Музыкальный авангард и возможности его изучения на уроках музыки в общеобразовательной школе

Размещено на http://www.allbest.ru/

Содержание

ВВедение

ГЛАВА 1. АВАНГАРД в различных видах искусства и его основные проявления

1.1 Сущность понятия «авангард» и этапы его становления

1.2 Авангард в изобразительном искусстве и литературе

1.3 Авангард в музыкальном искусстве

ГЛАВА 2. Изучение произведений музыкального авангарда на уроках музыки в общеобразовательной школе

2.1 Сочинения музыкального авангарда в существующих программах по музыке

2.2 Методические рекомендации по изучению произведений композиторов-авангардистов на уроках музыки в общеобразовательной школе

Заключение

Список использованных источников

ВВЕДЕНИЕ

Произведения многих величайших композиторов различных эпох (от барокко до романтизма и импрессионизма) пользуются популярностью и в наше время. Однако музыка ХХ века, в частности музыкальный авангард, несмотря на всю его многогранность, стоит особняком.

Если авангардное изобразительное искусство имеет своего зрителя в наше время и художников-авангардистов с их полотнами (П.Пикассо, Э. Мунка, А. Маттиса, В.Кандинского, К. Малевича) знает весь мир, то композиторы-авангардисты и их произведения остались неизвестными для большой части публики. Одной из причин такого незнания является то, что современная школа не уделяет должного внимания изучению на уроке музыки современных течений ХХ века.

Стоит отметить, что дети очень гибко отзываются на современные веяния в культуре. Они читают современную литературу, слушают современную музыку, но при этом литература (в ней они обычно отдают предпочтение фантастике) и современная поп-музыка носят развлекательный характер. Таким образом, идя «в ногу со временем» в каких-то отношениях, дети не имеют представления о музыке современных композиторов, особенно об авангарде ХХ века.

Авангардная музыка ХХ века позволяет показать школьникам иную сторону искусства. Сочинения авангарда глубоко психологизированы и отражают внутренний мир человека ХХ столетия, позволяя прочувствовать динамизм эпохи.

Изучение музыкального авангарда способствует расширению кругозора учащихся, так как он опирается на современные теории и концепции в области философии, связан с новейшими достижениями в области физики, с использованием различных технических средств и приёмов, о которых дети даже не подозревают. Постижение авангардной музыки во многом способствует эффективности усвоения знаний по другим дисциплинам (физика, история, биология), так как её познание невозможно без установления междисциплинарных связей. Разнообразие изобразительных приемов и средств в авангардной музыке способствует развитию у детей образного, ассоциативного мышления.

С другой стороны, авангардная музыка ХХ века сложна для восприятия детьми, даже далеко не каждый взрослый способен понять опусы авангардистов. Поэтому особенно важно произвести тщательный отбор и самого музыкального материала, и тех методов, приемов, средств, которые позволили бы наиболее оптимально организовать изучение авангарда, приблизить детей к его пониманию, что определяет актуальность темы нашего исследования.

Объект исследования - музыкальный авангард ХХ века.

Предмет исследования - изучение музыкального авангарда в общеобразовательной школе.

Целью нашего исследования является рассмотрение возможностей изучения музыкального авангарда на уроках музыки в общеобразовательной школе.

Задачи исследования:

1. Рассмотреть сущность понятия «авангард» и этапы его становления;

2. Дать представление об авангарде в живописи и литературе;

3. Изучить основные явления музыкального авангарда;

4. Рассмотреть возможности изучения музыкального авангарда на уроках музыки в общеобразовательной школе;

5. Разработать методические рекомендации для урока музыки в общеобразовательной школе по теме «Музыкальный авангард».

Методологической основой ВКР стали труды:

На философско-эстетическом уровне: Л.А. Никитич, И.П. Никитиной.

На общенаучном уровне: в области общей психологии: Р.С. Немова;

- в области общей педагогики: В.А. Сластёнина, И.П. Подласого;

- в области возрастной психологии: Л.Ф. Обуховой.

- в области музыкальной психологии: В.И. Петрушина;

На частнонаучном уровне:

- В области теории и методики музыкального образования: В.В. Алеева, Т.И. Науменко; Е.Д. Критской, Г.П. Сергеевой, Т.С. Шмагиной; Т.В. Челышевой, В.В. Кузнецовой; Ю.Б. Алиева.

- В области искусствознания и истории музыки: Ю.Н. Холопова, В.Н. Холоповой, В.С. Ценовой, Е.Е. Дурандиной, Ю.А. Кремлёва, Р.И. Куницкой, И.В. Нестьевой; Е.В. Стригиной.

Новизна работы заключается в постановке проблемы изучения музыки авангарда в общеобразовательной школе, а также разработке конкретных методических рекомендаций по его изучению на уроках музыки.

Апробация работы осуществлялась в 2017 году рамках двух научных студенческих конференций - 46-ой студенческой научно-практической конференции Вологодского государственного университета и Международного научного форума «Молодые исследователи регионам», где были раскрыты основные положения исследования (тезисы находятся в печати); на первой из них автор доклада был награжден дипломом лауреата I степени.

Кроме того, автором ВКР были проведены уроки во 2-ом и 3-ем классах Дубровской основной общеобразовательной школы Вологодского муниципального района по теме «Природа и музыка», на которых детям в ходе беседы о личности французского композитора Оливье Мессиана было представлено его произведение «Пробуждение птиц». В 8-ом классе той же школы было проведено занятие по теме «Музыкальный авангард», во 2-ом и 3-ем классах МОУ СОШ №35 г. Вологды - урок по теме «Природа и музыка» с использованием произведений «Пробуждение птиц» (часть «Утренние песни») О. Мессиана и «Пение птиц» Э. Денисова.

На занятии по музыкальной грамоте студентам 5 курса факультета социальной работы, педагогики и психологии нами был предложен теоретический материал о музыкальном авангарде и практические задания по данной теме.

Практическая значимость работы заключается в том, что её результаты могут служить теоретическим и практическим материалом для использования на уроках музыки в общеобразовательной школе, на уроках музыкальной литературы в ДМШ, ДШИ и на занятиях по истории музыки в средних и высших музыкальных учебных заведениях.

