. Как считал Грабарь, от картины к картине возрастала степень цветового «разложения», и в «Снежных сугробах» дивизионизм сказался наиболее отчетливо. Очень показательная для работы Грабаря быстрота создания этюдов и картин была обусловлена скоростью изменений, происходящих в природе на границе зимы и ранней весны. Уловить миг жизни солнечного света в окружающей среде, в массе снега, принимающего на себя все световые и цветовые изменения, это вызывало сильнейший художественный азарт в Грабаре, заставляло «швырять» краски на холст в увлечении красотой мотива. Импрессионизм в интерпретации Грабаря увлек многих московских художников. По его ярким, эффектным, жизнеутверждающим картинам можно было судить о возможностях этого еще малоизведанного художественного пути. [15]

Совершенно другое состояние природы зимой было передано в картине Васильева «Оттепель» (1871 г.). Настроение тревоги и безнадежности чувствуется в картине. Романтик по мироощущению, художник, стремясь к выражению сильных чувств, запечатлевал необычные состояния природы, как это - оттепель посреди зимы. Построенная на сложных тональных взаимоотношениях, картина восхищает изысканной монохромной колористической гаммой, столь любимой Васильевым золотисто-коричневой с оливковым. Горизонтальная композиция передает ощущение бесприютности равнинного пейзажа, его молчаливости, на унылых просторах которого потерялись два путника. И лишь робкий луч солнца, пробивающийся сквозь плотную пелену облаков, приветливо светит им в этом мире. [26]

В картинах Константина Федоровича Юона зима предстает перед нами немного в другом обличии. Предельной ясностью, искренностью, поэтичностью, простотой изображенного мотива его картины подкупают зрителя. В картинах Юона, будь то пейзаж, жанр, групповой портрет, - всюду жизнь, наполненная светом и радостью.

«Высшее счастье живописца - петь красками», - говорил Юон. Живописность во имя живописности была ему чужда. Цвет, как и другие элементы формы, он подчинял созданию художественного образа.

«Глубочайшая эмоциональная сторона искусства заключается в передаче зрителю не столько того, что художник видит и что знает, сколько того, что он ощущает», - говорил Юон.

В русской природе Юона особо привлекала зима, которой он посвятил большинство своих полотен. Здесь его интересовал так называемый «переходный период», когда дни становились длиннее, сияло солнце и природа преображалась под его лучами. Художник считал, что в это время снег с наибольшей чувствительностью принимает цветовые рефлексы, делающие картины зимы исключительно живописными. Свои тонкие наблюдения, впечатления, полученные на натуре, Юон суммировал и раскрывал в пейзажных полотнах.

Незатейливый, но бесконечно близкий каждому с детства мотив изобразил художник в картине «Конец зимы. Полдень». Взволнованный поэтический строй пейзажа близок к песне и лирическим стихам.

изобразительный искусство урок акварель



Глава II. РАБОТА НАД ПРАКТИЧЕСКОЙ ЧАСТЬЮ ДИПЛОМА

2.1 Особенности работы на пленере

Любая картина начинается с идеи, с замысла. Художник наблюдает разные состояния природы, делает зарисовки и этюды на пленере. Важность работы на пленере невозможно переоценить. Этюды и рисунки с натуры были обязательной частью подготовки художников прошлых веков. Е.И Репин и Ф.А. Васильев видели в работе под открытым небом необходимое условие для творческого роста и совершенствования мастерства. Репин, вспоминая о том, как работал Васильев в период совместной поездки по Волге, писал: «Он поражал нас на каждой мало-мальски интересной остановке. В продолжение десяти минут, если пароход стоял, его тонко заостренный карандаш с быстротой машинной швейной иглы черкал по маленькому листку его карманного альбомчика и обрисовывал верно и впечатлительно целую картину крутого берега с покривившимися над кручей домиками, заборчиками, чахлыми деревцами и остроконечными колокольнями вдали.»

Есть две важных составляющих пленера. Первое - это живое общение с природой, только при таком общении «может возникнуть вдохновение, может созреть замысел пейзажных композиций». Природа воодушевляет человека, происходит чувственное, зрительное познание объектов и среды. И второе - это непосредственно сами наброски, зарисовки, этюды, которые являются ценнейшим материалом для будущих композиций и, в ходе работы над которыми, художник изучает натуру, анализирует результаты чувственного познания, восприятия, ощущений.

