Формирование у учащихся эстетических представлений, понятий и вкусов посредством рисования пейзажей акварелью

Размещено на http://www.allbest.ru/

СОДЕРЖАНИЕ

ВВЕДЕНИЕ

Глава I. ХУДОЖЕСТВЕННО-ИСТОРИЧЕСКИЕ ОСНОВЫ ПЕЙЗАЖНОЙ ЖИВОПИСИ

1.1 Становление пейзажа как жанра изобразительного искусства

1.2 Развитие акварельной живописи

1.3 Передача состояния времен года в картинах художников

Глава II. РАБОТА НАД ПРАКТИЧЕСКОЙ ЧАСТЬЮ ДИПЛОМА

2.1 Особенности работы на пленере

2.2 Материалы и оборудование для работы акварелью

2.3 Техники акварельной живописи

2.4 Этапы работы над серией пейзажей «Времена года»

Глава III. ВОПРОСЫ МЕТОДИКИ ПРЕПОДАВАНИЯ ПЕЙЗАЖА В ШКОЛЕ

3.1 Живописные задачи при работе акварелью на уроке изобразительно искусства

3.2 Теоретические основы преподавания живописи пейзажа

3.3 Технология изображения пейзажа в зависимости от времени года

3.4 Психологическая характеристика возрастных особенностей учащихся 6-7 классов

3.5 Опытно-практическая работа с учащимися

ЗАКЛЮЧЕНИЕ

СПИСОК ЛИТЕРАТУРЫ

ВВЕДЕНИЕ

Особая роль в эстетическом воспитании принадлежит искусству. Характерная особенность искусства - отражение действительности в художественных образах, которые действуют на чувства и сознание ребенка, воспитывают в нем определенное отношение к событиям и явлениям жизни, помогают глубже и полнее познавать действительность. Влияние искусства на становление личности человека, его развитие очень велико. Душа ребенка предрасположена к восприятию прекрасного, ребенок способен тонко чувствовать живопись.

Эстетическое образование предполагает ознакомление с разными видами искусства, накопление эстетических впечатлений и образов, пробуждение интереса к произведениям искусства, первые шаги к осознанному творческому процессу, воспитание грамотного зрителя, способность понимать, созерцать и оценивать произведения искусства, воспитание видения прекрасного во всех жизненных проявлениях.

Произведения живописи, богатые по своему идейному содержанию и совершенные по художественной форме, формируют художественный вкус, способность понять, различить, оценить прекрасное не только в искусстве, но и в действительности, в природе, в быту. Живопись воссоздает все богатство и многообразие мира. Средствами живописи воссоздается реальный мир с пространственной глубиной, объемом, цветом, светом, воздухом.

Формирование у учащихся эстетических представлений, понятий и вкусов посредством рисования пейзажей акварелью - это весьма сложная педагогическая задача. В качестве материала была выбрана акварель. Живопись акварелью помогает ученикам реализоваться. Акварель является уникальным материалом, способным открыть ребенку путь в творчество, развить его художественные способности, обогатить эстетически.[19]

Данная тема работы считается актуальной на сегодняшний день. За последнее время вопросу обучения теории изобразительной грамоты уделяется все больше внимания. Издан целый ряд методических пособий, в которых раскрываются отдельные теоретические положения профессионального мастерства: законы светотени, цветовых рефлексов, воздушной перспективы. Изучением методики преподавания изобразительного искусства занимались Кузин В.С., Шорохов Е.В., Ростовцев Н.Н., Сокольникова Н.М и др.

Объект исследования - роль передачи состояния времен года в живописи пейзажа

Предмет исследования - пейзажная живопись акварелью

Цели и задачи исследования - систематизировать, расширить и закрепить теоретические и практические знания, полученных в ходе обучения; осмыслить творческий процесс при работе над пейзажами акварелью и создать серию пейзажей «Времена года»; разработать блок уроков по рисованию пейзажа акварелью для учащихся средней школы. Для их достижения предстояло решить следующие задачи:

· Проанализировать искусствоведческую и методическую литературу;

· Собрать, обобщить и систематизировать накопленный в ходе обучения материал;

· Сделать зарисовки и этюды с натуры, которые позволяют выработать собственный стиль и найти сюжет для последующих работ;

· Разработать эскизы, в которых найти каждому предмету характер и место, учесть все принципы и законы композиции;

· Разработать планы-конспекты уроков с учетом всех знаний по педагогике, психологии, методики преподавания, перспективы, изобразительному искусству;

· Применить разработанные планы-конспекты на практике в школе;

· Провести сравнительный эксперимент;

· Проанализировать и подвести итоги практической работы в школе.

Методы исследования - работа с литературой, наблюдение за работой детей, беседа с детьми по данной проблеме, сравнительный эксперимент.

Анализ литературы и практики позволил сформировать общую гипотезу исследования: развитие знаний, умений, навыков, эстетических представлений, понятий и вкусов будет более эффективным при наличии системы по формированию навыков художественного письма, развитии у детей умения анализировать произведения мастеров, работы по развитию зрительной памяти, воображения, фантазии учащихся.

Глава I. ХУДОЖЕСТВЕННО-ИСТОРИЧЕСКИЕ ОСНОВЫ ПЕЙЗАЖНОЙ ЖИВОПИСИ

1.1 Становление пейзажа как жанра изобразительного искусства

В переводе с французского слово “пейзаж” (paysage) означает “природа”. Именно так именуют в изобразительном искусстве жанр, главная задача которого - воспроизведение естественной или измененной человеком природы. Кроме того, пейзаж - это конкретное художественное произведение в живописи или графике, показывающее зрителю природу. “Героем” такого произведения является естественный или выдуманный автором природный мотив. Элементы пейзажа можно обнаружить еще в наскальной живописи. В эпоху неолита первобытные мастера схематично изображали на стенах пещер реки или озера, деревья и каменные глыбы. В искусстве Древнего Востока и Крита пейзажный мотив - довольно часто встречающаяся деталь настенных росписей.

В качестве самостоятельного жанра пейзаж появился уже в VI веке в китайском искусстве. Картины средневекового Китая очень поэтично передают окружающий мир. Одухотворенная и величественная природа в этих работах, выполненных в основном тушью на шелке, предстает как огромная вселенная, не имеющая границ.