Работа состоит из введения, двух глав, заключения и приложений.

В 1 главе ВКР раскрыта история становления авангарда и основные его проявления в различных областях искусства. В первом ее параграфе на основе анализа литературы века рассмотрена сущность понятия «авангард» и этапы его становления. Второй параграф содержит обзор основных направлений авангарда в изобразительном искусстве и литературе. В третьем - систематизированы знания об истории становления музыкального авангарда и о его основных проявлениях: отдельно рассмотрены музыкальные нововведения периода 1910-20-х годов. и периода после Второй мировой войны.

2 глава имеет практическую педагогическую направленность. В первом параграфе представлен анализ рабочих программ по музыке, во втором - помещена разработка уроков с использованием произведений музыкального авангарда, и даны методические рекомендаций по их изучению.

ГЛАВА 1. АВАНГАРД В РАЗЛИЧНЫХ ВИДАХ ИСКУССТВА И ЕГО ОСНОВНЫЕ НАПРАВЛЕНИЯ

1.1 Сущность понятия «авангард» и этапы его становления

Минувшее столетие было отмечено множеством значимых исторических событий: Первая мировая война, расколовшая некогда могущественные Австро-венгерскую и Российскую империи; революции в странах Европы (в России, Германии, Венгрии), обострение политической борьбы (например, во Франции); фашизм, поразивший Европейские страны (Италию, Португалию, Испанию, Германию, Венгрию); военные конфликты 20-30-х годов, приведшие ко Второй мировой войне.

Острая военно-политическая ситуация в мире вызвала кризисы в различных областях: военный, политический, экономический, религиозный, духовный, интеллектуальный. При этом значительно ускорялся темп жизни. Произошла промышленная революция, которая способствовала переходу общества от традиционного сельского уклада к индустриальному, и, как следствие, привела к росту городского населения, к превращению большинства крестьян в рабочих. Индустриализации повлекла за собой возникновение цивилизационного прорыва Бурлацкий, Ф.М. Новое мышление/ Ф.М. Бурлацкий. - Москва: Издательство политической литературы, 1989. - С. 9..

В жизнь человека стали активно внедряться различные технические средства: электричество, телефон, радио, кинематограф, телевидение, радио, авиационный и автомобильный транспорт. В связи с фундаментальными открытиями в науке - делением атомного ядра (Э. Резерфорд), квантовая теория света (М. Планк), теория относительности (А. Эйнштейн) переосмыслению подверглись и многие прежние научные представления.

На новую ступень в своём развитии встала и философия. В связи с религиозным кризисом, вызванным становлением буржуазной цивилизации, распространение получали такие философские мировоззренческие позиции как ценностный релятивизм и нигилизм: под сомнение ставились многие общепринятые ценности, идеалы, нормы нравственности; считалось, что все явления нестабильны и не предрешены свыше, а зависимы от различных условий и ситуаций.

Взгляды о случайности, нестабильности жизни также подкреплялись открытием второго закона термодинамики (стремление Вселенной к беспорядку). На становление философских взглядов значительное влияние также оказала теория эволюции Ч. Дарвина. Пересмотру была подвержена и система ценностей. Так, согласно марксистской теории высшими считались материальные, а не духовные ценности. Всё это повлекло за собой коренной перелом в развитии всех областей искусства.

Переход к динамизму новой эпохи воспринимался обществом неоднозначно. С одной стороны, обществу, привыкшему к размеренному, неспешному темпу жизни, сложно было перестроиться на новый столь стремительный лад, с другой стороны, - новый устой жизни активно приветствовала молодёжь. Такая коллизия взглядов наблюдалась и в европейском искусстве на рубеже XIX-XX веков.

Столкновение различных художественных взглядов повлекло за собой расщепление культуры на множество различных противоположных течений, не имеющих между собой общих черт. Образовывались новые направления в искусстве, которые противопоставляли себя течениям предшествующей эпохи. Такое стремление к осовремениванию культуры, уходу от классических приемов художественного творчества получило название модернизм.

В переводе с французского «модернизм» - «новый, современный». Модернизмом принято называть художественный стиль современного искусства, сложившийся в конце XIX века и просуществовавший до середины XX века. В. Петров-Стромский пишет: «В конце XIX века среди творческой интеллигенции распространилась мода на декаденство - эпатажный тип поведения»; господствовало мнение, что творить необходимо «наоборот общепринятым нормам» Петров-Стромский, В. Ф. Тысяча лет русского искусства/ В.Ф. Петров-Стромский. - Москва: терра, 1999. - С. 253..

В отношении модернизма существовали самые противоречивые мнения. Кто-то был фанатиком этого направления в искусстве, а кто-то относился к модернизму с презрением и неприятием. Советский и российский философ и культуролог, специалист в области философии и истории культуры Моисей Самойлович Каган считал, что модернизм имеет отрицательное влияние на культуру и философию: «Модернизм принес скепсис, декаданс, иррационализм, сознание бессмысленности жизни. Стремление философов-классиков к созданию глобальных теоретических систем объявляется бесплодным. Философия дробится на множество течений и утрачивает былое влияние на умы» Никитич, Л.А. Эстетика/ Л.А. Никитич. - Москва: Юнити, 2003. -- С. 303.. Искусство отказывается от изображения реального мира, и выбирает «беспредметность» в качестве основополагающего принципа в художественной культуре.

Модернизм возник под влиянием философских воззрений А. Шопенгауэра, С. Кьеркегора, Ф. Ницше, А. Бергсона, Ж.П. Сартра и других. Так Бергсон, построивший собственную эстетическую концепцию, считал, что «интуиция человека, а не его разум устанавливает контакт с миром на уровне “внутреннего Я”, устремляющегося ввысь в виде жизненного порыва». Считалось, что человек потерял свою детскую непосредственность из-за недостаточно развитой интуиции. Это связывали с тем, что на протяжении нескольких веков человек опирался в своей деятельности на математический расчет, соответственно менее доверял интуиции, в результате чего лишился непосредственности и «живости чувств». Особое влияние на становление модернизма оказало учение о бессознательном З. Фрейда. Модернизм в искусстве XX века отражал особенности эпохи и их творческое осмысление: ощущение дисгармонии мира, нестабильность человеческого существования, бунт против рационалистического искусства и растущая роль абстрактного мышления, мистицизм, стремление к новаторству.