«В работе с натуры, очевидно, больше будет непосредственного изучения натуры в процессе её восприятия и изображения. Здесь художник имеет возможность глубже изучать свойства и сущность наблюдаемых явлений и предметов. При работе с натуры познание начинается с «живого созерцания», т.е. зрительного ощущения, восприятия. Оно обязательно предполагает чувственное, эмоциональное отношения художника к созерцаемому, наблюдаемому и, в последствии изображаемому. Эмоциональные переживания играют большую роль в творчестве художника. У художников эстетические чувства выступают основными, т.к. через искусство он показывает свое эстетическое отношение к действительности.»[4]

Работая красками на пленэре, нужно почувствовать натуру в воздушной среде пленэра и научиться передавать цвет как совокупность, мозаику рефлексов, так как они более сильно выражены на природе, чем в мастерской. Нужно научиться видеть рефлексы от неба, травы, земли и других предметов окружающей среды.

На пленэре сложность работы заключается в том что, говоря словами Делакруа, «в сущности, нет теней вообще, есть только рефлексы». Если увлекаться одними рефлексами на пленэре, то можно потерять форму предмета, его локальный цвет. Только цветовые отношения обеспечивают восприятие формы предмета с восприятием ее целостного цвета. Закон отношений лежит в основе живописи русских художников пленэристов. Начиная работать на пленэре, первые дни необходимо сделать несколько коротких этюдов по одному сеансу. Стараться работать быстро и энергично, чтобы почувствовать новую среду и «освежить палитру», работать более яркими красками, почувствовать солнечный свет и воздушную среду, как говорят художники, «расписаться».

2.2 Материалы и оборудование для работы акварелью

Акварель - прекрасный материал для работы на пленере. Она дает возможность быстро и точно передать состояние природы. Этюды акварелью пишутся в технике «а-ля прима» или «по-сырому». Основой для акварели является бумага, которую часто предварительно смачивают водой для достижения особой размытой формы мазка. Для этого служат особые рамки (стираторы), на которые натягивается лист. Таким образом, во время письма бумагу можно смачивать снизу, или бумагу кладут на мокрую фланель. Возможен и более простой способ: предварительно увлажненный лист акварельной бумаги, достаточно хорошо впитывающей влагу, кладут на стекло, при этом, в зависимости от того, как долго отрабатывается конкретный участок рисунка, выбирают угол наклона стекла, но чаще всего стекло лежит горизонтально.

Огромную роль в акварельной живописи играет выбор бумаги. При намокании она не должна деформироваться, промокать насквозь, выдерживать несколько смываний на случай, если художник захочет что-либо подправить в своей работе. Такое качество достигается несколькими путями. Во-первых, высококачественная акварельная бумага профессионального уровня содержит хлопок; его добавление придает бумаге свойства ткани: она хорошо впитывает воду, но так же хорошо подсыхает, не коробится, оставляет на себе красочные частицы. Определить, есть ли в составе бумаги хлопок довольно просто, - нужно взять лист за края и слегка потянуть. Если хлопок присутствует, то бумага, как тряпочка, чуть-чуть растягивается и пружинит. Другой способ предохранения бумаги от водных повреждений - проклейка. Несколько слоев бумаги пропитывается (проклеивается) специальным составом, который не позволяет влаге проникать насквозь, а задерживает ее в верхних слоях. Минус здесь в том, что, если производитель перестарается с проклейкой, то вода вместе с краской будет просто скатываться с листа, не задерживаясь. Такая бумага, как правило, предназначается для студенческих работ или этюдов.

Акварельная бумага должна быть плотной (от 170 до 850 гр.) - для улучшения впитываемости. Поверхность акварельной бумаги почти всегда шершавая, с различными фактурами. Это качество позволяет краске «цепляться» за поверхность и ложиться лучше. Кроме того, неровная, бугристая поверхность создает определенный оптический эффект, ведь акварель - техника, дающая прозрачные, воздушные изображения. И фактурная бумага придает им дополнительный эффект объемности.

Французский художник Э. Делакруа писал: «То, что даёт тонкость и блеск живописи на белой бумаге, без сомнения, есть прозрачность, заключающаяся в существе белой бумаги. Свет, пронизывающий нанесённую на белую поверхность краску, - даже в самых густых тенях - создаёт блеск и особую светимость акварели. Прелесть этой живописи ещё и в мягкости, естественности переходов одного цвета в другой, безграничном разнообразии тончайших оттенков».