В Европе пейзаж как отдельный жанр появился намного позже, чем в Китае и Японии. В период Средневековья, когда право на существование имели лишь религиозные композиции, пейзаж трактовался живописцами как изображение среды обитания персонажей.

Большую роль в формировании пейзажной живописи сыграли европейские миниатюристы. В средневековой Франции при дворах герцогов Бургундских и Беррийских в 1410-х годах работали талантливые иллюстраторы братья Лимбург - создатели очаровательных миниатюр к часослову герцога Беррийского. Эти изящные и красочные рисунки, рассказывающие о временах года и соответствующих им полевых работах и развлечениях, показывают зрителю природные ландшафты, выполненные с мастерской для того времени передачей перспективы.

Ярко выраженный интерес к пейзажу заметен в живописи Раннего Возрождения. И хотя художники еще очень неумело передают пространство, загромождая его ландшафтными элементами, не сочетающимися друг с другом по масштабу, многие картины свидетельствуют о стремлении живописцев добиться гармоничного и целостного изображения природы и человека. Более важную роль пейзажные мотивы начали играть в эпоху Высокого Возрождения. Многие художники стали внимательно изучать натуру. Отказавшись от привычного построения пространственных планов в виде кулис, нагромождения деталей, несогласованных в масштабе, они обратились к научным разработкам в области линейной перспективы. Теперь пейзаж, представленный как цельная картина, становится важнейшим элементом художественных сюжетов. Так, в алтарных композициях, к которым чаще всего обращались живописцы, ландшафт имеет вид сцены с человеческими фигурами на первом плане.

Несмотря на столь явный прогресс, вплоть до XVI столетия художники включали в свои произведения пейзажные детали лишь в качестве фона для религиозной сцены, жанровой композиции или портрета. Ярчайшим примером тому является знаменитый портрет Моны Лизы (ок. 1503, Лувр, Париж), написанный Леонардо да Винчи. Великий живописец с замечательным мастерством передал на своем полотне неразрывную связь человека и природы, показал гармонию и красоту, которые на протяжении вот уже многих столетий заставляют зрителя в восхищении замирать перед “Джокондой”.

Постепенно пейзаж вышел за рамки других художественных жанров. Этому способствовало развитие станковой живописи.

В создании пейзажного жанра большую роль сыграли мастера венецианской школы. Первым художником, придававшем пейзажу огромное значение, стал Джорджоне, работавший в начале XVI столетия. Природа является главным персонажем его картины “Гроза” (ок. 1506-1507, Галерея Академии, Венеция). Пейзаж на этом полотне - уже не столько среда, в которой живет человек, сколько носитель чувств и настроений. “Гроза” предлагает зрителю погрузиться в мир природы, внимательно прислушаться к его голосам. На первый план в картине выходит эмоциональное начало, призывающее к созерцанию, проникновению в поэтический мир, созданный мастером. Огромное впечатление производит колорит картины: глубокие, приглушенные краски зелени и земли, свинцово-синие оттенки неба и воды и золотисто-розовые тона городских сооружений. Джорджоне оказал значительное влияние на Тициана, позднее возглавившего венецианскую школу. На многих полотнах Тициана предстают величественные образы природы. Восхитительны тенистые рощи, в которых мощные деревья заслоняют путника от палящих солнечных лучей. Среди густой травы видны фигуры пастухов, домашних животных и диких зверей. Деревья и растения, люди и животные - дети единого мира природы, прекрасного и величественного. Уже в раннем полотне Тициана “Бегство в Египет” изображение природы на заднем плане затмевает печальную сцену бегства Святого семейства в Египет.

В Северной Европе в XVI веке пейзаж также завоевал в живописи прочные позиции. Образы природы занимают важное место в творчестве голландского художника Питера Брейгеля Старшего. В картинах, посвященных временам года, мастер проникновенно и поэтично показал суровые северные ландшафты. Все пейзажи Брейгеля оживлены фигурами людей, занятых повседневными делами. Они косят траву, жнут рожь, гонят стада, охотятся. Спокойный и неторопливый ритм человеческого быта - это тоже жизнь природы. Своим творчеством Брейгель словно стремится доказать: небо, реки, озера и моря, деревья и растения, животные и человек - все это частицы мироздания, единого и вечного. На XVII век приходится необычайный расцвет голландской живописи и всех ее жанров, наиболее распространенным из которых становится пейзажный. Голландские пейзажисты смогли запечатлеть на своих полотнах всеобъемлющую картину мира во всех его проявлениях. Произведения художников передают гордость человека за свою землю, восхищение красотой моря, родных полей, лесов и каналов. Чувство искренней и безграничной любви к окружающему миру ощущается во всех произведениях голландских пейзажистов. Полные лирического чувства и поэтической прелести картины изображают окружающий мир в разное время года и в различные часы суток. Для большинства голландских пейзажей характерен приглушенный колорит, состоящий из светло-серебристых, оливково-охристых, коричневатых оттенков, близких к естественным краскам природы. Положенные на холст с помощью тонких, ювелирно точных мазков, эти цвета убедительно и реалистично передают вещественность окружающего мира.

Реалистическое искусство Испании, Италии и Франции также сыграло свою роль в развитии пейзажной живописи. В творчестве Диего Веласкеса есть пейзажи, отразившие тонкую наблюдательность великого испанского мастера (“Вид виллы Медичи”, 1650-1651, Прадо, Мадрид). Веласкес виртуозно передает свежесть зелени, теплые оттенки света, скользящего по листьям деревьев и высоким каменным стенам. Картины Веласкеса свидетельствуют о зарождении пленэрной живописи: оставив мастерские, художники отправились работать на открытый воздух, чтобы лучше изучить натуру.

В XVII веке в искусстве классицизма сложились принципы создания идеального пейзажа. Классицисты трактовали природу как мир, подчиненный законам разума. Французский живописец Никола Пуссен, работавший в Италии, стал создателем героического пейзажа. Картины Пуссена, показывающие грандиозность мироздания, населены мифологическими персонажами, героями, воспитывающими в зрителе возвышенные чувства. Художник, полагавший, что основная цель искусства - воспитание человека, считал главной ценностью порядок и рациональное устройство мира. Он писал произведения с уравновешенной композицией, четко выстраивал пространственные планы, согласно строгим правилам распределял цвета.