Доктор философских наук, специалист в области эстетики, истории искусства и культурологии И. П. Никитина выделяет основные черты модернизма:

· Представление идей, а не вещей;

· Отход от предметности;

· Непрерывный поиск формальной и содержательной новизны;

· Свобода творчества;

· Замещение формальной глубины интуитивной глубиной;

· Ведущая роль цвета и линии в конструировании художественного пространства;

· Активное участие искусства в преобразовании жизни;

· Автономия искусства;

· Элитарность искусства, ясная граница между высоким и массовым искусством;

· Обилие манифестов, деклараций и комментариев.

И.П. Никитина указывает на то, что данные особенности не только имеют описательно-оценочный характер, но и представляют собой те требования, которым должны были соответствовать художники-модернисты, окружающая их среда и само общество.

Изначально модернизм обосновался в сферах искусства, недоступных для творцов-романтиков: архитектура, декоративно-прикладные искусства. Для архитектуры модернизма стал характерен хаос, поиски стиля. Модернизм в архитектуре предполагал не просто объединение элементов различных стилей, а синтез различных видов искусств.

Наиболее радикальной формой модернизма в искусстве является авангард. Изначально слово «авангард» (от французского avant-garde) употреблялось лишь в значении отряда войск, следующего на марше впереди главных сил (дословный перевод - передовой отряд). В искусстве это понятие сформировалось на рубеже XIX - XX веков.

Е.В. Стригина авангардом называет такие направления в искусстве, представители которых используют новые («передовые») технические приемы и средства организации музыки, радикально отличающееся от традиционных, общепринятых в искусстве законов.

А.М. Зверев и В.А. Крючкова определяют авангардизм (авангард) как совокупность движений в литературе и искусстве XX века, провозгласивших разрыв с художественной традицией и необходимость эксперимента с целью выработки принципиально новых форм творчества. Итальянский композитор 19-20 вв. Ферруччо Бузони в своей брошюре «Эскиз новой эстетики музыкального искусства» (1907г.) писал: «Задача творящего художника - устанавливать законы, а не следовать им. Сила творчества тем заметнее, чем большую независимость от традиций способна она проявить».

Художники-авангардисты давали представление о мире, состоящем из процессов, а не из образов (как, например, реалисты). В. Петров-Стромский пишет, что авангардное искусство наиболее явно воплотило «пафос крушения старой антропоцентрической культуры и предчувствия чего-то небывало-грандиозного», что требовало человека с новым мышлением.

С пришествием индустриальной эпохи человека всё больше стали окружать предметы, созданные при помощи машинного производства, всё индивидуальное, естественное постепенно утрачивалось. В связи с этим перед человеком, желающим стать личностью, становилась проблема творческой самореализации, решение которой художники видели в неприятии общезначимых норм и ценностей.

Для описания основных принципов авангардного искусства Петров-Стромский цитирует Б. Гройца: «Авангард можно рассматривать как реакцию на возникновение современной техники. Появление машины оказало почти магическое воздействие на многих художников, побудив их к попытке сконструировать произведение искусства как “эстетическую машину”, функционирующую не в качестве знака чего-либо, какого-либо внешнего ей содержания, а лишь как обнаружение собственной конструкции» Петров-Стромский, В. Ф. Тысяча лет русского искусства/ В.Ф. Петров-Стромский. - Москва: терра, 1999. - С. 320..

Тенденция к созданию такой «эстетической машины» наблюдается, прежде всего, в творчестве К. Малевича, конструктивистов и в некоторой степени в творчестве В. Кандинского.

Следует отметить, что авангардное искусство не предназначено для широкой аудитории, оно требует подготовленного зрителя, слушателя.

Авангардизм «отличается подвижностью границ и плюрализмом, существуя в виде многочисленных школ и направлений» Авангардизм/ Большая Российская энциклопедия. Том 1. - Москва: Большая Российская энциклопедия. - 2005. - С. 157..

Среди основных направлений авангарда первой половины ХХ века выделяют: фовизм, кубизм, экспрессионизм, футуризм, дадаизм.

Во второй половине ХХ века возникают такие направления как: примитивизм, конструктивизм, супрематизм, сюрреализм, поп-арт, минимализм, концептуализм, перформанс, боди-арт, лэнд-арт и другие.

Выделяют авангард 1910-1930-х годов (межвоенный) и авангард периода после Второй мировой войны (1940-1960-е годы). Такое разделение связано с возникновением в середине 1920-х годов в искусстве коммунистических стран такого направления как социалистический реализм. Он был характерен для государств с закрытыми типами обществ и тоталитарным режимом власти. В частности, социалистический реализм господствовал в СССР во время правления И.В. Сталина и в национал-социалистической Германии под управлением А. Гитлера.

Суть социалистического реализма заключается в постановке искусства на службу социалистическому государству, в изображении жизни в свете идеалов политического и общественного строя. «Искусство должно быть понятно народу» - таков основной принцип социалистического реализма. Модернистское искусство обладало элитарностью, что не соответствовало требованиям политики социализма. Считалось, что авангардное искусство влечет за собой вырождение человечества и в реальности «порождает таких же чудовищ, как на картинах».

Для полного господства соцреализма необходимо было вытеснить модернизм и, в частности, авангард. Постепенно из выставочных залов стали исчезать работы художников-авангардистов. Так, в России последний широкий показ картин отечественных авангардистов состоялся в 1923 году на «Выставке картин художников Петрограда всех направлений». Для истребления модернизма государство монополизировало все искусство и являлось единственным заказчиком и потребителем того, что производят художники, таким образом, были перекрыты все пути для существования нежелательного стиля.

Обязательными темами для искусства 1930-х годов были: революционная, колхозная, производственная, военная, спортивная и т.п. Образы должны быть положительными без элементов грусти и раздумий. Натюрморты и пейзажи были практически вытеснены, т.к., по мнению власти, были не способны выразить социально значимые идеи. В социалистических странах большинство деятелей искусства и науки подвергались гонениям и были сосланы, либо добровольно покидали страну. Так покинул СССР композитор-авангардист И.А. Вышнеградский, который свои идеи микрохроматической музыки смог воплотить в Париже.