Сейчас как в России, так и за рубежом, существует множество фирм, производящих акварельные краски. Различают твердую акварель в плитках, полутвердую акварель в кюветах и тубах, жидкую акварель. У каждого вида существует конкретный тип использования. Так, в старину изготавливались только твердые плиточные краски. В настоящее время их используют для выполнения чертёжных работ, плакатов, проектов. Хотя высшие сорта этих красок пригодны и для живописи. Более дешёвые предназначены для детей и школ. Связующим в таких твёрдых акварельных красках является: животный клей, картофельная патока, используют также и гуммиарабик, мёд, трагантом. Красками в кюветах обычно выполняются небольшие работы, например, на пленэре при выполнении набросков. Так как бывает, и довольно часто, что на замесы уходит времени больше, чем на само письмо и не очень удобно вымывать краски из кювет для больших форматов. Полутвердые акварельные краски в кюветах должны содержать достаточное количество глицерина, меда, сахара или патоки, но не избыточное, иначе краски плохо и неровно ложатся на бумагу. Краски в тубах отлично подходят для создания картин большого формата, они практически не пачкаются друг об друга, так как выдавливаются на палитру по мере необходимости. Однако следует учитывать, что поскольку акварель в тубах мягкая и выдавливается на палитру, при насыщенной живописи пигмент не всегда равномерно набирается на кисть и так же неравномерно ложится на поверхность бумаги. При лессировках, когда краски многократно наносятся на предыдущие высохшие слои, эти недостатки не сильно заметны, но при работе по сырой поверхности бумаги в технике «а-ля прима» это сильно мешает, поскольку образуются неравномерные сгустки красочного слоя, который при высыхании разрушает цельность положенного мазка. Мягкая акварель больше подходит для классической живописи, хотя при определённом опыте работы этими красками и в технике по-сырому художник-акварелист может создать великолепные образцы. Жидкие акварельные краски идеальны для работы с аэрографом.

Кисти разных размеров и форм, предпочтительно из беличьего волоса. Достоинства кистей в их мягкости, пластичности, хорошей форме набора, благодаря которому кисть способна нести много воды и который делает кисть, даже крупного размера, пригодной для работы с тонкими элементами изображения. Не обязательно иметь много кистей разных размеров. Достаточно ограничиться 3-4 кистями (2, 4, 6, 8 размера)

Палитра. Лучше всего приобрести палитру из белого пластика, после обработки поверхности слабым абразивом вода на ее поверхности не скатывается в капли, а высохшие краски на палитре легко разводятся водой и продолжают быть пригодными для работы. Не рекомендуется использовать бумажные палитры, так как бумага впитывает воду, высохшие краски становятся непригодными для работы, кисти испытывают дополнительную нагрузку, трутся о поверхность и быстрее изнашиваются, к тому же из некачественной бумаги вымывается клей и попадает в живопись.

2.3 Техники акварельной живописи

«Сила живописи, как и всякого искусства,-- в глубине содержания и совершенстве формы. Только сочетание значительной, передовой идеи и отточенного профессионального мастерства дает подлинное произведение искусства. Если творческое мышление художника является его духовной силой, то техника живописи служит ему необходимым техническим вооружением и составляет реальную базу его живописных достижений. Техника для художника - это та совокупность целесообразных приемов и способов осуществления полноценного живописного изображения, без которой оно практически неосуществимо. Без техники художник скован, с техникой он окрылен.»[17]

Существует несколько техник и приемов рисования акварелью.

Техника акварели «по-сырому» - это достаточно сложная техника, но всегда наполняющая неописуемым восторгом, потому как никогда невозможно предсказать, как поведут себя акварельные краски на мокрой бумаге. Рисовать в такой технике следует на горизонтальной поверхности, иначе краски стекут вниз. Также понадобится очень много воды. Важным этапом является правильно подготовить акварельную бумагу для письма «по-сырому». Лист, смоченный водой нужно разгладить, чтобы под ним не осталось пузырьков воздуха и неровностей. Излишки воды можно снять, используя вату. Краски наносятся единичным касанием, от многократного нанесения слоев акварель становится грязной, теряется прозрачность. Очень важно при работе акварелью в технике «по-сырому» правильно подобрать тон. Эта техника не терпит исправлений, поэтому часто этюд не получается с первого раза. Работать нужно очень быстро, пока бумага еще не просохла. С опытом приходит умение «управлять» техникой «по-сырому», но элемент неожиданности останется всегда. Доработать элементы переднего плана можно уже после просушки полотна, если это требуется.