Иной предстает природа на полотнах мастеров барокко. В отличие от классицистов они стремятся передать динамику окружающего мира, бурную жизнь стихий. Так, пейзажи фламандца Питера Пауля Рубенса передают мощь и красоту земли, утверждают радость бытия, вселяя в зрителей чувство оптимизма. Все сказанное можно отнести к его “Пейзажу с радугой”, на котором мастер запечатлел уходящие за горизонт просторы, высокие холмы и величественные деревья, долину с раскинувшимися селениями, пастушек и пастухов, стада коров и овец. Великолепный пейзаж венчает радуга, сверкающая нежными красочными оттенками.

В XVIII веке дальнейшее развитие пейзажная живопись получила и в искусстве Франции. Антуан Ватто, которого называли “живописцем галантных праздников”, писал мечтательные сцены на фоне чудесных парков. Его пейзажи, выполненные нежными и трепетными красками, очень эмоциональны, они передают разнообразные оттенки настроения (“Паломничество на остров Киферу”, 1717, Лувр, Париж).

Ярким представителем искусства рококо был французский художник Франсуа Буше, создававший пейзажи, полные чувственного очарования. Словно сотканные из голубых, розовых, серебристых оттенков, они кажутся восхитительными волшебными грезами (“Пейзаж в окрестностях Бове”, Эрмитаж, Санкт-Петербург).

Новое отношение к природе появилось в искусстве во второй половине XVIII столетия. В пейзажной живописи эпохи Просвещения не осталось и следа от прежней идиллической условности искусства. Художники стремились показать зрителю естественную природу, возводимую в эстетический идеал. Многие живописцы, работавшие в этот период, обращались к античности, видя в ней прообраз свободы личности. Красоту простой сельской природы открыли для зрителя французские пейзажисты - представители барбизонской школы: Теодор Руссо, Жюль Дюпре и др. Близка искусству барбизонцев живопись Камиля Коро, стремившегося передать трепетную воздушную среду с помощью валеров. Камиля Коро считали своим предшественником французские импрессионисты. Пленэрные пейзажи Клода Моне, Камиля Писсарро, Альфреда Сислея отражают глубокий интерес художников к изменчивой световоздушной среде. Произведения импрессионистов показывают не только сельскую природу, но и живой и динамичный мир современного города.

Видоизмененные традиции импрессионистов использовали в своей живописи художники-постимпрессионисты. С позиций монументального искусства представляет величественную красоту и мощь природы Поль Сезанн. Полны мрачного, трагического чувства пейзажи Винсента ван Гога. Солнечные блики на поверхности воды, трепетность морского воздуха и свежесть зелени передают полотна Жоржа Сёра и Поля Синьяка, выполненные в дивизионистской технике.

Особое место занимает пейзаж в русской живописи. Впервые пейзажные мотивы, переданные схематично, появились в древнерусской иконописи. Фигуры Христа, Богородицы, святых и ангелов на старинных иконах изображались на фоне условного пейзажа, где невысокие холмы обозначали скалистую местность, редкие деревца, породу которых невозможно определить, символизировали лес, а здания, лишенные иллюзорных объемов, представляли собой храмы и палаты.

Первые пейзажи, появившиеся в России в XVIII веке, являли собой топографические виды великолепных дворцов и парков. Во времена Елизаветы Петровны был издан атлас гравюр с видами Петербурга и его окрестностей, выполненный по рисункам М. И. Махаева. Но только с появлением произведений Семена Федоровича Щедрина можно говорить о том, что пейзаж как отдельный жанр сформировался в русской живописи. Свою лепту в развитие пейзажа внесли современники Щедрина - М.М. Иванов и Ф.Я. Алексеев. Живопись Алексеева оказала влияние на молодых художников - М.Н. Воробьева, С.Ф. Галактионова, А.Е. Мартынова, посвятивших свое искусство Петербургу: его дворцам, набережным, каналам, паркам.

М.Н. Воробьев воспитал целую плеяду замечательных пейзажистов. В их число входили братья Г.Г. и Н.Г. Чернецовы, К.И. Рабус и др. Ряд чудесных литографических акварельных пейзажей с видами окрестностей Петербурга выполнил А.П. Брюллов, брат знаменитого К.П. Брюллова, позднее ставший архитектором. Но произведения этих мастеров тускнеют рядом с картинами Сильвестра Феодосиевича Щедрина, запечатлевшего на своих полотнах яркую красоту итальянской природы.

К середине XIX века в русской пейзажной живописи сформировались определенные принципы эстетического восприятия природы и приемы ее отображения. От школы Воробьева идут романтические традиции, воспринятые его учениками. Среди них - рано умерший М.И. Лебедев, Л.Ф. Лагорио и И.К. Айвазовский, главной темой искусства которого было море. Особое место в русской живописи занимает творчество А.К. Саврасова, ставшего основоположником национального лирического пейзажа. Саврасов оказал воздействие на своего ученика и друга - пейзажиста Л.Л. Каменева. Параллельно с лирическим направлением в русской пейзажной живописи развивался эпический пейзаж, ярким представителем которого был М.К. Клодт, стремившийся к созданию пейзажа-картины, представляющей зрителю целостный образ России.

Во второй половине XIX века серьезный вклад в развитие русского пейзажа внесли такие известные художники, как И.И. Шишкин, Ф.А. Васильев, А. Куинджи, А.П. Боголюбов, И.И. Левитан.Традиции лирического левитановского пейзажа были подхвачены работавшими на рубеже XIX-XX столетий живописцами И.С. Остроуховым, С.И. Светославским, Н.Н. Дубовским.

Пейзажная живопись XX века связана с именами И.Э. Грабаря, А.А. Рылова, К.Ф. Юона. В духе символистского искусства создавали свои пейзажи П.В. Кузнецов, Н.П. Крымов, М.С. Сарьян, В.Э. Борисов-Мусатов.В 1920-е годы получил развитие индустриальный пейзаж (интерес к этой разновидности пейзажного жанра особенно заметен в творчестве М.С. Сарьяна и К.Ф. Богаевского).