Социалистический реализм просуществовал недолго. В связи со сменой власти стал возрождаться модернизм, на смену которому позднее пришел постмодернизм. В СССР удар по сталинской идеологии в 1956 году нанес ХХ съезд КПСС. На смену сталинскому режиму пришла «Хрущёвская оттепель», открывшая «железный занавес»: из ссылок были возвращены деятели культуры и искусства, в репертуар были возвращены запрещенные ранее произведения, организовывались современные художественные выставки. Происходило возрождение модернистского искусства, провозгласившего протест против реализма.

Новый старт в культуре был положен в связи с покорением космоса Ю. Гагариным в 1961 году. 60-е годы - это время бурного строительства, возникает особый стиль в архитектуре: строгий, практичный. Благодаря архитектуре формируется городская среда. Таким образом, город выступает как публичное пространство. Город является одним из главных героев 60-х годов. Наука впервые становится частью общественной жизни, к ней активно присоединяется студенчество, так массы могли стать частью научного общества. Развитие кибернетики, инфографики, предлагающие новые способы графической передачи информации, влекут за собой возникновение абстракции. Она не считается случайным набором фигур, контуров, а выступает как модель первичных эмоциональных реакций человека.

Как говорилось ранее, на смену модернизму приходит постмодернизм. Он начал складываться в 50-60-е годы. В этот период искусство провозглашает отказ от идеи антропоцентризма (человек - центр вселенной). Авангардистской установке на новизну противопоставляется стремление к использованию в современном искусстве всего опыта мировой художественной культуры путем её иронического цитирования Никитина, И.П. Эстетика/ И.П. Никитина. - Москва: Высшая школа, 2008. -С. 707.. И.П. Никитина выделяет основные особенности постмодернизма: плюрализм (никакая художественная традиция не может занять господствующее положение в сопоставлении с другой позицией), неопределенность (уверенность в том, что создание произведения искусства не может целиком направляться какими-то предустановленными правилами: сами правила создаются вместе с произведениями), фрагментарность (недоверие к «тотальному», ко всякого рода синтезу (отсюда монтаж, коллаж, тяготение к разрушению и т.п.)), многовариантность истолкования (тезис об отсутствии единой интерпретации произведения искусства), утрата «Я», поверхностность (отказ от попыток исследования глубинных проблем и процессов бытия, стремление к простоте и ясности), отказ от изобразительности (нарочитая хаотичность композиции), ирония (высмеивание), пародийность, искусство как игра, карнавальность, эпатажность (намерение художника поражать, удивлять, нарушение общепринятых норм), театральность (особое внимание к аудитории, тяга к зрелищности), плагиат и цитирование, смешение высокой и низкой культур (стирание граней между элитарной и массовой культурами), перформативность (использование тела, внешнего вида, жеста, поведения художника в качестве одной из составляющих языка искусства).

Данные особенности характерны также и для авангарда периода после Второй мировой войны.

Подобную классификацию основных характеристик постмодернизма предлагает американский литературовед И. Хамман. По его мнению, характеристиками искусства постмодернизма являются: неопределенность; открытость; незавершенность; фрагментарность; тяготение к цитациям; отказ от авторитетов; ироничность как форма разрушения; утрата «Я» и глубины; поверхностность; многовариантное толкование; стремление представить не представимое, интерес к пограничным ситуациям; обращение к игре, диалогу, полилогу; репродуцирование, карнавализация, маргинальность, проникновение искусства в жизнь; перформанс; обращение к телесности, к материальности; конструктивизм, в котором используются иносказание, фигуральный язык; имманентность (присутствие всего во всем или чего-то в чем-то другом).

Таким образом, авангард включает в себя два исторических периода: 1910-1920-е годы и период после Второй мировой войны и развивается на фоне протекающих параллельно авангарду модернизма и постмодернизма.

музыкальный авангард урок методический

1.2 Авангард в изобразительном искусстве и литературе

Изначально авангард как художественное явление укоренился в изобразительном искусстве, в дальнейшем оказав влияние на другие сферы художественной деятельности. Авангард в живописи ХХ века даровал миру таких выдающихся художников, как А. Матисс (фовизм), П. Пикассо (кубизм), В.В. Кандинский, Э. Мунк (экспрессионизм), К. Малевич (супрематизм) и др.

Авангард в живописи имеет множество направлений, всех их объединяет тенденция примитивизма. В живописи авангарда выделяют ряд эстетических принципов: это сосредоточенность на форме; открытая структура, активизирующая зрительное восприятие; прорывы в окружающую материальную среду (например, коллажи П. Пикассо).

Как было упомянуто в первом параграфе, среди основных направлений авангарда можно выделить такие, как: фовизм, кубизм, экспрессионизм, футуризм, дадаизм, примитивизм, конструктивизм, супрематизм, сюрреализм, поп-арт, минимализм, концептуализм, перформанс, боди-арт, лэнд-арт.

Два первых течения авангардного искусства возникли практически в одно время. Возникновение фовизма связывают с образованием в 1905 году группы художников-живописцев, которые в одной из рецензий на Парижский салон были именованы как фовисты или «дикие».

Параллельно с фовистами в Германии было организовано сообщество «Мост». Взгляды на искусство этих групп были различны: французы склонялись к созерцательности, а немцы тяготели к экспрессивности (в дальнейшем за ними закрепилось название экспрессионисты).

Изначально для этих течений в изобразительном искусстве была характерна плоскостность изображения, которая достигалась при отказе от светотеневой моделировки формы, от объемно-пространственного построения композиции и воздушной перспективы, нанесение красочного слоя плоскими пятнами или густыми мазками, также характерно было форсирование цвета, его перенасыщение, смещение колорита по сравнению с реальностью, линии не всегда точно передавали очертания предметов Петкова, С.М. Справочник по мировой культуре и искусству/ С.М. Петкова. - Ростов-на-Дону: Феникс, 2006. - С. 439.. В дальнейшем пути представителей этих течений разошлись.