Техника «а-ля прима» - живопись по сырому или по сухому листу бумаги, написанная в один сеанс. Эта техника означает писать сразу, без последующих капитальных изменений. По этому методу каждая деталь начинается и заканчивается в один прием, затем художник, имея в виду общее, переходит к следующей детали и так далее. Все цвета берутся сразу в нужную силу. Такой метод особенно уместен при исполнении пейзажных этюдов, когда изменчивые состояния погоды обязывают к быстрой технике исполнения. Этим, возможно, следует объяснять расцвет техники «а-ля прима» в практике художников конца XIX и XX века, когда ставились задачи пленера. Метод «а-ля прима», поскольку он не предполагает многократных прописок, позволяет сохранить, при наличии опыта, максимальную свежесть и сочность красочных звучаний, большую непосредственность и остроту выражения. В быстром по исполнению наброске с натуры, в эскизах этот метод незаменим.

Метод лессировок основан на использовании прозрачности краски, ее свойства изменять цвет при нанесении одного прозрачного слоя краски на другой прозрачный слой. Чтобы нижний слой не размывался, перед последующим перекрытием ему дают хорошо просохнуть. Изменения цвета могут состоять в развитии одного цветового тона - от слабо насыщенного к более насыщенному, а также в образовании сложных составных тонов; например, перекрывая желтый прозрачным синим, получим цвет с зеленым оттенком, красный желтым - с оранжевым оттенком и т. д. В отличие от механического смешения, изменение цвета путем наложения одного прозрачного слоя на другой основано на законе оптического сложения цветов. Итак, при методе лессировок глубина и насыщенность цветового тона, его общая сила достигаются путем последовательного перекрытия просохшего прозрачного слоя каждый раз прозрачным же слоем краски. В начальной стадии наносятся светлые тона, по ним, вновь прозрачным слоем краски, следующие по силе и так далее до завершения. Красочный слой при всей его многослойности должен оставаться достаточно тонким и прозрачным, чтобы пропускать через себя отраженный свет.

Техника лессировок более подходящая в длительных по выполнению работах: с неподвижной натуры, например в натюрморте, а также в работе по представлению, при создании законченных композиций, книжных иллюстраций, уместна и в прикладной графике.



Глава III. ВОПРОСЫ МЕТОДИКИ ПРЕПОДАВАНИЯ ПЕЙЗАЖА В ШКОЛЕ

3.1 Живописные задачи при работе акварелью на уроке изобразительно искусства

Огромное значение при работе красками имеет развитое чувство цвета, умение видеть не только тональные, но и цветовые отношения.

В живописи передаются все цветовые различия, учитывая и разницу цветов по светлоте. Переходы от насыщенного цвета к белому имеют множество промежуточных оттенков. Так, красный цвет имеет при осветлении большое количество темно-розовых, розовых и светло-розовых оттенков.

Цвет предмета может восприниматься по-разному в зависимости от соседства с другими. Красный, синий и желтый являются основными цветами. Смешивая их можно получать другие цвета. Спектральный цветовой круг, по которому, начиная с красного, размещены оранжевые, желтые, зеленые, голубые, синие и фиолетовые цвета, замыкающие круг переходом к красному, принято делить на теплые и холодные цвета. В пределах одного цвета, например, зеленого, могут быть более теплые и более холодные оттенки.

В спектральном круге противолежащие цвета называют дополнительными. К красному цвету дополнительным будет зеленый, а к синему оранжевый. Очень важно, чтобы спектральный круг висел в качестве наглядного пособия в классе. Это будет своего рода постоянной подсказкой для юных художников.

Замечено, что поместив рядом поверхности, окрашенные в дополнительные цвета, мы зрительно делаем их более яркими. Один и тот же красный цвет кажется ярким на фоне зеленого и более тусклым, если его поместить с другим красным, но более интенсивным по цвету.

В живописи учитывают изменение восприятия цветов в зависимости от их цветового окружения, что обязывает изображать их в «отношениях», то есть, сравнивая один цвет с другим.

В живописи учитывают и световые рефлексы. Рефлексы изменяют локальную окраску предмета в зависимости от цвета освещенных поверхностей, от которых падает отраженный свет. Значение цветовых рефлексов легко понять, если к белой фарфоровой чашке или к гипсовой модели с теневой стороны подносить куски ткани или бумаги различного цвета. Рефлекс будет тем заметнее, чем больше, ярче по цвету и сильнее освещена рефлектирующая поверхность. Рефлексы резче видны на гладких глянцевых поверхностях, но мало заметны на шероховатых. Объясняется это тем, что угол отражения световых лучей равен углу их падения, а от неровной поверхности лучи отражаются в разные стороны. Все освещенные предметы отбрасывают рефлексы, и благодаря им в тени различается рельефность, а сами тени видятся не черными, в «прозрачными».