1.2 История развития акварельной живописи

Акварель - одна из самых сложных и загадочных техник. Секрет ее, на первый взгляд, достаточно прост: растворенные в воде очень мелко растертые частицы пигмента создают прозрачный красочный слой, проницаемый для световых лучей, которые, отражаясь от белой поверхности бумаги, повышает интенсивность звучания цвета. Но тайна обаяния, неизменной привлекательности акварельной техники, ее вечной молодости и актуальности остается неразгаданной. Свободное перетекание тонов, мягкость переходов и насыщенность колористических созвучий, активная роль бумаги, ее тона и фактуры - все это сообщает акварели ни с чем несравнимые очарование и изысканность. Почти не допускающая переделок и правок, эта техника требует от художника особой чуткости, верности глаза и руки, виртуозного владения цветом и формой. Настоящему мастеру она дает возможности бесконечного разнообразия эффектов.

Историческая картина развития техники сложна. Она не складывается в единый и поступательный эволюционный процесс, хотя общая тенденция, направленная на осознание особенностей пластического языка, формирование эстетики, отличной от других видов живописи, прослеживается достаточно определенно. В работе акварелью предельно раскрывается темперамент художника, обнажается самый нерв его творческой индивидуальности - чувство цвета, степень и характер колористической одаренности. Именно поэтому история акварели демонстрирует обилие направлений, богатство самостоятельных манер, стилей и почерков, будто соревнующихся в своей неповторимости.

Наряду с яркими достижениями больших мастеров, обозначающими вершины ее возможностей, чрезвычайно важна и общая культура акварели, создаваемая трудами широкого круга профессионалов, а иногда просто любителями и отражающая мироощущение поколения.

История акварели в России начинается с XVIII века - ею пользовались при «иллюминировании» гравюр и архитектурных проектов. В конце столетия акварель становится уже самостоятельным видом искусства, обладающим собственными средствами выразительности и художественным языком.

Техника акварели пришла в Россию, как и во многие страны Европы из Англии. В практике английской акварели сложилась определенная система приемов работы «по-сырому», краска наносилась широкой заливкой. Общий тон подчинял себе остальные цвета - художественное впечатление строилось на постепенных, едва уловимых тональных переходах. Наиболее ранними примерами этой «английской манеры» могут послужить акварельные видовые ландшафты М.М. Иванова, а так же редкая для своего времени по жанру работа Г.И. Скородумова «Портрет И.И. Скородумова» (1790-е), представляющая огромный интерес, поскольку ее автор долгое время жил в Англии и воспринимал технику английской акварели в наиболее чистом виде.

Родиной разновидности акварели, получившей распространение чуть позже, была Италия. В итальянской акварели художник пишет лессировкой. Тона накладываются один на другой постепенно, после просыхания предыдущего слоя мазками градации цвета усиливаются от светлого к темному. Итальянскую акварель отличали звучное многоцветие, пластичность, яркость и напряженность колорита. Проводниками «итальянской манеры» стали члены обширной русской художественной колонии в Риме, пенсионеры Академии художеств и прежде всего - К.П. Брюллов. Большую роль в развитии акварели в России играл пейзажный жанр. Здесь наряду с произведениями, исполненными исключительно акварелью, показательны и работы, сочетающие акварель с гуашью - «Вид Царско-сельского парка» (1793 г.) Ф. де Мейса, «Мельница и башня Пиль в Павловске» ( не ранее 1797 г.) С.Ф. Щедрина, а так же гуашь с «эффектом акварели», например «Пруд в парке Царского Села» (начало 1810-х гг.) А.Е. Мартынова. Они демонстрируют происходивший на рубеже веков процесс осмысления различий свойств водорастворимых красок, их взаимодействие с бумагой.

Важной линией в формировании акварельного пейзажного жанра стали архитектурные виды и фантазии - ведуты, - исполненные архитекторами. Среди такого рода произведений - «Итальянский пейзаж. Рим» (1762-1764 гг.) В.И. Баженова, «Казанский собор в Петербурге» (1800 г.) А.Н. Воронихина, «Пейзаж с руинами» (1800-е гг.) Дж. Кваренги. Блестящим мастером ведуты, родоначальником городского пейзажа в России был Ф.Я. Алексеев. Его листы «Вид на Михайловский замок в Петербурге» (1799-1800 гг.), «Вид на Казанский собор» (1810-е гг.) отличает изящество техники. Прозрачные жемчужные оттенки цвета, совершенство архитектурных форм, мастерски расставлены цветовые акценты стаффажных фигурок придают запечатленным ансамблям очарование и гармонию идеала. Традиции Алексеева продолжал его ученик М.Н. Воробьев, создавший один из самых проникновенных образов Петербурга в русском искусстве. В его рисунках из путешествий предпринятых для «снятия видов», топографическая точность сочетается с удивительной свободой, эмоциональность манеры исполнения - с крайней условностью художественного языка.

Акварельный пейзаж получил широкое распространение, как в кругу профессиональных художников, так и среди любителей. Любительское рисование в целом и акварель в частности - существенная составляющая искусства начала XIX века. Из среды художников - любителей выходят такие крупные мастера, как П.А. Федотов и Ф.П. Толстой. Особое обаяние ранним акварелям Федотова ( парные портреты супругов Колесниковых, 1837г.; «Прогулка» 1837 г.; «Переход егерей вброд на маневрах» 1844 г.) сообщают непосредственность и искренность. Работы Толстого - неожиданный поворот в развитии акварели. Они достаточно условно могут быть причислены к этой технике: художник сам растирал и готовил краски, которые представляли собой нечто среднее между гуашью и акварелью. Авторские краски позволяли использовать преимущества обоих техник - работать и корпусными мазками и тончайшими лессировками.

Интенсивность и плодотворность акварели зависела от степени ее востребованности, от того на сколько ее язык соответствовал эстетическим категориям эпохи. В эпоху романтизма акварель впервые по-настоящему обретает самостоятельность. В ранг ведущего жанра того времени был введен портрет. Порой кажется, что художественные образы, созданные мастерами первой половины XIX века, не только воплотили, но и сформировали представление об идеале эпохи - душевный строй модели, сам ее облик, манеру поведения.