Предпосылки для возникновения фовизма наблюдались уже в творчестве Ван Гога. Однако, для фовистов характерна более форсированная цветопередача. Одним из наиболее ярких представителей фовизма является Анри Маттис (1869-1954). Интерес к живописи проснулся у Маттиса в возрасте двадцати лет. Маттис создавал полотна до конца своей жизни, даже будучи прикованным к постели (последние пятнадцать лет жизни) он продолжал творить. Особую роль в своем творчестве художник отводил выразительности. Об этом он писал в своих «Заметках живописца»: выразительность «имеет цену только тогда, когда показана живописными средствами, и тем более совершенными средствами, чем глубже мысль… Выразительность для меня заключается не в страсти, которая вдруг озарит лицо или проявится в бурном движении. Она во всем строе моей картины; место, занимаемое предметами, промежутки между ними, их соотношения - вот что имеет значение».

Маттис считал, что все компоненты картины должны находиться в тесной взаимосвязи: «Отдельный момент, выхваченный из непрерывного действия, не имеет смысла, если мы не можем связать его с предыдущим и последующим». Основным средством выразительности при написании картины он считал цвет. В «Заметках» Маттис упоминал о том, что основная задача цвета состоит в служении выразительности. При выборе цвета, который был бы наиболее выразителен в том или ином случае, художник, прежде всего, опирался на чувство интуиции. Характерным для его цветопередачи является использование ограниченного количества красок, избегание нюансов и переходов цвета.

В написании картин Маттис пренебрегал излишней иллюстративностью, психологизмом и драматизмом. По его мнению, художник должен создавать не двойник предмета, а его символ. Излюбленным символом Маттиса был цветок мимозы.

Рассмотрев особенности фовизма на примере творчества Анри Маттиса, можно прийти к выводу, что «дикими» художников этого направления назвали неслучайно. Возможно, это связано со сравнением их полотен с рисунками древних людей на пещерных стенах, с наскальной росписью, с примитивизацией изображения.

Говоря о таком направлении как кубизм, нельзя пройти мимо творчества его ярчайшего представителя Пабло Пикассо (1881-1973). Первые знания в области изобразительного искусства Пикассо получил от своего отца, который преподавал рисунок в местной школе искусств и ремесел в Ла-Корунье (город на северо-западе Испании).

Творческий путь Пикассо разделяют на четыре периода. Первый из них, называемый «голубым периодом», характеризуется экспериментами в области композиции и стремлением к ирреальной (не существующей в действительности) палитре, которая склонялась к однотонности и использованием нюансов в тонах. При этом центральными образами этого периода выступают образы нищих, изгоев, несчастных людей.

Для следующего периода, имеющего название «розовый», характерно уплощение форм, они приобретают прямолинейные границы, проявляется тенденция к схематизации. В это время Пикассо черпает образы влюбленных, матерей с детьми. В 1907 году Пикассо пишет картину «Авиньонские девицы», с которой начинается кубический период в творчестве художника. В этой картине форма подвергается деформации, светотень и перспектива отсутствуют. Впечатленный этой картиной, французский художник Жорж Брак меняет свою манеру и тоже начинает писать в подобном стиле.

Таким образом, возникает кубизм, в скором времени распространившийся по Европе. С.М. Петкова определяет его как одно из постимпрессионистических течений, теоретиками которого прокламировалось создание самостоятельной реальности, проделавшее быструю эволюцию за короткий срок.

До 1909 года кубизм носит название Сезанновский, в картинах этого периода массивные объемы похожи на формы негритянской пластики. Картины Пикассо следующего «аналитического» периода (1909-1912) характеризуются тем, что изображаемые на полотнах предметы дробятся на множество граней. При этом настоящее изображение ускользало от восприятия обычного человека, поэтому художники предприняли попытку установить связь наблюдателя с ускользающей реальностью посредством элементов самой реальности (появление в картинах вырезанных букв, части текста (например, в картинах Брака). Одна из лучших работ этого периода - написанный Пикассо портрет Канвейлера.

Появление в картинах художников элементов реалистических изображений ознаменовало возникновение «синтетического» кубизма. При этом возникает форма коллажа: в картины включаются фрагменты газет, кусочки ткани и т.п. С 1914 года в творчестве Пикассо появляется всё больше реалистических работ - натюрморты. В то же время Пикассо работает над созданием костюмов к постановкам балетной трупы С. Дягилева. С середины 20-х до 50-х годов Пикассо обращается к образам материнства, изображает близких и знакомых в чудовищных видах («Женщина в кресле», 1927), обращается к наследию великих живописцев, интерпретируя их картины.

Следующее направление в авангардном изобразительном искусстве - «экспрессионизм» (от лат. выражение) - направление в искусстве первой четверти ХХ века, провозглашавшее единственной реальностью субъективный духовный мир человека, а его выражение главной целью искусства. Впервые термин был употреблен в 1911 году Г. Вальденом - издателем журнала «Штурм». Среди выдающихся художников-экспрессионистов можно назвать Э.Мунка, Ф. Марка, О. Кокошку. Художники-экспрессионисты в изображениях нарушали соотношение пропорций, т.е. использовали диспропорцию как композиционный прием. Экспрессионисты изображали мир без полутонов, преувеличивали резкость при помощи ломаных линий. В картинах цвет выражал определенное психическое состояние.

Одной из тенденций авангарда была устремленность в будущее. В начале 1910-х годов в Италии возникло направление в изобразительном искусстве, получившее название «футуризм» (от future - будущее). Футуристы находили источник вдохновения в технике, видели в ней движущую силу. Среди художников-футуристов можно выделить У. Боччони, К. Карра, Л. Руссоло, Дж. Северини.