Работая акварелью, надо учитывать, что лучи света сами имеют цветовую характеристику, добавляющую свою окрашенность к локальному цвету предмета. Так, все знают, что при закате солнца белое платье или покрытая известью стена принимают оранжевый цвет, а при свете костра они кажутся красными. При луне предметы кажутся холодными, при восходе солнца имеют розоватые оттенки.[21]

В яркие солнечные дни цвет освещенных поверхностей высветляется. Тени при этом насыщены рефлексами. При менее ярком прямом и при рассеянном свете отношения света и тени сближены; лепка формы мягче и больше насыщенности цвета на освещенных поверхностях. Рефлексы в тени заметнее и ближе к краю предмета. В живописи требуется, чтобы цветовые нюансы в своей совокупности передавали основной цвет предметов. Так, например, на картине В.И. Сурикова «Боярыня Морозова» снег написан красками, обогащенными множеством разнообразных оттенков, но в совокупности они передают его белый цвет.

Большой опыт работы красками с натуры дает возможность находить малейшие оттенки, изменяющие локальную окраску предметов, учитывать взаимное цветовое воздействие поверхностей. Это создает сложность в решении живописных задач, когда особенности восприятия цветовых отношений надо определять, соблюдая требования рисунка. Если при поисках цветовых нюансов забывать о требовании рисунка, то это приведет к формализму. С другой стороны, если не учитывать обогащающие колористическое решение цветовые рефлексы, а также объединяющее действие окрашенных лучей света, то получится «обедненное изображение, условная раскраска предметов».[21]

Колоритом называют общую характеристику всего цветового строя живописного произведения, взаимную связь всех элементов красочного решения. Колорит является одним из главных средств реалистической передачи натуры, и его нельзя отделять от других средств передачи действительности.

Для того, чтобы выдержать задуманный колористический строй этюда, краски необходимо брать не каждую отдельно, а в отношениях. Под цветовыми отношениями понимают такую взаимосвязь красок, где цвет правдив и соответствует натуре не сам по себе, а взятый по сравнению с другим.

Разумеется, нельзя ставить перед учащимися сразу все задачи. Возможно стоит предъявлять более простые требования и добиваться их верного решения. Только при этом условии будет достигнуто планомерное освоение изобразительной грамоты и развитие художественного вкуса, умения применять полученные знания умения и навыки в самостоятельной творческой работе.



3.2 Теоретические основы преподавания живописи пейзажа акварелью

Для преподавания живописи пейзажа акварелью на уроках изобразительного искусства необходимо для начала ознакомить учащихся с различными видами пейзажей, картинами художников и разными акварельными техниками. Необходимо начать с выполнения простых упражнений, небольших этюдов пейзажа, а также детальной зарисовки растений, цветов, деревьев, а также несложных построек или их частей - колодца, крыльца, сарайчика, окна. Сложные этюды на начальной стадии обучения к хорошим результатам не приводят.

При работе над пейзажными этюдами возникает ряд композиционных и колористических трудностей: передача больших пространств, выявление различного освещения в разные времена года, характеристика состояния природы и так далее.

Обычно начинают с маленьких по размерам этюдов, когда все внимание направлено на тонкость передачи основных тональных и цветовых отношений и нет детализации. В пейзажных этюдах надо добиваться общей цветовой гаммы, которая не должна повторяться в разных этюдах. Очень плохо, если учащиеся начинают повторять «заученные» краски, с помощью которых они когда-то добились удачного решения. Надо помнить, что одни и те же постройки и деревья в разное время дня и при разной погоде надо писать в различных цветовых гаммах, стараясь подмечать тонкие нюансы, добиваясь точности отношений и избегая приблизительности.

После того, как учащиеся напишут ряд кратковременных этюдов и упражнений можно приступать к длительным работам, в которых надо добиваться предельной законченности, понимая под ней не перечисление мельчайших деталей, а завершенное решение поставленных задач.

Правильность образного решения пейзажа зависит от композиции. Светотеневые контрасты, резкие на переднем плане, по мере удаления смягчаются и на большом расстоянии сливаются в один тон. Чем контрастнее отношения светотени, тем предмет кажется ближе, чем мягче, тем более отдаленным он выглядит. По мере удаления от нас предметы зрительно теряют объемность, рельефность, приобретают силуэтный, более обобщенный характер. Цвета на расстоянии меркнут, приобретают голубоватый оттенок, цветовые различия смягчаются.