Интересными для этого времени являются работы К.П. Брюллова. Мастер жанровых сцен и пейзажей, Брюллов вводит их элементы в портрет, такая форма и усложняла живописную задачу и позволяла в полной мере проявиться мощному колористическому дару художника, раскрепощала его «пылкий художнический темперамент и плодовитое воображение».[8]

Уникальное акварельное наследие А.А. Иванова. Это непревзойденный еще рубеж мастерства владения техникой и абсолютное выражение ее сути. К акварели художник обратился, обладая уже большим опытом в живописи маслом. Даже первые его графические работы («Жених, выбирающий серьги невесте» 1838 год; «Октябрьские праздники в Риме» 1842 год) поражают смелостью и совершенством. Чувствуется восторг художника перед открывшимися возможностями. Для Иванова акварель - это техника живописных исканий, обретение нового цветового и светового решения пространства. Написанные быстро «на одном дыхании» натурные пейзажи середины1840-х - 1850-х годов («Море на берегу Неаполя», «Лодки», «Вода и камни»), позволяют зрителю прочувствовать процесс рождения изображения от первого до последнего движения. Тема многих акварелей Иванова - солнечный свет. Словно осознавая уникальность художественной задачи, мастер отмечал произведения подобного рода специальным пояснением «исполненные на солнце». Акварель «Терраса, увитая виноградом» представляет знаменитый экспериментальный альбом Иванова, составленный из почти монохромных натурных зарисовок. В них ослепительный солнечный свет, воплощенный в сияющей белизне листа бумаги, своевольно меняет форму и цвет предметов, обобщает очертания, создает эффект подвижной световоздушной среды, трепещущей, переливающейся материи.

Вершиной творчества Иванова, несомненно, являются его «библейские эскизы». В библейских эскизах нет единообразия технических переливов - они варьируются, сочетаются, рождаются заново в связи с той или иной живописной задачей. В одних листах краски почти нематериально прозрачны, в других - акварель становится многослойной и приобретает плотность и весомость звучания. В композициях, исполненных на темных бумагах, эффект завораживающего внутреннего свечения достигается применением белил. Судьба акварельного наследия А.А. Иванова сложилась так, что оно практически не имело никакого воздействия на искусство современников и ближайших потомков. Известные лишь очень узкому кругу лиц акварели были бережно хранимы братом художника С.А. Ивановым и М.П. Боткиным, согласно воле автора, осознавшего «преждевременность» своих открытий. Частично опубликованные в 1870-е - 1880-е годы они лишь тогда стали важным фактом художественной жизни, оказавшим влияние на поколение рубежа XIX - XX веков.

После почти одновременного ухода со сцены выдающихся мастеров-акварелистов П.Ф. Соколова, К.П. Брюллова и А.А. Иванова акварель переживает очень сложный период, отмеченный серьезными изменениями в понимании задачи и предназначения искусства наметившимися в обществе. Утонченная эстетика и изысканная культура акварели с условностью и артистизмом ее языка в 1860-е годы не вполне соответствовали тем социальным задачам, которые выдвигались новой художественной эпохой. Позиции акварели оставались непоколебимыми лишь в таких традиционных для нее областях применения, как видовой ландшафт, «итальянский жанр», костюмированный портрет. Здесь заботливо сохранялись традиции, профессионализм исполнения. Тщательно разработанные «картинные» листы К.Ф. Гуна, Ф.А. Бронникова, Л.О. Перемацци, И.П. Раулова, А.А. Риццони, Л.Ф. Лагорио трактуют акварель как техническую разновидность живописи. Произведения воспринявших эту традицию художников демонстрируют очень естественную и неконфликтную смену поколений акварелистов - «консерваторов».

В середине XIX века акварель осваивает новые сферы применения - натурный этюд, иллюстрация, критический бытовой жанр, сатирические зарисовки. Каждый из этих жанров скромно обогащает технику какими-то особыми чертами. В бытовых сценках П.М. Шмельникова отрабатывается принцип взаимодействия акварели и карандашного рисунка, положенного поверх еще не просохшего слоя краски, «происходит соединение двух начал - живописного и графического».[14] В эскизах и этюдах картин художников-передвижников естественный и даже неизбежный эффект незаконченности начинает осознаваться как особое преимущество техники, важный эстетический прием.

В 1870-е годы молодое поколение художников как бы заново раскрывает возможности акварели. Она не публична, это техника «для себя», дающая абсолютную свободу самовыражения. Так совершенно непривычного, « неизвестного» Крамского являют нам его пейзажные «Калитка в саду» (1874 г.), «Деревенский дворик во Франции» (1876 г.), «В роще Медон близ Парижа» (1876 г.), «Гапсаль» (1878 г.). Трудно поверить, что жизнерадостные многоцветные работы, исполненные вдохновенно и артистично, принадлежат кисти художника, которого в живописи отличают рассудительность, эмоциональная сдержанность, скупая цветовая гамма. Поражает не столько даже «несовременность» этих маленьких шедевров, их несоответствие живописной манере Крамского-художника и системе взглядов Крамского-теоретика искусства и общественного деятеля, сколько сама мощность его колористической одаренности, не нашедшая выход в живописной практике.

С 1860-х годов очень интенсивно выстраивается линия развития пейзажа в сепии в работах Л.Ф. Лагорио, А.П. Боголюбова, Ф.А. Васильева и И.И. Левитана. Их объединяет благородство и артистизм исполнения, основывающиеся на бесконечном разнообразии приемов владения кистью, характере ее прикосновений к бумаге, на различной степени проработки поверхности и нагруженности красочного слоя.

Для многих мастеров-передвижников обращение к акварели было единичным, эпизодическим. Однако в акварели результаты их художественных поисков проявляются раньше или прочитываются яснее. Так, сопоставление работ И.И. Левитана и В.А. Серова 1890 - 1900-х годов позволяет уловить тот момент в истории пейзажа, когда в акварели рождается «психологический пейзаж», передающий состояние природы, ее настроение - «Нежную, прозрачную прелесть русской природы, ее грустное очарование».[3]

Мощный импульс в постижении особенностей языка акварели и осознании ее эстетических возможностей дает введение изучения этой техники в программу высших художественных учебных заведений. Во многом новый взлет в акварельной живописи на рубеже XIX - XX веков связан с деятельностью П.П. Чистякова, он был осуществлен его учениками - В.И. Суриковым, В.А. Серовым и М.А. Врубелем. Феномен «чистяковской школы» заключается в непохожести вышедших из нее художников. Чистяков обладал особым даром выявлять и развивать индивидуальные черты, манеру письма каждого их них, «указать путь» (по выражению Сурикова).