Наиболее радикальным направлением авангарда в изобразительном искусстве первой половины ХХ века является «дадаизм». Для дадаизма характерно отрицание, разрушение всех социальных и культурных ценностей. Это направление возникло во время Первой мировой войны в Цюрихе среди эмигрантов разных национальностей. Основателем дадаизма считается Тристан Тцара. Возникновение этого направление также связывают с деятельностью «Кабаре Вольтер» в Цюрихе. В нем проходили собрания антивоенной колонии европейских деятелей искусства, большинство из которых были вынуждены эмигрировать в Швейцарию во время Первой мировой войны. Стиль художников-дадаистов сочетает динамический абстракционизм футуристов, высвобожденный цвет экспрессионистов, также сочетание несочетаемого, использование причудливых и абсурдных машин, технику коллажа. Дадаизм просуществовал недолго - 7 лет (1916-1923). Большинство участников этого направления в изобразительном искусстве в дальнейшем примкнули к сюрреализму.

В 20-е гг. ХХ века в европейском и американском искусстве возникло такое художественное направление как сюрреализм. Французский писатель и поэт, основоположник сюрреализма Андре Бретон писал: «Сюрреализм представляет собой чистый психологический автоматизм с помощью которого - словами, рисунками или другим способом - делается попытка выразить действительное выражение мысли». Это художественное течение просуществовало с 1924 по 1969 год.

Изначально сюрреализм возник в литературе. Первым сочинением этого направления считается книга А. Бретона и Ф. Супо «Магнитные поля», а в 1924 году был опубликован «Первый манифест сюрреалистов». В 1925 году состоялась первая выставка художников-сюрреалистов (П. Клее, М. Эрнста, Х. Миро и П. Пикассо). Художников этого направления привлекали различные виды патологии, внутренний мир душевнобольных, крайние психические состояния (галлюцинации, нервные срывы), сны и т.п. Особое влияние на художников этого направления оказывало «Учение о бессознательном» З. Фрейда.

Среди приемов художественного творчества сюрреалистов выделяют:

· Соединение несоединяемого - сочетание предметов, между которыми не существует логической связи; метаморфозы-превращения предметов;

· Прием автоматического письма - натирание бумаги, лежащей на полу графитом (при этом на листе образовывался оттиск паркета, имеющий интересные сочетания линий, от слова «фроттаж» - натирание), копчение (при этом на бумаге оставались следы от копоти свечи);

· Параноико-критический метод - соединение бреда с критическим элементом, направленным на его конкретизацию. Этот метод был предложен Сальвадором Дали в 30-е годы. Этот художник применял столкновение несовместимых реальностей, соединение несочетаемого, просвечивание одних предметов через другие. Во второй половине 40-х годов Дали увлекается атомной физикой. В последние годы жизни художник интересовался стереоскопической фотографией.

Большое разнообразие направлений предоставляет нам вторая половина ХХ века. В изобразительном искусстве этого времени возникают: абстракционизм, поп-арт, минимализм, концептуализм, перформанс, боди-арт, лэнд-арт. В 50-е годы в американском авангардном изобразительном искусстве возникло художественное направление - абстрактный экспрессионизм (абстракционизм). Абстракционизм (от лат. - отвлеченный) - направление в искусстве ХХ века, в котором произведение основано на таких элементов, как линия, цветовое пятно, отвлеченная конфигурация. Так, художник Джексон Поллак создавал свои картины, расстилая на полу огромные холсты и выливая на них краску из продырявленных ведер, затем размывая краску швабрами, руками.

Выделяют геометрическую абстракцию, которая основана на построении правильных очертаний, состоящих из геометрических фигур (К. Малевич) и лирическую абстракцию, в которой композиция состоит из свободных форм (В. Кандинский). В послевоенном абстракционизме существовало течение, в котором картины создавались быстрыми, не фиксируемыми сознанием движениями руки. Такое направление было названо «ташизм» (от фр. - пятно). Среди представителей ташизма - Ж. Матье, Х. Хартунг, П. Сулаж.

Авангардное искусство второй половины ХХ века отражает отчаяние, горечь от пережитых ужасов войны. Так художник Жан Фотрие эстетизировал разлагающиеся трупы, изображая их в своей серии «Заложники».

В начале 60-х годов возникает такое направление в постмодернистском искусстве как поп-арт. Художники этого направления черпали образы для создания картин из коммерческих средств массовой информации. Для поп-арта характерна массовизация творческого процесса, работа в бригадах. Основателями поп-арта считаются: Роберт Раушенберг и Джаспер Джонс. Раушенберг создавал картины в манере абстракционизма, но дополнял их вставками (наклейками, буквами и цифрами, фотографиям и др.). В искусстве поп-арта исключался личный замысел художника, картины сводились к простой комбинации готовых элементов. Джонс стремился к опредмечиванию живописи. В своих картинах он изображал точные копии предметов, уравнивая изображение объектов с самими объектами (серия картин «Американские флаги», «Пивные банки»). Художники поп-арта изготавливали рисунки для иллюстрированных журналов, расписывали рекламные щиты, картинки комиксов, карикатуры.

В 1960-м году в Париже возник «новый реализм». Основоположник этого направления - Ив Кляйн, который был художником-самоучкой. Он устраивал выставки пустых стен в галереях, куда приглашал светскую публику, на глазах у зрителей Кляйн отпечатывал силуэты натурщиц на холстах, покрытых синей краской.

В конце 50-х годов распространение получает явление «хэппенинг» (от англ. - происходить). Хэппенинги представляли собой представление, разыгрываемое в городской среде, в которое могут вовлекаться случайные люди. Это действие происходило без сюжета и плана.

На смену «хэппенингу» пришли «перформансы» (искусство действия). В перформансах зрители более пассивны, а представление заключается в разрушении готовых произведений на глазах у публики.

Наряду с вышеизложенными во второй половине ХХ века существовали такие направления как «концептуализм», «лэнд-арт», «оп-арт», «видео-арт», «боди-арт» и другие.

В 60-е годы в авангардном искусстве возникло направление «концептуализм». Противостоя массовому коммерческому искусству, концептуализм был нацелен на поиски смысла. Для создания произведений использовались системы знаков: таблицы, знаки и символы, обрывки текста, формулы, чертежи и т.п. Зачастую к выполненным картинам прилагалась инструкция, поясняющая замысел. Художники выставляли в галереях объекты, которые менялись на глазах у зрителей, при этом автор был комментатором. Среди художников этого направления можно выделить Д. Берджи, Ж. Диббетса, Йоко Оно.