Начинать писать пейзаж лучше всего с неба и дальнего плана, чтобы сразу определить их отношения, передать глубину. Надо определить отношение земли к небу и прописать обобщенно первый план.

После общей цветовой прокладки больших участков натура еще остается решенной обобщенно, без многих деталей. Переходя к конкретизации формы, не следует сразу задерживаться на детализации одного какого-либо предмета (например, ствола дерева). Начав с наиболее крупного и характерного элемента пейзажа и как бы опираясь на него, работать одновременно над всем этюдом, не останавливаясь долго на отдельных подробностях, переходя от одного предмета к другому, уточняя отношения холодных и теплых тонов.

Если в процессе уточнения формы пейзажный этюд потеряет единство и гармоничность, в нем появится излишняя пестрота и несогласованность планов, то надо постараться увидеть пейзаж цельно и прописать места, требующие обобщения или усиления.

Передавая приметы времени года, не следует просто прибегать к раскраске растительности желтым или зеленым, учитывая, что цвет натуры во многом зависит от характера освещения, времени дня и атмосферных условий.

Первоначальные работы учеников часто страдают однообразием композиции. Не следует брать все время одинаковый формат бумаги, одно и то же соотношение на листе площади неба и земли или одинаковые по массам элементы переднего плана. Прежде чем писать акварелью, полезно сделать предварительные эскизы карандашом, где изображение будет закомпоновано в различные форматы. Очень важно определить заранее цветовой строй этюда. Состояния природы разнообразны по колориту, поэтому и этюд может быть решен в золотистой или сероватой, холодной гамме. Цветовая гамма не должна быть нарочитой, надуманной. Надо, чтобы она соответствовала состоянию природы и образно передавала его. Так при передаче туманного утра уместно решить этюд в сероватой или голубоватой гамме, для заката характерно преобладание оранжевых тонов. Если писать предметы обособленно, не определяя их цветового взаимоотношения, изображение никогда не получится гармоничным. Нужно определять значение каждого цветового пятна в общем колористическом решении.

При обучении пейзажной живописи нужно ставить определенные задачи - изучение характера формы изображаемых объектов, передача перспективы, освещения и колорита.

При работе над пейзажем разнообразие технических приемов и путей живописного решения натуры в акварели может быть неисчерпаемым. Тот или иной прием в акварели должен органически зависеть от конкретной задачи. Так в маленьком акварельном этюде И.И. Левитана «Зима» хорошо видно, как большое снежное пространство с определенной по силуэту плоской растительности и отсутствие мелких форм подсказали свободное, обобщенное решение, выполненное в акварели за одно - два покрытия. [20]

Особенностью пейзажной композиции является то, что в отличие от портрета или фигуры, центральное место в ней могут занимать дали. Передача пространственной глубины составляет одну из задач пейзажа. Крупные деревья или постройки на первом плане часто помещают фрагментарно, когда видны только их части. Иногда прибегают к «кулисному» изображению, размещая части деревьев или построек у краев листа бумаги с правой и с левой стороны. Плохо, если в композиции пейзажа будет много прямых линий, параллельных горизонту. Лучше все выбирать такую точку зрения, когда горизонтальные границы форм предметов направлены в глубину картины. Это помогает пространственному решению пейзажа. Для этого нужно подробно изучить законы линейной перспективы. Значительную роль играет тональное решение композиции, то есть распределение больших пятен темных и светлых тонов. Решающее значение при установлении тональных отношений в пейзаже имеет характер освещения. Солнечный свет может освещать пейзаж сбоку, спереди или сзади. Если солнце находится справа или слева от зрителя, то самого светила не видно. Падающие тени имеют горизонтальное направление, параллельное нижнему краю картины.

Если солнце находится перед зрителем, то оно может быть или изображено на картине, или находится выше верхнего края рамки. Чаще всего художники избегают изображение солнца, только менее яркое солнце, в час восхода или заката, иногда изображается в живописных произведениях. Падающие тени при таком освещении направлены к зрителю, а предметы видны силуэтно. При компоновке пейзажа часто используют разницу в освещении первого плана и далей, например, первый план берут в глубокой тени, а дальний план ярко освещают. Предметы на первом плане изображают четко, с резкими контрастами светотени.