В художественной системе Сурикова, а может быть, и в его жизни акварели отведено особое место. В этой технике он постоянно работал на протяжении почти 50 лет. Эволюция его акварельной манеры очевидна. Ее начало обозначено Сибирским циклом, исполненным летом 1873 года до занятий у Чистякова. Эти пейзажи объединяет колористическое решение, построенное на синевато-зеленых, «не знающих солнца» оттенках, «словно подсказанных художнику самой суровой сибирской природой».[23] Серия итальянских акварелей 1883 - 1884 годов - шедевры акварельной живописи Сурикова. Ему подвластны жемчужное марево утреннего света, играющего на белых стенах соборов, слепящая яркость помпейских фресок, буйство красок карнавала. Он пишет и «воздушной, паутинной кисточкой», прозрачными тонами, едва прикасаясь к бумаге, и слоистыми лессировками, и короткими, «дерзкими» ударами кисти, и широкими переливчатыми затеками. Другая знаменитая серия акварелей - испанская - создана в 1910 году во время совместного европейского турне В.И. Сурикова и П.П. Кончаловского. Естественно возникшее между ними соперничество было не просто соревнованием двух замечательных колористов, представителей разных поколений, но плодотворным для обоих столкновением разных художественных систем. Акварель Сурикова, будучи очень чутким инструментом, впитывает в себя черты искусства Нового времени. Экспрессия цвета, эго эмоциональная напряженность, острота диссонирующих сопоставлений, культ незаконченности меняют его акварельную систему: он пишет размашистыми движениями кисти, широкими свободными заливками по влажной бумаге, доводя « красочную звучность акварели почти до парадокса, до перенапряжения». [29]Таковы «Севилья», «Бой быков в Севилье».

В творчестве младших учеников Чистякова - Врубеля и Серова - акварель обретает значительность, сопоставимую с их живописными произведениями. Работая буквально рядом, «рука об руку», каждый их них прошел собственный путь в акварели. Одаренный одинаково щедро талантом рисовальщика и колориста Серов выработал такую систему письма акварелью, где линия и цвет неразделимы. Он видел предметы обобщенно, воплощая их на листе бумаги как лаконичные пластические формулы, одним движением кисти моделировал форму и сообщал ей цвет. По своей природе акварель Серова тяготеет к графике, подчиняясь законам этого вида искусства в отношении к поверхности листа, принципам построения пространства и формы, степени условности языка. Колористическая гамма работ художника сдержанна, построена на множественности тончайших градаций тона, разнообразии нюансировок и оттенков, ее благородный серый цвет способен выразить все цветовое многообразие мира. Удивительны его акварельные наброски «В дороге» (1900-е гг.) и «Греция. Остров Крит» (1907 г.). Подойдя в них к некой границе предметного мира, к предельной степени условности языка, допустимой в рамках пластической системы того времени, Серов затрагивает задачи будущего художественного поколения.

Врубель обладал редкой предрасположенностью к работе акварелью. Поразительно, что уже его первые акварельные опусы «Голова девочки» (1882 г.), «Е.М. Бем, сидящая в кресле» (1882 г.), «За кружкой пива» (1883 г.), исполненные в период обучения в Академии, лишены налета ученичества, выдают руку зрелого акварелиста. Художник мгновенно осознал огромные перспективы, которые открывала именно его художественным потребностям акварельная техника. Акварельная манера Врубеля очень разнообразна: в «Персидском принце» (1886 г.) он выслаивает пространство листа мельчайшими, тщательно нюансированными по цвету мазками, скрупулезно следующими форме; в «Портрете артистки Т.С. Любатович» (1890-е) создает изображение крупными пятнами, вольными затеками, словно подчиняясь прихотливому течению краски. В своей знаменитой «Розе» (1904 г.) Врубель вдумчиво конструирует форму, словно стремясь проникнуть в тайны строения натуры, передать энергию тугих лепестков распускающегося цветка. В почти лишенных цвета монохромных иллюстрациях к «Демону» М.Ю. Лермонтова (1891 г.), бесконечно варьируя приемы нанесения краски, Врубель создал особую вибрирующую подвижную среду - аналог поэтической материи лермонтовского текста. Выбор «стиля» определился лишь требованиями конкретного замысла, художественного образа.

Особняком в истории акварели стоит творчество В.Э. Борисова-Мусатова. Художник приходит к ней лишь в последние годы жизни - в период полного владения живописной формой. Колористическая насыщенность и осязаемость фактуры его работ маслом и темперой в поздних акварелях «Балкон осенью» (1905 г.), «Реквием» (1905 г.) оборачиваются прозрачностью, «нематериальностью» цвета, игрой полутонов, приглушенных размытых красок, тающих теней.

Возрождение всеобщего интереса к акварели произошло в последние десятилетия XIX века. Регулярные выставки, создание «Общества русских акварелистов» (1887 г.) способствовали широкому распространению техники, повышению ее статуса. Программа Общества не имела идеологической направленности, в его составе мирно уживались представители разных направлений, объединенные увлеченностью искусством акварели. М.Я. Виллие, Э.С. Вилье де Лиль-Адан, П.П. Соколов, Р.Ф. Ференц, И.А. Александров, А.С. Егорнов, Р.А. Берггольц, Альберт Н. Бенуа. Некоторые из этих художников работали исключительно как акварелисты и, может быть, поэтому остались почти незаметными для «всеобщей» истории искусств. Тем не менее, задачу, сохранения и передачи традиций акварельной школы начала XIX века и подготовки для нового взлета акварели «Общество русских акварелистов» несомненно, выполнило. Акварель снова начали воспринимать как самостоятельную, обладающую собственным языком область изобразительного искусства.

Многие представители Общества стали учителями для следующего поколения художников. Так, под руководством блестящего мастера Альберта Бенуа осваивали эту технику многие будущие члены художественного объединения «Мир искусства» Л.С. Бакст, А.Н. Бенуа, К.А. Сомов. Интересно, что создатели высочайшей графической культуры - «мироискусники» старшего поколения - в своем творчестве не часто обращались к технике чистой акварели. В «графических картинах», фантазиях на историческую тему они тяготели к более плотному корпусному письму и отдавали предпочтение гуаши и темпере, но приемы работы в этих техниках зачастую оставались акварельными.