Лэнд-арт был нацелен на создание произведений искусства на основе природного ландшафта. Художники создавали инсталляции (установки, пространственные композиции) из природных материалов на поверхности земли или воды. Для оп-арта (оптическое искусство) характерно создание оптических ребусов, иллюзий. Художники направления «Боди-арт» создавали картины на телах людей. При этом тело являлось объектом творчества.

Авангард в русском изобразительном искусстве

Течения русского авангарда в изобразительном искусстве стоит рассмотреть отдельно. Русские художники ХХ века избрали основополагающим для своих полотен принцип открытости, ратовали за выход искусства в космос, бытие, жизнь. Как и западные художники-авангардисты, русские склонялись к синтезу различных видов искусств.

Прежде всего, русский авангард связан с художественным объединением «Бубновый валет», образовавшимся после прошедшей в 1910 году выставки с одноименным названием. При этом название объединения трактовалось как «мошенник», «преступник». Художественный стиль этого направления сочетал в себе черты фовизма, кубизма и традиционного народного искусства. Обращение бубнововалетцев к традиционному народному искусству заключается в использовании ими элементов городского фольклора: лубок, росписи подносов, вывески.

Основные жанры, в которых писали бубнововалетцы - это натюрморты, портреты и пейзажи. Объединение организовывало художественные выставки, на которых, кроме собственных, демонстрировались работы В. Кандинского, Ж. Брака, А. Маттиса, П. Пикассо, объединения «Мост» и др. Одним из организаторов «Бубнового валета» был Михаил Ларионов. Он обучался в Московском училище живописи, ваяния и зодчества у таких мастеров, как В. Серов и И. Левитан. Ларионов был человеком очень неспокойного нрава, из-за неприятия методов обучения в академии он трижды был исключен из неё. В училище состоялось знакомство Ларионова с его будущей женой - Натальей Гончаровой. В 1910 году Михаил Ларионов становится одним из основателей сообщества «Бубновый валет», но вскоре из-за несогласия с ведущими художниками он выходит из объединения. В 1912 году он вместе с супругой и К. Малевичем организует выставку с провокационным названием «Ослиный хвост». Объединение «Бубновый валет» просуществовало недолго.

Другая часть мастеров-бубнововалетцев (П.П. Кончаловский, А.В. Лентулов, Р.Р. Фальк, И.И. Машков) вступила в объединение «Мир искусства».

Как в русском, так и в европейском изобразительном искусстве существовала тенденция к обновлению языка искусства посредством возвращения к его истокам. Это повлекло за собой возникновение такого направления как «примитивизм». С.М. Петкова трактует примитивизм как направление в изобразительном искусстве конца XIX - начала XX века, для которого характерно сознательное упрощение художественных образов и выразительных средств, ориентация на формы первобытного и традиционного искусства. В своем творчестве художники-примитивисты, среди которых Павел Кузнецов и Мартирос Сарьян, обращались к восточным мифам.

Следующее направление - супрематизм - связано с творчеством Казимира Малевича. В своих полотнах Малевич изображает беспредметные композиции с минимальным использованием красок и форм. К. Малевич конструировал свои картины при помощи линейки и циркуля. «Икона» (как её называл сам автор) творчества Малевича - это «Черный квадрат». В этом полотне художник представил мир как бестелесную и внеличную энергию Петкова, С.М. Справочник по мировой культуре и искусству/ С.М. Петкова. - Ростов-на-Дону: Феникс, 2006. - С. 454-455.. В наше время работы Малевича хранятся во многих музеях современного искусства.

В 1910-х годах в изобразительном искусстве, архитектуре и дизайне возникает направление «конструктивизм». Родоначальником конструктивизма считается Владимир Татлин. Его увлечение авангардными веяниями связано со сближением с членами объединения «Бубновый валет» - Ларионовым и Гончаровой. Символом конструктивистского авангардного искусства становится созданный по проекту Татлина памятник III Коммунистическому Интернационалу.

Выдающийся художник русского авангарда Василий Васильевич Кандинский (1866 - 1944) является основоположников беспредметного (абстрактного) искусства. Основной жанр, в котором писал Кандинский - это «импровизации». В своих «импровизациях» художник распределял геометрические объекты (элементы города) по всему холсту, при этом главный выразительный смысл отдавался колориту и цветовому сочетанию отдельных объектов.

В литературе начальный этап становления авангарда связан с направлением футуризм (В.В. Маяковский, В. Хлебников), для которых характерен отказ от синтаксиса и аграмматизм (т.е. нарушение грамматики). В 1910-е годы формируются такие течения, как австро-немецкий экспрессионизм (Ф. Кафка, Л. Франк), отражающий крайние состояния человеческой психики (галлюцинации, фобии и т.п.); немецкий и французский дадаизм.

В первые десятилетия ХХ века литературный авангард выполнял задачу обновления художественного языка. На фоне этого формировались новые радикальные литературные течения, например, конструктивизм в России и имажизм и вортицизм в Англии. В 20-е годы возникают такие течения, как «театр абсурда», «конкретная поэзия» на Западе (Р. Дёль «Яблоко с червяком»)

1.3 Авангард в музыкальном искусстве

Авангардистские веяния нашли отражение и в музыкальном искусстве. Музыка ХХ века была ориентирована на коренное обновление музыкального языка, отрицание традиций эпохи романтизма. Немецкий композитор, дирижер, пианист и педагог Макс Регер, размышляя о статье Гуго Римана «Упадок и возрождение музыки» (1908), приводит цитату, в которой, по мнению Римана, содержится основное требование к музыканту ХХ века:

«Если хочешь быть замечен элитой музыкального мира, то избегай простоты и старайся привлечь к себе внимание преувеличениями разного рода, трудностями для прочтения, техническими трудностями исполнения, увеличением оркестрового аппарата, нагромождением одновременно звучащих, перекрещивающихся и запутанных мелодических линий, сплавленных воедино гармоний, с добавлением, где только возможно, сверхмодной и экстравагантной продукции поэтического искусства или живописи».