На дальнем плане предметы сливаются в туманной дымке, так как воздух не вполне прозрачен, притом степень этой непрозрачности различна в разную погоду. Светлые тона на большом удалении становятся несколько темнее, а тени более легкими, так что тональности их сближаются.

Распределение основных цветовых отношений так же неразрывно связано с этими явлениями воздушной перспективы. Белые предметы при ярком солнечном освещении, на расстоянии изменяя цвет, несколько желтеют, затем розовеют, а тени синеют. Теплые тона ассоциируются с передним планом, холодные - с более дальним.



3.3 Технология изображения пейзажа в зависимости от времени года

Каждое время года обладает в природе своей собственной игрой красок. Возьмем, например, синеву неба. Весной она кажется ясной и прохладной, в жаркие летние дни покрыта легкой дымкой, а ясными осенними днями сияет почти теплой голубизной. Для весенней листвы деревьев характерен свежий сияющий зеленый цвет, летние поля зерновых погружены в теплую желтизну, а осень сверкает сияющими красными, красно-коричневыми и желтыми тонами.

Эти и другие краски должны использоваться и применяться вполне обдуманно.

Весна. Сделанный с натуры карандашный набросок дает представление о характере ландшафта, деревьях на противоположном берегу озера и слегка структурированном переднем плане. Набросок является важным вспомогательным средством и канвой для разбивки картины на части. Он служит проектом во время работы. Если писать акварелью, используя технику нанесения красок «по-сырому», то нужно отказаться от точного обозначения форм на картине, так как никогда нельзя точно предвидеть, как будут расплываться краски, и слишком большая плотность форм на наброске может только помешать. На картине будет изображена ранняя весна.

1. Нарисуем линию горизонта. Далее наметим линию деревьев на дальнем плане, берег реки, снег на переднем плане и две березки.



2. Покроем весь лист водой и дадим ему немного пропитаться ей.

3. Начнем писать работу с неба. Небо на картине вечернее, поэтому пишем его через такие цвета как ультрамарин, фиолетовый, коричневый. Ближе к горизонту небо светлеет, поэтому добавим охру.

4. Напишем деревья на дальнем плане. Ранней весной деревья еще не покрыты листвой, поэтому достаточно сложно подобрать цвет. Смешаем фиолетовую краску с коричневой и мазками напишем группу деревьев, добавим туда ультрамарина. Так как бумага у нас сырая, краски будут смешиваться прямо на листе. Там где должны быть белые стволы берез на дальнем плане, оставим просто белые полосы. Для разнообразия нарисуем несколько елей. Ветви берез на переднем плане так же надо прорисовать сразу, чтобы они нежно расплылись на фоне неба.

5. Далее напишем дальний план. По законам воздушной перспективы он холоднее, чем передний. Затем напишем реку. Вода весной темная, смешаем ультрамарин с коричневым и черным, вода должна быть темнее неба.



6. На переднем плане напишем сухую траву, используя охру желтую, охру золотистую, марс коричневый и охру красную.

7. Посмотрим на картину с некоторого расстояния и, если необходимо, подчеркнем нюансы. В принципе, при использовании техники рисования по мокрому грунту нужно отказаться от детальной отделки картины, чтобы могла полностью проявиться красота этой техники.

8. В конце тонкой кистью осуществляется отделка деталей, которая при использовании техники рисования по мокрому грунту не должна быть слишком подробной.



Летняя пашня.

1. Наметим карандашом низкую линию горизонта, на горизонте нарисуем 2 дома и линию деревьев.

2. Работу красками начнем с неба. Для неба используем небесную лазурь и синий ультрамарин. Основательно смочим бумагу чистой водой до линии горизонта с помощью плоской кисти. Круглой кистью № 7 или № 9 напишем мазками небо, там, где будут облака, оставим пока просто белые пятна. Небо к горизонту приобретает охристый оттенок. Пока не высох лист бумаги напишем тени на облаках, используя сильно разбавленную водой кость жжению и ультрамарин.

3. Не дожидаясь пока высохнет небо, напишем деревья на дальнем плане. Лучше всего зеленый цвет не брать из кювета, а смешивать на палитре, таким образом можно найти множество оттенков зеленого.



4. Далее напишем поле. Ближе к горизонту оно будет светлее и холоднее, а на переднем плане краски должны становиться теплее и ярче. Трава на переднем тоже можно написать мазками, это создаст эффект легкого ветерка.

5. Затем напишем дома на дальнем плане.