Советская школа акварели восприняла и продолжила традиции профессионального мастерства художников предыдущих поколений. Роль акварельной живописи была подчёркнута обширными Всесоюзными акварельными выставками, первая из которых состоялась в Москве в 1965 году. Среди российских мастеров ХХ века имена Николая Тырсы (1987-1942), Сергея Герасимова (1885-1964), Анна Остроумова-Лебедева (1871 - 1955) , Георгия Верейского (1886-1962), Владимира Конашевича (1888-1963), Александра Самохвалова (1894-1971), Семёна Пустовойтова (1921-1995), Владимира Ветрогонского (1923-2002), Виктора Семёновича Климашина (1912-1960).

Такова в общих чертах история развития русской акварели. Ее особенность состоит в том, что в России не было обособленной подготовки узких профессионалов-акварелистов. Наметившийся в конце ХХ века рост интереса к акварели, изменил положение вещей. В настоящее время достаточно много профессиональных художников-акварелистов и школ акварельной живописи. Акварель является неотъемлемой частью обучения детей классической живописи.

1.3 Передача состояния времен года в картинах художников

Пейзаж завоевал место одного из ведущих жанров живописи. Его язык стал, подобно поэзии, способом проявления высоких эстетических чувств художника, областью искусства, в которой выражаются глубокие и серьезные истины о жизни и судьбах человечества. Вглядываясь в произведения пейзажной живописи, прислушиваясь к тому, о чем повествует, изображает природу художник, мы учимся знанию жизни, пониманию и любви к красоте мира и человека. Природа - это одно из естественных проявлений нерукотворного прекрасного, поэтому ее эстетизм всегда привлекал художников, за многими из которых в течение творческой жизни так и закрепилось звание «пейзажиста». Все в русской природе непостоянно по окраске и состоянию. Разнообразнейший по оттенкам и степени насыщенности цветом осенний лес. Разные состояния воды, принимающей на себя окраску неба и окружающих берегов, меняющихся под действием сильного или слабого ветра, дорожные лужи, различный цвет самого воздуха, туман, роса, иней, снег. Вечный маскарад, вечный праздник красок и линий, вечное движение в пределах года или суток.

В России континентальный климат, и он создает особенно суровую зиму и особенно жаркое лето, длинную, переливающуюся всеми оттенками красок весну, в которой каждая неделя приносит с собой что-то новое, затяжную осень, в которой есть и ее самое начало с необыкновенной прозрачностью воздуха, свойственной только августу, и поздняя осень.

"Времена года" стали в живописи способом постижения тайного смысла природы, о близости с которой мечтал и мечтает каждый художник.

Еще природа не проснулась,

Но сквозь редеющего сна

Весну прослышала она

И ей невольно улыбнулась.(Ф.И. Тютчев)

Природа не проснулась еще и в картинах Алексея Кондратьевича Саврасова. Вступая в мир его весенних картин, зритель как бы идет по талому снегу к убогим хижинам, к изгородям, по мокрой дороге, а перед ним открываются далеко простирающиеся, еще покрытые снегом поля и высокие небеса. Обыденность и скромность передних планов сочетается в картинах Саврасова с эпическим простором далевого вида. Это созвучие интимного с величавым, лирического с эпическим глубоко органично для Саврасова и присуще всем его лучшим произведениям. Оно носит не отвлеченный, а глубоко конкретный характер. Сложно найти картины более скромные и убогие по сюжетам, чем весны Саврасова. Но от них веет таким очарованием, такой Родиной, такой нежной близостью и любовью, что оторваться невозможно.

"Ступайте писать, ведь весна - уже лужи, воробьи чирикают, хорошо. Ступайте писать, пишите этюды, изучайте, главное - чувствуйте" - любил говорить Саврасов своим ученикам ранней весною.

Уже в ранних произведениях художника постепенно вырисовывается излюбленный саврасовский мотив - изображение лирического пейзажа с обстоятельным и любовным повествованием, в котором такую значительную роль приобретает множество очеловеченных деталей. «Он старается отыскать и в самом простом и обыкновенном те интимные, глубоко трогательные, часто печальные черты, которые так сильно чувствуются в нашем родном пейзаже и так неотразимо действуют на душу» - напишет впоследствии Левитан.

Одна из самых знаменитых весенних картин Саврасова - «Грачи прилетели» (1871г.) представляет собой скромный пейзаж, до мельчайших подробностей знакомый любому жителю средней полосы России, наполненный высокой поэзией и лиризмом. Под пасмурным и промозглым небом окраины глухого провинциального городка чувствуется душа и боль русского человека. На переднем плане изображена группа кривых берез, в ветвях которых прилетевшие грачи обустраивают свои массивные гнезда. За ними среди серых бревенчатых домов возвышается шатровая колокольня сельской церкви, а вдали талым снегом синеют обширные поля. Сквозь прозрачный и влажный воздух передано движение справа налево мягкого света от косых лучей весеннего солнца. На чуть потемневшем, но все еще белом снегу лежат легкие тени берез, а на бугре у забора заметен розовато - золотистый отсвет от солнца. Мягкая, тонко разработанная лаконичная колористическая гамма, у которой в пределах одного цвета малозаметно меняются холодные и теплые тона, наиболее достоверно передает состояние природы, только что разбуженной от долгого зимнего сна легким дуновением теплого ветра.[24]

Русская природа, непрестанная смена её состояний, облик родной земли, отношения человека и природы - вот что является главным в творчестве И.И. Левитана. Природа живёт в его полотнах, в ней чувствуются и грусть, и радость, и раздумья художника. Этот проникновенный художник с огромной любовью и теплотой писал нашу скромную, исполненную тихой прелести русскую природу.

Умело используя цвет, рисунок, композицию, Левитан мастерски передает настроение ранней весны в картине «Март». Он не ищет здесь сложных сюжетов и выражения больших философских и социальных идей, а как бы возвращается к прежней простоте мотива. Сюжет картины «Март» чрезвычайно прост, и изображение несложно. Оттаявшая дорога спереди, справа - угол деревянного дома и запряженная в сани лошадь перед крыльцом, сугробы тающего снега и деревья усадьбы - вот и все, что изображено в этой чудесной, полной поэзии пробуждающейся природы картине. Ее внутренней темой, ее существенным содержанием является это переживание радостного и волнующего пробуждения природы.