Регер соглашается с высказыванием Римана и, кроме того, добавляет, что это требование относится не только к композитору ХХ века, но и характерно для творца любого времени (в пример Регер приводит творчество И.С. Баха, Бетховена, Брамса).

Исследователи данного периода в истории музыки, в том числе, Ю.Н. Холопов, выделяют две волны в становлении музыкального авангарда. Первая волна охватывает период 1910-е-1920-е годы («новая музыка»), вторая волна - период после Второй мировой войны («новейшая музыка»).

Музыкальный авангард на стадии своего становления (I волна), в отличие от авангарда в литературе и в живописи, представляет собой менее целостное и оформленное явление. Творившие одновременно композиторы-авангардисты в большинстве своём не образовали какого-либо единого стилевого направления. Каждый композитор был отмечен индивидуальностью и представлял собой самостоятельную фигуру.

Такая тенденция к индивидуализации стиля композиторов создала музыковедам трудность при классификации и отнесении композиторов к какому-либо течению. Прежде всего, авангард 1910-1920-х годов связан с экспериментами в области музыкального языка, тональности, с поиском новых приёмов музыкальной выразительности.

Одна из центральных новаций первой волны авангарда - «атональность», связанная с отказом от тональности. Неподготовленный слушатель может воспринять «атональную» музыку как какофонию, набор звуков. Существует мнение, что атональность появилась как результат вагнеровского хроматизма. По мнению Дариуса Мийо, атональность предоставляет широкие возможности для творческого воображения и фантазии композитора, обогащает его средства письма, дают ему более сложную гамму выразительности.

Идея отказа от тональности получила свое развитие в творчестве композиторов «Новой венской школы» во главе с Арнольдом Шёнбергом. Им был предложен метод сочинения музыки, базирующийся на двенадцатиступенном звукоряде, в котором каждая ступень самостоятельна, при этом звуки полутоновой гаммы расположены в определенном автором распорядке, образующем композиционную единицу - «серию». Такая двенадцатитоновая серийная музыка получила название «додекафония».

Несмотря на то, что Шёнберг исходил из принципа атональности, он критически относился к данному термину, отвергал его в своём «Учении о гармонии», предпочитая заменять «атональность» термином «пантонализм» (всетонализм).

Тематическая конструкция - серия - могла занимать как горизонтальное положение, так и вертикальное - звуковой комплекс или аккорд. Шёнберг указывал на то, что при отказе от тональности гармония имеет побочную роль, при этом после любого аккорда может следовать любой аккорд. Не отрицал Шёнберг и использования «тональных» гармоний.

В дальнейшем идею додекафонной техники развивали ученики Шёнберга - Антон Веберн и Альбан Берг. А. Веберн видел предпосылки для отказа от тональности в творчестве И.С. Баха, а именно в «Искусстве фуги», где композитор часто обращается к подмене тональности, что является важным в додекафонной композиции. В период раннего авангарда происходило переосмысление звука, различные эксперименты над ним, рассматривались свойства звука. В результате возникла тенденция деления звука на микротоны. «Мы разделили октаву на двенадцать равностоящих друг от друга ступеней…и устроили наши инструменты так, что никогда не можем очутиться ни выше, ни ниже, ни между этих ступеней… А природа создала бесконечность градаций - бесконечность!», - писал итальянский композитор Ферручо Бузони в своей брошюре «Эскиз новой эстетики музыкального искусства».

Композиторами первой волны авангарда был внесён вклад в возобновление забытой со времен языческой античности микрохроматики. Идея ультрахроматизма нашла отражение в творчестве русского композитора Ивана Александровича Вышнеградского. Им были написаны произведения для четвертитонового фортепиано, для исполнения которых композитор прибегал к приему настройки двух фортепиано с интервалом в четверть тона. Воодушевленный идеей создания инструмента, способного воспроизводить ультрахроматические гаммы, он отправился в Париж, где ему удалось реализовать задуманное. Также идея микрохроматизма была близка чешскому композитору Алоису Хаба. В 1917 году он сочинил Сюиту для смычковых инструментов, где использовал четвертитоны, а его опера «Мать» полностью написана в микрохроматике.

В отличие от зарубежных современников, советским композиторам-авангардистам первой половины ХХ века не удалось получить признание на родине. К концу 20-х годов государственная политика вводит жесткий контроль в области искусства. В связи с политикой пролеткульта, деятельность композиторов-новаторов (А. Лурье, А. Мосолова, А. Авраамова, В. Дешевова, Н. Рославца и др.) подверглась строгой критике, а сами композиторы идеологическому давлению и гонениям, вследствие чего некоторые из них вынуждены были эмигрировать за рубеж, где могли продолжить свою новаторскую деятельность, оставшиеся продолжали сочинять в соответствии с советской идеологией. Вторая волна авангарда (послевоенный авангард или «новейшая музыка») в лице П. Булеза, П. Анри, О. Мессиана (Франция), К. Штокхаузена (Германия), Л. Ноно (Италия), Я. Ксенакиса (Греция), Д. Крампа, Д. Кейджа, Э. Кшенека (Америка), В. Лютославского, К. Пендерецкого (Польша); А.Волконского, Э. Денисова, А. Шнитке, С. Губайдулиной (СССР) провозгласила отказ не только от тональности, но и от традиционного музыкального материала, противопоставив ему «новый звук».

Одним из проявлений музыки «нового звука» была сонорика или «музыка тембров». Ю.Н. Холопов определяет сонорику как музыку звучностей, когда единицей материала является не отдельный звук-тон, а группа звуков.

Одним из классических примеров сонорной музыки является «Трен» («Плач по жертвам Хиросимы») для струнных К. Пендерецкого. В.Н. Холопова пишет, что сонорным материалом в данном произведении выступает «свистящее звучание всех струнных в самом высоком регистре, с приданием им более крупной и более мелкой вибрации» Холопова, В.Н. формы музыкальных произведений/ В.Н. Холопова. - Москва, С.460.. Кроме этого, композитор использует резкую смену способов исполнения на инструменте (пиццикато, арпеджированная игра по всем струнам за подставкой, похлопывание по корпусу, нарастающее и убывающее движение кластерами, внезапная смена динамики, флажолеты и т.п.).