6. Когда лист высохнет, расставим акценты на переднем плане. Более темной краской прорисуем травинки и цветы.



Осень.

1. Наметим берег озера, деревья на дальнем плане и отражение.

2. Небо осенью насыщенного голубого цвета. Смешаем берлинскую лазурь с ультрамарином и напишем небо «по-сырому». К горизонту небо становится светлее, добавим охру и краплак.

3. Осенние деревья поражают нас богатством красок, поэтому можно использовать чистые цвета, такие как лимонный желтая, кадмий желтый, оранжевый, индийская красная, в тенях можно использовать фиолетовый.



4. Далее напишем берег. Ближе к воде трава на берегу будет менее и холоднее.

5. Затем напишем отражение. Отражение лучше всего писать по сырой бумаге вертикальными мазками. Оно всегда темнее и холоднее реального объекта.

6. На последнем этапе прорисуем детали - стволы и ветки деревьев, блики на воде.



Зимний день.

1. Наметим карандашом линию горизонта. Немного правее от цента нарисуем деревенский дом.

2. В цвете работу начинаем с неба. Зимой чаще всего пасмурная погода, поэтому небо будет серое с охрой. К горизонту небо будет светлеть.

3. Чуть выше линии горизонта, по сырому небу напишем лес, используя сепию, фиолетовый, ультрамарин и охру. Деревья растекаются по небу и создается иллюзия голого леса.



4. Далее напишем дом, используя технику затеков. Используем следующие цвета: сиена жженая, сепия, охра красная, охра светлая. На крыше и на трубе оставим не закрашенные белые полосы снега, когда дом подсохнет можно прорисовать бревна, окна и другие украшения.

5. Пока сохнет дом, напишем снег на переднем плане. Снег намного светлее по тону, чем небо, поэтому некоторые места оставим не закрашенными. Легкими движениями кисти проведем полосы в тех местах, где на снегу будет тень, используем сильно разведенную водой сепию и ультрамарин.

6. Когда вся работа высохнет, нарисуем деревья. На переднем плане деревья будут темнее и контрастнее, чем на дальнем. Для написания деревьев используем черный, сепию, ультрамарин. У корней деревьев оставим белые места, как будто деревья запорошило снегом. Далее прорисуем тоненько стволы деревьев на заднем плане, используем кисть с длинным волосом. Нарисуем ветки.



3.4 Психологическая характеристика возрастных особенностей учащихся 7 классов

Учащихся 7 классов можно отнести к подростковому возрасту. «Этот возраст обычно характеризуют как переломный, переходный, критический, но чаще как возраст полового созревания».[8 с.338] Л.С. Выготский различал три точки созревания: органического, полового и социального. У человека в истории развития общества точки полового и социального созревания совпадали (обряд инициации), тогда как органическое созревание наступало через несколько лет. У современного ребенка линии развития разошлись: сначала наступает половое созревание, затем органическое, и затем социальное. Это расхождение обусловило возникновение подросткового возраста.

Л.С. Выготский пришел к выводу о том, что в подростковом возрасте структура возрастных потребностей и интересов определяется в основном социально-классовой принадлежностью подростка. Никогда влияние среды на развитие мышления не приобретает такого большого значения, как именно в переходном возрасте. Многочисленные исследования подтверждают историческую и социальную обусловленность развития личности и отсутствие стабильных границ подросткового возраста. Так, Э. Эриксон, считавший подростковый возраст самым важным и наиболее трудным периодом человеческой жизни, подчеркивал, что психологическая напряженность, которая сопутствует формированию целостности личности, зависит не только от физиологического созревания, личной биографии, но и от духовной атмосферы общества, в которой живет человек, от внутренней противоречивости общественной идеологии.

Выготский подробно рассматривал проблему интересов в переходном возрасте, называя ее «ключом ко всей проблеме психологического развития подростка». Он писал, что все психологические функции человека на каждой ступени развития действуют не бессистемно, не автоматически и не случайно, а в определенной системе, направляемые конкретными, отложившимися в личности стремлениями, интересами и влечениями. В подростковом возрасте имеет место период разрушения и отмирания старых интересов, и период созревания новой биологической основы, на которой впоследствии развиваются новые интересы. Исследователь отмечает что, если в начале фаза развития интересов стоит под знаком романтических стремлений, то конец фазы знаменуется реалистическим и практическим выбором одного наиболее устойчивого интереса, большей частью непосредственно связанного с основной жизненной линией, избираемой подростком.[8 с.353]