В своей поражающей свежести и жизненности картина «Март» представляется этюдом. Однако в ней все выверено и композиционно точно. Стене дома справа соответствует слева купа лиственных деревьев на фоне темной массы густой хвои сосен; деревья с их тонкими высокими стволами, изображенные и справа и слева, как бы наклоняются друг к другу. В центре картины на первом плане дорога, а сзади замыкающая глубину стена леса. Лошадь с санями помещена как раз на пересечении дорожек.

Особенно богато и сложно написан снег, то сероватый с загрязненной коркой, то сверкающий, разрыхленный, то освещенный, то в синих тенях. Все это красочное богатство картины представляет собой оттенки, переходы и рефлексы трех основных цветов: желтого, голубого и зеленого с добавлением белого. Желтый цвет, концентрирующийся на стене дома через красновато-рыжие оттенки на швах досок, на тени на двери, виден в верхушках деревьев в центре в глубине и на небе, входя, таким образом, в зону голубого цвета; далее он прослеживается его в хвое сосен слева и, наконец, в коричневой шерсти лошадки. Голубой цвет, в основном окрашивающий весеннее небо, переходит в синий в тенях от деревьев слева, и в серовато-голубоватый - в затененных массах снега в глубине, и в зеленовато-серый - в затененной части сильно выступающего карниза дома, в оконницах. Наконец, зеленый цвет наиболее интенсивно и открыто виден в хвое сосен, переходящий от светлого к темному и сочетающийся здесь с коричневатым. Все эти три основных цвета как бы соединяются в сложно написанных стволах лиственных деревьев и в особенно сложной по цвету разъезженной дороге.

Сюжет весеннего воскресения природы, оптимистический, светлый и радостный, является основой, на которой развертывается светлое, лирическое содержание картины «Весна. Большая вода». Это одна из самых тонких, лирических картин Левитана. Она исполнена поистине весенней светлой и тихой радости, удивительно «песенна» и «музыкальна» во всем своем и внутреннем и внешнем композиционном ритме. Беспечальная, светлая радость, какая-то ее спокойная полнота исходит от картины.

Колорит картины образуется из тонких оттенков и переходов трех основных цветов - голубого, желтого и зеленого. Господствует голубая гамма в соответствии с главным мотивом картины. С ней сочетается желтизна берега, переходящая в коричневато-розоватый тон прошлогодней листвы и набухающих веток берез, с коричневатыми стволами деревьев и цветами лодки снаружи и внутри. Зеленый цвет лишь дополняет и оживляет эту голубую с желтым гамму. Он отмечается в концентрированном виде, как цветовое пятно, только в единственной елочке среди деревьев и затем как зеленоватые оттенки в стволе соседствующего с елочкой дуба, в окраске сараев вдали и на берегу в глубине слева.

Голубой цвет, естественно, наиболее разработан. В особенности богата оттенками вода: вдали, у затопленных сараев, она темно-голубая, затем дается более светлая ее полоса, снова более темная в полосе зыби и опять светлеющая в середине картины, с тем, чтобы снова несколько потемнеть спереди. Разнообразно оттенками и светло-голубое небо с легкими облачками, голубоватыми внизу и белыми наверху. Белые облачка сочетаются с цветом стволов берез, где находятся вместе с этим и все цвета гаммы картины - от коричневых, которыми оконтурены местами стволы и обозначены их темные пятна, и до желто-зеленоватых. Деревья и их отражения в известной мере подчеркивают переднюю плоскость, и вода просвечивает сквозь них. Вместе с тем эти тонкие, как «изгородь» расположенные, стволы деревьев и их отражения, как и светло-голубая гамма, придают картине воздушность.

Буквально излучает чувство весенней радости этюд "Первая зелень. Май" (1883г.) - предельно простое по мотиву изображение лужайки перед палисадником у позволяет ощутить, с какой нежностью смотрел художник на зелень распустившейся листвы, на залитую солнечным светом жёлтую дорожку с голубыми «небесными» рефлексами.

Какое лето, что за лето!

Да это просто колдовство…(А.С. Пушкин)

Лето. Даже само название этого времени года невероятно теплое и мягкое, от него веет приятным ласкающим волнующим ветерком. Лето жаркое и прохладное, сухое и дождливое изображали в своих картинах русские художники.

Одним из таких художников был Иван Иванович Шишкин. Подобно многим русским художникам, он от природы обладал огромным талантом самородка. Никто до Шишкина с такой ошеломляющей открытостью и с такой обезоруживающей сокровенностью не поведал зрителю о своей любви к родному краю, к неброской прелести северной природы. «Поэт природы, - писал В.И. Немирович-Данченко, именно поэт, думающий ее образами, разбирающий красоту ее там, где простой смертный пройдет равнодушно»[25]

Для определения "лица" пейзажа Шишкин предпочел хвойный лес, наиболее характерный для северных областей России. Шишкин стремился к реалистичному изображению леса, чтобы угадывалась порода деревьев. Но в этой, казалось бы, протокольной фиксации содержалась своя поэзия бесконечного своеобразия жизни дерева. В "Рубке леса" это видно по упругой округлости спиленной ели, которая кажется стройной античной колонной, сокрушенной варварами. Стройные сосны в левой части картины тактично окрашены светом угасающего дня. Излюбленный художником предметный план с папоротниками, сочной травой, сырой землей, разорванной корневищами, зверьком на переднем плане и мухомором, контрастирующий с торжественным и гулким лесом,- все это внушает чувство упоения красотой материальной жизни природы, энергией произрастания леса. Композиционное построение картины лишено статичности - вертикали леса пересекаются, разрезаются по диагонали ручьем, поваленными елями и растущими "враздрай" наклоненными осинами и березами.

«Раздолье, простор, угодье, рожь, благодать, русское богатство»,- написал Шишкин на обороте подготовительного рисунка картины «Рожь» (1877г.). То же чувствует и зритель, глядя на это полотно.

Само название "Рожь" в известной степени выражает сущность изображенного, где все так мудро просто, и в то же время значительно. Это произведение невольно ассоциируется со стихами А. В. Кольцова и Н. А. Некрасова - двух поэтов, которых Шишкин особенно любил.

Все рожь кругом, как степь, живая,